Cositas mías de Jorge García Alonso

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Cositas mías de Jorge García Alonso

Por la Compañía Teatral Concupiscencia

¿Cansado de las exigencias del mundo laboral?

¿Agobiada de la esclavizante vida en el hogar?

No se prive de gozar de las delicias de esta comodidad.i

000165517 cositas miasMaría de los Ángeles Sanz

Cositas mías es una pieza teatral estrenada en el movimiento teatral que surgió en plena dictadura cívico – militar, Teatro Abierto ’81, dirigida entonces por Villanueva Cosse. Tiempo después tuvo un recorrido por varios de nuestros teatros y llegó hasta New York. La dirección de Martìn Savo, hace una lectura inteligente y efectiva de la textualidad dramática de la pieza, y le da desde un humor farsesco que recuerda por momentos al cine mudo, el sentido que buscaba resaltar su autor. De la denuncia, del deme dos, de los tiempos de la llamada Plata dulce, como la películaii lo hizo al año siguiente, cuando todo parecía posible por dos pesos, y el consumismo exacerbado llegaba a nuestras playas de la mano de la importación indiscriminada y el cierre de las fábricas nacionales; Savo toma el conflicto y lo lleva en su atemporalidad, a pensar en nuestra sociedad en los noventa y en un presente donde la situación se le asemeja. En un espacio con un gran biombo atrás, de donde el vendedor saca sus artilugios como un mago saca pájaros de una galera, y un espacio vacío que llenaran la silla primero, el sillón y sus descendientes después, los tres personajes logran llevarnos por el camino del absurdo y a través de la risa a entender desde las situaciones inverosímiles que nos presentan, la manera que el consumismo y la objetivación de la sociedad de mercado rompe las relaciones humanas y las convierte en una lucha por la propiedad privada. Las actuaciones que se basan en el lenguaje del cuerpo y la gestualidad en la misma medida que en el soporte de la palabra, hacen que el texto conforme un elemento más dentro del trabajo, y no el único lenguaje a tener en cuenta. 000183159 cositas miasLa conformación de los personajes es muy cuidada y los actores logran un muy buen trabajo, que se refuerza por el vestuario elegido que de alguna manera ancla la temporalidad de la historia, el juego de luces y la música original para la pieza de Nahuel Morfeo que hace que todo suceda con la ingeniería de un mecanismo de reloj. La comicidad, la risa espontánea que surge del espectador no impide la reflexión que provoca verse desde allí como en un espejo cóncavo, para encontrar en los personajes la desmesura que da los tiempos del neo – liberalismo que atravesamos. El shopping, la búsqueda de llenar el vacío de sentido a través de la compra compulsiva, es uno de los signos de nuestro tiempo, y lleva ya desde la llegada de la globalización, años entre nosotros. García Alonso hizo de su tiempo una textualidad clara sobre la situación, comprendiendo que el deseo insatisfecho, y la compra por sí misma, era también una manera de cegar los ojos de todos para no ver la realidad que nos rodeaba. De allí a aquí la puesta de Martín Savo resignifica las palabras del autor, y profundizando el absurdo de las situaciones nos hace mirarnos en los personajes. 000183162 cositas mias

Ficha técnica: Cositas mías de Jorge García Alonso. Elenco: Constanza Canónico, Alejandro Gallego, Gonzalo Rivarola. Música original y sonorización: Nahuel Morfeo. Vestuario: Martín Savo. Caracterización: Paola Eugenia Cerolini. Realización de escenografía: Col Rivarola, Gonzalo Rivarola. Diseño de iluminación: Vicky Lagos. Fotografía: Aldana Rivarola. Diseño gráfico: Matías Hernán Canónico. Dirección general: Martín Savo.

iPanfleto que tiraba en escena el personaje del vendedor.

ii Plata dulce es una película de 1982 dirigida por Fernando Ayala sobre una idea de Héctor Olivera y guion de Jorge Goldenberg y Oscar Viale, con Federico Luppi, Julio de Grazia y Gianni Lunadei. El momento histórico elegido por los autores para dar inicio a la historia fue el Campeonato Mundial de Fútbol de 1978, cuando la idolatría por el dinero había alcanzado contornos inusitados y los argentinos hablaban cotidianamente de plazos fijos, dólares y los viajes al exterior.

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Inside Tango – Viaje interior por La Compañía de Leonardo Cuello

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Inside Tango – Viaje interior por
La Compañía de Leonardo Cuello

