Archivos Mensuales: enero 2015

25, 28 y 29 de enero Festival Opera Tigre

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25, 28 y 29 de enero de 2015
Festival Opera Tigre

image001Un hecho artístico excepcional
se desarrollará en una isla del Tigre, al aire libre y rodeado de la belleza natural del lugar.
En Kaiola Blue, en el arroyo Gélvez
En medio de la naturaleza y en tres jornadas se realizará el

image002El domingo 25 de enero la soprano polaca Ewa Biegas ofrecerá un concierto bajo el título Ninfas, hadas y sirenas.

El miércoles 28 y jueves 29 de enero se presentará la ópera La reina de las hadas, con textos de Sueño de una noche de verano de William Shakespeare, música de Henry Purcell y dirección escénica del regisseur polaco Michal Znaniecki.

El Festival Opera Tigre es un acontecimiento cultural pionero en la zona, combinando en su programación el espíritu popular de los grandes acontecimientos con la exclusividad de los espectáculos más íntimos y de cámara. Orientado a la población isleña, los isleños de adopción, al de Buenos Aires y al público turista que abarca desde los turistas habituales hasta los más aficionados al teatro y la música, y a quienes suelen buscar en el Delta del Tigre un lugar de esparcimiento y de comunicación con la naturaleza.

PROGRAMACION

NINFAS, HADAS  y SIRENAS

Concierto de Ewa Biegas (soprano)

El Programa

La voz de soprano ha sido la fuente de inspiración para muchos compositores cuando han pesado dar voz a seres sobrenaturales como hadas, sirenas y ninfas. No solo en la ópera, sino también en el ámbito de la canción de concierto, encontramos la asociación entre estos seres sobrenaturales y el agua. En este concierto presentamos una selección temática de estas arias y canciones de concierto que nos permitirán realizar un interesante recorrido a través de diferentes estilos, épocas y compositores.

Los intérpretes

La carrera de EwaBiegas se inicia de manera espectacular con premios en importantes concursos nacionales e internacionales, incluyendo entre otros el Primer Premio en el Concurso Lírico Nacional de Polonia, Galardón de Honor de Primera Clase en el Concurso de Arte Vocal Ada Sari, Permio de Honor en la InternationaleSommerakademieMozarteum en Salzburgo, el Segundo Remio en Concurso Lírico Internacional AntonDvořák, Premio Honorífico de Primera Clase en el Concurso Lírico Internacional FeruccioTagliavini en Austria, Primer Premio en el Concurso Lírico Internacional Schneider-Tarnavski y el Tercer Premio en el Concurso Lírico Internacional StanislawMoniuszko en Varsovia. Ha sido becada del Ministerio de Cultura de Polonia, la Fundación Suiza Thyll-Dur y el Gobierno de Austria.

Ha protagonizado numerosas producciones operísticas en Polonia y Europa, en títulos de Britten, Strauss, Bizet, Tchaikovsky, Verdi, Moniuszko. Se presenta en el Teatro Colón de Buenos Aires protagonizando la ópera Hagith de Szymanowski en Julio de 2012.

Ha actuado también en numerosos conciertos y recitales, en la República Checa, Eslovaquia, Austria, España, Alemania, Suiza, colaborando con importantes orquestas polacas y europeas. Ha realizado varias grabaciones para la Radio y Televisión de Polonia, así como varios sellos comerciales dedicados a la música de Haydn, Puccini, Moniuszko y Boguslawski.

Fechas previstas: Domingo 25 de Enero a las 12:45 horas

Horario: Salida desde la Estación Fluvial de Tigre a las 12.00 hs, regreso a las 14.00  hs. Arribo 14.30 hs. El concierto se desarrollara desde las 12.45 hasta las 13.45 hs

Servicio de traslado náutico, ida y vuelta.

Los servicios mencionados no incluyen refrigerio o consumición alguna.

