Acasusso de Rafael Spregelburd

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Acasusso de Rafael Spregelburd

La comedia es una cosa seria

000158613María de los Ángeles Sanz

El taller de teatro La Odisea dirigido por Gastón Courtade lleva adelante una puesta donde el humor delirante cargado de ironía de la pieza de Rafael Spregelburd Acasusso (2007) desborda en los noventa minutos que transcurre en escena con muy buenas actuaciones, y un ritmo que no decae. Un ritmo que exige a los actores un tempo intenso, que solo se detiene por segundos en los apagones que señalan el paso del tiempo entre situación y situación. Con el marco de una escenografía funcional, los tipos humanos que construye el discurso desde una buscada exageración, desfilan los personajes que producen la rápida identificación por parte del espectador, que a la vez que se ríe abiertamente de acciones y dichos, también tiene elementos que le provocarán luego un instante de reflexión sobre una sociedad que basa sus principios en la familia y la educación. Spregelburd deconstruye ese imaginario y nos muestra el revés de la trama, aquello que uno puede intuir o saber pero que todo allí, en el espacio escénico, hace que nos brote la carcajada porque parece demasiado. Las diferencias de clases entre educandos y educadores, es una frágil línea que deja a todos muchas veces en offside, fuera de los límites de lo legal, tanto para unos como para otros. Cada uno de los personajes tienen una composición que va como requiere el género, desde el exterior: vestuario, maquillaje, voz, postura corporal; construcción que favorece la empatía a través del reconocimiento. En una propuesta de dirección que aprovecha el espacio para, respetando la textualidad dramática, construir diferentes puntos de fuga, donde una secuencia central compite con pequeñas acciones simultáneas que obligan a una mirada que se desplace necesariamente y elija que privilegiar. No es tarea fácil, evitar la superposición de situaciones, pero el procedimiento le da a la puesta una agilidad donde se busca evitar huecos en la acción. El timbre, los símbolos: la bandera y el himno, son junto al guardapolvo blanco un distintivo de clase. El grupo en escena funciona en armonía al mismo tiempo que logra construir las diferentes subjetividades que componen ese universo llamado escuela. La directora y su revés la vice, la secretaria, la fonoaudióloga, el profesor de gimnasia, la nueva, la infaltable vendedora de ropa y bagatelas, la maestra que retoma sus clases, los problemas salariales, las reuniones con el sindicato, y la esperanza puesta en las piernas de una promesa futbolística, son los elementos que lo conforman. El afuera también se hace presente en la figura de la madre de los alumnos, ejemplo de una difícil relación, tomando la parte por el todo, y en la noticia de los atracadores del banco de Acasusso, que tras su golpe afortunado son considerados héroes, en ese territorio donde hay de todo menos dinero. El dinero, elemento esencial para llevar adelante los sueños de todos los integrantes de ese micromundo donde se tejen voluntades encontradas. El dramaturgo escribe la obra y se la dedica a la educación pública y a su hermana docente:

A mi querida hermana, Roberta, que llegó a casa llorando amargamente el día de su primera suplencia en una escuelita de Merlo; tal vez el humor despiadado, urgente de esta obra no sea más que el intento estéril de hacer justicia y revertir la impresión con la que ese día quedó grabado en mi memoria. A la educación pública. A todos los que luchan por lo preservación del futuro. R.S. (11)000158617

De esta manera, exorciza un recuerdo que toma otra dimensión a partir del discurso escénico; situación que reproduce el grupo La Odisea, cuando nos permite a través del humor, y de la risa franca, poner fuera los demonios de un tiempo presente que tiene una vez más a la educación en el ojo del huracán. Porque más allá de lo desopilante de las situaciones, lo que aparece es el inquietante estado de precariedad en que se encuentra nuestra docencia, por lo excesivo del número de obligaciones que debe llevar adelante el educador en nuestras escuelas públicas. Acasusso satiriza a la docencia, pone hasta el límite del absurdo la mayoría de sus acciones, pero también nos permite ver tras la burla, la constante lucha por sobrevivir. 000158662

Ficha técnica: Acasusso de Rafael Spregelburd. Elenco: María Antonio, Tatiana Borjas, Ewa Czarnecka, Florencia Feldman, Laura Judith Moin, Daniel Righetti, Natalia Vallone. Actores invitados: Marcelo Frasca, Jorge Váldéz. Dirección y puesta en escena: Gastón Courtade. Fotos y diseño gráfico: Fernando Lendoiro. Asistencia de dirección: Liliana Perez. Código Montesco Teatro. Este espectáculo surge del taller “avanzado 2016” de La Odisea.

Bibliografía:

Spregelburd, Rafael, 2008. Los verbos irregulares. Buenos Aires: Colihue Teatro. Dramaturgias argentinas.

La discreta enamorada de Lope de Vega

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La discreta enamorada de Lope de Vega

Una comedia de enredos ejemplar

ladiscretaAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Lope de Vega y su inacabable ingenio escribe La discreta enamorada en el siglo XVII, luego compondrá su El arte nuevo de hacer comedias, proponiendo un marco teórico a lo que se llamó: La comedia nueva, o la comedia tragicómica, que luego todos trataron de igualar1 tras el éxito de público que sus textos producían y que no era entendido por la Academia que quiso probar al dramaturgo pidiéndole que redactara la teoría que ya estaba afianzada desde la práctica. Lo hizo, y sólo fue reafirmar aquello comprobado.

(40) y cuando he de escribir una comedia,

encierro los preceptos con seis llaves,

saco a Terencio y a Plauto de mi estudio

para que no me den voces, que suele

dar gritos la verdad, en libros mudos,

(45) y escribo por el arte que inventaron

los que el vulgar aplauso pretendieron

porque como las paga el vulgo, es justo

hablarle en necio para darle gusto. (Perinelli, 2011: 333)

La propuesta de Santiago Doria, nos acerca al talento del dramaturgo del Siglo de Oro español, y lo hace recreando la fuerza de la palabra, sin una escenografía rebuscada2, sino buscando responder a la palabra como centro del trabajo como aconsejaba el autor en su tiempo y apostando a la composición de los personajes; es decir, confiando en su equipo de actores para darle brillo a una pieza reconocida del autor, una de sus comedias más conocidas. Respetando su lenguaje en verso, la agilidad de sus acciones, el procedimiento de los apartes, y con un vestuario que más allá de él nos remite al siglo XVII, la puesta nos deja como espectadores disfrutar de una historia de amor y enredos, donde la malicia y la lucha de los géneros no deja de estar presente. Las actuaciones cumplen con su performance con eficacia, y nos brindan un momento de brillante comicidad, aquella que atravesará los siglos para recordarnos sus recursos en nuestro teatro popular. Si bien hay una adaptación, la esencia del texto dramático se mantiene logrando un relato dinámico y con un tiempo justo. Los movimientos coreográficos, los continuos desplazamientos, la música que nos recuerda a la zarzuela y la melodía intrínseca de los versos construyen una narración que tiene su propia musicalidad. Más allá de la presentación de la obra y de su cierre interpretada de forma coral. En tanto la perfecta iluminación termina de crear ese universo de comedia en el cual la bella Fenisa intenta conquistar a Lucindo, mientras el Capitán Bernardo -padre de éste- pide la mano de la joven. Una puesta en escena que de forma acabada construye estos enredos amorosos para el disfrute del espectador.000157232