000181728 Inside tangoMaría de los Ángeles Sanz

Un viaje es siempre una metáfora de vida, es por eso que el recorrido que hace La Compañía de Leonardo Cuello es un viaje sobre la vida de cinco de las mujeres más significativas relacionadas con la música porteña y con la Historia de nuestro país, desde el lenguaje de los cuerpos en la comunión entre los danzantes y la música. Una puesta donde la luz también es protagonista, cálida desde abajo, luz blanca arriba. Las cinco parejas, van desgranando en sus movimientos lo que las pequeñas historias que surgen de los tangos y de la voz en off narran, en un suceder de pequeñas secuencias, interrumpidas por los tiempos de un ballet que nos atrapa con su lenguaje de figuras en escena. Un espacio donde cuatro mesas de metal, se refuncionalizan para dar lugar al movimiento incesante entre ellas, sobre ellas, desde ellas, hacia el abismo de los brazos de la pareja masculina, donde todo deviene en relato, en narración. Un muy buen vestuario, negro para las mujeres y los hombres, de rigurosa camisa blanca que acompaña con su diferencia los protagonismos de los sujetos referidos: Ada Falcón, Sabina Olmos, Gricel Viganò, Tita Merello, Eva Duarte. Sus voces acompañan el recorrido de los cuerpos; trajes y smokings negros para ellos, salvo para el partenaire de Eva que lleva adelante su performance desde la mítica figura del descamisado. Los típicos zapatos de taco aguja se transforman en los pies descalzos de Eva, su rodete único, su color de pelo y tras esos pequeños signos, toda una épica aparece más allá de las palabras. El color negro y el blanco, la suma de todos los colores, y la ausencia del mismo, fundantes de una afirmación: la vida con sus claros y sus oscuros, con sus luces y sus sombras, es también una película en blanco y negro, que resume todo: la suma de los sucesos que contiene, y las ausencias, la nostalgia de lo perdido. Virtuosismo en los giros, los cortes y quebradas, cuadro tras cuadro se suceden los aplausos de un público que sigue con atención y en silencio el abrazo de la música envolviendo los cuerpos de los bailarines. Los cuerpos a ras del piso se elevan, vuelan en los acordes de los tangos conocidos: Grisel, La cumparsita, Llamarada entre otros, y con precisión realizan la maravilla de hacernos sentir su presente levedad. Siguiendo sus palabras Cuello como coreógrafo y director de la puesta busca:

(…) Una composición donde uno se abre paso a través del otro. Una creación de trazo libre en la cual enfrento mi debate interior y le permito que se convierta en obra. (…) Un espacio que me permite viajar más allá de donde se supone reside el Tango…creando un mundo para mí, mis emociones y las criaturas que invaden mis sueños. Dedicado a mi amada madre, ella me acompañó a la danza. (Programa de mano)DSC_1771 (1)

Leonardo Cuello tiene una trayectoria que va desde Tangos al filo de la noche en el 2005, hasta este año en que inauguró con su trabajo sobre Osvaldo Pugliese, Juan D’Arienzo y Astor Piazzolla el Festival Iberoamericano de Teatro en Bogotá, Colombia.

Ficha técnica: Inside – Tango Viaje interior Bailarines: Milagros Rolandelli y Lisandro Eberle; Nuria Lazo y Federico Ibañez; Ayelèn Àlvarez Miño e Iván Romero; Laura Zaracho y Juan Del Greco; Marilú Leopardi y Esteban Simón. Diseño de banda sonora: Martín Jurado. Diseño de iluminación: Magali Perel. Diseño de vestuario y escenografía: Nora Churquina. Fotografía: Pablo Luque. Diseño gráfico: Billy Petrone. Prensa: Tehagolaprensa. Comunicación visual CCC: Claudio Medan. Producción ejecutiva: Laura Abal. Coreografía y dirección: Leonardo Cuello. Centro Cultural de la Cooperación: Sala Solidaridad. Duración: 60 minutos.DSC_1929

Migrantes de Gabriel Fernández Chapo

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Migrantes de Gabriel Fernández Chapo
Por la Compañía Franco Argentina
Mirando al Sur

María de los Ángeles Sanz

Migrar, migrar es un deseo, es una utopía de encontrar un territorio,
una cultura que nos permita volar, ser otros, distintos y mejores, que
nos dé una oportunidad para que los nuestros, también tras nuestro
trabajo, logren hallar un nuevo porvenir, más promisorio que el
presente. Migrar es una apuesta fuerte hacia el futuro. Gabriel
Fernández Chapo escribe la textualidad de Migrantes, bajo el nombre de
Sudacas, y nos lleva a un tiempo cuando las colas frente a los
consulados eran una normalidad cotidiana, tras casi veinte años de
aquella realidad, nada ha cambiado, y la migración en nuestros países
latinoamericanos, como en otras latitudes, por las mismas u otras
razones sigue siendo una permanente y fluida realidad. Como declara en
una entrevista en 2014 para Emmanuel Videla, tras su regreso de la
beca que había recibido en 2012 para entrevistar a inmigrantes latinos
en España:

Volví muy movilizado, porque son historias de todo tipo, historias de
separación de familias, de sueños, de expectativas”, cuenta. El
proyecto se llamó Sudaca. Chapo se mandó al avión. Cuando llegó al
aeropuerto, se presentó en calidad de “becario”. Y ahí se detiene y
recomienda a otros: “No hay que decir eso porque si no piensan que vas
a trabajar, que no está mal, pero…”. Marchó preso al calabozo. Le
renegó a la Policía: “¡Si vengo invitado por tu gobierno!”. De nada le
sirvió. Esos dos ingredientes juntos, Sudaca y “becario”, lo llevaron
a prisión por dos días, a pesar de que tenía una carta del cónsul
español invitándolo a realizar la investigación. Más allá, Fernández
Chapo reconoce que se llenó de historias de todo tipo, pero fue brusco
“asimilar algo que no era ficción, era realidad”.000183074 migrantes

