Boceto para la siesta de un fauno de Mariela Ruggeri

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Boceto para la siesta de un fauno de Mariela Ruggeri

Un conjuro para invocar en cuerpo y alma al gran Nijinski

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Vaslav Nijinski

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Principios del siglo XX, las vanguardias rompen con toda una manera de sentir el arte que consideran adocenado por la burguesía y sus instituciones. La danza no escapa a esa crítica que deconstruye la rigidez de lo clásico y establecido y tiene cultores que aman la libertad de movimientos. Es un recorrido que han hecho la poesía, la música, la pintura, como una revolución copernicana, y que Vaslav Nijinski atravesará con la furia de su convicción. Sensualidad, fauvismo, expresionismo, futurismo, son las nominaciones de las propuestas que llevaran a los artistas a poner en primer plano una subjetividad convertida en forma creativa. Los Ballet Russes, 1909-1929, renovaron la danza académica y la modernidad enunciada por su creador, Diaghilev, fue solidificando un espeso entramado a partir de la mixtura de temas y procedimientos. En este marco, Nijinsky fue el gran coreógrafo y bailarín que despertó fuertes polémicas por las modificaciones formales que realizaba en sus obras, en especial: L’après-midi d’un faune (La siesta de un fauno) y Le Sacre du Printemps (La consagración de la primavera).

No me gusta dios cuando es malo, yo soy dios, Nijinsky es dios, los doctores no entienden mi enfermedad, mi cuerpo no está enfermo, mi alma lo está, sufro, sufro, soy sólo un hombre, no soy dios, yo sé que los socialistas me entenderían mejor, pero yo no soy socialista, yo soy parte de dios, soy del partido de dios, no quiero guerras ni fronteras, el libro existe y tiene un hogar en todos lados, yo vivo en todos lados, no quiero tener ninguna propiedad, no quiero ser rico, no soy un animal sediento de sangre, soy un hombre, dios está en mí, yo estoy en dios, lo deseo, lo busco, quiero que estos manuscritos sean publicados para que así todos puedan leerlos, soy un buscador, por eso siento a dios, dios me busca y así nosotros nos encontraremos.1

Boceto para la siesta de un fauno de forma precisa crea el clima íntimo, casi onírico y alejado de la realidad en el cual, suponemos, estaba inmerso el coreógrafo. Como una larga noche de vigilia donde los fantasmas de Nijinsky se materializan a través del cariñoso y no menos doloroso diálogo con su hermana, Bronislava Nijinska2. Mientras la Narradora intenta dilucidar el intenso proceso creativo. Es interesante como el joven bailarín, Lucas Díaz, se desdobla sin transición entre en el intérprete del fauno que como poseído por un genio de los bajorrelieve griegos -con desplazamientos simples pero el cuerpo distorsionado, la cabeza y caderas de perfil, el torso de frente, los brazos en posición angular,… Y en otros momentos, es el hombre atribulado por el rechazo de sus pares, del público y de la crítica, sumado a los incipientes síntomas de su temprana esquizofrenia. En un espacio despojado cada personajes tiene su lugar, su propio sitio, que la iluminación de modo acertado recorta como temiendo romper el encanto de un presente suspendido que se actualiza ante nuestra atenta mirada. Dos tiempos, el ayer y el hoy, que confluyen en un todo orgánico. La textualidad de Mariela Ruggeri, directora y coreógrafa, construye una obra breve e inteligente necesaria y mantiene el núcleo duro de la historia: el cuerpo y alma del gran maestro Nijinsky. En relación con la música nos comentó: “la obra original, La siesta de un Fauno [1912], tiene la música del Preludio a la siesta de un fauno de Debussy. En el caso de Boceto…., al ser una obra sobre la construcción del original tiene el mismo preludio pero, además, en ciertos momentos tiene música de John Cage”.Preludio para la Siesta de un Fauno 2017 (Máximo) 127b

Una interesante narrativa coreográfica y dos jóvenes bailares que con solvencia escénica nos envuelven en un continunn creativo. Se podrá disfrutar hasta el último miércoles de septiembre, con lo cual esperemos su pronta reposición en la cartelera porteña.

Ficha técnica: Boceto para la siesta de un fauno de Mariela Ruggeri. Intérpretes: Alba Virgilio (Bronislava / Narradora), Lucas Díaz (Vaslav Nijinski). Música: Claude Debussy / John Cage. Luces: Horacio Novelle. Fotografía: Máximo Parpagnoli. Vestuario: Marcelo Morato. Prensa y Difusión: Paula Simkim & Daniel Franco. Comunicación visual – CCC: Claudio Medín. Asistencia de Dirección: Daniela Mena Salgado. Dirección y Coreografía: Mariela Ruggeri. C. C. de la Cooperación: sala Solidaridad. Estreno: 06/09/2017. Duración: 60′. Miércoles de Septiembre: 21 hs.