Adulto: $100

Menor (hasta los 6 años): $20

Entrada sin cargo

LA REINA DE LAS HADAS

Textos de Sueño de una noche de verano de William Shakespeare

Música de Henry Purcell

Dirección escénica de Michal Znaniecki

Sueño de una noche en el Delta

Un espectáculo de teatro musical sobre Sueño de una noche de verano de William Shakespeare y la música que Henry Purcell escribió para esta obra. Una puesta en escena en el bosque mágico al aire libre donde el público asiste a las aventuras de las parejas de enamorados y el resultado de la disputa entre Oberón y Titania, la reina de las hadas. Una mezcla de canto, teatro y danza para una obra inmortal en contacto con el entorno natural.

El Espectáculo

Convocados a celebrar una noche mágica, el público recibe a Oberón, Titania y los demás personajes en su llegada en lancha a través de los canales del Delta. A partir de ahí se desplazarán entre los distintos espacios al aire libre en los que desarrolla la historia, bajo el mismo manto de estrellas y arropados por la vegetación del bosque encantado en el que transcurre este sueño de una noche de verano.

Los Artistas

La música barroca a través de una cuidada adaptación instrumental para bandoneón, acordeón y guitarras eléctricas dando el soporte musical para el conjunto de cantantes solistas, coros, actores, bailarines y acróbatas que intervienen en el espectáculo.

La puesta en escena corre a cargo del Michal Znaniecki, director de amplio recorrido internacional responsable entre otros muchos del espectacular montaje de La Traviata en el desierto de Masada (israel) para un auditorio de 8.500 espectadores en Junio de 2014, o la nueva producción de Il Trovatore para la apertura de la temporada del Teatro San Carlo de Nápoles (Italia) en Diciembre de 2014.  Entre los artistas se cuentan nombres de indudable prestigio como la soprano Ewa Biegas (Polonia), cantantes argentinos como Oriana Favaro, Ana Moraitis, Pablo Cameselle, Juan Feico, Gustavo Vita, un bandoneonista con una brillante carrera internacional como Pablo Mainetti o el talento indiscutible del guitarrista Pedro Chalkho.

Fechas previstas: Miércoles 28 y jueves 29 de Enero a las 20 horas

Horario: Salida desde la Estación Fluvial de Tigre a las 19.00 hs, La opera se desarrollara desde las 20.00 hs hasta las 22.30 hs, regreso a las 23.00 hs

Servicio de traslado náutico, ida y vuelta, con entrada incluida (derecho espectáculo).

Los servicios mencionados no incluyen refrigerio o consumición alguna.

TARIFAS

NAVEGACION + ENTRADAS

Adulto: $350

Menor (hasta los 6 años): $20

Jubilados o mayor de 65 años: $250

SOLO ENTRADAS

Adulto: $250

Menor (hasta los 6 años): sin cargo

Jubilados o mayores de 65 años: $150

Isleño acreditando domicilio: $110

COMPRA ENTRADAS Y/O TRANSPORTE: STURLA VIAJES
En persona:
En Buenos Aires: Cecilia Grierson al 400, Dársena norte – PUERTO MADERO
En Tigre: Estación Fluvial, local 10 / TIGRE (Pcia de Buenos Aires)
Por e-mail: ventas4@sturlaviajes.com.ar
En el mensaje indicar:
Nombre y apellido
Teléfono de contacto o celular
Servicio a contratar
Cantidad de pasajeros
Forma de pago

Por teléfono: 4731-1300(oficina en Tigre) 4314-8555 (oficina en Puerto Madero)
Venta online: http://www.sturlaviajes.com.ar
En caso de lluvia los servicios se reprogramaran con nuevas fechas.
Tener en cuenta que las obras se realizaran al aire libre.
No se permite el ingreso con mascotas.