Desde allí surge el proyecto junto a la directora y a un elenco
multinacional, que dará cuerpo a la puesta que hoy se presenta en el
Teatro del Pueblo. En un escenario que en Penumbras nos muestra a los
personajes enfrentados y hacia fondo una escalera, que tendrá la
funcionalidad de ser la escalera del avión, y la metáfora de la
movilidad social que buscan en su viaje. Con un vestuario pleno de
color y de señales étnicas, con la mixtura de diferentes técnicas,
entre ellas la del uso de máscaras, cada uno de ellos se va
presentando y nos va introduciendo desde el humor y la comprensión, de
cuáles son sus anhelos, sus deseos, y sus frustraciones. Las muy
buenas actuaciones, van concretando su pertenencia, desde una voz que
denuncia en su manera el origen, aunque a veces la tonada se pierde, o
está demasiado forzada. Una temática que se reedita, por la concreción
de las migraciones de ciudadanos de la patria grande a nuestro país, y
de nosotros, otra vez, buscando en la extensión de los límites a un
nuevo escenario para nuestro futuro- La incertidumbre propia de los
tiempos, la globalización nos lleva a la instancia de una procesión de
figuras fantasmales que surcan los mapas, corridos por la guerra, el
hambre consecuencia de ella, o de los mercados y sus crisis, y la
falta de un horizonte que se parezca medianamente a un estar en
armonía con el mundo. La dirección busca conciliar los relatos
individuales a través de la música y una coreografía que instala la
presencia de lo colectivo. Una puesta que busca la empatía, y transita
la emoción de las historias que nos convocan desde un pasado y
presente en busca de un mejor futuro.000183075 migrantes

Hemeroteca:
Videla, Emmanuel, 2014. “Quiero viajar de Ushuaia a la Quiaca” en NAN,
11 de noviembre.

Ficha técnica: Migrantes de Gabriel Fernández Chapo. Elenco: Mariana
Maciel, Juan Prada, Olivia Torrez, Vladimir Chorny, Paul Criollo
Criollo, César Riveros. Música y composición: Laura Dos Santos.
Asesoría y Realización de Títeres: Ivo Siffredi. Vestuario: Magda
Banach. Máscara y Commedia Dell’ Arte: Renata Armesto. Coreografía:
Fabián Gandini. Luces: Ricardo Sica. Diseño Gráfico e Ilustración:
Petre. Foodstylling: Marimè Suárez. Redes Sociales: Agustín Ariztegui.
Asistencia de dirección: Laura Kossoy – María José Colman. Dirección:
Greta Risa. Teatro del Pueblo.

Abracadabra. Festival de Teatro Infantil de Buenos Aires

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Abracadabra
Festival de Teatro Infantil de Buenos Aires del 14 al 28 de julio
Vacaciones con teatro comprometido con el otro

AFICHE OK FINAL PARA IMPRESION-01Azucena Ester Joffe, María de los Angeles Sanz

En el Auditorio Belgrano con la presencia de su madrina Marcela Morelos y el anfitrión del evento Julián Weich, se realizó la presentación del Festival que se desarrollará en las semanas de vacaciones de invierno. La primera cantó dos canciones de su conocido repertorio a capella, y logró conectarse con su público, el formado por los niños, y por sus padres que siguieron con su voz los temas formando un improvisado coro. Un Encuentro que tiene como característica la presentación de tres obras por día, y que parte de la recaudación, el 20 % va a ser destinada a UNICEF. De los niños para los niños, sería la consigna válida para la concreción de los trabajos que se llevarán adelante

¿Dónde está el final feliz? formó parte de la inauguración del Festival. Una historia donde el final es abierto al espectador para que éste construya su propio final feliz; y donde además se rescatan valores como la amistad y la solidaridad. Como los organizadores afirman:

Abracadabra es una antigua palabra que significa “hablar es crear”. Queremos que este Festival sea un gran espacio de encuentro para toda la familia, para que puedan crear, jugar, emocionarse, compartir y reflexionar. Queremos que este Festival sea una oportunidad para conectarnos con la imaginación y que todos puedan animarse a descubrir el inmenso valor creador y transformador que tiene cada uno y su palabra.1

Abracadabra es entonces un acontecimiento que cumple dos funciones, las dos sociales dedicadas a un espectador niño, y a uno adulto que lo acompaña: entretenimiento y solidaridad.unnamed

Programación diaria:

11 hs. ¿Dónde está el final feliz?

15hs. La Batuta Mágica

17hs. Superheroes vs Zombies

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1Según programa de mano

Una vida dedicada al teatro: Osvaldo Pellettieri

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Breve historia sobre una vida dedicada al teatro