Ficha técnica: La discreta enamorada de Lope de Vega. Elenco (por orden aparición): Irene Almus (Belisa), Ana Yovino (Fenisa), Mónica D’Agostino (Gerarda), Mariano Mazzei (Lucindo), Pablo Di Felice (Hernando), Francisco Pesqueira (Doristeo), Gabriel Virtuoso (El capitán Bernardo). Asistentes de dirección: Gastón Ares y Jazmín Ríos. Asistente de iluminación: Sofía Montecchiari. Realización de sombreros: Traipi. Realización de vestuario: Stella Giorgio. Iluminación: Leandra Rodriguez. Vestuario: Susana Zilbervarg. Música Original: Gaby Goldman. Producción Ejecutiva Rosalía Celentano. Prensa: Haydée Marochi. Fotografía y diseño: Fernando Lendoiro. Dirección Santiago Doria. Centro Cultural de la Cooperación: sala Solidaridad. Estreno: 12/05/2017. Duración: 90′.

Bibliografía:

Perinelli, Roberto, 2011. Apuntes sobre la historia del teatro Occidental. Tomo 2. Buenos Aires: Instituto Nacional del Teatro.

Tal como dice Rozas, la doctrina de El arte nuevo estaba mediatizada por la ironía, la erudición y la fantástica experiencia de dramaturgo de Lope. A partir de ella todos se declaran sus discípulos, todos tuvieron El arte nuevo como bandera, como un texto que se conformará sólidamente como la Poética de la Comedia Nueva o Tragicomedia” (Perinelli, 2011: 331)

 

2 (…) en la compañía nadie ejercía el oficio de director teatral, al menos según la consideración que actualmente ha ganado el rubro. La dirección escénica dependía en absoluto del poeta; él, desde su texto, decía como debía montarse la obra. Las indicaciones, importantes e insoslayables, estaban incluidas dentro de los versos o en alguna magra acotación. De modo que los poetas de la comedia nueva imponían una manera de leer sus piezas, fácilmente decodificable durante el Barroco pero que suele complicar a los adaptadores y directores contemporáneos, que suelen cometer el error de forzar la voluntad dramática que late dentro del texto para generar dispositivos afines con una teatralidad moderna, que ningún modo, es la de aquellos tiempos. (Perinelli, 2011: 284)

Con las manos atadas de Claudia Piñeiro

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Con las manos atadas de Claudia Piñeiro

Cuando la vida te pone al límite

000160484Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Un espacio teatral que alberga un clima de sutilezas en su ecléctica distribución de estilos en las dos salas de espera para un espectador que mientras ve pasar los minutos hasta el momento de dar sala, puede admirar objetos, tapices, copas, sillones, candiles, espejos. Allí la pieza de Claudia Piñeiro, Con las manos atadas, se presenta bajo la dirección de Guillermo Ghio, y en el cuerpo de los actores: Marcela Jove (La escribana) y Pablo Turchi (Gutierrez). Una historia policial, un asalto en una escribanía, que luego se va transformando en la excusa para el planteo intimista de dos personas que hasta ese momento comparten el mismo espacio de trabajo por horas, pero que desconocen todo uno de otro. La realidad de ese día, la noche que por la fuerza deben pasar juntos, pone en abismo sus prejuicios y los obliga a verse como dos seres humanos carentes y necesitados de afecto. La eficacia de los diálogos se refuerza con un trabajo intenso de movimientos en el espacio rodeado de ménsulas de archivo cargadas de biblioratos, de dos cuerpos que tienen las manos atadas hacia atrás, y que ven entonces minimizadas sus posibilidades de salir o al menos desplazarse con facilidad. Los actores logran hacernos sentir el ahogo del encierro y la impotencia de no poder escapar a la situación. En un espacio escénico en H los personajes se mueven hacia un lado u otro, permitiendo al espectador, tenerlos alternadamente de frente. La iluminación logra el efecto buscado, de apagarse la luz solar, y tener que desesperadamente encender la electricidad para atemperar el miedo, esa instancia les obliga a los cuerpos a las más complicadas posturas, exigiendo de él, una acción no acostumbrada. 000159455Claudia Piñeiro viene de la literatura, y sus novelas habitualmente transitan las relaciones humanas ante un evento que raya lo policial y que sirve de disparador para develar sentimientos verdaderos: miedo, amor, mezquindad, dolor, frustración, esperanza, cinismo, violencia. Su dramaturgia también, al igual que los guiones para el cine que la hicieron conocida como Las viudas de los jueves (2005) El suspenso, el relato pequeño que se va deslizando hacia el centro de una verdad de a poco como si no fuera queda definido en la entrevista que la dramaturga dio en 2015 a Ciudad Equis en La voz del interior.

Me gusta manejarlo, ir llevando al lector para que me acompañe en esta historia que quiero contar. Es una suerte de homenaje a la narración oral. Hay1 gente que cuenta algo más o menos interesante, y uno escucha atento, esperando a que llegue al final. Me gusta ese tipo de relato, en el que uno cuenta una historia y el otro espera que sigas. Puede pasar en un policial, o, también, en una novela psicológica como ésta. Me gusta dosificar la información, usando un lenguaje de determinada manera, para que el otro me quiera acompañar en esa historia que estoy contando. (C. Piñeiro)

La dirección de Guillermo Ghio pasa el punto de vista por ese procedimiento, y recupera en escena el clima intimista y pequeño de su escritura. Un relato que, por un lado, actualiza el sentimiento colectivo de inseguridad y, por otro, plantea de manera sencilla dos breves historias de cotidiana soledad, y un después que tal vez, más allá de la tensión de su comienzo, podría hacer confluir a estas dos almas que necesitan simplemente saber que alguien los espera después de la jornada laboral.