Kaiola Blue, Arroyo Gélvez
Delta del Tigre – Provincia de Buenos Aires – Argentina
Contacto: kaiolablue@gmail.com
Teléfonos: 11 2247 8959 / 11 3771 5227
Mapa de ubicación de Kaiola Blue

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Festival Opera Tigre cuenta con los siguientes auspicios:
Fundación Internacional Argentina
Ministerio de Cultura de Polonia
IAM – Instituto Adam Mieckiewicz

Los responsables del Festival Opera Tigre:

MICHAL ZNANIECKI
Tras su debut en 1992, ha firmado como director más de 150 espectáculos colaborando con teatros de ópera y festivales en Francia, Italia, Irlanda, Polonia, Alemania, España, Brasil, Argentina, Cuba, Bélgica, Israel, Hungría y Rusia. Entre sus trabajos se encuentran espectaculares producciones de ópera al aire libre como L’elisir d’amore, Otello, Turandot, Un ballo in maschera o más recientemente La Traviata en el desierto de Masada para la Ópera de Israel. Entre sus próximos compromisos internacionales se encuentran IlTrovatore para la apertura de la temporada 2014/15 del Teatro San Carlo de Nápoles o Faust (Ópera de Budapest). Embajador de Capital Europea de la Cultura Wroclaw-San Sebastian 2016.

JON PAUL LAKA
Músico y Doctor en Gestión Empresarial, ha trabajado como gestor y asesor en el campo cultural para diversos grupos instrumentales y teatrales además de su faceta académica como docente universitario y responsable de las relaciones internacionales de la Universidad de Deusto (España). Ocupa el puesto de director artístico de la Ópera de Bilbao (ABAO) en España desde la temporada 2006/07 hasta la temporada 2013/14, donde gestiona cerca de un centenar de producciones incluyendo óperas, conciertos y óperas para niños. Activo conferenciante y articulista en el campo de la ópera, ha sido también invitado como jurado a numerosos concursos líricos internacionales.

Prensa: Walter Duche – Alejandro Zarate

prensa@duchezarate.com.ar / www.duchezarate.com.ar

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El loco y la camisa de Nelson Valente

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El loco y la camisa
de Nelson Valente
Compañía Banfield Teatro Ensamble
Un espejo que quema

Cada cosa que ves
Son dos cosas o tres
Cada cosa que ves
Tiene su derecho y
tiene su revés. (Si Diosito, Liliana Felipe)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Afiche Clara de Olano - versión fossa¿Qué es una familia normal? ¿Quién es el emergente de la enfermedad de una familia, que es a la vez la enfermedad de una sociedad? Nos preguntamos esto luego de haber comenzado el año viendo tres propuestas teatrales donde el centro del dolor y la violencia son el núcleo familiar; y es el teatro, como siempre, quien detecta en la expresión de sus creadores un malestar en aumento, que no sólo se hace evidente en la pantalla de los noticieros. La violencia de género, el problema de la incomunicación dentro de los miembros de una unidad que está en crisis, y en profunda revisión y mutación, es un tema que no se agota, porque todos nos sentimos involucrados de una u otra manera. El texto de Nelson Valente, creado con la colaboración de los actores, explora y explota esta problemática y crea sus personajes desde una verdad que excede el género para plantearnos interrogantes que van más allá de las acciones, mucho más lejos del relato. El texto tiene una potencia dramática que en los cuerpos de los actores es un detonante imperioso que nos obliga a mirarnos en un espejo, despojados de las máscaras cotidianas. La risa que inunda la platea en muchas de las secuencias, son casi una respuesta nerviosa a aquello que se nos muestra con la ferocidad de la locura, de una insania tanto o más razonable que la convención de la normalidad. La situación muestra un continuum de esa familia tradicional padres y dos hijos, la famosa familia tipo de clase media, en el cuál la tensión abarca a sus integrantes en lo que se ve y en aquello que se quiere ocultar a toda costa; luego aparecen dos de los puntos álgidos de la intriga: la aparición del hermano, Beto, y la del novio, Mariano. Ambas figuras son necesarias para que todo reluzca con una claridad absoluta. Los miedos, los rencores, el disimulo, las máscaras, y un amor que intenta como una planta salvaje vivir en el medio de un ambiente sin aire; surgiendo entre los intercisios, por donde logre poder escapar. El tema de género y de la continuidad de una situación que parece heredarse de madre a hija, de padre a hijo, se rompe en pedazos en la figura de ese hermano que avergüenza por ser el único que se atreve a ver las cosas como son. Las actuaciones son excelentes, cada uno en su rol dentro del caos impone una identidad reconocible, y corporizan su drama con una justeza que asusta. El trabajo de Julián Paz Figueira como Beto, traduce con certeza desde la palabra y el cuerpo todo el dolor oculto, toda la tragedia que sobrevuela, donde víctimas y victimarios quedarán en el mismo plano de desolación. el loco 1

