Estrella de Juan Pablo Geretto

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Estrella de y por Juan Pablo Geretto
El aire sale, el aire entra

La vida tiene efectos colaterales (Geretto, Estrella)

El humor es la ùnica manera de soportar cosas. Despuès de acà para afuera, uno tiene una responsabilidad, como comunicador, le ponès un lìmite a la barbaridad. (Geretto, entrevista Pàgina 12)

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Marìa de los Àngeles Sanz

Un escenario invadido por naranjas nos recibe, una metàfora tal vez de lo natural de lo campestre, del espacio – territorio donde se desarrolla la historia de Estrella, una mujer que intenta salir de lo construido por otros para ella, de tener una voz, la propia y sentirse viva a partir de expresar lo que siente. Porque Estrella, la vendedora de Avon, nos vende ilusiones en sus cosmèticos que son las mismas que la sostienen; porque ella es una construcciòn: de sus padres, de su marido, de sus relaciones, y a la vez es un ser deseante de otra realidad que nutre desde la pantalla de un televisor. Juan Pablo Geretto compone a esa mujer fràgil y a la vez entera en la resistencia a un entorno hostil con talento, con gracia, y con una sensibilidad admirable; resaltado por la excelencia del vestuario y el maquillaje, que acompaña la personalidad de la mujer, que sueña ser otra, y elige para sì un vestido de princesa de cuento, rosa, flores aplicadas, barrocamente femenino.

El espectador ve en el escenario una mujer: en la voz, en la forma de su gestualidad, en su manera de caminar y moverse, en su discurso ininterrumpido, fragmentado y verborràgico, con humor ingenuo por momentos, con ternura en otros y con la dramaticidad necesaria para llevarnos de una sensaciòn a otra sin escalas. A travès de su relato, van apareciendo los protagonistas de otras historias, la tìa, el modisto, su padre, su madre; y un contexto pueblerino que sueña con viajar a otros paisajes, a otras fotografias que la saquen de la medianìa y la rutina. La Pampa y el mar como lìmites de un territorio, el propio, que la ahoga desde que tiene memoria. Su cuerpo tambièn ha sido un lugar donde otros han dibujado un destino, del que le resulta difìcil escapar. Memoria, recuerdos, que saltan temporalmente, el personaje viene y va del pasado al presente, y viceversa; y teje una red que va delimitando su realidad.

Juan Pablo Geretto, es un actor, director y dramaturgo, que trabaja hace mucho tiempo con la tècnica del transformismo, y durante años se dedicò al cafè – concert. Su primer unipersonal fue en 1999 Sòlo como una perra, para luego en 2004 participar en el Fòrum Universal de Las Culturas en Barcelona con Còmo quien oye llover; trabajo por el que obtuvo nominaciones y ganò la terna de Espectàculos de humor unipersonal. Yo amo a mi maestra normal y Rain man son otros de sus trabajos premiados. La televisiòn a la que se considera adicto, tambièn lo tuvo en programas como Mañanas informales con Jorge Ginsburg, y ganò un Martìn Fierro, por su composiciòn de la travesti Reina, en Vecinos en guerra. En esta su nueva producciòn pone en acto toda su creatividad para ofrecernos una vez màs la ductilidad de sus recursos, para producir desde el humor una sensibilidad que nos hace pensar en el personaje, y en nosotros mismos, en cuanto tenemos todavìa de esa Estrella, que sueña y lucha con las herramientas que tiene para hacer diferente la monotonìa de su vida.

Hemeroteca:
Curia, Dolores, 2019. “Nace una estrella” en el suplemento “Soy” en Pàgina 12, 4 de enero.

Ficha tècnica: Estrella autor e intèrprete: Juan Pablo Geretto. Dramaturgista: Virginia Martìnez. Direcciòn: Virginia Martìnez, Juan Pablo Geretto. Diseño de luces: David Seldes. Diseño de vestuario: Magda Banach. Ediciòn de sonido: Diego Martìnez. Diseño y realizaciòn de pelucas: Eugenia Palafox. Diseño de maquillaje: Juan Josè Gasparini. Asistencia de direcciòn: Maru Reinoso. Realizaciòn de vestuario: Cèsar Taibo. Estilismo de pelucas: Diego Finos. Realizaciòn de zapatos: Escalfe. Fotografìa: Ale Lòpez. Diseño gràfico: Flor Bembihy. Prensa y difusiòn: Carolina Alfonso. El Camarìn de las musas.

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El trajecito rosa de Nara Mansur

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El trajecito rosa de Nara Mansur

42462622_1944698752263353_2380006623285346304_nLlego con la lengua morada, así como de trapo –diría–
como de tela oscura, violácea, de terciopelo raído
maltratada por algún mal tintorero la lengua.
Llego y me callo.
Es lo primero que digo: “qué pena, quién lo diría”
quizá sentarse es un decir
un gesto como eso es un decir
una palabra sentarse, un mohín doblar los vuelos de la falda
decir “que no se te vea la hilacha”
decir lengua, sacar la lengua. Hacer es la mejor manera de decir
es lo que sale de la boca sin pensarlo dos veces, es más, lo repito
como para convencerme, lo repito:
“Hacer es la mejor manera de decir”.
(“El silencio no está vacío”)

Azucena Ester Joffe

El particular estilo de la poeta, dramaturga y crítica teatral Nara Mansur nos propone una lectura íntima y, a la vez, polifónica, pues al final de cada poema encontramos una cita, una referencia. Nara nos envuelve con una mirada poéticamente política y comprometida tanto con el mundo femenino, aquel tan asociado al color rosa, como también con una determinada coyuntura que irrumpe en los intersticios de su escritura. El libro El trajecito rosa se ubica en el centro de dos puntos equidistantes: La Habana y Buenos Aires. Seguramente, tanto aquí como allá, recibirá la recepción y la lectura atenta que se merece.

En Octubre ser realizó, en la sala Osvaldo Pugliese del C. C. de la Cooperación, la Presentación de El trajecito rosa. La autora también coordina su ciclo Dramaturgias posibles, el segundo jueves de cada mes desde el 2013. Un encuentro donde la música en vivo, a cargo de Marian Danes y Guillermo Esborraz, y las imágenes proyectadas fueron el marco perfecto, el clima necesario para tanta poesía. Un continuum musical, desde la sonoridad del poema a la de cada instrumento. La poeta es dicha por la musicalidad de sus propias palabras que recita con los tonos precisos antes de la participación de cada uno de los invitados a la especial velada: Ana Arzoumanian, Liliana Heer, Nora Lía Sormani y Pompeyo Audivert.