Osvaldo Pellettieri1

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Gentileza de Carlos Ianni

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Doctor en Letras, Director del departamento de Artes, director de teatro, profesor en la Universidad, director y creador del Congreso Internacional de Teatro Iberoamericano y Argentino, director y creador del GETEA (Grupo de Estudios de Teatro Argentino e Iberoamericano, por más de veinte años; títulos que conforman un curriculum que es no sólo palabras sino una trayectoria de vida, para alguien que creía en el teatro argentino como objeto de estudio y como fundamento y parte de nuestra cultura. El teatro casi el “patito feo” dentro de la Facultad, tuvo en su figura un defensor arriesgado y constante para darle el lugar que le pertenece, recuperando las investigaciones anteriores, relacionando nuestro campo con el de otros continentes, el americano y el europeo; buscando siempre la forma de enriquecer y enriquecernos a todos los que tuvimos la fortuna de formar parte de su equipo. No hablo de riqueza material, sino de aquella que no se compra en ninguna parte, y que sólo se obtiene en los lugares donde reina la pasión al arte en todas sus disciplinas. El trabajo del GETEA de tantos años lo tuvo como un guía fiel y permanente, que no permitía que nadie bajara los brazos o que no se tomara su responsabilidad como una misión a cumplir. Era estricto con todos, y sobre todo con él mismo. Adriana Libonati nos relata su relación y una anécdota sobre él:

¡Siete años ya! ¡Siempre lo recuerdo! En estos días en que estamos ultimando los detalles del Congreso de Teatro Argentino e Iberoamericano que creó y consiguió imponer como la fecha más importante de ese teatro en el mundo, más intensa se hace la tristeza por su ausencia. Hace veinticinco años que estoy en GETEA y recuerdo que el día que me invitó a ingresar estábamos trabajando El día que me quieras, la pieza de Cabrujas. El teatro venezolano no era mi fuerte y jamás olvidaré la pregunta que me hizo: “Adriana en esta pieza, ¿qué es más importante, la historia chica o la historia grande? La chica, contesté y me dijo: “Muy bien, si viste eso, ya estás lista para ingresar al Getea.” Un orgullo y un inmenso beneficio haber sido su alumna. GETEA

1 Buenos Aires, 1945-2011

Maxi Rofrano y Marcelo Saltal a propósito de Vil Metal. Cuando nada más importa

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Maxi Rofrano y Marcelo Saltal a propósito de Vil Metal. Cuando nada más importa

“El metal dentro de una casa que se pudre y la cumbia en una fiesta lejana que no se festeja”

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Marcelo Saltal

 

Azucena Ester Joffe

Vil Metal… es un relato con color de barrio, a caso con el virado a sepia del Conurbano, con sus determinadas costumbres y códigos, donde la lucha por los sueños dichos en voz alta es cotidiana. Obra que se presenta en Vera Vera Teatro. Maxi Rofrano, dramaturgo y director, y Marcelo Saltal, actor, respondieron amablemente a nuestras preguntas:

Maxi, ¿el virado a sepia de las fotos es una elección estética?

Sí, pensando en que la estética de las fotos y de la puesta cuenten algo que tenga que ver con la obra. En este caso la gama de colores poco saturados busca tocar un poco la nostalgia, un pasado que se añora y que ya no está. También busca expresar un poco el estado de los personajes, que lejos están de los colores festivos que puede llegar a tener la Navidad (época en la cual se sitúa), como también lejos están de ese futuro feliz que tanto anhelan.

Es la primera obra teatral de Maxi cuya formación tiene que ver más con el cine… ¿Cómo se siente el saber que la obra llegó a “buen puerto”?

Marcelo: Mucha tranquilidad y alegría, por supuesto. En realidad, Maxi se supo ganar a fuerza de su enorme seriedad y profesionalismo el respeto de todos nosotros. Siempre fue muy claro con relación a lo que deseaba de la obra y de cada uno de los personajes. Nunca dudó. Y supo pedir, amablemente, que quería de cada uno de nosotros, como actores. Tuvo sapiencia, sensibilidad y visión también. Nos cuidó mucho a los tres Federico Minervini, Ana Clara Schauffele y a mí todo el tiempo, nos mimo durante el proceso, incluso, con más de un gesto. También supo pararse férreamente cuando algunas de las condiciones del proceso de trabajo así lo demandaban. Así que, al tiempo de estar trabajando con él, si podíamos albergar alguna duda respecto de sus orígenes artísticos, porque no venía del palo del teatro, rápidamente se despejó con todo esto que te cuento. No pasó tanto tiempo que nos miramos y nos dijésemos “estamos ante un director”… Ahí fue cuando nos terminamos de relajar y nos entregamos gratamente al juego que propone Vil Metal... Por todo esto, yo casi no tenía duda alguna de que íbamos a llegar a “buen puerto”. Confiaba cien por ciento en nuestro trabajo. Y no nos olvidemos de que el texto es muy bueno, entonces, partiendo ya desde ahí teníamos un plafón de partida súper sólido… Sabía, que con todo esto más el trabajo de Maxi como director, la llegada iba a ser “puerto seguro”. Le auguro, al margen de su actividad en el plano de la realización audiovisual, un más que auspicioso desempeño en el plano teatral, tanto como autor y director, porque tiene con qué y con creces.

¿Podría decirse que tiene una mirada, desde la dirección, a mitad de camino entre lo teatral y lo vivencial, algo del documental?

Maxi: Dirigí mi propio texto, que si bien es ficción, está construido sobre experiencias propias y un universo muy personal y querido. En esencia, la historia refleja sueños y frustraciones por las que creo que todos hemos pasado, canalizadas puntualmente en la situación que atraviesan estos personajes. Lo que viven ellos sobre el escenario es tan real, tan humano, que la decisión fue encararlo de una manera realista, expresando que: más allá de que ésto sea teatro, ésto nos pasa.