Pero todo el grupo conforma una perfomance de excelencia que llega a esta 5ta temporada sin interrupción y después de haber participado de números Festivales, nacionales e internacionales. Un espacio escénico realista con pocos elementos – unos sillones, una mesa con el mate siempre listo para que el padre lea el diario, de un lado, y para que la madre planche alguna camisa, del otro. No es necesario más pues los cinco personajes desde una perspectiva naturalista le otorgan a ese espacio un volumen poco habitual. En el amplio espacio lúdico del Picadero la tensión dramática pareciera potenciarse mientras estas criaturas nos conmueven de tal forma que olvidamos el artificio. El hilo conductor es la violencia domestica, física y psicológica, pero no solo ejercida sobre las mujeres sino, especialmente, sobre ese individuo con una mirada diferente pero absolutamente lúcida, que el mundo se empeña en denominar “anormal”. La discriminación, la violencia y el sometimiento sobre el hijo no caen en los lugares comunes sino, por el contrario, lo convierte en el protagonista y será él quien provoque a través del juego “la ronda de temas” el desmoronamiento de las apariencias, de la institución matrimonial. Una familia cuyas relaciones son tan precarias como las paredes que necesitan ser arregladas. El humor al que hacíamos referencia no es un humor ingenuo sino que desafía al espectador y mediante el proceso de empatía creemos, sentimos lo que ese personaje “está sintiendo”. Cada escena es como una pesada capa de simulacro familiar que intenta seguir adelante como si nada hubiese pasado. Un texto dramático complejo y un hecho teatral que supera nuestras expectativas; con un merecido aplauso de pie agradecemos por el compromiso artístico y social a la Compañía Banfield Teatro Ensamble.

El loco y la camisa (Alta) - Foto por Mariana FossattiFicha técnica: El loco y la camisa de Nelson Valente1 en creación colectiva con los actores. Compañía Banfield Teatro Ensamble. Elenco: Julián Paz Figueira, Lide Uranga, Ricardo Larrama, Soledad Bautista, José Pablo Suárez. Producción: Banfield Teatro Ensamble. Diseño escenográfico: Luciano Stechina. Fotografías: Mariana Fossatti. Diseño gráfico: Clara de Olano. Prensa y comunicación: Silvina Linzuain (coord.), Sebastián Carzino (asist.). Asistencia de dirección: Mariana Fossatti. Puesta en escena y dirección: Nelson Valente. Teatro Picadero