El primero en presentar el libro fue Pompeyo Audivert:

Intenté hacer un collage para Nara Mansur, hecho con la misma sustancia de su ciencia: la palabra que es presencia. Las fui sacando de su libro, al azar, y las puse a hervir en mi argumento que era un agradecimiento. Al principio algunas palabras se enojaron y me pidieron que las devuelva de inmediato a sus extractos. Qué cómo es eso de hacer con ellas otro decir, otro canto, otra revuelta del sentido. La revuelta del sentido tiene sentido, les dije a las palabras reveladas, me extraña de ustedes que tienen una madre guana. Sí, ya sé, dijo una, no te hagas el vivo; se trata de que no queremos hacer otro nido. Creo que la que hablaba era la palabra “partido”, aunque me pareció que se lo soplaba la palabra “provinciano”. Más tarde comprendí que ellas tienen un sistema de soplidos y que hablan en conjunto. ¿Para quién? ¿Para qué? ¿Por qué ponernos a tu servicio grandulón? Agregaron algunas mientras otras lagrimeaban temiendo no poder salir de paseo. Para ella, porque sí, para celebrar esta noche, respondí ofuscado y casi lamentando mi propósito de convidarlas al agasajo. No obstante, me puse político y un poco poético: porque Nara siempre está encendida y encendiendo con su flor otros alientos. Si al fin y a cabo ustedes son deudoras como yo de su paciencia que las pescó distraídas después de acecharlas por años. De su magnética voz cantarina que las puso allí en esos riscos donde nunca estuvieron. De su niña risueña con sandalias rosas saliendo de la niebla envuelta en llamas con su abuela pájaro. Nara resuelta en poesía, en amnesia y en porvenir, porque ella sabe suspenderse y proyectarse más allá, en ese salto tan hondo y alto que da su ritmo. Las convoca a su lengua de trapo morado. Roja la lengua, mojada la lengua de saliva placentaria, enamorada. En eso la palabra “estigma” me dice: se nota que no eres de aquí, que sufres la poesía como en un parto con fórceps, que te sube la presión y te huele mal la boca. Es cierto, respondí mientras buscaba en su lengua un gatillo fácil para vengarme de las astutas. No soy de aquí, soy de otro páramo. Vengo del páramo de huesos, de la despresencia, del destiempo, del desaire. Ah.., del escenario, el pelado viene del escenario, dijo la palabra “madre”. Sí, soy un actor border, no obstante soy pariente convocado y tengo algo para decir junto a vosotras, si gustáis, y sino lo haré a mi modo. Mentí en la emergencia de verme descubierto. Fue ahí que las palabras “terciopelo”, “estigma”, “polvorín”, “tardecita”, “combate” ylimousine”, dieron un paso al frente y se pusieron a la orden, sonreí para mis adentros. Las estaba conquistando. Las palabras: “revolución”, “decoración”, “traumatizado”, “liderazgo”, “retaguardia”, “victoria”, “perseguidor”, “cobarde”, se mostraron distantes y angustiadas. No obstante, y para no ser menos,se pusieron también en la fila y arrastraron a las otras que faltaban. Ya estaban todas y nos miramos un rato. Y al verlas así dispuestas y expectantes de otro abismo, de otra aventura que yo debía darles, comprendí mi error, lo absurdo de querer homenajear a la poeta con las palabras de su propia paleta. Comprendí también que las palabras, como el aire, son aliento que se vuelve viento. Y que a veces, la poesía logra enamorarlas y hacérselas quedarse rato en su asunto; emancipadas de la servidumbre a las que el mundo las condena y hacerlas valer en otro sueño. En el sueño del lenguaje, en el lenguaje ensoñado. Esa criatura que vive atrás, más atrás del sueño, que nos tiene y nos impele sin replica al patíbulo del canto, en el rito del mártir. Las palabras comprendieron mi fracaso y volvieron alegres al aliento del libro, a su plan de consistencia rosa, roja, rosa, roja, rosa. Sólo me queda decir con mis palabras poca cosa: gracias Nara por militar tu oficio de poeta, por restituir el lenguaje a su valencia milagrosa; gracias por emancipar las palabras de su ausente presente sin porvenir y devolverlas al sueño de la otredad, a la realidad de poder ser en ellas presencia.43483751_1962190747180820_8976390410649731072_n

Luego fue el turno de Liliana Heer:

Tristeza heroica, alegría extravagante, impotencia carente de evasivas. Lejos del arrebato dualista, Nara Mansur pincela diversos ángulos introduciendo abismos: toques de amor, ruptura, éxtasis son disparados por un rebelde poder imperfecto, como son los poderes vibrantes. El trajecito rosa es una tragedia con maquillaje. Estamos ante la puesta a punto de lógicas del cuerpo presente: epifánicas encarnaduras de una escribir político por consistencia teatral vibrante de poesía. Si pensamos en el respeto como rodeo de la violencia, el erotismo es respeto de los valores prohibidos.

Nara Manzur expone su equipaje hecho de sueños y esquirlas, historias donde la verdad tiene el labial en erección.

Corresponde a otros despojarme de los harapos y dejar de asustar a los modistos.

Llevo tiempo con el figurín de Ellas en romance entre los dientes

el cadáver de mi abuelo a mis espaldas con el uniforme de caqui gris

el trabajo voluntario y la pedrada que no se quitó del ojo

las botas en la mano y los hongos en los pies, los surcos

horadados para sembrar papa, tabaco, café y naranjas.

Mis circunstancias, mis moldes como episodios de telenovela.

Mis horas y mi boca rosa rosa rosa vivaz.

“La libertad siempre ha sido y es libertad para aquellos que piensan diferente”, decía Rosa Luxemburgo. Entran en vigor los nombres, las alianzas configuradas mediante el devenir jugoso de la letra más los sabores del tema: una cabalgata mayor enarbolando el deseo desde todos los orificios. Marti está con nosotros, Lino Figueredo está entre nosotros. Cárcel donde la palabra tajea cobardía y posee la maldición del perseguido.

Nara Manzur conjuga los desfiles del signo con las revistas de moda del significante, transmitiendo al lector el mejor de sus dones: un cocktel embriagante compuesto por aguda reflexión, ritmo, suspenso, lucha, generosidad; en cada frase, esa pincelada irónica color asombro. “Tienes que tener estilo. Te ayuda a bajar las escaleras”. El trajecito rosa es una obra que estremece, celebremos el tesoro!

A continuación, y después de volver a deleitarnos la poeta, Nora Lía Sormani comentó:

Es un placer para mí presentar este libro de la gran escritora Nara. Nara es una poeta y entonces es una artesana que va confeccionado, cosiendo, hilvanando metáforas a través de sus sentimientos y sentires más profundos, más contradictorios, más humanos. “Hacer es mejor que decir”, dice Nara mientras hace poesía. El trajecito rosa es una donación, un nuevo testimonio, un nuevo libro de las huellas que deja Nara para construir sentidos y brindarlos a las lectoras y a los lectores. Y las huellas que deja para construir esos sentidos en este collar de poemas son “trapo”, “tela”, “terciopelo”, “hilachas”, “lentejuelas”, y también, “pana”, “satén”, “frunces”, “plisados”, “vuelo de las faldas”, “encajes”, y “costura”, “capa”, “botas”, “zapatos”, “tacos aguja”, “tiaras”, “tacones cuadrados”, “tocados de novia”, “sandalias”, “probadores”, “harapos”, “figurines”, “camisa blanca” que nunca pueden faltar, y también las figuras acicaladas, disfrazadas, matelaseadas o desnudas. Y engalardonando esos sentidos, el color rosa, presente a través de los billetes rosas para hacer las paces pero también el desamor rosa. El trajecito rosa con sangre de Jackie, el capullo rosa, el que no podemos hacerlo sin rosa, el gusto que es rosa, la boca rosa, las rosas rojas, lo rosáceo, el rouge, el filetado en rosa, y rosa mi carne y ese rosa tan violento o las rosas sin espinas, como dice el último verso del libro. Y Neruda con su frase: la rosa está desnuda o sólo tiene ese vestido. Y la infancia, en el poema “Aurora”, una infancia que se deja ir y que como una rosa se deshace en infertilidad, una bella durmiente que muere de amor. Y la Cenicienta de Nara, que se debate entre la mugre y el deseo, para tomar posición frente a la supuesta fatalidad de ser mujer y sus deseos más profundos, más auténticos. Y también las mujeres solidarias de la guerra. En el libro aparecen también las musas inspiradoras de Nara: John Cage, Marelin Thornton, Mauricio Kagel, Federico Garcia Lorca, José Martí, por supuesto, Pablo Neruda, Diana Vreeland, Fidel Castro, por supuesto, Renée Méndez Capote, Juana Bignozzi, Rosa Luxemburgo, Néstor Perlongher, Miguel Ángel Zapata, Olga Cossettini, Nicanor Parra, entre muchos otros. Las lecturas de Nara que alimentaron y vistieron sus pensamientos, sus sentimientos, sus formas de hacer poesía. Todos estos vestidos sociales de las telas y los rosas, son capas, texturas, que tapan el alma desnuda, revolucionaria, del yo poético, de la poeta. Alma que empuja las telas como puede, repite alegremente la maestra Rosa Pastora Leclere: escribir en lugar de pespuntear. Alma que empuja entre esas telas para salir a la superficie como cartas abiertas y mostrarse para gritar, para declamar, para compartir con los lectores, entre hilos y calzados apretados, sus grandes verdades con belleza. Una felicidad que estos poemas de El trajecito rosa lleguen desde hoy a todos los lectores argentinos, cubanos, y del mundo. Lectores contemporáneos que sabrán degustar y disfrutar de las sutilezas, de los decires poéticos de Nara Mansur