Gutiérrez: …Real aunque yo estuviera tirado en el piso del baño de la escribanía con las manos atadas. Porque lo que sucedía dentro mío sólo era posible si yo estaba dentro de ella. Traté de que ese momento durara, que no se fuera, moviéndome apenas para no molestarla2000159454

Ficha técnica: Con las manos atadas de Claudia Piñeiro. Con: Marcela Jove, Pablo Turchi. Vestuario: Pheonia Veloz. Iluminación y Asistencia: Norberto Portal, Tamara Turczyn. Espacio escénico y selección musical: Guillermo Ghio. Banda de sonido: Miguel Rur. Peinados: Ale Granado. Fotografías: Marcela y Andrea Russarabian. Diseño gráfico: Pablo y Matías Vega. Prensa: Duche&Zárate. Diseño online: http://www.estoesunexito.com/. Dirección: Guillermo Ghio. Teatro Dandelión. Estreno: 28/05/2017. Duración: 60′.

Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017

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Bienal Arte Joven Buenos Aires

El 12 de junio se realizó el anuncio oficial de los bienalistas 20171

230 obras y proyectos fueron seleccionados entre más de 6600 postulaciones para participar de la Bienal Arte Joven Buenos Aires.

800 artistas integran los equipos de las obras y proyectos participantes en cinco disciplinas: Artes escénicas, Artes visuales, Artes audiovisuales, Música y Literatura.Grupal Bienalistas 2017 - Foto gentileza prensa Bienal Arte Joven Buenos Aires

SELECCIONADOS EN ARTES VISUALES

Proyecto de artes visuales a desarrollar con tutoría de Patricio Larrambebere, Lara Marmor y Marcela Sinclair. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Ángeles Ascúa – Piel de empedrado corazón de leche y de trigo

Lil Limen y Julián Solís Morales (Grupo Karicia) – Compañía naviera del Litoral S.A.

Santiago Delfino – Simiente

Alfredo Frías – Apuntes visuales para la reconstrucción de una historia negra

Nacha Canvas – Hiel de Buey

Ramiro Quesada Pons – La imagen real

Artistas visuales. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Santiago Delfino –El nombre es un arma

Ale Moreyra – Última llave

Franco Basualdo – Al estado más pesado no le flamea la bandera

Beto. – Nuevo orden

Lucía Delfino – La promesa de lo efímero

Santiago Colombo – Percepción

Jimena Mariel Travaglio – Sin título, de la serie “Reliquias”

Antonella Agesta – Deliciosa

Verónica Madanes – l virtuosismo me deprime

Vil Schulman – Asamblea general

Federico Roldan Vukonich – Izemberg

Alfredo Frías – Queso presente

Rocío Englender – Sin título

Mayra Vom – Sin título

Lucas Ardu – Cuerpo Nº2, de la serie “La oscilación de los cuerpos”

Valentina Ansaldi – Gran circo de Moscú

Ariela Bergman – Guardo mercurio suelto

Esteban Martínez – Sin título, de la serie “Ejercicios de supervivencia”

Rodolfo Sousa – Copia Académica

Nani Lamarque – La evaporación del encanto

Ivo Aichenbaum – Diario internacional: la acción de la historia

Julia Padilla – Sin título

Santiago Licata – Cosa portal o la vista tonta

Lucas Federico Tula – Pareja de murciélagos y su primera casa en el conurbano

Micaela Piñero – Lucha

María Candelaria Traverso – Trayectos del MADE IN

Hernán Aguirre García – Ejercicios sobre la autoportancia

Lucas Fiorucci – Sin título

Manuel Aja Espil – Level Up

Camila Carella – Sin título

Nazareno Pereyra –Antihorariodomini

Magdalena Petroni – Sin título

Sasha Emanuel Minovich – Sonda Voyager

Jazmín Giordano – Autogestión del cariño

Andrés Piña – Piel quemada

Celeste Rojas Mugica – Una sombra oscilante

Santiago Hernández – Error: Infinito

Eloy Mengarelli – ¿Y si alguna vez fuimos tan fuertes?

Malcon D’Stefano – Patriota

Ramiro Achiary – El ojo frío que todo lo ve, y el tejido onírico de lo imposible

Leonardo Adán Vallejo – Retablo federal

Manuel Baigorria – Retrato de las hojas

Mara Verena – Un fuerte (contra todo lo que yo misma)

Gonzalo Maciel – Experimentos con cielos

Cindy Mamani – Mímesis total

SELECCIONADOS EN ARTES ESCÉNICAS

Proyecto de obra de teatro, danza o interdisciplina a desarrollar con tutoría de Andrea Servera, Luis Cano y Rubén Szuchmacher. En teatro musical: Pablo Gorlero, Joaquín Bonet y Martín Bianchedi. Se presentarán en los teatros: El extranjero, Elkafka, Beckett, TIMBRe4, Abasto social Club, El Picadero y La Comedia.

Macarena Orueta – Los imitadores (Interdisciplina)

Juan Cruz Forgnone – El canto invisible (Teatro)

Bianca Lerner – Ninfa (Interdisciplina)

Franco Calluso – Ruido blanco hielo (Teatro)

Ezequiel Salinas – Cosas que pasan cuando le hablás a un desconocido en el aeropuerto (Interdisciplina)

Valeria Polonera – Anomalía (Daza)

Andie Say, Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira – Mamá está más chiquita (Teatro musical)

Matías Prieto Peccia, Mariel Velez y Vanesa Butero – No me digas que ya se (Teatro musical)

Artistas escénicos. Se presentarán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Tadeo Pettinari – En la piel

Gastón Guanziroli – Breve relato sobre una mujer que va a la fiesta de cumpleaños de su ex y termina adentro de una botella

Nacho Bartolone – La piel del poema

Nicolás Blandi – Lágrimas de pez

Jorge Dreschler – Madorrán

Lucas Martinetti – Toda historia de amor implica una muerte

Alberto Antonio Romero – Malviaje

Lisandro Outeda – El susurro de los bosques

Leandro Orellano – Mientras muero imagino huevos que se pudren

Pablo Sigal – Polite

Carla Grella – Homealone

Eugenia M. Roces – Destructivo de un desastre irruptivo

Martina Kogan y Lucía Disalvo – Fecha 5

Delfina Thiel – La Montón, Lucía García Pulles – La Montón – Samanta Leder – La Montón – El risco

Abril Lis Varela y Emannuel Palavecino – Las ganas

Martina Schvartz y Violeta Danzinger – Carretera

Marysol Benitez – Posmo

Victoria Delfino – Mostra

Agostina Luz López – Los milagros

Iván Haidar – Lugar monstruo

SELECCIONADOS EN ARTES AUDIOVISUALES

Proyecto de serie web a desarrollar con tutoría de Florencia Clerico, Javier Zevallos y Santiago Melazzini. Los estrenos se realizarán en el Centro Cultural Recoleta y luego estarán disponibles de forma completa en la web de la Bienal.