1 Según gacetilla de prensa: Nelson Valente es actor, director, dramaturgo y docente de teatro. Formado en la EMAD y en la Escuela de la Fundación Teatro del Sur (Alberto Félix Alberto), realizó estudios particulares con diversos maestros (Teresa Istillarte, Ricardo Bartís, Walter Neira). Ha sido distinguido con una beca de estudios por la Fundación Antorchas. En 2011 participó del Encuentro con el Odin Teatret y el maestro Eugenio Barba, en el VIII Festival de Teatro de Cali (Colombia). Es fundador y director de la Compañía Banfield Teatro Ensamble y del Complejo Cultural Banfield Teatro Ensamble (Lomas de Zamora, Pcia. de Buenos Aires). Ha sido Director de la Comedia Municipal de Lomas de Zamora (Bs As). Ha presentado sus obras en teatros del exterior (Chile, Venezuela, Perú, España), en la Ciudad de Bs As (Teatro Beckett, Teatro del Sur, Camarín de las musas), y en el interior de la Argentina. Sus producciones han sido subsidiadas y premiadas por el INT y han participado en diversos festivales. Se destacan entre sus creaciones “El loco y la camisa”, recientemente estrenada en México, obra ganadora del Premio Mayor en el VII Festival Iberoamericano de Teatro Cumbre de la américas (Mar del Plata, 2011); participó de los festivales Teatro x la identidad, Festival Internacional de teatro Hispano de Miami (EE.UU.), Festival Ulls (Barcelona, España 2011) y del Festival Internacional de Teatro de Tarragona (España 2013); realizó funciones en el Teatro C.C Nau Ivanow (2011), en la Sala La Villarroel (2013) y en el Teatre Romea (2014) en Barcelona, España; y realiza funciones ininterrumpidas en el Camarín de las musas (CABA) desde mayo de 2012; “Autorretrato con hermano imaginario” ganadora del premio Estímulo a la producción teatral de calidad (INT, 2006); y entre sus puestas, la de “Sueño de una noche de verano”, de W. Shakespeare, la cual fue Representante de la Provincia de Buenos Aires en la Fiesta Nacional de Teatro (Provincia de Mendoza, Argentina, 2003). En 2009 ha dirigido la obra “Destierro” de Nelly Fernández Tiscornia con el Elenco de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires. Respecto de la docencia, es Regente de la Escuela Municipal de Arte Dramático de Lomas de Zamora, y coordinador general de los talleres de Artes Escénicas de la Escuela de Arte del Complejo Cultural Banfield Teatro Ensamble.

El viento en un violín de Claudio Tolcachir

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El viento en un violín
La comedia FEROZ de Claudio Tolcachir
Historia de amores desmesurados

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

el viento en el violinTodo en la dramaturgia de la pieza concebida por Claudio Tolcachir está atravesado por la desmesura. El amor sobreprotector de la madre, la reacción del psicólogo, la búsqueda implacable de la pareja, y el odio que la incomprensión desata hacia el final, cuando una verdad cruel, como toda verdad que ha sido evitada por años, estalla como revancha. El autor construye en su trabajo personajes masculinos que deambulan a la deriva por su vida, que no tienen coherencia entre pensamiento y acto y que son manipulados por los personajes femeninos; quienes tejen y destejen sus tramas en una unidad donde parece reinar un matriarcado desbordado. El viento en un violín, es una puesta que en el escenario de la Sala Pablo Neruda del Complejo La Plaza, traslada a un espacio mayor, con una relación diferente con el espectador, la intimidad de dos familias que partiendo de un destino unido por el mundo del trabajo, se transforma en una sola, impensada, no deseada, distinta, pero real y concreta. Dos relaciones triangulares, la que llevan adelante Mercedes, Santiago y Dario, y la que se desenvuelve entre Celeste, Lena y Dora, ambas con su carga de amor y desconcierto. El realismo que construye Tolcachir desde la dramaturgia y la dirección explota entonces de frente y sin pausa en los cuerpos de los actores, que mantienen en el tiempo que transcurre la pieza, una perfomance de excelencia que no decae en ningún momento. La madre que construye Miriam Odorico, tiene una fuerza escénica que abarca desde la ternura hasta la impiedad y nos conmueve en el sentido que nunca nos deja indiferentes. Un realismo que no apela a la memoria sino al presente más absoluto para hablar de temáticas contemporáneas, que nos involucran, con un lenguaje descarnado, y sin embargo, con su cuota de humor, aquel que contiene el absurdo de muchas de nuestras acciones cotidianas. Una lectura crítica al discurso de la psicología como al de la familia tradicionalmente constituida, a los prejuicios de clase, al desconocimiento del otro como prójimo, y a la necesidad de aceptación para incluirnos en un mundo complejo, construido fuera de la convención y los mandatos. el viento
Dos clases sociales aunadas por una necesidad de dependencia, tanto económica como afectiva, dos maneras de enfrentar el mundo y sus complejidades, dos formas de encarar la tragedia. En un espacio dividido en tres, el consultorio, la casa de Santiago y la casa de Dora, las acciones se suceden sin respiro, y los diálogos se transforman en acción cuando son los personajes jóvenes los que encaran el protagonismo del relato. Dos clases sociales que también se materializan a partir del amplio espacio escénico y del preciso vestuario. Un espacio realista e intimo, quizá algo saturado para contener la inestabilidad de estas criaturas, por momentos tiernas y, en general, algo violentas. A mitad de camino entre ambas clase la empleada domestica, Dora, que pareciera ser el único ser que logra cierto equilibrio. Dos mundos al que pertenecen Mercedes / Darío / Santiago, por un lado, y Celeste / Lena, por otro, y que se podrían pensar como opuestos aunque los une el deseo inalcanzable por tener, con muchos desaciertos, una familia. El elenco con profesionalismo le da cuerpo y textura a cada personaje, sin fisuras y con la intensidad intrínseca que le otorga la trayectoria en común con la obra por distintos Festivales, diferentes Salas y numerosos Premios. Una comedia “feroz”, con humor negro y de ritmo constante, que nos presenta a estos seis personajes cotidianos con sus contradicciones de una manera simple, donde todo está dicho, y sin protagonismo pero con “pregnancia” escénica, por la simetría actoral y la coherencia dramática, que focaliza nuestra atenta mirada y que va más allá del artificio teatral.el viento 3