Por último, fue el momento de Ana Arzoumanian:

“Voy a dejarme la ropa puesta, quiero que todos vean lo que han hecho”, dijo ella. Podría haber sido ella. Podría ser aquella que se ajusta a la mancha de su traje arañando una frase, susurrando: la sangre de la muerte no se puede negociar. Podría ser, si no fuese que cada una de nosotras hemos tenido un trajecito manchado, una mancha por estridente, por inoportuna, por indigesta. Y por inadmisible, la hemos ocultado. Cada una de nosotras, caminando a tropezones, nos hemos cambiado el trajecito. Engullidas y desmenuzadas, para acabar con nuestros ciclos, desechadas luego de un proceso de neutralización y consumo; hemos portado todas el emblema de un asesinato.

Un archivo nacional testimonia el estallido de la descarga sobre la tela, un impacto mudo que no penetra, no horada; mancha. Una madre guarda el traje que guarda la nación en una sala sin ventanas y a temperatura constante.

Era 1963, la televisión era en blanco y negro. El primer católico presidiendo ese estado, la escena, la impresión del rostro, la Verónica. La imagen verdadera, la reliquia. El color.

Esa boca dada vuelta” “esa rosa dada vuelta dentro mío”, escribe Nara Mansur a la vista de todos, porque quiere que todos vean lo que se ha hecho. La Habana y sus tiendas, los uniformes, los cupones y los safaris de color grisáceo. El sábado negro, los trece días y la Isla, la Isla.

En casi todo mito fundacional la Nación es una mujer, una matrona o una guerrera de una cierta desnudez que un escudo o una espada apenas vela. En el rosa del vestidito, en la elección del hábito, radica la apuesta política de Nara Mansur. El rosa, ese silencio del rojo, es la abolición de la ginecocracia. Rosa como reducción de hembra a mujer alineada al catálogo del folletín, de lo romántico. Ese trajecito, el diminutivo, instancias de lo frágil, expresa la necesidad de una matriz regulada bajo el control estético.

Pero la del trajecito rosa, en el poema de Nara Mansur, tiene un arma en su mano, una pistola con silenciador. No para hacer invisible su disparo “en la boca del himno y del banco nacional” sino para no quedar sorda por la explosión. Sabe que “el silencio como ruido callado” corrobora una expropiación: ella sólo posee su cuerpo bajo los apelativos patrios. Es así como la Nación pide ser ubicada; emplazada por la emergencia del crimen que la convierte en la miliciana, una mujer en nombre propio que perturba el lenguaje inquisidor.

Nara Mansur cerró la Presentación de su nuevo libro con una cita del gran poeta Federico García Lorca que ha incluido al mismo. ¡Oh, bacanal poética!:

Es una rosa que nunca has visto; una sorpresa que te tengo preparada. Porque es increíble la ‘rosa declinata’ de capullos caídos y la inermis que no tiene espinas; ¡qué maravilla!, ¿eh?, ¡ni una espina!; y la mirtifolia que viene de Bélgica y la sulfurata que brilla en la oscuridad. Pero esta rosa las aventaja a todas en rareza. Los botánicos la llaman ‘rosa mutabile’, que quiere decir mudable, que cambia… En este libro está su descripción y su pintura. […] Es roja por la mañana, a la tarde se pone blanca y se deshoja por la noche. (Doña Rosita la soltera)43562228_1962196550513573_2645097897489596416_n

Mansur, Nara, 2018. El trajecito rosa. Editorial: Buenos Aires Poetry. Colección Pippa Passes: 80 pág.

https://buenosairespoetry.com/2018/06/20/el-trajecito-rosa-nara-mansur-%E2%89%88-coleccion-pippa-passes/

Informe de gestión 2018 y Presentación de la Temporada 2019. TNA – TC

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Teatro Nacional Argentino – Teatro Cervantes

Informe de gestión 2018 y Presentación de la Temporada 2019

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Alejandro Tantanian realizó, el 12 de diciembre, un detallado balance de la actual gestión y dio a conocer el conjunto de acciones que se presentarán en la Temporada 2019, cuya programación ya está disponible en: https://www.teatrocervantes.gob.ar/obra/programacion-2019/. Realizamos un breve resumen de dicho encuentro.

De forma dinámica y con optimismo, el director artístico del TNA – TC, fue despejando cualquier duda que pudiera surgir entre los presentes, y comentó que “como en el 2017 hemos realizados todas las acciones anunciadas”. Un evento en el que se fueron cruzando los logros y los anuncios y que, además, contó con la proyección de dos breves videos.

En primer lugar, hizo hincapié en la finalización de los trabajos de restauración de fachadas y terrazas del Teatro y dio detalles de esta situación que se concretó después de varios años de impasse. Asimismo, habló sobre la recuperación y el registro de parte del mobiliario, documentos, luminarias y varios textiles, entre otras cosas. “A principio de este año se comenzó a trabajar en la Etapa 2 del Proyecto de rehabilitación integral del Teatro Cervantes que prevé la construcción de dos salas nuevas, la actualización tecnológica y la mejora funcional del edificio”. Luego, anunció que la acción de inicio, 23 de marzo de 2019 y con entrada gratuita, será La asamblea de las mujeres, cuyo título remite a la obra homónima de Aristófanes. Una jornada de doce horas “dedicada al feminismo y a esta revolución extraordinaria que está pasando en el mundo”.

En la sala María Guerrero los estrenos serán: Yo escribo. Vos dibujas, escrita y dirigida por Federico León; Edipo rey de Sófocles, traducción y versión originales de Alberto Ure y Elisa Carnelli, con dramaturgia de Cristina Banegas y Esteban Bieda, dirigida por Cristina Banegas; L’Inhumaine, improvisación colectiva sobre una película de Marcel L ́Hebier. En esta sala se realizarán las reposiciones: El hombre que perdió su sombra, versión libre de La maravillosa historia de Peter Schlemihl de Adelbert von Chamisso, dirigida por Eleonora Comelli y Johanna Wilhelm; 5 S M (Shakespeare Material) versión reducida que durante el 2018, con éxito, se presentó en gira con contenidos acorde a colegios secundarios), concepto, dramaturgia y dirección: Laurent Berger; Tiestes y Atreo, escrita y dirigida por Emilio García Wehbi a partir de la tragedia Tiestes de Séneca; Sagrado bosque de monstruos, concepto Oria Puppo, Alejandro Tantanian, escrita por Inés Garland, Santiago Loza y dirigida por Alejandro Tantanian

La sala Luisa Vehil contará con dos estrenos: Tadeys de Osvaldo Lamborghini, versión teatral y dirección de Albertina Carri y Analía Couceyro; Testimonios para invocar a un viajante de Patricio Ruiz y dirigida por Maruja Bustamante. Y se repondrán: La madre del desierto, escrita y dirigida por Nacho Bartolone; Escritor fracasado de Roberto Arlt, en versión de Marilú Marini y Diego Velázquez, dirigida por Marilú Marini.