Marcelo, El Mono es un personaje visceral, algo diferente a los anteriores…

Creo que la diferencia que tiene El Mono con otros personajes que he hecho es que acá el marco36870024_1953472704683948_6494343207021707264_n en el que sucede, como género en el cual contamos esta historia, es otro. Es una comedia, si bien dramática, pero comedia al fin, y eso sumado a lo bien que están planteados los personajes en la pieza más lo bien que está armada la obra dramatúrgicamente hablando me permite, por ahí, que connote, de forma diferente, a otros trabajos anteriores míos respecto de éste: El Mono… Te soy sincero, en más de una ocasión temía, e incluso lo charlé con Fede (Federico Minervini), con quien trabajamos juntos también como actores en Vagode Yoska Lázaro, sobre si El Mono no tendría mucha similitud con Camacho, mi personaje en Vago… Por suerte, eso no pasó y respiro aliviado. Pero ahí tenés, tanto Camacho como El Hincha en Fuera de juego, de Miguel Fanchovich, tenían en común que ambos provenían de ciertos márgenes sociales muy laterales, sumamente expresivos y viscerales… Como lo es El Mono en Vil Metal… Pero puedo quedarme tranquilo ya que si bien estos tres personajes forman parte, si se quiere, de una misma constelación, son completamente diferentes. Lo que sí me pasó, acá como actor, fue que disfruté enormemente el hecho de estar transitando una comedia… Casi no he andado por este género excepto, hace unos años atrás, cuando hice Un día es un montón de cosas, de Jimena Aguilar, ahí también hacía una comedia dramática, pero allí era un judío ortodoxo, Elías, que no tiene nada que ver con este Mono. Siempre me han tocado personajes con una enorme carga y densidad dramática -lo que disfruto un montón pero tener la posibilidad de expandir mi registro actoral haciendo comedia me gratifica mucho. Es un regalo que me haya llegado El Mono. Ojalá a partir de ahora no sólo me sigan ofreciendo propuestas para hacer personajes sumamente dramáticos sino también personajes con ribetes en este tono de comedia que tanto disfruto. Ojalá así sea.

¿Cómo fue la selección de los temas musicales?

Maxi: La selección de la música tiene que ver directamente con el mundo de los personajes y el contraste en el que se ven inmersos. Ellos son unos metaleros acérrimos, fundamentalistas, que están dentro de una situación cultural y musical de la que quieren escapar. Desde ese lado se buscó un contraste: el metal dentro de una casa que se pudre y la cumbia en una fiesta lejana que no se festeja.

Por último y por fuera de Vil Metal…, qué le dirían al espectador/ra que no apaga su celular al ingresar a la sala.

Maxi:  Le diría que no tenga miedo, que no le va a pasar nada por apagar el celular un ratito. Es más, le va a hacer bien desconectarse completamente por un rato del mundo virtual y sumergirse por completo en el ritual teatral. Y, sacando la poética a un lado, si no lo quiere apagar o no puede, que se fije bien de ponerlo en silencio, que revise las alarmas, porque de verdad puede distraer a los actores y perjudicar el espectáculo.

Vil Metal. Cuando nada más importa de Maxi Rofrano, con Ana Clara Schauffele (Sil), Federico Minervini (Rama)y Marcelo Saltal (Mono), se presenta en el Vera Vera Teatro los sábados a las 23 hs.

¿Me decís de mañana? de César Brie

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¿Me decís de mañana? de César Brie

Con fragmentos de Flor Michalewicz, Vera Dalla Pasqua y Chiara Davolio

¿Dónde está el baño?”  Preguntamos con timidez. Al fondo” ¿Y la verdad?” A veces aparece en el fondo, cuando dos mujeres se encierran en un baño.1