Cecilia Pisano, Martina López Robol y Iair Said – Emilia Envidia

Nahuel Billoni Ahumada y Maitena Minella – Minga

Ignacio Del Campo Ituregui, Camila Peralta, Ailín Zaninovich, Cecilia Marani y Giselle Fernández – Protagonistas

Directores audiovisuales con un corto terminado y un proyecto en desarrollo. Sus cortos se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Juan Renau – Incendio/Rescate

Jerónimo Quevedo – Enfrentar animales salvajes

Santiago Reale – Esta es mi selva

Milton Secchi – Donde no hay nada

Tatiana Mazú González – Hay una foto que no entendí

Micaela Gonzalo –Toda mi alegría

Mariana Sanginetti – Antes de irme

Ramiro Bailarini – No aflojes Miriam

Manque La Banca – Los 7 perdones capitales: 3. El futuro

Melina Gutman – Miscelánea familiar

Cinthia Konopacki – Colonia delicia

Gala Negrello – La isla

Julieta Seco – dónde estás en el futuro?

Pavel Tavares – Alexander

Manuel Embalse – Eliminar videos

Juan Bobbio – La fiebre que espera despertar

Inga Valencic – Pandora

Lautaro García Candela – Carta a Lara

Juan Manuel Ribelli – Huesitos de pollo

Carla Finco – Desquicies

SELECCIONADOS EN LITERATURA

Proyecto de novela breve a desarrollar con tutoría de Marina Mariasch y Hernán Ronsino. La clínica de obra se realizará en el Centro Cultural Recoleta. De entre todos ellos se seleccionará uno que será publicado por la editorial Entropía.

Natalia Rozenblum – Baño de damas

Rodolfo Omar Serio – Los machos se duermen primero (o el día en que Julie Andrews casi se afilia al Partido peronista)

Corina Bistritsky –Arambasic

Nicolás Ferraro – El cielo que se aleja

Agustina Massa – La virgen de los helados

Carolina Romano – Sirio B

Jazmín Carballo – Todos somos vos

Julieta Yanel Salman – Labio partido

Martín Jali – Las luces intransferibles

Tomás Schuliaquer – Una flor que allá no existe

Lucía Rud – Buenos Aires y otros países

Matías Bounfrate – Constantino

Eric Barenboim – Suárez en Kosovo

Nubia Bado – Invasión en el Abasto

Santiago Pérez Izquierdo – Yisuerí

Valentina González Nucci – Fallecimiento presunto

Escritores con cuento o poesía. Se publicarán dos antologías, una de cuento por Eterna cadencia y otra de poesía por Editorial Mansalva.

Mariana Komiseroff – Ladrillos impares

Nahuel Repetto – Carta de mamá

Micaela Gonzalo – La casa de Cristina

Miguel Bruno – Como una rata

Guido Gamba – El distinto

Blas Rivadeneira – Taller literario

Martín Gonzalo Borches – Polígono

Juan Pablo Castro Brunal – Tres hermanas

Martín Sporleder – El canto de la tierra

Santiago Clément – El manicomio

María Florencia Scaia – Enroscada

Franco Calluso – Los jabalíes

Santiago Molina Cueli – Criatura la

Mariel Leite Escobar – Laundry

Juan Agustín Otero – Después del penúltimo cigarrillo

Juan Ignacio Sapia – La experiencia Tracketk

Vanesa Pagani – Lo electrodoméstico

José Mariano Pulfer – Encuentros cercanos

Martín Jali – La nieve de los cuerpos

Juan Gabriel Miño – Leandra

Josefina Salazar – Ciudad Pampa

Gabriela Clara Pignataro – El lapacho es la imagen de la furia

Laura Junowicz – Demolición.

Paula Andrea Galindez – Mater

Rita Chiabo – que lo sepa

Fernanda Mugica – El núcleo duro

Florencia Palacios – La memoria

Delfina Uriburu – Altar

Larisa Cumin – Lelo

Sofía LeBlanc – poemas

Diego de Angeli – poesía

Nicolás Ghigonetto – Gabriel Leivas

Alex Piperno – Los estándares de belleza en los pastizales

Juan Manuel Artero – Seudónimo Papaíto Piernaslargas

Micaela Piñero – En el río

Triana Leborans – leboransbienal

Joaquín María Zuaniche – Normal uno

Julián Berenguel – Barrio

Antonella Romano – Expansión

Julieta Troielli – La tierra que necesita una familia

Gustavo Yuste – Olor a sol

SELECCIONADOS EN MÚSICA

Bandas o solistas con tutoría de Matías Cella, Pablo Tevez Oliveti, y Mariano Esain. Las presentaciones se realizarán en el Centro Cultural Recoleta.

Ragazzas

La Femme D’Argent

Candelaria Zamar

Trostrigo

Nahuel Briones

Fenna Frei

Anamoli

Billy Zabaleta

QOME

Pandelindio

Las sombras

Translucido

Juan Izkierdo Grupo

EMEVE

Aleph, Fitzca, Camadour,

Pablo Enelotromundo

Gaby Améndola Trío

Polandria

Loto

Ankamora

Solentina

Galácticas Mareas

El Zar

Nidos

Agustín Donati

 SELECCIONADOS PEDALÚDICO

Convocatoria a artistas de todas las disciplinas para participar de una residencia de creación e investigación en la cual se desarrollarán una o varias obras que utilizarán el sistema de bicicletas de proyecto PedaLúdico.

Joan Benito Britez

Erika Ortiz Díaz

Aldana Olivello

Lucía Pedrón

Marcos Martínez

Santiago Colombo

Carolina Casquil

Martín Aranda

W:buenosaires.gob.ar/labienal

Fb: /LaBienalBA

Tw: @LaBienalBA

In: /labienalba

Más información, pedido de notas y material para prensa: prensalabienal@buenosaires.gob.ar

Marisol Cambre | Antonela Santecchia | Valeria Marcovecchio

1Según gacetilla de Prensa

Hacela Corta Beckett de Rubén Pires y Hugo Halbrich

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Hacela Corta Beckett de Rubén Pires y Hugo Halbrich