Se estrenará en la sala Orestes Caviglia: Un domingo en familia de Susana Torres Molina y dirigida por Juan Pablo Gómez; Adela duerme serena de Teo Ibarzábal (ganadora del Concurso de dramaturgia 2018 por unanimidad entre 372 obras). Y la reposición de En lo alto para siempre, escrita y dirigida por Camila Fabbri y Eugenia Pérez Tomas.

Además continuarán las visitas guiadas teatrales abierta al público en general con la reposición de La Guiada de Aldana Cal y Gustavo Tarrío, dirigida por Gustavo Tarrío y se retomará el ciclo “Tinta Fresca”. En tanto que el III Laboratorio de Creación estará a cargo de Ciro Zorzoli, y Tantanian aseguró:

Permitir el ensayo y el error es una de las cosas que queremos seguir apoyando. Es una de las formas de generar cambios en el arte y un teatro público tiene la obligación, entre otras cosas, de poder sostener el trabajo creativo y el riesgo de sus artistas. Será uno de los ejes de los cuales, mientras estemos aquí, no nos vamos a separar.

En cuanto a la programación Internacional, la misma hará foco en dos artistas libaneses, Rabih Mroué y Lina Saneh, en un ciclo de cuatro performances. El Teatro Cervantes será una de las sedes del Festival Teatroxlaidentidad; continuará con el Ciclo de Música Contemporánea con foco en la interacción entre música, escena, tecnología y performance; con la Feria del Libro, evento de tres jornadas, con espacios de reflexión y talleres gratuitos,.. .y se mantendrá el plan de Giras nacionales.

También comentó Tantanian que se llevará a cabo el primer laboratorio en artes electrónicas para generar contenidos que ya son de nuestro presente. Por otro lado, el primero libro ha editar en el 2019, Volumen, estará dedicado a Alberto Uré y destacó el trabajo realizado por el equipo de Gestión de Público. Posteriormente aclaró que durante el presente año se realizó una prueba piloto con lenguaje de señas, audio introducción y un programa en mano en braille para personas con discapacidad visual y auditiva. Para el próximo año:

Vamos a profundizar este trabajo para transformarnos en un teatro accesible en su totalidad. Queremos generar funciones accesibles de la gran mayoría de los espectáculos que programemos para que este teatro sea inclusivo […] La sala María Guerrero tiene aro magnético para la gente hipoacúsica, y estamos en desarrollo de poner aro magnético en las salas Luisa Vehil y Orestes Caviglia y esperamos concretarlo durante el 2019.

Finalizando, entre otras cosas, remarcó la continuidad del Premio María Guerrero y la necesidad de “un teatro de calidad que salga al mundo, que es lo que todavía nos queda como trunco”. Por último, agradeció a cada departamento que hace posible su gestión: “a todas y cada una de las personas que llevan adelante este teatro”.

No podemos ignorar que el cierre del acto estuvo a cargo del Secretario de Cultura de la Nación, Pablo Avelluto, quien dio un lamentable discurso para nada acorde con todo lo anterior.unnamed

Celosía. Teatro por cuartos 15/20 de Florencia Aroldi

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Celosía. Teatro por cuartos 15/20 de Florencia Aroldi

Editorial Nueva Generación, 2018

Páginas 154

CelosíaAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Los textos de Florencia Aroldi, preludiados por una dedicatoria a Osvaldo Dragún, el Chacho Dragún, y un prólogo de su autoría, tienen como característica, además de la brevedad propuesta como una poética eficaz, en un mundo donde el destinatario exige una temporalidad que guarde la contundencia de un relato con una sola unidad de acción, la de una escritura que se despliega como una piedra en el agua; mostrando en diálogos que se abren a la complejidad de las relaciones humanas, entre personajes del mismo tronco familiar, o de seres extraños entre sì, siempre con una carga de humor, cínico en muchos momentos, tierno en otros; dejando al desnudo el egoísmo y la soledad de los personajes. La escritura cruza lo íntimo con lo social, lo público con lo privado. Las obras donde el sujeto de la acción es femenino, son de un acto, de un solo acontecimiento, con una estructura aristotélica donde los finales dejan a partir del apagón, o de la mirada distanciada en algunas de la piezas, una posibilidad que cierra luego la percepción del espectador, su propia resolución del tema. Una situación que pasa a ser una anécdota que da lugar a la caída de la máscara y al desnudo de una verdad desangelada. Esa imagen del remolino, y del agua proviene de un consejo que Dragún le diera a la dramaturga, y que es como una solución disparatada tal vez, pero resolutivo ante los problemas, los reales y los de la escritura:

Florencia, si algún dìa estás nadando y te atrapa un remolino, no resistas, no trates de salir, dejate llevar y cuando llegues al fondo esperá el momento preciso de impulsarte con todas tus fuerzas, pero no hacia arriba, sino hacia el costado del remolino y vas a salir a la superficie…(7)

Así se suceden las piezas en Celosía , no en un lugar tiempo determinado sino en un espacio temporal tangencial:

Si el sainete sucedía en ese patio, y el grotesco en las habitaciones de los conventillos en, Celosía, teatro por cuartos 15/20, la acción sucede en el límite de esa arquitectura poética, en estas construcciones antiguas, recicladas, herederas de un mundo de cocoliche, de inmigrante, pero que a la vez exhiben la novedad de lo moderno. (11)

Procedimientos nuevos, distintos entre poéticas, para temáticas que nos involucran como espectadores, desde el origen de nuestra idiosincrasia.

Diez piezas, componen el volumen, la primera Malvina, centra el punto de conflicto en el velorio de la tía de Alma, Amanda y Adela. Un conflicto que deviene en los diálogos cuando los sentimientos teñidos de prejuicio, interés y abandono surgen de las palabras y nos introducen en la conflictividad de las relaciones familiares y los juicios de clase. Una relación que luego se reitera en Caprichosa. Una metáfora perfecta de los últimos tiempos del país es Glamour de camping, una pareja, clase media con aspiraciones, cuya pérdida en malos contratos los hace perder todos sus bienes, mientras se entretienen en un juego de niños, en el que persisten a pesar de las evidencias. En Just esa encrucijada entre lo social y lo particular se da entre dos personajes: Natacha y Celia, la vendedora de productos suizos, de alto costo, que son una marca de pertenencia a una clase, y la habitante de una villa que busca en la iglesia no a los mercaderes sino aquellos que puedan contenerla en la desesperación de una vida que la hunde en el abismo: droga, hijos, hambre, soledad, embarazo y una declaración de principios sobre la legalidad necesaria del aborto. La política y el deseo de ser alguien en el mundo del arte se desarrolla en Bajada de bandera, de lo mínimo y personal a lo popular y masivo en la figura de Eva Perón, y su discurso más conocido. La mujer siempre en su doble rol, el del trabajo para sostener su maternidad, y el de madre que se ve atravesado por la condición patriarcal de una sociedad que exige de ella toda responsabilidad, y la violencia del desempleo, tejen una relación singular en Coto, yo no te conozco.