unnamed1Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Una sala, en un semitono de luz, dos esfinges, dos estatuas vivientes nos reciben, una en cada esquina del espacio, en el medio una bañera, de allí cobran vida, se despojan y nos revelan que su altura se debe a que están subidas a sendos bidets; el espacio entonces: un baño. Desde ese lugar, que el dramaturgo considera el universo de la subjetividad femenina, todo, el presente, el pasado y el futuro se conjugan a través de una memoria y sus voces que se despliegan para contarnos historias, que las unen, las involucran, y nos van llevando a los espectadores a nuestros propios recuerdos, mutilados por la impaciencia de una vida que corre delante nuestro, a pesar nuestro, que muchas veces pareciera sin nuestro consentimiento. Niñas, madres, abuelas, una cosmovisión desde la femineidad y sus deseos, los íntimos y los que surgen del mandato. Las actrices dúctiles, hacen de su geografía y de los objetos que las rodean un mundo privado, con talento, con una plasticidad que asombra. Los objetos concretos se transforman, y a partir de la funcionalidad necesaria, toman otras dimensiones: la bañera, barco, el bidet, pedestal. Relatos, relatos, narrados a dos voces, con una continuidad entre la vida y la muerte de ese espacio que llamamos vida, y que como mujeres tejemos de dudas, de amores, de situaciones cíclicas, hijos y desengaños. Un texto escrito en colaboración, una dirección que a través de las actrices logra traspasar la cuarta pared sin transgredirla, una comunicación que no sólo se vale de la palabra, sino que hace de la poesía una acción, y logra desde los cuerpos y los objetos crear imágenes que hacen volar las ideas y nos permiten seguir la historia buceando en la propia. Todos los elementos se conjugan a ese relato que parece único, pero que sin embargo es universal y singular al mismo tiempo. La amistad entre mujeres guarda entre las cuatro paredes de un baño historias que se repiten de generación a generación con matices, los de la personalidad de cada una de sus integrantes, y los de un contexto que en gran parte determina que sí y que no en relación entre pares y con el objeto de deseo: el hombre. unnamedLa sororidad esa amistad comprometida entre mujeres, que guarda una mirada de ternura cómplice para la vida de las otras, sin críticas ni falsas dicotomías, sino entendiendo la dura lucha que dentro de un sistema patriarcal, androcéntrico, que sostiene desde su división de géneros la vida perpetua del capitalismo, se nos presenta en la textualidad de Brie, que trabaja con la cuestión de género, sus diferencias, sus violencias, las ocultas que pasan inadvertidas, y las otras las que se muestran en señales inequívocas en los cuerpos cosificados de las mujeres. La puesta nos dice todo eso pero desde la metáfora de una poesía que apuesta a la palabra y al lenguaje de los gestos, y de esos cuerpos que desde su coreografía señalan la proxemia de sus personajes y marca la distancia del tiempo cuando establece una línea pendular de derecha a izquierda y viceversa, y de arriba hacia abajo. Movimientos que son a la vez imágenes de una historia, la que se teje en las paredes de un baño, que es a la vez la escena de una amistad que se mantiene a lo largo de una vida, una singularidad que nos lleva a pensar en otras; imágenes de una road movie que transcurre ante la mirada del espectador y que nos lleva a un viaje por fuera del tiempo real. unnamed3

Ficha técnica: ¿Me decís de mañana? de César Brie. Con fragmentos de Flor Michalewicz, Vera Dalla Pasqua y Chiara Davolio. Intérpretes: Vera Dalla Pasqua y Florencia Michalewicz. Música: Pablo Brie. Arreglos musicales: Matías Wilson. Vestuario y objetos: Sharon Luscher, Rocío Zanier Quintas. Piso: Giancarlo Gentilucci. Video: Juan Barone. Fotos: Hernán Paulos. Diseño gráfico: Daniela Potente. Producción: Fernando Rosen. Dirección: César Brie. La Carpintería Teatro. Estreno: 04/07/2018. Duración: 70’. Funciones: miércoles 20:30 hs.

1 Fragmento del programa de mano

Vil Metal. Cuando nada más importa de Maxi Rofrano

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Vil Metal. Cuando nada más importa de Maxi Rofrano

Nunca me abrí de esta manera. La vida es nuestra, vivámosla como queramos.

Estas palabras no solo las digo, sino que nada más importa.1

unnamedAzucena Ester Joffe

El ambiente del Vera Vera Teatro es acogedor, en especial, para estas frías noches de invierno, y la espera se hace agradable con un vasito de cerveza artesanal. Las dimensiones de la sala son reducidas lo cual nos permite involucrarnos con la historia desde el inicio por la cercanía al espacio lúdico. Ficción que se desarrolla en una cocina de paredes descascaradas, quizá como metáfora de una cotidianidad a jirones, con algunos elementos sobre la mesa -un pequeño arbolito navideño, un barato muñeco Power Ranger,…y una heladera vacía cuya puerta no cierra. Por momentos la luz es muy tenue, tal vez por la baja tensión, pero estos personajes están acostumbrados a que así sea y no alteran su diálogo. Una historia simple, común, que nos ubica en el Conurbano Bonaerense con sus protagonistas atravesados por sueños que intentan cumplir a toda costa. En una noche calurosa de Navidad, después de las doce, cuando los pequeños quieren abrir su regalos y los adultos sólo festejar. La pareja enfrenta una crisis, Sil (Ana Clara Schauffele) ha decidido marcharse y dejar al pequeño al cuidado del padre, para retomar su entrenamiento corporal rompiendo con la idea de que sólo ella es la responsable de la crianza del hijo. En tanto, Rama (Federico Minervini), que le había ocultado su intención de realizar una gira por Perú, quiere vivir del Heavy Metal. El Mono (Marcelo Saltal) es el vecino y es quien empuja al joven a intentarlo todo por el sueño personal. Ellos son dos metaleros que, sin embargo, se ganan la diaria con una banda de cumbia pero tienen la necesidad vital de volver con su banda de metal, posibilidad que les brindaría la utópica gira. Ambos mantienen a flor de piel ese pasado que forma parte de su esencia y no les importa lo que tengan que dejar en el camino. El conflicto de base parece estar en saber cuál de los proyectos de vida es el impostergable.