Seis obras cortas en 70 minutos de Samuel Beckett

000158391Beckett por siempre Beckett

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Cuando Esperando a Godot llegó a los escenarios porteños, no fueron pocos los que no entendieron su poética, público y crítica mediante. Sin embargo, a partir de que aquél año 19561, en que Jorge Petraglia la dirigió, no ha dejado de tener en nuestros escenarios cultores y fanáticos. Ya nadie discute los valores intrínsecos de su obra, ni la fuerza de la misma en nuestro sistema teatral. La puesta de sus obras cortas, es una forma de acercarnos al dramaturgo desde un espacio desconocido aunque su impronta sea fácilmente reconocible en ellas. El humor, el juego verbal, un lenguaje corporal que necesita un tipo de actuación diferente, entre la quietud y una movilidad sin sentido, son algunos de los elementos que aparecen en este grupo de piezas, y que son puestas en acción por el grupo de actores que realizan el trabajo. Todos ellos concretan una muy buena performance, en los seis relatos que tienen una semántica diferente aunque la muerte es una de los centros recurrentes. El que transita con más facilidad el humor, al que el absurdo nos tiene acostumbrado, con diálogos fragmentados, y aparentemente desconectados entre sí, es el en que las tres actrices juegan una relación de amigas, donde el susurro, el comentario chismoso es el centro de la idea, en una parodia a sus diálogos dislocados. Un vestuario acorde con lo que se narra, acompaña los cuadros, los pequeños relatos y sus personajes, que siempre están al límite de lo que se considera “la normalidad”, que desde la dramaturgia de autor, nos parece de la más absoluta absurdidad. El maquillaje logra una caracterización precisa con la composición de los personajes y nos permite desde la mirada la dicotomía entre lo dicho y lo expuesto; mientras que al actor le da la posibilidad de jugar con lo siniestro, en un universo que se permite ingresar lo racional y lo irracional al mismo tiempo. Las actuaciones tienen la desmesura y la contención para lograr el juego necesario que requiere el género, y el espectador atento al código sigue con entusiasmo una puesta que equilibra la concentración de sentidos: mirada, sonido, y voz. DSC_3807Seis piezas que tienen en su genética los procedimientos de la poética beckettiana, que construyen desde el imaginario de la palabra, las acciones que producen una intencionalidad distinta en la mirada sobre lo cotidiano, que lejos de ser el espejo de una referencia se transforma en un delicado equilibrio entre lo objetivo externo y la subjetividad más expresa de sus personajes. Beckett produjo una ruptura en los códigos verbales y teatrales que aún hoy, más allá de reponer su escritura dramática, produce un brecha, un camino transversal para entender aquello que con los ojos habituados a un orden ficticio, nos parece sólo el universo del caos; para desconfiar de ese orden establecido, de una normalidad que se parece mucho al disciplinamiento de las conciencias, que deja poco espacio al pensamiento crítico, un orden del que necesitamos sacudirnos, como un traje demasiado apretado que nos priva la respiración. A los seis textos dramáticos –La mecedora, Monólogo, Va y viene, Ohio improntu, Pisadas y Play– la escritura escénica, Rubén Pires, le otorgan el ritmo necesario en el espacio escénico casi despojado, construyendo en escena un perfecto canevas beckettiano.image001

Ficha técnica: Hacela Corta Beckett. Traducción y Adaptación: Rubén Pires – Hugo Halbrich. Supervisión dramatúrgica: Luc Margarit. Elenco: Jessica Schultz, Gerardo Baamonde, Marina Tamar, Celeste García Satur, Jessica Schultz, Eduardo Lamoglia, Carlo Argento. Vestuario: Juan Miceli. Escenografía: Pablo Ezequiel Graziano. Iluminación: Rubén Pires – Sebastián Crasso. Diseño y realización de pelucas: Miriam Manelli. Maquillaje: Analía Arcas- Ana Make Up. Asistente de dirección: Luciana Martinez Bayon. Asistente de producción: Mechi Lando. Asistente meritoria: Cynthia Corn. Agente de Prensa: Silvina Pizarro. Diseño Gráfico. Nah Lamoglia. Difusión de redes: Flor Carroza. Video y Fotografía: Pic By Lis. Coaching vocal de monólogo: Graciela Hernández. Dirección general: Rubén Pires. El Tinglado Teatro. Estreno: 06/06/2017. Duración: 70′.

Bibliografía:

Cerrato, Laura, 1999. Génesis de la poética de Samuel Beckett. Apuntes para una teoría de la despalabra. Buenos Aires: Fondo de Cultura Económica.

Pellettieri, Osvaldo, 1997. Una historia Interrumpida. Teatro argentino moderno (1949 – 1976) Buenos Aires: Editorial Galerna.

El 18 de setiembre de 1956, en la casa de Mendoza, Florida 713, el elenco del Teatro Universitario de Arquitectura, dirigido por Jorge Petraglia, dio a conocer Esperando a Godot. (Pellettieri, 1997: 169)

Siempre hay que irse alguna vez de alguna parte de Gabriela Izcovich

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Siempre hay que irse alguna vez de alguna parte de Gabriela Izcovich

Tiempo presente y tiempo pasado
se hallan quizá presentes en el tiempo futuro
y el tiempo futuro dentro del tiempo pasado.
Si todo tiempo es eternamente presente
todo tiempo es irredimible.
Lo que pudo haber sido es mera abstracción
quedando como eterna posibilidad
solamente en el mundo de la especulación.
Lo que pudo haber sido y lo que fue
apuntan a un solo fin, que está siempre presente. (Elliot)1

DPP_0010Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Una pareja está a punto de ver un documental, en el presente de la enunciación, en el medio de un espacio escénico despojado, de blancas paredes que son el contexto de una escena que se irá poblando de palabras, y construyendo un tiempo ido desde ellas y desde las acciones de los actores, un vacío solo ocupado por el recuerdo. Metáfora del presente de un pueblo de alta carga de sentido para dos de los personajes, que vuelven a él a recuperar la memoria de la infancia, tal vez los motivos que los impulsaron a irse a buscar otros horizontes. Dos parejas, dos amigos y sus mujeres se acercan como voyeurs al límite del tiempo, y desde ese presente de la enunciación del principio, el relato nos traslada hacia el pasado que lo incluye, la ida al pueblo, la filmación del documental. A ritmo de comedia, con algunos elementos de humor, las acciones transcurren entre los encuentros personales que hacen avanzar la intriga y los monólogos que expanden la subjetividad de los amigos. Todo el recorrido temporal nos lleva como espectadores hacia el pasado y al futuro que engendra, que como una semilla aún sin germinar que se guarda en su interior. Memoria y nostalgia, que nos asaltan cuando hemos decidido que es tiempo de balance, así los sujetos de la historia, no se conforman sólo con recordar, sino que necesitan de la imagen que fije el recuerdo, que exprese aquello que los constituye. Sólo que a veces ese pasado sólo está en nosotros, porque el correr de los años goza de la impiedad de no mantener nuestras fotos viejas sobre los lugares, las cosas y las personas, y nada es lo que atesoramos. Las muy buenas actuaciones tienen el tempo necesario para construir el verosímil, y darnos el grado justo de ternura que requiere la obra; aún en los personajes femeninos que se sienten como convidados de piedra en un relato que lejos de incluirlas, las ignora. El tiempo como en el monólogo que lleva adelante Marcelo Bucossi, es un caníbal que se va comiendo todo aquello que fue nuestra geografía; la memoria selectiva también, para conservar lo que amamos volvemos una y otra vez sobre el recuerdo pero éste esquivo, deja que el correr de los años vayan diluyendo rostros y circunstancias, y que cuando hacemos una expedición para recuperarlos, sea tarde y nos encontremos con un vacío insoportable. Esa subjetividad tiene centros y periferias, y la propuesta de Izcovich da cuenta de ello, cuando pone a los personajes femeninos en una posición equidistante, testigos de un relato ajeno, a pesar de tener con sus protagonistas una relación íntima. DPP_0011