Hemos nombrado a las seis primeras obras breves pero quedan las cuatro restantes para que las descubra y las transite el lector en soledad: No me arrepiento, Matafuego, El calefón y Feria del plato. Florencia Aroldi, dramaturga y directora, con su particular estilo nos interpela en el cruce vivido de la ficción con una realidad que se nos impone. Un material ameno y necesario para disfrutar y/o para regalar a todos aquellos que reafirman el arte y el teatro, en especial, ante una cotidianidad cada vez más difícil.

Chajá de Luis Cano

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Chajá de Luis Cano

La escritura de Cano es una escritura poderosa, crea evocaciones, transciende lo situacional. Provoca, expande sentido. (Santiago Loza)1

Chajá_AzucenaJoffeAzucena Ester Joffe

Ya desde su título, como aglutinador sémico, Chajá -esa ave robusta que suele vivir en pareja, de comportamiento gregario- nos propone una realidad atravesada por la subjetividad femenina. Una historia que podría parecer simple: un verano y una necesaria despedida, una decisión dolorosa para poder “volar”. Sin embargo la particular poética de Luis Cano, como ya nos tiene acostumbrados, nos involucra desde el inicio con su textualidad que, de manera fragmentada, recupera, a través de la memoria, y afirma esa subjetividad.

Laura López Moyano y Marcelo Mininno le otorgan la perfecta carnadura a los personajes, Claudia y Alejandro, ellos son parte de ese hábitat natural cercano a algún río o laguna de un pueblo pequeño, entorno que, a su vez, los une y los distancia. La adolescente, al sufrir una afección en los ojos, sólo puede ver a través de la mirada de ese otro, de sus comentarios y de sus descripciones -por ejemplo, cuando ella le pide ir al cine y él le relata la película. Mientras Alejandro sueña con vender keronsene cuando sea más grande, Claudia está segura que su sueño no está ahí. Ver sin ver. La protagonista, rompiendo la cuarta pared y en el presente de la fábula, va dando algunos detalles de ese amor juvenil, en tanto, él sigue en ese pasado que lo adormeció para siempre. Claudia, adolescente, lo ama y lo ve más allá de su dificultad momentánea, y en su hoy, adulta, necesita volver a esos recuerdos, quizá no tan felices pero que le permitieron soñar con otro lugar. Alejandro es más agreste, anclado en la tierra, y parece no verla, nunca sabremos si él la ama. Amar en soledad y un encuentro que parece imposible. Ambos son seres tiernos, queribles, espontáneos en una relación sentida pero que es distinta para cada uno. Los saltos temporales le otorgan un sólido ritmo interno y Laura López Moyano los transita de manera impecable porque el relato se fragmenta a partir de su discurso, verbal y corporal. A partir de los diferentes trazos que le otorga a su criatura nos lleva por un recorrido sinuoso y lúcido, con una intensidad visual que da cuenta de esas huellas, de esas “capas”.

El humor inteligente, con algo de melancolía, resalta de forma dinámica cada escena y nos sumerge sin dificultad en la ficción. En el espacio lúdico recortado por la precisa escenografía de líneas firmes -juncos y cañas- con pocos elementos construye ese posible sitio donde podrían convivir y poner los huevos la pareja de chajá. Junto a la acertada iluminación que va destacando los diferentes momentos, la alternancia entre el ayer y el presente. Por último, la música incidental y los sonidos del “ambiente” terminan por cerrar un hecho teatral donde encastran perfectamente todos los sistemas significantes pero no en un sentido unívoco sino que “provoca” y “expande sentido”.

Chajá es un potente texto escénico que se repondrá dentro del marco del FIBA, del 23/01 al 03/02/2019, y luego hará una próxima temporada, en principio, hasta mediados de marzo. Chajá-AzucenaJoffe

Ficha técnica: Chajá de Luis Cano. Actúan: Laura López Moyano (Claudia) y Marcelo Mininno (Alejandro). Diseño de Iluminación: Ricardo Sica. Diseño y realización de escenografía y vestuario: Laura Poletti. Realización de vestuario: Cintia Ledesma. Asesoramiento físico: Marina Otero. Dirección de voces y capturas de audio: Tian Brass. Diseño sonoro: Luis Cano. Banda sonora: Tian Brass, Luis Cano. Tratamientos sonoros: Alejandro Dramis e Irene Dogmática. Edición: Luis Cano, Meel Arcuri y Tian Brass (Samples de Dmitri Shostakovich, Los Iracundos, Los Paraguayos, Mario Álvarez Quiroga, Richard Wagner, Roberto Carlos y Twiggy). Gestión y financiamiento ejecutivo: Larisa Rivarola. Producción ejecutiva: Meel Arcuri y Disperso. Fotografía: Pablo Morgavi. Piezas gráficas: Laura Rovito. Community manager: Correydile Prensa. Operación técnica: Lisa Iris Benevet. Asistencia de escenas y operación de sonido: Maia Postolski. Asistencia de dirección: Meel Arcuri. Dirección general: Luis Cano. Estreno: 07/11/2018. En El Portón de Sanchez. Duración: 50’.

1Losa, Santiago, 2017. “Cano. La escritura encendida” en Yo estuve ahí. Textos dramáticos de Luis Cano. CABA: Inteatro: pág 191.

Nosotros. Música + Poesía. Pepa Luna, Germán Moldovan y Facundo Ponce

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Nosotros. Música + Poesía

Pepa Luna, Germán Moldovan y Facundo PonceNOSOTROS FLYER

Nosotros

Que nos queremos tanto

Debemos separarnos

No me preguntes más…1

Azucena Ester Joffe

El Museo Escenográfico Botica del Ángel es la excusa perfecta para disfrutar no sólo del espectáculo, Nosotros, sino también del singular espacio edilicio. Porque La Botica tiene esa energía intrínseca difícil de catalogar, es un mundo teatralmente exuberante y barroco construido a partir de retazos de memoria –privada y pública– que sigue viva más allá de su creador, Eduardo Bergara Leumann. Un verdadero “collage escenográfico”2. Luego de una breve presentación a cargo de José Luis Larrauri, quien fuera el asistente personal de Bergara y hoy está a cargo del Museo, nos introduce en esta particular puesta musical. En Nosotros, la poesía de Fernando Pessoa el poema Hora absurda va uniendo el repertorio algo ecléctico que da cuenta de la esencia del amor y también del desamor, de nosotros frente a la vida y a las relaciones amorosas.

Imposible no destacar la interpretación de Pepa Luna, cantante y actriz, andaluza de nacimiento y con algo de porteña por decisión, que se anima con nuestra música popular y con nuestro folclore –Zamba de usted, Tu pálida voz, Algo contigo, Torre de arena, Los mareados y Vida mía. Obviamente, logra encontrar el tono justo para cada melodía con la sensibilidad y la pregnancia que la caracteriza. Germán Moldovan, intérprete y director de la puesta, junto a Facundo Ponce, quien le da la voz al poema, son la otra cara de este recorrido por los sentimientos; además de los músicos en escena y de los bailarines que acompañan algunos de los temas musicales.47579954_10215711332949779_4124532105952624640_n.jpg

Ficha técnica: Nosotros. Música + Poesía. Voces: Pepa Luna, Germán Moldovan y Facundo Ponce. Dirección de puesta: Germán Moldovan. Guitarra: Fer Ruiz. Piano: Facu Rodriguez. Bailarines: Laura Eberhardt, Eduardo Marcelo Ramirez. Sonido e Iluminación: Demian Rafael Gonzalez. Prensa: Cakatúa. Dirección musical y arreglos: Juan Ignacio Calvell. En La Botica del Ángel. Función: 07/12/2018 (cambio de fecha por el G20) a las 21 hs.