En el espacio virtual representado, transcurre la fiesta y se escucha la música -mezcla de cumbia y heavy metal. Esa instancia tan frecuente entre los vecinos del barrio, donde siempre hay un plato más en la mesa y una birra para compartir, algo insólito entre los habitantes anónimos de un mismo edificio en las grandes ciudades. El elenco de manera acertada le otorga la textura a cada criatura, tres seres comunes y queribles, con el ritmo sostenido que requiere la situación dramática. Aunque no podemos dejar de mencionar, especialmente, el desempeño de Marcelo Saltal, quien construye a su Mono de forma orgánica, con su gestualidad y sus desplazamientos. ¿Quién no tiene a algún Mono en su círculo cercano?

Vil Metal… es un relato con color de barrio, acaso con el virado a sepia del conurbano, con sus determinadas costumbres y códigos, donde la lucha por esos deseos dichos en voz alta es cotidiana, sin el permiso de bajar los brazos. Entre el humor, algo de tensión y el drama del día a día, la propuesta escénica de Maxi Rofrano nos atrapa desde el comienzo y una vez concluida nos queda el sabor de haber estado con gente conocida, la que pelea por sus sueños con dignidad, quizá, como única forma de mantenerse vivos en una sociedad que intenta expulsarlos constantemente; un “territorio otro” que parece ser ajeno a muchos argentinos.30707985_448051588985647_7226249576070512640_n

Ficha técnica: Vil Metal. Cuando nada más importa de Maxi Rofrano. Actuan: Ana Clara Schauffele (Sil), Federico Minervini (Rama), Marcelo Saltal (Mono). Escenografía y Vestuario: Carolina Beltrán. Diseño de Luces: Gonzalo Calcagno. Diseño Gráfico: Facundo Maioli. Ilustraciones: Sabrina Janczewski. Fotografía: Carlos Brigantes. Prensa: Correydile. Producción Ejecutiva: Maxi Rofrano. Producción: Maxi Rofrano y Delfina Robles. Supervision de Direccion: Juan Prada. Dirección: Maxi Rofrano. Teatro Vera Vera. Estreno: 12/05/2018. Duración: 70’. Funciones: sábados 23 hs.

1Según programa de mano.

Como arena entre las manos de Pablo Mascareño

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Como arena entre las manos de Pablo Mascareño

Quisiera esta tarde divina de octubre/ pasear por la orilla lejana del mar;

que la arena de oro, y las aguas verdes,/ y los cielos puros me vieran pasar. (Alfonsina Storni)

cl_3746Azucena Ester Joffe, Leticia Vega

El mar siempre despierta fascinación y, a la vez, nostalgia; es el punto de inevitable encuentro entre un tiempo pasado que emerge con fuerza adueñándose del efímero presente. La obra que nos ocupa es la primera de la Trilogía del Mar1 y pone en escena ese “tiempo otro” donde queda suspendida nuestra mirada junto a los recuerdos. Este unipersonal, interpretado por la actriz y cantante Ana María Cores, se divide en escenas que recorren los artículos del “Reglamento de baños para el Puerto de Mar del Plata”, de 1888, ley que imponía la manera en que se desenvolvía la vida en la playa. Así, el tiempo de descanso familiar transcurría atravesado por los prejuicios de la época que vistos a través del tiempo resultan risueños y un tanto pacatos. Una historia pequeña, privada, que es atravesada por el espacio público y nos involucra desde lo afectivo. Quizás, para algunos, sólo sea una excusa para rememorar esos veraneos en familia que han marcado a fuego el devenir de una época y de la propia vida de Margarita, y, para otros, tal vez represente esos lugares entrañables a los que se regresa una y otra vez en la búsqueda de aquella grata remembranza. Memorias, recuerdos en imágenes y en sonidos, la playa de arena dorada, una roca cerca del mar, canciones que traen el reencuentro con los afectos, los juegos de la infancia, los primeros amores, y esa abuela tan querida cuya presencia sigue intacta en ese lugar. La escenografía se vale de unos pocos y simples elementos para evocar el espacio amplio y solitario que la protagonista transita con un despliegue que domina la escena plenamente mientras que la iluminación la acompaña de manera sutil. La pregnancia escénica de la intérprete le otorga a su personaje una textura especial, con la espontaneidad de la infancia, las dudas de la adolescencia y la nostalgia de la adultez.

En Como arena entre las manos todo fluye con naturalidad y el ritmo sostenido nos envuelve como la brisa del mar. Esta obra ha realizado con éxito presentaciones en el interior de nuestro país y también en el exterior. 000069380

Ficha técnica: Como arena entre las manos de Pablo Mascareño. Protagonista: Ana María Cores. Música original: Carlos Gianni. Diseño de espacio, iluminación y vestuario: Herminia Jensezian. Fotografía: Néstor Grassi – Tato Borounián. Realización de video: Ariel González. Gráfica de la compañía: Edgardo Kevorkian. Comunicación visual – CCC: Claudio Medin. Dirección general y puesta en escen: Herminia Jensezian. Producción ejecutiva: Pablo Mascareño. C C de la Cooperación: sala Raúl González Tuñón. Duración: 60’. Funciones: domingos 19 hs.

1Según programa de mano.