1 Fragmento The diary of Vaslav Nijinsky. Ed. Romola Nijinsky. New York: Simon and Schuster, 1936

2 Bailarina y coreógrafa, su obra más conocida es Les Noces (Las Bodas) estrenada en 1923, y marcó un cambio por su particular concepción en la que se preanunciaba el futurismo.

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Por ese palpitar! – Gitano X Gitano

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Por ese palpitar! – Gitano X Gitano

MMM_0762-El flamenco le rinde tributo a Sandro-

Susana Llahí chumbitoplus@yahoo.com.ar

Baldomero Cádiz, cantante, guitarrista, bailarín y director posee una excelente trayectoria que se inicia en 1976 cuando con su hermano Basilio forman la compañía “Los Tarantos”. De origen canario, Baldomero Cádiz ha desarrollado su formación en el arte flamenco en el seno de una de las familias gitanas de mayor arraigo en nuestro país. Con Los Tarantos o ya alejado del grupo cuando decidió profundizar en la danza flamenca, ha realizado giras exitosísimas por escenarios nacionales e internacionales. En este espectáculo el cantaor quiso llevar a escena el fuerte lazo que unió a Sandro con el pueblo gitano. Quiso emparentar la pasión, la garra y la seducción que desplegaba el cantante con aquella que es patrimonio de la raza gaditana y que se manifiesta en el canto y la danza flamenca.

Alejandro Veroutis, con una breve narración en off al estilo de relato enmarcado, da inicio a la puesta contando detalles que evidencian el compromiso estético que unió a Sandro con la gitanería. Para ello, también recuerda cuando nuestro gran cantante los incluyó en su película Gitano. De esta manera, en el escenario, como si fuera un gran tablao se van desgranando aquellas emblemáticas canciones de nuestro “Gitano de fuego”: Así, Porque yo te amo, Noche de amantes, Me amas y me dejas, Rosa, Rosa … y este momento, nos retrotrajo a aquellos recitales donde sus “nenas” clamaban de amor; el mismo entusiasmo arrancó Baldomero, no por sensuales movimientos de pelvis (como acostumbraba Sandro) sino, por su pasión pero fundamentalmente, por su voz, su elegancia y distinción. Se te nota tuvo un ritmo más rockero recordando grabaciones que Sandro realizó con Charly García. Una hermosa interpretación de A los de fuego por Gabriel Espósito y ya con ritmo de Bulerías Somos gitanos y Quiero llenarme de ti y La vida continúa con ritmo de Tiento- Tangos. La voz de Baldomero tuvo el quiebre y el sonido tuvo el palmoteo y la marcación instrumental, propio de estos ritmos flamencos. Pero acaso… ¿ese quiebre no estaba también en la voz de Sandro? ¿Cuánto de flamenco había en la voz y en la fuerza instrumental de sus interpretaciones? Luego, Baldomero cantó la hermosa rumba, Tengo y Dame fuego. De más está decir, que las palmas y las exclamaciones acompañaron la actuación del cantaor y él mismo invitó al público a corear aquellos estribillos de las canciones de Sandro que han quedado como leiv motiv cuando se menciona su música. Fuera de programa, ya como bis, cantó Penumbras.MMM_0906

Destacables los coros de Gabriel Espósito, Pamela Tello (quien también tuvo interpretación como solista) y de Mariana Vergara. Y por supuesto, una mención especial para los músicos: Hernán Malagoli (piano), Aníbal Colli (teclados), Juan Romero Cádiz (Percusión flamenca), Daniel Miríadas López (Bajo). Daniel Oliva, joven y talentoso bailarín le dio a la noche la completud del flamenco.

Un espectáculo de excelencia, donde brilló no sólo la voz sino también la calidad del bailarín, en el desplazamiento escénico y en el manejo de las manos y del cuerpo, recursos que pusieron en evidencia su sólida trayectoria y la auténtica identidad gitana de donde brota el sentido profundo de su raza.MMM_0845

Por ese palpitar-Gitano X Gitano. Teatro Astral– Avenida Corrientes 1639- Fechas: 13-20-27 de septiembre y 04-11 de octubre – 20:30 hs. Además de los artistas mencionados en el cuerpo de la crítica: Bailarines: Darío Oliva. Yamil Rabaj. Gastón Stazzone. Yanina Martínez. Mónica Romero. Vestuario: Pablo Bonet. Ambientación: Patricia Marchitto. Iluminación: Paco Urdiales. Música original: Gabriel Espósito. Dirección de producción: Ricardo y José Luis Gallo. Alejandro Veroutis. Idea. Libro. Diseño coreográfico y Dirección general: Jorge Mazzini.