1Nosotros canción ompuesta por Pedro Junco Jr. http://www.milenio.com/espectaculos/nosotros-una-tragedia-hecha-cancion [11/12/2018]

La Botica del Ángel es un collage escenográfico creado por Eduardo Bergara Leumann en el museo que fue su casa, donde sorprenden obras de arte de muchos artistas plásticos: Raúl Soldi, Antonio Berni, Luis Felipe Noé, Marta Minujin, Guillermo Roux, Juan Carlos Castagnino, Carlos Gorriarena, Josefina Robirosa, Héctor Borla, Juan Carlos Benitez, Eduardo Pla, Raúl Lozza; manuscritos de Jorge Luis Borges, Ernesto Sábato, Manuel Mujica Lainez. Recuerdos de actores y cantantes, algunos de los cuales debutaron en La Botica como Susana Rinaldi, Marikena Monti, Nacha Guevara, Leonardo Favio, entre otros. http://boticadelangel.usal.edu.ar/ [11/12/2018]

Teatro Off Shore: Florencia Aroldi

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ADELANTE Web2Teatro Off Shore: Florencia Aroldi

Corto. Cómico. Político

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Teatro breve, en un espacio diferente donde el espectador puede a la vez que disfrutar de la escena, deleitarse con una copa y algo más; donde luego será quien decida como gratificar, más allá del aplauso final, el valor de la puesta de acuerdo a sus posibilidades. Una forma dentro del campo que dada la crisis que nos contiene se extiende con mayor frecuencia en nuestras salas porteñas. En El Piso Teatro, cuatro piezas de Florencia Aroldi, dos de ellas, Coto, yo no te conozco y Matafuego, recientemente publicadas en su libro Celosía, teatro por cuartos 15/20, son puestas en acto por un talentoso grupo de actores y actrices que logran hacernos reír, conmovernos, empatizar con sus personajes, vernos en un espejo como sociedad; ya que las piezas tocan temáticas actuales, polémicas, algunas de violentas consecuencias como las que se suceden en Ágape y Matafuego, historia de una amor extinguido.

Cuatro obras donde el sujeto de la acción es la mujer, y su conflictividad en una sociedad donde las posibilidades de serlo, es decir, sujeto de derecho, se ve coartada por un diseño, por una estructura que la supedita siempre a un segundo plano, y a estar controlada por la mirada masculina.

***

Cuando los derechos están al revés1

En Ágape, la primera de la serie, dos personajes nos introducen en el ámbito de las diferencias de clase entre una mujer de la limpieza, y un amigo, abogado que trata de ayudarla cuando ella en un momento de furia, toma justicia por mano propia en el centro de una celebración. Julia Perez y Juan Arena le dan carnadura a los dos personajes, que con un humor negro desopilante y una muy buena performance nos introducen en la situación que va desencadenando otras hasta llegar a un final inesperado.

Ficha técnica: Ágape de Florencia Aroldi. Dirección: Adrián Garavano. Actúan: Julia Perez y Juan Arena.

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¿Confiarías en él?2

Coto, yo no te conozco es el segundo feliz encuentro con la acción dramática donde una mujer encargada de la seguridad del conocido supermercado, se encuentra en una disyuntiva que pone en evidencia no sólo la vulnerabilidad de su trabajo y su persona sino la realidad de un sistema que pone a los ciudadanos en condición de outsiders, losers obligados por la inmoralidad capitalista. Finalmente la solidaridad logrará que ambos resuelvan sus problemas. Lorena Szekely y Patricio Bettini, nos conmueven con su trabajo, junto a la presencia de la niña que recupera la sonrisa de todos, y la fe en los otros.

Ficha técnica: Coto, yo no te conozco de Florencia Aroldi. Dirección: Juan Arena. Actúan: Patricio Bettini y Florencia Szekely. Producción: Pablo López.

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¿Cuál es el límite?3

Matafuego, historia de una amor extinguido es la pieza estreno del ciclo, en ella el personaje femenino, nos presenta en la composición de María Eugenia Rigon una relación de pareja donde la violencia de género llega al limite, en el cuerpo del compañero de rubro de la actriz que juega a ser actriz en la puesta, Nacho Pelaez o Juan Lo Sasso, y en el de ella misma, cuando los celos y la inseguridad de su pareja, Juan Arena, lleve todo al abismo y la locura, al crimen. De las cuatro es donde el humor va dejando paso al miedo en una temática que nos rodea con toda su virulencia, y que la dramaturga no podía dejar de incorporar a su escritura. Los tres logran una muy buena perfomance.

Ficha técnica: Matafuego, historia de una amor extinguido de Florencia Aroldi. Dirección: Verónica Intile. Actúan: María Eugenia Rigon, Juan Arena y Nacho Pelaez o Juan Lo Sasso.

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¿Somos tan distintos a la hora de actuar por amor?4

Por último La Mili, el personaje construido por Julia Funari se enfrenta a una situación en la que la frontera física del cruce de un país a otro, la pone en el limite de sus nervios y en una discusión permanente con la ley: la patriarcal, su marido, Juan Trzenko y la legal en la figura del gendarme, Guillermo Parodi. Los tres personajes llevan adelante un diálogo hilarante, que nos mueve como espectadores a la risa espontánea y a la complicidad con la Mili, que sólo defiende su derecho a expresarse. Los tres tienen un muy buen desempeño y cierran la noche con una fuerte energía.

Ficha técnica: La Mili de Florencia Aroldi. Dirección: Guillermo Parodi. Actúan: Juan Trzenko, Julia Funari y Guillermo Parodi. Producción: Pablo Lopez.

ATRAS Web nov y dicTeatro Off Shore en El Piso Teatro: sábados de noviembre y diciembre 21:30 hs. Prensa: Correydile.

1 Programa de mano

2 Idem

3 Idem

4 Idem

Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2019

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Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2019

Timbre4 se prepara para recibir a la 7ma edición de TABA

Internacional de Teatro del 7 al 17 de febrero de 2019

TABA 2019Azucena Ester Joffe

Se realizó la Presentación de TABA 2019, el pasado 11 de diciembre, a cargo de Lautaro Perotti, Mónica Acevedo y Jonathan Zak. Quienes, merienda de por medio en el frecuentado bar, dieron detalles de Festival que ha incorporado aún más propuestas, más allá de la difícil situación que estamos atravesando: 8 países, 22 funciones, 9 espectáculos, 9 actividades especiales y más de 2000 entradas que ya están disponibles en http://www.timbre4.com/festivales/3-festival-temporada-alta-2019-taba.html, la preventa finalizará el 31/12/2018.

En esta oportunidad se presentarán obras de España -se suman Aragón y Mallorca, Perú, Uruguay, Colombia, Suiza-Alemania-Finlandia -con una cooproducción- y Argentina. La programación incluye: la Semana catalana, Mesas de conversación, Workshops y el Torneo de dramaturgia transatlántico. Esta edición contará con la novedad de que, por primera vez, se ha realizado una convocatoria de textos argentinos, para la cual se presentó una importante cantidad de trabajos, y podremos tener “nuestro propio tornero de dramaturgia”.