Ficha técnica: Siempre hay que irse alguna vez de alguna parte de Gabriela Izcovich. Elenco: Marcelo Bucossi, Roberto Castro, Mercedes Fraile, Gabriela Izcovich. Diseño de Iluminación: Ricardo Sica. Música Original: Lucas Fridman. Fotografías: Marco Riccobene. Diseño Gráfico: Camila Castro. Asistencia de Dirección y Producción Ejecutiva: Marco Riccobene. Prensa: Tehagolaprensa. Dirección: Gabriela Izcovich. Teatro Noavestruz. Estreno: 03/06/2017. Duración: 60′.

Bossi Master Show. Una noche más de Emilio Tamer y Martín Bossi

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Bossi Master Show. Una noche más de Emilio Tamer y Martín Bossi

slide_bossi¡No es una noche más!

Azucena Ester Joffe

El talento artístico de Martín Bossi permite que el show, en primera persona, provoque el delirio de la platea. A sala llena, cada espectador disfrutó del gran showman. El hilo conductor de su nuevo espectáculo teatral musical es un recorrido que brinda homenaje, por un lado, a bandas emblemáticas del rock internacional y nacional y, por otro, a los capocómicos que hicieron historia en nuestro teatro.

Podríamos pensar que este Master Show tiene cuatro lados de excelente textura. El primero, es atravesado por cantantes y bandas internacionales -Elvis Presley, Bob Marley, Stevie Wonder, Prince, Mick Jagger, John Lennon,… El segundo incluye muchos elementos de nuestros actores populares y de la revista porteña -lo paródico y las imitaciones, su habilidad para improvisar, su expresión corporal,…- que aumenta la complicidad e hilaridad de la platea de forma directa. Un público responde y se anima a sacarse una selfie pero con la condición de que luego apagaran sus “benditos” celulares. El medio es la comicidad para reírnos de nosotros mismos y hacernos notar que gracias a los nuevos desarrollos tecnológicos y sus aplicaciones, que conlleva la cuestionable dependencia o mejor dicho adicción, nos sumergimos en el mundo globalizado dejando atrás las pequeñas cosas cotidianas pero importantes para cada uno de nosotros. El tercer lado, tiene como principio constructivo al teatro y a aquellos grandes capocómicos que tanto les debe hoy la escena porteña. Junto a Jorge “Carna” Crivelli le ponen el cuerpo a Alberto Olmedo y a Jorge Porcel, al capitán Piluso y a Coquito, a Tato Bores, Juan Carlos Calabró, Juan Carlos “Minguito” Altavista y a Javier Portales. En cada sketch los comediantes provocaron la risa y la emoción del público, sin nostalgia, a espaldas de la gran imagen de la Av. Corrientes o sentados en la mesa de algún bar como en aquellas habituales transnochadas. El último lado, retoma como hilo conductor nuevamente a la música, un eufórico recorrido por el rock nacional que nos lleva de la mano de algunas de nuestras míticas figuras -Luis Alberto Spinetta, Miguel Abuelo, Gustavo Cerati,…20170502_160800

Mientras la desbordante iluminación colma toda la sala del Astral, otorgándole un colorido volumen e impregnándola de un clima festivo, y construye así un mundo onírico que ha dejado atrás nuestra cotidianidad. Por momentos, las luces también están dirigidas al público y es un impacto visual más que nos involucra más allá de nuestra cómoda butaca. Otro sistema significante que provoca el entusiasmo de los presentes es el cuidado vestuario y los accesorios; con destreza y utilizando también las trampas del escenario Bossi ingresa desde todos los sitios posible. La rapidez en sus cambios de indumentaria le imprime un dinamismo extra al show. En tanto, cada integrante del elenco -músicos, bailarinas, cantantes y actores- tienen una participación precisa y sólida, sin altibajos cada uno se luce en su disciplina. Y, con la exigente precisión del musical, cada entrada o salida, cada intervención funciona siendo parte de una exquisita máquina de relojería.

Martín Bossi es un intérprete carismático -actor, humorista e imitador- que realiza un gran despliegue de todas sus facetas en un devenir que lo compromete con el arte y la vida. Su Master Show requiere de un espectador activo que se deje llevar, pues es imposible mantenerse distante de toda esta ebullición que nos atrapa sin pedirnos permiso. La platea de pie cerró esta mágica noche con un largo aplauso. MMM_1102

Ficha técnica: Bossi Master Show. Una noche más. Protagónico: Martín Bossi. Autores: Emilio Tamer / Martín Bossi. Dirección General: Manuel Wirtz-Emilio Tamer. Dirección Musical: Nito Mestre. Artista Invitado: Jorge “Carna” Crivelli. Diseño de Escenografía: Daniel Feijoo. Diseño de Coreografía: María Laura Cattalini. Diseño de Vestuario: Alejandra Robotti. Diseño de Luces: Ariel Ponce. Diseño Multimedia: Karina Barresi. Diseño de Sonido: German Brusella. Caracterización y Maquillaje: Elena Sapino. Máscaras-Prótesis: Vanesa Giordano. Diseño Vestuario Martín Boss: Victoria Acilu. Diseño Pelucas: Mariana Laspiur. Prensa y Comunicación: Alejandro Veroutis. Productores Asociados: Jonatan Kassir, Nontron SACFIA, DABOPE. Producción General: MD+. Arreglos musicales: Ernesto Salgueiro. Bateria: Juan Cordima. Teclados: Francisco Cordima. Guitarra: Federico Bianco. Bajo: Charlie Giardina. Saxo Tenor: Cristian Torres. Saxo: Luca Ongarato. Trompeta: Semilla Juarez. Trombón: Mario Álvarez. Violín: Sebastián Martínez, Cecilia Tedeschi. Cello: Lucía Gómez. Viola: Esteban Fioroni. Coros: Mariel Ballestrero, Sol Giulietti, Judith Cabral. Producción Ejecutiva: Mano Szereszevsky, Santiago Abate. Producción Comercial: Ary Hovassapian. Stage Manager-Producción Técnica Montaje: Andrea Czarny. Diseño y Creatividad: UOP! Estudio Creativo. VG Markenting: Lic Verónica Glaser. Community Manager: Ignacio “Chapu” Garrliga. Administración: Noelia Barakian. Coordinación de Producción: Gabriela Blanco. Producción Comercial: Claudio Salomone. Dirección Administrativa: Luis Penna. Manager Martín Bossi: Diego Djeredjian. Teatro Astral. Estreno: 12/05/2017.