Amores fóbicos 2. Al borde de un ataque de chat de Fernando Alegre y Rosario Mejía

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Amores fóbicos 2. Al borde de un ataque de chat de Fernando Alegre y Rosario Mejía

IMG-20170904-WA0020María de los Ángeles Sanz

Esta es la segunda puesta que Fernando Alegre lleva adelante con el chat como instrumento para hablar de las difíciles relaciones entre hombres y mujeres en el tiempo histórico que nos toca vivir. El conflicto de la soledad, se ve atrapado por el falso relato de la comunicación con el chat, que la enmascara y la diluye hasta que el enfrentamiento con los cuerpos es un real concreto. Estructurado en tres cuadros o sketches, las parejas que nos llevan a su pequeña historia individual plantean problemas diferentes, donde el miedo a la soledad tiene en la fobia al otro, el segundo término de la ecuación. En el primero, en la mañana de una noche de fiesta y sexo, de un encuentro buscado en las redes, termina cuando ella descubre las verdaderas intenciones de él, y entonces la promesa se convierte en violencia, cuando cada uno devela su verdadero deseo. En el segundo cuadro, la relación se hace efectiva porque él intenta hacer que ella pierda la fobia que la tiene encerrada en un mundo pequeño y oscuro el de su trabajo, pero los peores pronósticos se cumplen una vez más. El tercero tiene una figura que se interpone más allá del miedo al encuentro cuerpo a cuerpo, la figura materna y un fracaso previo en ella que produce un malestar que impide otra vez que se cumpla la voluntad del deseo. IMG-20170912-WA0002Todo con mucho humor y muy buenas actuaciones, que provocan la risa de los espectadores, que disfrutan la hora y poco que dura la obra. Una escenografía funcional, y un tanto bizarra, sobre todo en el segundo trabajo, y un vestuario también funcional al desarrollo de la intriga de cada secuencia narrada, son el continente que en el espacio escénico propician las acciones de los personajes. Una temática eterna, las relaciones de pareja, o la forma de asomarse a la posibilidad de una, con un desarrollo actual que involucra a las complicaciones habituales de los malentendidos entre dos, la que suma el uso de la tecnología para aquellos que temen los contactos face to face y prefieren entonces enmascarar su deseo, su necesidad o su proyecto amoroso detrás de una pantalla de computadora. Las citas a ciegas que no lo son tanto, porque de alguna manera se cree conocer al otro, tienen en las propuestas teatrales de Alegre y Mejía, su cuota de grotesco en la descripción de nuestras propias manías locales, junto con la universalidad del uso de una herramienta como el internet para ubicar a un otro que nos llene la vida de sentido. Ese que aparentemente se nos es tan difícil encontrar en el día a día, por temor, incomprensión o una fatalidad que nos persigue.foto grupal AmFo 2017

Ficha técnica: Amores fóbicos 2 de Fernando Alegre y Rosario Mejía. Elenco: Luciano Farías, Vanina Balena, Romina Lucía Escobar, Mauricio Camuglia, Pablo Scorcelli, Maru Belli. Asistente de dirección: Daiana Kahansky. Realización escenográfica: Joaquín Nudel, Manuel Cardozo. Realización de vestuario: Pedro Muñoz. Diseño de iluminación, escenografía y vestuario: Fernando Alegre. Fotografía: Juanse Arteaga. Diseño gráfico: Kari Hernández. Música: Carlos Ledrac. Coplas Fóbicas letras: Fernando Alegre. Canta: Marcela Guerra. Intervención musical: Fernando Piedrabuena. Prensa; Fóbicos comunicados. Producción: Pablo Scorcelli, Fernando Alegre. Dirección: Fernando Alegre. Teatro Nün.