Fin de semana en el Crisol Dos obras

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Fin de semana en el Crisol Dos obras

La Morsa. Epílogo en un acto de Luigi Pirandello

Ema y el plan de Mariano Retorta

María de los Ángeles Sanz

000181504 La morsaEl Crisol es un proyecto teatral que hace poco inauguró su nueva sala en Malabia 611 y que tiene una programación variada que nos permite como espectadores acceder a puestas de clásicos como La Morsa de Luigi Pirandello, o una obra de un joven dramaturgo, Mariano Retorta, que además se hace cargo de la dirección, y nos propone una oscura historia que involucra un tiempo oscuro, el nuestro, y el engranaje que lo mantiene en pie, y le permite seguir aumentando su poder sobre los cuerpos. En La Morsa, un melodrama bajo la mirada ácida y desencantada del autor, se nos presenta un triángulo amoroso, que señala al personaje femenino como el causante de su propia tragedia. En un escenario de fin de siglo XIX o principios del XX, una mujer casada, cansada de la mediocridad de su vida, de esa morsa que representa para ella la vida cotidiana, y la soledad enjaulada en que vive, se entrega a un juego amoroso a la Bovary, con el deseo de insuflar en su vida un toque de pasión que la libere de su claustro. Sin embargo, la mirada del autor, al que la dirección se mantiene fiel, ve en su decisión una transgresión que merece el desenlace, y la muestra en toda su dimensión humana, que no alcanza para justificarla. En un espacio, la sala de la familia, un muy dispositivo escénico, la iluminación, el sonido y un vestuario detallista, nos llevan a un tiempo necesario para comprender las acciones de los personajes, su subjetividad construida desde un imaginario social que guardaba para la mujer el lugar de lo privado, y descargaba sobre ella un rigor que no ocurría con el hombre en las mismas circunstancias: la realidad de perder a los hijos en caso de adulterio era una constante en un tiempo donde la patria potestad le correspondía solamente al padre. Las actuaciones tienen buenos momentos de tensión, en los encuentros personales, entre esas tres almas, donde quedan reflejadas más que el amor, las debilidades y las bajezas humanas. La Morsa, llamada en un principio, L’epilogo, es la primera obra publicada del dramaturgo en la revista Ariel, en 1898. 000181500 La morsa

Ficha técnica: La Morsa. Epílogo en un acto de Luigi Pirandello. Traducción: Laura Pánico. Corrector: Fernando Casado. Elenco: Marcela Fraiman, Néstor Navarra, Camila Grosso, Martín Ortiz. Vestuario: Jorgelina Herrero Pons. Escenografía: Marcelo Chávez. Iluminación: Damián Monzón. Aspectos sonoros: Gabriel D’Andrea. Asistencia de dirección: Camila Grosso. Dirección general: Gustavo Oliver.

000178324 EmaMariano Retorta, crea climas antes de que las acciones nos adentren en una intriga que en un principio parece compleja, fragmentada, y que luego va como un ovillo, desenredando sus hilos hasta dejarnos ver el nudo, el punto central del relato. Un pueblo en el sur, petróleo y prostíbulos, y una intricada relación que tiene que ver cómo nos anticipa el personaje narrador, Néstor Demestri, que abre y cierra la puesta, con el esclarecimiento del desmedido afán de lucro de un capitalismo feroz que nos hace olvidar nuestra humanidad. Ema, Mónica Felippa, llega a ese lugar, regenteado por Perla, Gabriela Capurro, que guarda como un tesoro el cuerpo de Tina, Nailon Costa Ferreiro, que guarda en sí el futuro. Un futuro que depende del reconocimiento del dueño de todo, Felipe, Fernando Silvestri. Todo es sórdido, desangelado y así lo presenta una escenografía, que desde el comienzo nos habla de rutinas de pobreza; y la iluminación que nos mantiene en una semipenumbra que no altera la sinuosidad de los acontecimientos sino que los sostiene desde su marcada oscuridad. Como en el absurdo de amenaza, ese universo que se sostiene a sí mismo desde la ignominia de una sociedad que mal y tarde se hace cargo de sus fracasos, alguien viene desde el afuera, Omar, Sergio Núñez, a pretender transgredir esa unidad y proponer nada nuevo tampoco, pero sí un luz de amor en esas personas construidas desde su ausencia La sobrevivencia, tiene que ver con la aceptación del cuerpo como mercancía, y así lo entienden los tres personajes femeninos, que no están contra el statu quo sino que intentan adaptarse a las circunstancias, tal como estas se presentan, sin importar los límites, sin límite. Las muy buenas actuaciones hacen que el texto atraviese sus corporalidades, y como espectadores mantengamos una atención constante hasta el final, de una intriga que tampoco le escapa a momentos de humor y de alivio en su desarrollo. Una propuesta muy interesante, para disfrutar de la performance de los actores y las actrices, para pensar en lo que se nos propone asistir, y relacionarlo con la realidad que nos circunda, para ser testigos reflexivos de una verdad que conocemos y queremos ignorar en la misma proporción para vivir sin pensar en el olvido y la marginalidad de los otros. 000178323 Ema

Ficha Técnica: Ema y el plan de Mariano Retorta. Elenco: Mónica Felippa, Néstor Demastri, Sergio Núñez, Nailon Costa Ferreiro, Gabriela Capurro, Fernando Silvestri. Iluminación: Sofía Constantino. Producción: Micaela Lorenzi. Fotografía: Melisa Lorenzi. Dirección: Mariano Retorta. Teatro: El Crisol.