Un intercambio artístico que viene desarrollándose con algo de la impronta que ha caracterizado a Timbre4 desde sus inicios: “de abrir puertas y generar lazos”, “de ser refugio”. Un encuentro necesario, especialmente, en los momentos que vivimos. Mantener su continuidad y ampliar la programación es “un esfuerzo casi empecinado de Girona y de Timbre4, y por eso sentimos tanto placer al presentarlo”. Es un “esfuerzo importante de todos, incluso de los elencos que viajan, para que esto suceda y se sostenga”. Como ya viene ocurriendo, el Festival se replica en Lima y en Montevideo, esto genera “una organicidad especial que nos permite trabajar en confianza”. Cada lugar tiene, a su vez, su programación propia, y así es mayor el incentivo, en especial, para los elencos de Cataluña. Por segundo año consecutivo, el flyer unificará a las cuatro ciudades participantes. Además, para sus organizadores, la cercanía con el FIBA que se desarrollará del 23 de enero al 3 de febrero -del cual Timbre4 será sede en enero- es prometedora pues esperan que se potencien entre ambos (TABA es inmediatamente posterior).

Nuevamente, Timbre4 abre sus puertas para poder recibir a todos aquellos que quieran participar de un acontecimiento escénico que ha redoblado la apuesta para lograr diez días intensos a puro teatro, con la oportunidad de disfrutar de propuestas por demás interesantes.

Programación TABA 2019

Tierra baja (España – Cataluña). Idea original e intérprete: Lluis Homar. Adaptación: Pau Miró y Lluis Homar. Dirección: Pau Miró. Autor: Ángel Guimerà. Duración: 70’. Funciones: jueves, 07/02, 20:30 hs y viernes, 08/02, 22:30 hs.

Calma! (España – Cataluña). Dirección e interpretación: Guillem Albà. Música y espacio sonoro: Pep Pascual. Creación: Alicia Serrat, Andreu Martínez, Marc Angelet, Guillem Albà. Coreografía y movimiento: Ariadna Pey. Duración: 75’. Funciones: sábado, 09/02, 20:30 hs y domingo, 10/02, 20:00 hs.

Vida (España – Aragón). Creación y manipulación: Javier Aranda. Asesoría en dirección: Alfonso Pablo y Pedro Rebollo. Costura: Pilar Gracia. Duración: 60’. Funciones: martes, 12/02, y miércoles, 13/02, 20:15 hs y 22:00 hs.

Casas (España – Mallorca). Autor: Projecte Cases – Xesca Salvà. Creación y diseño: Xesca Salvà. Actores: Jorge Gallardo, Guillem Serrabassa. Duración: 45’. Funciones: domingo, 10/02, y lunes, 11/02, 21:00 hs.

Prehistoria de la felicidad (Perú). Actúan: Fernando Castro, Miquel de La Rocha, Alonso Núñez y Francesca Sissa (solo en video). Dirección y dramaturgia: Alonso Núñez. Producción general: Compañía de Teatro Físico. Duración: 50’. Funciones: miércoles, 13/02, 20:30 hs y jueves, 14/02, 22:30 hs.

Cheta (Uruguay). Dramaturgia y dirección: Florencia Caballero Bianchi. Elenco: Alejandra Artigalás, Matilde Nogueira, Jonathan Parada, Bruno Travieso. Producción: Lucía Etcheverry. Duración: 65′. Funciones: viernes, 08/02, 20:30 hs y sábado, 09/02, 22:30 hs.

El tigre no es como lo pintan (Colombia). Actuación y dirección: Alfonzo Ortiz. Asistente de dirección: David Ortiz – Erika Niño. Producción: Leonor Pachón. Duración: 50’. Funciones: jueves, 14/02, viernes, 15/02, y sábado, 16/02, 21:00 hs y domingo, 17/02, 20:00 hs.

Mondkind (Suiza – Alemania – Finlandia). Actuación: Leo Hofmann, Frida León. Dramaturgia: Yves Regenass. Dirección: Tom Schneider. Duración: 60’. Funciones: viernes, 15/02, 20:00 hs y sábado, 16/02, 20:00 hs.

Tu veneno en mí (Argentina). Dramaturgia y dirección: Manuel García Migani. Intérpretes: Nicolás Berlanga, Luciano Andrea Costigliolo, Emmanuel Nicolás Gonzalez, Celina Ruth Martín, Mariela Soledad Locarno, Mauro Locconi, Magdalena Lucero, Miranda Sauervein, Eliana Borbalás, Silvina Inés Ormeño, María del Valle Pereira, Diego Alejandro Portabella Polimeni, Ariel Rozen, Alejandro Ramón Serpa, Ignacio Javier Tutera y Diego Quiroga. Duración: 90’. Funciones: viernes, 15/02, 22:00 hs y sábado, 16/02, 22:00 hs.

***

Marisol Cambre: prensa@marisolcambre.com.ar

Información y redes

Web: http://www.timbre4.com

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Instagram: teatrotimbre4

Twitter: @TeatroTimbre4

Candide de Leonard Bernstein

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Candide de Leonard Bernstein

Versión de Rubén Szuchmacher y Lautaro Vilo, basada en la novela Candide, ou I’optimisme de Voltaire

opereta-candide-t_25630chAzucena Ester Joffe

Rubén Szuchmacher, director y régisseur, entre muchas otras cosas, asegura que esta opereta en dos actos “es una obra increíblemente abierta” que permitió un espectáculo impecable y polifónico. Si bien fue escrita en la década de los ‘50, Candide, por su mirada filosófica sobre el optimismo, nos interpela, como sujeto sociales que somos, más allá del constante humor.

En los tiempos que corren, las teorías del Doctor Pangloss […] se parecen demasiado a todas aquellas palabras que emiten quienes pretenden que los ciudadanos aceptemos una realidad completamente hostil como si fuera algo natural […] Nos quieren optimistas en un mundo que no hace más que generar, por las acciones de quienes manipulan los grandes poderes, un pesimismo inevitable.1

Con solo tres funciones, se presentó en el Teatro Coliseo, en noviembre, y fue el perfecto cierre de la Temporada 2018 de Nuova Harmonia, una producción integral del Teatro Argentino de La Plata, con la dirección musical de Pablo Drucker y la dirección escénica de Rubén Szuchmacher. Es la primera representación en nuestro país al cumplirse un siglo del nacimiento del compositor y director estadounidense Leonard Bernstein. Una obra compleja que hace estallar las categorías, pues constantemente se cruzan los guiños a los musicales de Broadway con las breves escenas más líricas. Para muchos, una comedia musical satírica pero que devela un drama universal.

Una historia de amor que lejos de ser simple está atravesada por distintas circunstancias. Candide, el pariente pobre, vive en el castillo del Barón hasta que es descubierto besando a la noble y bella Cunegonde. De ahí en más comienza su derrotero entre una guerra que estalla y barcos que se hunden; desde Westphalia a Buenos Aires. Un vertiginoso recorrido para comprender que “la felicidad no se encuentra en el optimismo incondicional de Pangloss ni en el pesimismo invertebrado de Martín.”2

46757607_2285971141639335_2666647762753290240_nEsta puesta en escena tiene una mixtura de procedimientos que con sus diferentes trazos dan cuenta de cada situación particular. Cada escena parece presentar cierta ruptura con la anterior. Con muy buen ritmo los breves números musicales tienen la precisión necesaria, sin saturar al espectador, al construir un vital e inteligente relato donde la plasticidad de lo visual y la intensidad de lo auditivo están en perfecto equilibrio. Con ductilidad expresiva los intérpretes construyen a los diferentes personajes con el tono y la textura precisa; el Coro y la Orquesta dan cuenta de la solvencia y la trayectoria que los caracteriza. Por otro lado, desde una perspectiva pop -el cómic, lo kitsch,..la escenografía nos plantea un movimiento intrínseco, en general, contenido en numerosos puntos alineados por doquier -paneles, telón y fondo y el uso de colores brillantes junto a las formas geométricas le otorgan dinamismo y contraste que nos sorprende. Una materialidad escénica que habita el amplio espacio lúdico junto al colorido y acertado vestuario en consonancia con los accesorios. En tanto, la precisa iluminación y los movimientos coreográficos aportan otra narrativa que encastra perfectamente con los otros sistemas significantes.