Las noches de Rita de Dolores Pérez Demaría

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Las noches de Rita de Dolores Pérez Demaría

Mas como es rico tu dueño, WhatsApp Image 2017-07-26 at 11.33.32 PM
te vendo esta profecía: 
Tú, cada noche, entre sueños 
soñarás que me querías, 
y recordarás la tarde 
que mi boca te besó. 
Y te llamarás ¡Cobarde! 
como te lo llamo yo, 
y verás, sueña que sueña, 
que me morí siendo chico. 
Y se llevó la cigüeña 
mi corazón en su pico. 
Pensarás: no es sierto nada. 
Yo sé que lo estoy soñando. 
Pero allá en la madrugada 
te despertarás llorando, 
por el que no es tu marío, 
ni tu novio, ni tu amante,
sino el que más te ha querío: 
con eso tengo bastante. 
(Rafael de León)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Los versos de Rafael de León son el punto de partida de un trabajo que envuelve con la magia de la cultura andaluza, sus pasiones, sus tristezas, su música que atraviesa en emociones nuestro entendimiento. Las noches de Rita son especiales, angeladas de música, amor y misterio. Un sueño que se desliza por las baldosas de su patio, por las galerías de su casa, por la sala donde finalmente el recuerdo y la nostalgia se harán presentes. Una historia iluminada por la música flamenca en su encanto de noches matizadas de luna y jazmines. Rita sueña, mientras su marido duerme, ella sueña con el baile, el cantejondo, y el amor que vuelve en esa nube onírica que la traslada, y nos traslada como espectadores hacia una noche de placer, añorada, alejada de la rutina, del común de todos los días. Rita nos invita a ese sueño, y nos brinda café para que la larga noche no ceda en tensión dramática, para que el sueño sea vivo. Cecilia Greco e Iván Carrillo Jiménez, forman la pareja que nos contará su amor desde las palabras, y desde los cuerpos que se mueven atravesados por la música. Ella es actriz y bailarina, él es profesor de danza en el Espacio donde la pieza se ofrece al público; ambos construyen una pareja de muy buena química que logra convencer de ese amor que vuelve para mantener viva la llama de una pasión que no se apaga, a pesar de un presente diferente.WhatsApp Image 2017-07-30 at 9.15.57 AM

Con un vestuario indicado para el personaje, volados y vuelos, pañoletas y abanicos, peinetas y flores en el pelo, y un típico traje de bailarín andaluz para él, la tierra de Lorca se nos hace presente en una noche, donde con zapatos de taco o descalza Rita se propone hacernos recorrer un viaje con la imaginación; alentando desde las acciones el proceso de la misma, apoyándola con las figuras y los giros de su cuerpo por el espacio. Las anécdotas se suceden, y el encanto de una noche especial llega a un final que desearíamos se extendiera en el tiempo de la puesta o que nos llevara de la mano hacia la salida del ensueño. Un surrealismo andaluz que juega con las luces y las sombras, con el misterio de lo no contado, con el secreto de una noche, que encierra el deseo y lo despliega para contagiarnos su pasión en un diálogo permanente con nosotros, los testigos necesarios.WhatsApp Image 2017-07-30 at 9.15.53 AM

Ficha técnica: Las noches de Rita libro y dirección: Lola Pérez. Actúan: Iván Carrillo Jiménez, Cecilia Greco. Música: Nicolás Vinazza. Diseño de escenografía y vestuario: Jess Méndez. Diseño de iluminación: Roberto Contreras. Solicitar entradas: messenger@lasnochesderita

Dulce Carolina de Leonardo Azamor

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Dulce Carolina de Leonardo Azamor

La delicada línea entre el bien y el mal o la calidad del deseo

000146560Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La seducción del dinero, o del deseo más profundo, de lograr ser aquello que nos hemos propuesto y el precio que debemos pagar por ello, es la temática que encierra el relato de Dulce Carolina, de Leonardo Azamor que en una primera mirada nos cuenta una historia sobre una pareja de clase media, jóvenes, con toda la problemática que los tiempos que corren encierra. Dos espacios, dos departamentos, uno arriba y otro abajo donde se desarrollan las acciones. Una noche especial, Nochebuena, para tres personajes que atraviesan el descreimiento, y que guardan en sus corazones recuerdos de su vida que sólo el alcohol o las drogas los llevan a relatar. Toda dulzura encierra la maldad más absurda, y el demonio no necesariamente tiene cuernos y un tridente. La propuesta que hace recordar a A puerta cerrada de Jean Paul Sartre, propone en ese lugar, la sala del departamento de Carolina y Esteban, una intrusión, la de Lucio, que parece desestabilizar la no armonía reinante, para luego acomodar cada una de las piezas de sus vidas de acuerdo a lo que está cargado de deseo. Con la estructura de un thriller, la intriga va desarrollando un clima in crescendo, donde las situaciones desnudan las almas de todos y nos proponen un inquietante relato hacia el espectador. Lejos del estereotipo religioso o a partir de él, el dramaturgo indaga en la sombra que cada uno llevamos en nuestro interior, y propone una posibilidad de elección cuando esa sombra se desprende de nuestro rostro como una máscara y deja al descubierto quienes somos, y que somos capaces de hacer. Los diálogos son por momentos reflexiones filosóficas aunque no guardan la espesura de un teatro metafísico porque sólo están en funcionalidad de construir los personajes desde el pensamiento y la palabra. Las muy buenas actuaciones componen un trío que crece en intensidad, desde el trabajo corporal, la gestualidad, y la proyección de la voz, dando identidad a un momento de tensión donde las decisiones que estructuran al personaje femenino, son fundantes del futuro de sus vidas.000163967