La Shikse de Sebastián Kirszner

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La Shikse de Sebastián Kirszner

Cuántos grados de judaísmo faltan para cien

La Shikse - FLYER 10x15 (frente)Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Buscar pertenecer es lo que quiere la shikse, construirse una identidad nueva que le dé entidad dentro de una sociedad que la invisibiliza. En un posible tribunal ella buscará demostrar su grado de judaísmo, una fundamentación que se basa en años de comprender, cuidar, y aceptar como propias: costumbres, usos, dolores y alegrías de una familia donde era sólo la shikse, es decir la chica no judía que sirve. Paraguaya de origen, su encuentro con la religión le llega a través de una vieja Biblia que guardaba un cajón de la pensión donde paraba a su llegada al país; de allí a trabajar para los Sucovsky y una vida construida a través de los intersticios que iba dejando la vida de los otros. Un personaje indispensable en la familia al mismo tiempo que relegado, alguien que pone en abismo tras su relato, la división de una sociedad de ciudadanos de primera y ciudadanos de segunda. Con música en vivo, y en una pseudococina donde se preparan televisivamente los famosos knishes de papa, la actriz construye su personaje que interpela cada tanto a sus posibles jueces sentados en la platea que en silencio la escuchan, pero no anotan, ni afirman si ella merece o no convertirse al judaísmo. El humor atraviesa las acciones y la historia a pesar de la gravedad de algunos de los hechos relatados. Los músicos en escena, se expresan y la expresan a partir de la música que sale de sus instrumentos, porque la voz de los otros personajes surge también de la garganta de la actriz, que asume a todos y cada uno de ellos. unnamedEl cuerpo de la actriz, con su uniforme de sirvienta de los días importantes, se impone sumando a cada una de sus anécdotas la posibilidad de haber acumulado entidad judía a su procedencia paraguaya. Una historia privada que nos sensibiliza más allá del humor. Mariela Kantor le otorga la textura precisa a su María, esa simple empleada doméstica que conserva la frescura e inocencia de los más humilde. La actriz se desplaza con comodidad por el reducido espacio escénico, rompiendo la cuarta pared su mirada es directa y nos interpela más allá de la comicidad. El tono y la inflexión de su voz, el lenguaje gestual y su expresividad dan cuenta su solidez actoral. Y, crea el clima perfecto para esta micro historia perdida en algún country cerrado, invisibilizada por la cotidianidad propia y ajena, y el tema de dejar la tierra propia y los afectos, del pequeño equipaje y las grandes distancias, de adaptarse o sobrevivir en la tierra ajena. La escritura dramática y escénica de Sebastián Kirszner condensó de forma perfecta y con ritmo preciso este “submundo” laboral.

Ficha técnica: La Shikse de Sebastián Kirszner. Actriz: Mariela Kantor. Intérpretes: Ignacio Goya, Sebastián Marino. Música original y Dirección musical: Sebastián Aldea. Coreografía: Fabiana Maler. Fotografía: Daniela Potente. Escenografía: Hector Vidaurre y Nicolas D’Aloisio. Diseño Gráfico: Aldana Lukman. Diseño de Luces: Lucrecia Peralta. Prensa: Marcos Mutuverría – DucheZarate. Producción: La Mirilla Producciones. Dirección: Sebastián Kirszner. (La Pausa) Teatral. Estreno: 27/05/2017. Duración: 60′.

La noche a cualquier hora de Patricia Díaz Bialet

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La noche a cualquier hora de Patricia Díaz Bialet

El erotismo de la palabra

000155703Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Mariano Dossena y Gustavo Pardi eligen con cuidado las voces y los cuerpos que pondrán en acción el conjunto de palabras que conforman el universo amoroso, el erotismo de la palabra que tan bien construye la poeta Patricia Díaz Bialet. Con una larga trayectoria en su haber, la escritora nos brinda un imaginario de sensualidad y de relaciones amorosas que se mueven en primera persona, utilizando todos los sentidos que son expuestos para un banquete de sabores sensoriales, de sonidos que acarician los sentidos. Una escena a fondo de un telón rojo sangre, y dos fotos de grandes dimensiones donde el cuerpo es protagonista, es el contexto que aguarda a los personajes que su imaginario irá construyendo a lo largo de los 60 minutos que dura la performance. El tejido de palabras voluptuosas se proyecta hacia la platea que con respetuoso silencio se deja atravesar por las ondas cálidas que produce el fino hilado textual. La música en escena de María de Vittorio y su saxo nos transportan y llevan de la mano las palabras que integran cada una de las poesías, que en la voz y la pregnancia de los tres integrantes de la puesta cobran un sentido tras la muy buena selección de los textos y su integración en tensión dramática. Pitonisa del deseo la autora, nos lleva por sus intrincados caminos, y nos invita a un recorrido personal que interpela nuestra memoria, nuestro recuerdo y el presente de la pasión. Un universo erótico, plástico desde las imágenes que forman parte de la escenografía, musical en las voces y los sonidos que acompañan y suman a las palabras de la poeta una magia que existía en ellas, pero que de ese modo vibran en escena y llenan el espacio. Los cuerpos de los actores son entonces instrumentos que se dejan atravesar por la musicalidad de los poemas de Díaz Bialet y logran transmitir al espectador la voluptuosidad que los recorre. Tanto Ana María Cores, como Florencia Carreras y Gustavo Pardi, se entregan a la presencia de la poesía y construyen un clima y personajes que transmiten la sensualidad requerida. Un momento donde comprobamos la relación imperiosa entre el teatro y la poesía, en la intensidad que ambos géneros producen desde la concentración y la búsqueda de imágenes que recuperen la memoria o la construyan a partir de la palabra. Una intensidad que se funde en las pequeñas historias amorosas, pasadas y presentes, con el glamour de la noche en algún club nocturno mientras el atractivo vestuario también se funde con la precisa iluminación en un relato que tiene su musicalidad interna, una pulsión de vida engendrada por Eros. Imágenes visuales y auditivas moldeadas por la dimensión poética, en sus distintas expresiones, que clausuran un hecho teatral “apasionadamente” perfecto.000155704