Un texto primero de matriz ecléctica (1956), con música de Bernstein y libreto de Wheeler, y un texto segundo (2018) que actualiza al primero en un hecho artístico único, que tiene la excelencia de las grandes obras. Esperamos poder disfrutar de nuevas funciones en el 2019.46492013_2285971558305960_757638243968614400_n

Ficha técnica: Candide de Leonard Bernstein. Libreto de Huyg Wheeler. Dirección musical: Pablo Druker. Dirección escénica: Rubén Szuchmacher. Dirección de coro: Hernán Sánchez Arteaga. Diseño coreográfico: Marina Svartzman. Diseño de escenografía y vestuario: Jorge Ferrari. Diseño de iluminación: Gonzalo Córdova. Reparto: Héctor Guedes (Voltaire/ Pangloss/ Martin), Santiago Martínez (Candide), Oriana Favaro (Cunegonde), Mariano Gladic (Maximilian/ Capitán), Eugenia Fuente (Old Lady), Rocío Arbizu (Paquette), Pablo Urban (Gobernador/ Vanderdendur/ Ragotski), Mirko Tomas (Cosmetic Merchant/ Inquisitor – Judge/ Charles Edward), Sebastián Sorarrain (Doctor/ Inquisitor II – Judge, Croupier/ Stanislaus), Víctor Castells (Bear Keeper/ Inquisitor III – Judge/ Tsar Ivan), Luca Eizaguirre (Alchemist/ Sultan Achmet/ Crook), Alfredo Martínez (Junkman/ Hermann Augustus). Actores: Miguel Rausch (Issachar/ Cacambo/ Baron/ Anabaptist), Azul Maluendez (Baroness), Luis Caballero (Young Man), Fabio Prado (Archbishop/ Priest/ Gran Inquisitor), Carlos Castro (Captain II).

Figurantes de escena y bailarines: Laura Caballero, Mariana Scinocca, Sofía Carmona, Natalia López Godoy, Anahí Araujo, Dina Zingoni, Mercedes Sánchez, Marina Gioia, Azul Maluendez, Julieta Priegue, Carlos Acosta, Federico Amprino, Carlos Castro Folman, Agustín Hiriart, Alexey Dmitrenko, Jonatan Giménez, Lautaro Costa Romero, Nicolás Marini, Emanuel Salomone, Luis Caballero. Coordinación de figurantes: Vanesa Tempone. Asistente de dirección escénica: Luz María Suaréz Pepe. Asistente de dirección escénica y stage manager: Lucía Portela. Asistente de dirección de coro: Iván Ignacio Rólon Tomas. Colaboración en el diseño coreográfico: Rubén Szuchmacher. Asistente de diseño escenográfico y vestuario: Luciana Uzal. Asistente de diseño de iluminación: Paul Pregliasco, Lautaro García Rey. Concertador interno de palco escénico: Cecilia Prieto. Maestros preparadores y de escenario: Eduviges Picone, Juan Scafidi, Lucía Zapata, Diego Censabella, Ezequiel Fautario y Esteban Rajmilchuk. Maestro de luces: Lucía Zapata. Sobretitulado al castellano: Raúl Carranza. Producción escénica realizada en los talleres del Teatro Argentino de La Plata.

1Según programa de mano en “Comentario” por Rubén Szuchmacher

2Según programa de mano en Sinopsis

De eso no se canta. Canciones prohibidas de todos los tiempos de Pablo Gorlero

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De eso no se canta. Canciones prohibidas de todos los tiempos
Un musical documental-testimonial de Pablo Gorlero

Una mattina mi son’ svegliato/ O bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao/ Una mattina mi son’ svegliato/ E ho trovato l’invasor./ O partigiano, portami via/ O bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao/ O partigiano, portami via/ Ché mi sento di morir.1

comedia-300x222-eso-no-se-cantaAzucena Ester Joffe

La interesante propuesta de Pablo Gorlero tiene como eje central la memoria -colectiva, social, universal. Un recorrido atravesado por esos feroces acontecimientos imposibles del olvidar: Segunda Guerra Mundial, Guerra Civil Española, Guerra de Secesión estadounidense, Guerra de Vietnam,…; del Mayo Francés y la Primavera de Praga al Cordobazo; de lo global a las dictaduras cívico-militar latinoame-ricanas; del incendio del Teatro Argentino en vísperas del estreno de Jesucristo Superstar a nuestras queridas Madres y Abuelas de Plaza de Mayo. Los sucesos son muchos pero los diecisiete temas musicales son suficientes para un rápido pantallazo sobre historias que hoy son como un déjà vu. En esas coyunturas, muchos artistas fueron prohibidos, censurados y asesinados, y este musical documental-testimonial apela a nuestra memoria y nos interpela de tal forma que aceptamos el desafío: hay cosas que no demos olvidar. ¡Nunca más!

El espacio de la sala, aunque es reducido, contiene de manera perfecta el horror al que se le antepone talento. Los cuatro intérpretes le ponen el cuerpo a cada canción, sin altibajos, y tienen una química especial que genera un relato en total sintonía con la temática. Realizan cada intervención con el compromiso y el sentimiento a flor de piel. Con el tono justo, sin micrófono, y con la mirada directa hurgan en nuestra memoria, pública y privada. El elenco, con sus particularidades, va construyendo un relato musical a partir de este vívido “cancionero” junto a algunos fragmentos de textos de poetas, escritores y del propio Gorlero. Los músicos en escena, con su presencia constante, y las imágenes proyectadas terminan por construir la mixtura de voces que habitan el espacio lúdico. Voces que no pudieron ser calladas, que siguen vivas, y que representan a varias generaciones –Por qué cantamos de M. Benedetti y y Alberto Favero; La internacional de autor desconocido; ¡Ay, Carmela! canción popular española, entre otras. Un inteligente material que actualiza el pasado. El buen ritmo desde su inicio habilita la participación espontánea de parte del público presente en el último tema y el merecido aplauso final. Un musical sin el usual despliegue de escenografía y vestuario pero que tiene el equilibro necesario entre texto y canción, con el tiempo real de la obra en su medida justa. De eso no se canta es indispensable para los tiempos que corren, en especial, para los más jóvenes que no sufrieron, por suerte, esas traumáticas experiencias.De eso no se canta 000185995

Ficha técnica: De eso no se canta. Canciones prohibidas de todos los tiempos. Idea, dramaturgia y dirección: Pablo Gorlero. Intérpretes: Deborah Turza, Julián Rubino, Laura González, Nicolás Cúcaro. Músicos: Juan Ignacio López (Piano), Tomás Pol (Percusión). Fotografía: Russarabian. Spot publicitario: Matías Sánchez de Bustamante. Diseño de iluminación: Rodrigo González Alvarado. Operador técnico: Julián Bisogno. Diseño gráfico, proyecciones y redes sociales: Endiseño. Asistente de producción: Mariela Schwartz. Asistente de dirección: Francisco Tortorelli. Producción ejecutiva: Emilia Nudelman. Coreografía: Verónica Pecollo – Agustín Maccagno. Arreglos musicales: Mariano Margarit – Juan Ignacio López. Arreglos vocales: Daniel Landea. Teatro La Comedia: Sala 3. Funciones: Lunes 21:15 hs

1Fragmento de Bella Ciao, popular italiano, conocido canto partisano de resistencia al fascismo.