Eva siempre morderá la manzana que cambiará el destino de todos, y en su vientre llevará el estigma de Caín. La vida un pacto entre el bien y el mal, y el dinero como la carnada que la sociedad nos pone por delante para obnubilar nuestra conciencia deslumbrada ante su brillo. Un teatro que a partir de la comedia, con un humor cínico, nos propone una obra, donde la existencia misma es puesta en cuestión, cuando ésta pareciera perder todo sentido y la búsqueda de cumplir con los sueños es más fuerte que la ética o la moral aprendida como imaginario social deseable. La tentación de tener aquello que profundamente se desea es la posibilidad de elegir entre lo correcto y lo no correcto, y encontrar el infierno y el castigo en nuestras propias decisiones.000163737

Ficha técnica: Dulce Carolina de Leo Azamor. Elenco: Natalia Santiago (Carolina), Martín Henderson (Esteban), Leo Azamor (Lucio). Diseño de luces: Ricardo Sica. Diseño de escenografía: Carlos Cifani. Realización: Martín Córdoba. Vestuario: Lidia Navarro. Diseño gráfico: Estudio 20cero9. Asistencia de dirección: Juan Manuel Aguilera. Dirección: Luciano Villa y Leo Azamor. Teatro Nün. Sábado 21 hs.

El juicio de Rica de Patricia Suárez

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El juicio de Rica de Patricia Suárez

Un juicio salomónico a la criolla

000163776Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Rica es una niña pobre, de padres inmigrantes judíos que no pudieron tenerla con ellos cuando nació. Rica es la historia de muchos hijos de inmigrantes, o de muchas familias pobres. Rica es una metáfora de que significa la maternidad. Patricia Suárez nos lleva otra vez a un pasado que nos constituye como sociedad, y desde una problemática que parece individual, nos hace reflexionar sobre los valores, y sobre las urgencias de todos. El marco, los primeros años del siglo XX, con ley de Residencia incluida, la 4144, la que pergeñara, Miguel Cané. Un matrimonio viene de Mendoza, y la mujer trae la esperanza de recuperar a su hija, pero como en el juicio salomónico, hay que ver quien tiene más derecho a llevar ese nombre. Tanto la tía de la niña como la madre sufren, una por la posibilidad de perderla y perder la ilusión de cinco años, la otra por el temor de no recuperarla jamás. En el medio el hombre que media entre un dolor y otro, resuelve cortar por el hilo más delgado. El humor, patético, ingenuo, no deja de estar presente en la pieza de un realismo costumbrista que se interna en un territorio no demasiado explorado, el de la colectividad judía: sus problemas, sus prejuicios, su religiosidad, parodiada en el personaje de la mujer del rabino.000163778

Las actuaciones son muy buenas, y cada uno con el pequeño territorio que le toca explorar, construye una personalidad verosímil y empática. Los personajes construidos ya desde el vestuario, es decir, desde el clisé del imaginario de época, se mueven en un espacio despojado, desangelado, donde un viejo baúl, una mesa, una mecedora, un colchón que vomita su contenido, su lana para se ser escardada, forman el frío mobiliario continente de esas vidas, que siempre están preparándose para la pérdida. La música, el tango, en el imaginario del personaje, es la tabla de salvación para sí mismo: dinero y deseo cumplido de una fama que no termina de llegar. Su individualismo feroz, no reconoce el amor de su mujer ni el que debería sentir por su hermana, la tía / madre sustituta de Rica. Del viejo baúl sacará la tía la muñeca que es también el despojo, que como a su sobrina tuvo que esconder para que no la dañaran, para que no se la sacaran. Las actuaciones son elaboradas desde el afuera hacia una interiorización que presenta los desequilibrios de una situación donde víctimas y victimarios se reemplazan en las acciones, dejando en el centro de la disputa el pequeño cuerpo de Rica como trofeo de una guerra familiar que trasciende el hecho en sí. La historia parte de un relato de la vida real que la dramaturga recrea. De esta manera construye un fresco de época, con una materia literaria que proviene de la crónica, y que le permite recrear los diálogos en la intimidad de un hogar de inmigrantes, como tantos, con las mismas u otras complejidades en las relaciones parentales, donde el amor y el espanto se cruzan para aunar en el recuerdo el tejido emblemático de una historia de vida.000163782

Ficha técnica: El juicio de Rica de Patricia Suárez. Con: Marcela de Souza, Pato Viegas, Carolina Pofcher, Cynthia Mykietyn. Escenografía y Vestuario: Ana Díaz Taibo. Asistente de Dirección: Aníbal Tamburri. Musicalización y Sonido: Tomás Frontroth. Voz Niña: Alegría Barchilon. Prensa y Difusión: Karim González. Puesta en Escena y Dirección General: Claudio Aprile. Teatro del Abasto. Estreno: 06/08/2017. Duración: 70′. Domingo 20:30 hs.