Ficha técnica: La noche a cualquier hora de Patricia Díaz Bialet. Adaptación: Mariano Dossena1 y Gustavo Pardi. Elenco: Ana María Cores, Florencia Carreras, Gustavo Pardi. Saxofonista en vivo: María De Vittorio. Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni. Realización de vestuario: Claudia Olivera. Música original y diseño sonoro: Gabriel Senanes. Entrenamiento vocal: Nancy Ocampo. Técnica de grabación: More Fernández Núñez – Estudio La Posada. Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco. Iluminación asociado: Martín Fernández Paponi. Prensa: Varas & Otero Comunicaciones. Diseño gráfico: En Diseño. Fotografía: Fuentes? Fernández. Asistencia oral: Natanaél Fernández. Asistencia de producción: Gabriela Benni y Emilia Nudelman. Producción artística: Pablo Silva. Dirección: Mariano Dossena. Centro Cultural de la Cooperación: González Tuñón. Estreno: marzo del 2017. Duración: 60′.

1Dossena volvió a aceptar el desafío de teatralizar poesía, y como en su anterior puesta en escena, Absorta y Desnuda, también logra la perfecta conjunción entre ambas artes:

https://lunateatral2.wordpress.com/2016/04/11/absorta-y-desnuda-de-leonor-manso-e-ingrid-pelicori/ [17/06/2017]

El Padre de August Strindberg

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El Padre de August Strindberg

Adaptación Marcelo Velázquez

La casa está que arde

El Capitán: ¡Ciertamente!..¡Y todas vosotras me habéis tratado como a un enemigo! Mi madre, que me hizo estropear para evitarse los dolores del parto; mi nodriza, que me inyectó sangre de mujer en las venas; mi hermana, que me enseño a soportar su voluntad; la primer mujer a quien conocí, que me dio, a cambio de las primicias de mi corazón, una enfermedad de diez años; mi hija, que reniega de mí, y tú, mi esposa que me envías a la tumba. (Strindberg, 179)

Afiche-imagen-el-padre-con-type-webAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El padre es una pieza teatral que data de 1887, su autor de conocida misoginia vuelca en ella mucho de sus propias vivencias y de sus prejuicios y construye personajes dicotómicos, buenos y malos, víctimas y victimarios, divididos por la cuestión de género, según el concepto que maneja el patriarcado. Las víctimas son los hombres sometidos a los caprichos de mujeres sin corazón que los llevan sin piedad a la locura, después de arrebatarles su valor, sus bienes, y su dignidad. Los impiadosos personajes femeninos son entonces los victimarios de una lucha sin cuartel que abre un abismo imposible de suturar, donde el amor verdadero es el real ausente. El dinero, el poder se juegan a través de los hijos, rehenes propiciatorios, botín de guerra de ambos contendientes, pero donde la mujer tiene para Strindberg siempre las de ganar, porque sólo ellas tienen hijos, ya que la paternidad para el hombre es una incógnita, una cuestión de fe. La dirección de Marcelo Velázquez resalta cada uno de los elementos que construyen la textualidad del dramaturgo sueco, y es muy inteligente su armonización y elección del elenco que constituye el universo de esa casa diseñado por el autor. Las muy buenas actuaciones de todo el grupo y los duelos que se establecen entre los personajes del padre, Edgardo Moreira, y Laura, Marcela Ferradás, conmueven porque le dan la carnadura necesaria para un relato que pone en evidencia la construcción del patriarcado y de los actores sociales necesarios para sus fines, por un lado, y por otro pone en evidencia que la lucha por el poder encierra un grado de maledicencia, y perfidia que lejos del prejuicio no tiene sexo. Strindberg podemos pensar que necesitaba hacer una denuncia de un comportamiento femenino que amenazaba su machismo, pero al mismo tiempo que defiende y se defiende de él, tal vez sin querer, deja en claro cuál es el lugar que la mujer ocupaba a fines del siglo XIX; lugar del cual quería escapar, demostrar que podía vivir sin custodia masculina obligatoria aunque sus métodos no fueran los mejores. Las tretas del débil llamará Josefina Ludmer al procedimiento de algunas mujeres que saben que en una sociedad que las menoscaba, ir de frente no es la mejor solución para sus deseos en la guerra declarada de los sexos y toma entonces iniciativas sinuosas para llegar a obtener su cometido, engañando y mostrando debilidad en el entorno cuando guarda sus cartas, las que le darán la victoria.19059279_1738913029734326_2001119871854208125_n El elenco que acompaña a los personajes principales, tienen una muy buena performance y son el marco necesario para una intriga cruel que atraviesa la platea, y conmueve, en todos los sentidos. El mismo se desplaza por un espacio diseñado de manera perfecta para hacer posible la coreografía, la suma de movimientos, entradas y salidas de los personajes; un largo recorrido que une el escritorio con el pasillo que da a la extraescena, a las habitaciones interiores y que los actores recorren en un diseño ajustado a la intriga. El vestuario, nos remite al momento de la primera enunciación, a su referencialidad epocal, datando los acontecimientos sin mencionarlo, y proponiendo desde la dirección un mirada histórica hacia una problemática tan cara en estos momentos, cargados de lucha en contra de la violencia de género. Coincidimos con la definición que establece el concepto de género no desde la sexualidad sino desde el rol que la sociedad le asigna a cada uno de sus integrantes. Esta versión, El Padre, construye un relato intenso que conjuga de forma acabada la escritura dramática y la escritura escénica en un hecho teatral sin fisuras.000156426

Ficha técnica: El Padre de August Strindberg. Elenco: Edgardo Moreira (El Capitán), Marcela Ferradás (Laura), Denise Gómez Rivero (Bertha), Ana María Castel (Margarita), Enrique Dumont (Dr. Ostermark), Luis Gasloli (Pastor), Santiago Molina Cueli (Nöjd). Diseño y realización de escenografía: Ariel Vaccaro. Diseño y realización de vestuario: Paula Molina. Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux. Música original e intérprete en escena: Alejandro Weber. Coreografía: Verónica Litvak. Diseño gráfico: Ruth Miller. Fotografía: Alejandra Villers. Prensa: Alfredo Monserrat. Producción ejecutiva: Lucía Asurey. Asistentes de escena: Gonzalo Jalile Luna, Alan Monserrat. Asistencia de dirección: Christian Di Desidero. Dirección y adaptación: Marcelo Velázquez. La Carpintería. Estreno: 17/05/2017.

Bibliografía:

Strindberg, August, 1994. August Strindberg. Teatro Completo I. La señorita Julia, Acreedores, Padre. Buenos Aires: Fray Mocho.