El Regreso, Historia de una traición

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El Regreso, Historia de una traición

1977 – 2017

de Brian Friel

El descanso del guerrero

000164732 Ek regresoMaría de los Ángeles Sanz

La Irlanda católica es el escenario de la pieza de Friel que se plantea desde la metateatralidad y rompiendo la cuarta pared, el desarrollo de una historia que parte de un caso individual para dar cuenta de una sociedad que vive fracturada, y enmascara tras la religión y las buenas costumbres su soledad y alienación. Una familia cuya cabeza es un militar que viene victorioso de una misión de cinco meses, a reencontrarse con sus hijas y su joven esposa, Anne, pero lo que lo espera más allá de los festejos, es una verdad que rueda por las calles del pueblo, pero que no atraviesa las paredes de la casa. Un personaje presentador, en una función que bien podría asimilarse a un director de escena, el propio Alezzo, en el cuerpo del actor Carlos Kaspar, va indicando las presencias, los tiempos y las acciones, en ese representación de un pasado, que necesita ser revisado para expurgar los demonios. Los personajes se suceden y van delineando la vida familiar en escena, en un espacio ocupado por un edificio hacia el fondo de donde provienen cada uno de ellos, una sala donde vemos el típico sillón, la lámpara, una mesa de comedor, ningún elemento que desentone con la idea que una casa de clase media puede brindarnos. La iluminación va marcando el protagonismo de los personajes, o va manteniendo en penumbras hasta que sea evidente su necesidad en diálogo con el otro. El vestuario recrea la época, junto con la música de The Oxers + The Border Reivers, fines de los setenta, cuando fue concebida la pieza, y mantiene así la ilusión requerida para la construcción realista de los personajes. Las actuaciones no todas en la misma línea poética, tienen momentos de buen diálogo entre sí, y con la empatía del espectador, que sigue los acontecimientos en complicidad con los personajes, que saben el destino de cada uno, y asumen la reiteración de las acciones como una posibilidad de redención. Volver, volver sobre los pasos realizados, bucear en el fondo de las acciones nuestra culpabilidad o nuestra inocencia, pensar que un cambio en la voz, o una entrada a destiempo puede ser el detonante de una verdad que, sin embargo, no puede retornar diferente, es la propuesta del texto y el punto de vista que elige la dirección de Alezzo para la pieza de Briel, en la necesidad de que un problema localizado en una geografía distante nos hable hoy de nosotros mismos. La determinación del padre de familia, tiene que ver con el absurdo de la vida, un sentido que se pierden el momento que todo se ha depositado en una persona y ésta decide dejarnos. A pesar que el personaje aparece seguro de sí mismo y preocupado por su carrera, en el fondo, todo tiene un solo destino, su joven mujer, y el renacer de una juventud que siente que ella le ofrece, como una epifanía en su vida. Personajes en escena, que actúan de sí mismos su vida, y nos ofrecen sus debilidades y sus rencores, como un espejo cóncavo.

Ficha técnica: El regreso de Brian Friel. Elenco: Carlos Kaspar, Bernardo Forteza, Stefanìa Koessi, Claudio Amato, Sol Fassi, Lorena Salzar, Magela Zanotta, Alejandro Fain, Federico Tombetti. Asistencia de dirección: Edgardo Millán. Diseño de escenografía: Marta Albertinazzi. Adaptación escenográfica: Jorge Ferrari. Diseño de iluminación: Félix Chango Monti. Diseño de vestuario: Amalia Morales. Músicos: The Oxers + The Border Reivers. Asistente de escenografía: Luciana Uzal. Asistente de iluminación: Magdalena Berretta Miguez. Arte y diseño gràfico: Pablo Bologna. Traducción de texto: Marina Durañona. Adaptación de texto: Agustín Alezzo. Realización escenográfica: Juan Edgardo Reynoso. Fotografía: Ignacio Lunadei. Diseño de maquillaje y peinado: Sabrina San Gil. Vestidor: Osvaldo Gilio. Producción ejecutiva: Ezequiel Procopio. Producción artística: Sebas Rojas. Dirección general: Agustín Alezzo. Teatro 25 de Mayo.

Hamlet. Príncipe de Barracas

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Hamlet. Príncipe de Barracas

Celebrando los 25 años de “Puro Grupo”

HamletSelección10Susana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

Puro Grupo”, formado por el binomio: Pablo Di Felice y Mónica Spada nació en el año 1992, es decir, en este momento están cumpliendo sus bodas de plata con el Teatro para Niños. Dieciséis puestas cuentan en su haber, muchas de ellas, adaptaciones del teatro y literatura universal, otras, con la autoría de Pablo Di Felice y todas, presentadas con mucho éxito en la Ciudad de Buenos Aires, interior del país y en el extranjero (España, México, Perú, Estados Unidos).

En esta oportunidad, celebrando estos exitosos veinticinco años, presentan en Espacio Aguirre, Hamlet, Príncipe de Barracas, adaptación del Hamlet de William Shakespeare. Del escritor inglés ya habían presentado Romeo y Julieta, una obra en construcción (1999), versión libre de Romeo y Julieta y La Caprichosa Desencaprichada (2001), adaptación de la Fierecilla domada.HamletSelección21 (1)

Es una constante en la producción de Teatro para Niños en la ciudad de Buenos Aires, la adaptación de las grandes obras del Teatro Universal. Shakespeare en particular, es un autor al que se acude con asiduidad. El trabajo intertextual en la conformación del texto dramático implica también la actividad intertextual escénica en el momento de definir el texto espectacular. Veamos cómo realiza “Puro Grupo” el pasaje en la apropiación del texto de Shakespeare. Los adaptadores mantienen el eje semántico de la pieza y en la puesta utilizan el recurso del relato enmarcado. Los personajes presentan lo que se verá: “La tragedia de Hamlet, príncipe de Dinamarca basada en una leyenda nórdica transmitida por viejas crónicas y sagas …” pero en este caso ubicada en el porteño barrio de Barracas, a comienzos de siglo XX, en un conventillo, con música de tango, con el típico patio donde confluyen todos los idiomas (tal es así que Polonio tiene el tono que revela su origen italiano y la reina habla en un español muy castizo) además, están presentes todos los elementos que aluden a la humilde vida que allí llevan los inmigrantes. Pero, en este pasaje del texto de Shakespeare al de Hamlet, príncipe de Barracas, “Puro Grupo” recurre a la parodia y en esta irónica deformación de los rasgos que caracterizan a los personajes, se acentúa la falta de prejuicios de Claudio que no duda cuando desea asesinar, la indiferencia de la reina por aquel que fue su esposo al extremo de no importarle la verdad, la inocencia de Ofelia, los reparos de Polonio, la fidelidad de Horacio, el desequilibrio de Hamlet ante el dolor, el deseo de venganza del rey. Y para desnudar estas almas, “Puro Grupo” recurre a procedimientos gestuales, tonales y lexicales que generan situaciones extremas, sumamente teatralistas que la risa acompaña, celebrando o castigando la conducta o inconducta de los personajes. Cuando hablamos de recursos lexicales nos referimos a la confusión que producen los “homónimos” o la frase tomada en sentido literal, la que generan los juegos de palabras, la alusión a lugares y prácticas ampliamente conocidas por todos. En cuanto a la forma de actuación, tres actores desempeñan todos los personajes y es aquí donde podemos observar la afiatada calidad y experiencia de Mónica Spada y Pablo De Felice, dúctiles para el manejo de los recursos del “actor popular”: la mueca, la maquieta, el chiste verbal rápido (que como ya indicamos, es la manera que halla el adaptador para proyectar un texto dentro de otro en el ámbito de la puesta). El joven Francisco Gaspari acompaña con éxito a los integrantes de Puro Grupo. Una puesta muy interesante por el minucioso trabajo intertextual, donde cada elemento del texto base fue adecuado y adaptado al ambiente en el que transcurre la historia, en forma tal que la reelaboración alcanzó íntegramente al texto sin que en nada variara el sentido de la obra original.HamletSelección28

Hamlet, Príncipe de Barracas de Pablo Di Felice. Elenco: Pablo Di FeliceFrancisco GaspariMónica Spada. Vestuario: Luciana Castronuovo Escenografía: Maria Marta Valdez. Música: Martin Bianchedi. Arte: Maria Marta Valdez. Asistencia técnica: Max Filardo. Dirección: Pablo Di Felice. Espacio Aguirre

Los Dolores. Ciclo de teatro político para enfermería

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Los Dolores. Ciclo de teatro político para enfermería

Andrés Binetti, Héctor Levy-Daniel, Mariano Saba, Ignacio Apolo

Vocación de servicio, El alma intacta, Hasta más ver y Punto muerto

los doloresAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Cuatro dramaturgos, cuatro directores y un conjunto de actores, con un formato que recuerda al mítico Teatro Abierto del ’81; piezas breves, con una temática que las aúna, un mismo espacio, y actores que construyen personajes que van delineando desde diferentes poéticas una concepción teatral donde no está ausente el humor, la parodia, el grotesco, y el expresionismo. Escasa escenografía, un espacio aséptico, una enfermería, único locus donde se desarrollarán las historias, la primera: Vocación de servicio, dos enfermeras y una reemplazante, en un ambiente otro que lo convierte en un outsider, un distinto, un otro, a quien se lo quiere integrar a partir de un coro muy especial: compuesto por dos integrantes, ellas y que se basan en consignas políticas de los setenta. La paradoja es el contenido de los slogans en contradicción con el comportamiento de las enfermeras convirtiéndolos en significantes vacíos de sentido. El texto de Andrés Binetti nos advierte desde la parodia del uso banal de la política, que nos lleva a no ver el presente en los ojos del que es nuestro compañero, quedándonos sólo con las palabras sin fundamento real. Héctor Levy-Daniel, nos propone salirnos del género anterior y desde el enfrentamiento expresionista de nuestro yo con la sombra jungiana, nos ofrece un texto donde la mirada pasa sobre un cuerpo que no es sólo eso, sino un alma que aún luego de la muerte sigue viviendo en la fuerza de su conciencia viva. Un cuerpo asediado por ella, en la identidad de un miembro de las fuerzas de seguridad, que por años ha ido cercando a su presa hasta darle por fin caza. El alma intacta, pone también en discusión la ética médica, el miedo y el poder en un juego macabro que aísla a los seres de su deber, hasta llevarlos al límite de lo posible. Hasta más ver de Mariano Saba es el relato de dos hombres: un visitador médico y un presunto accidentado, que en el medio de su delirio por el golpe, recuerda; trae a la memoria suya y de los otros, los acontecimientos funestos que el poder tuvo sobre el pueblo desde el bombardeo de Plaza de Mayo de 1955 hasta los hechos de la última dictadura militar. Termina la puesta la pieza de Ignacio Apolo, Punto muerto, que pone en acción la figura decadente de un hombre que se ampara en una posible locura para no hacerse cargo de su realidad, y que envuelve en su supuesta debilidad a los que rodean su vida para ayudarlo a transitar el paso de comedia que lleva adelante. Desde lo escatológico, los personajes ponen en acto las situaciones más absurdas pero que encierran un oscuro sentido.

Los elencos crean a sus personajes con la carnadura precisa que requiere cada breve situación dramática. Mientras la iluminación recorta las historias en un continunn con algo de “aseptia” como corresponde a esta particular enfermería, nuestro país, que sostenemos entre todos. El teatro y la política, una ecuación que lleva a la reflexión sobre los acontecimientos presentes y pasados, que nos permite desde su mirada directa o sesgada una aproximación a las acciones que determinan el conjunto de procesos que construyen una identidad, una entidad nacional, o la resistencia de vida que nos piden cada una y todas las vicisitudes que nos acontecen como ciudadanos.

Ficha técnica: Los Dolores. Ciclo de teatro político para enfermería. Escenografía: Félix Padrón. Iluminación: Ricardo Sica. NoAvestruz Espacio de Cultura. Estreno: 04/09/2017. Duración: 60′ aproximadamente. Lunes 21:00 hs, hasta el 4to lunes de septiembre.

Vocación de servicio de Andrés Binetti: Actúan: Malala González, Marcela Arza y Marcela Inda. Dirección: Tato Cayón.

El alma intacta de Héctor Levy-Daniel. Actúan: Juan Carrasco, Martin Ortiz, Viviana Suraniti y Eugenio Chuke Estela (violín). Asistencia de dirección: Malena González. Dirección: Héctor Levy-Daniel.

Hasta más ver de Mariano Saba. Actúan: Juan Pascarelli y Pablo Mónaco. Asistencia de dirección: Federico Fernández Mardaráz. Dirección: Julio Molina.

Punto muerto de Ignacio Apolo. Actúan: Malena Bernardi, Mario Mahler, Pedro Galván y Silvia Kanter. Caracterización y maquillaje: Andrea Cataldo. Asistencia de dirección: Natalia Paganini. Dirección: Ignacio Apolo.