Foto de Alejandra López

Ficha técnica: El viento en un violín de Claudio Tolcachir. Elenco: Tamara Kiper, Inda Lavalle, Miriam Odorico, Lautaro Perotti, Mimi Rodriguez, Gonzalo Ruiz. Asistencia de escenario: Pedro Ferreyra. Diseño de luces: Omar Possemato. Foto portada, retratos y doble página: Alejandra López. Fotos de obra: Giampaolo Samá. Diseño gráfico: Johanna Wolf. Escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez. Vestuario: Ezequiel Galeano. Prensa: Marisol Cambre. Equipo de producción: Timbre 4: Carolina Fischer y Natalia Mesía. Producción Teatro Timbre 4: Máxime Seugé y Jonathan Zak. Sala Pablo Neruda / Complejo La Plaza.

Oxímoron de Héctor Presa

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Oxímoron
de Héctor Presa
En la oscuridad las cosas se ven claras

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

oximoronDos significantes que se oponen en su significado, que son contrarios en su semántica es un oxímoron; en una familia los significantes son seres humanos que sin embargo pareciera que quieren lo mismo pero lo expresan a partir de los opuestos. Héctor Presa construye una dramaturgia dinámica, para un musical sin estridencias, pero que expone una situación concreta: las relaciones familiares en el siglo XXI tan conflictivas como siempre. Marido, mujer, suegra, cuñadas, un cóctel explosivo dentro de las paredes de un departamento ajeno, encerrados por una circunstancia inesperada, ¿una casualidad? O el momento causal necesario para que todos se quiten las máscaras y se atrevan a ser y decir lo que sienten. En el marco de el Teatro Larreta pero en sus jardines, nuevamente el grupo ofrece una pieza de comedia musical con elementos sencillos tanto en la escenografía como en el vestuario pero que de todos modos a través de una dramaturgia de diálogos rápidos en sus retruécanos, logran conformar la identidad de cada personaje en su rol, aquel que la sociedad le pide que ofrezca y que responde a una máscara, y el otro el que la intimidad de las relaciones deja caer su maquillaje para exponer, a veces con crueldad, cuales son los sentimientos que los constituyen. El trasfondo es la libertad necesaria para crecer en todo los terrenos, aquella que nos permiten y la que obtenemos a pesar de los obstáculos, la más difícil pero la más verdadera. El género en su diversidad en la pareja de amigas, a las que ante la sorpresa de todos las une otro tipo de relación. Amor y odio dentro del núcleo de una sociedad que muestra sus violencias hacia fuera mientras esconde tras lo correctamente político la violencia dentro de sí misma. 8396-hector-presa-estreno-musical-oximoron-en-teatro-larreta
La escenografía es ligera y precisa, líneas rectas para delimitar el espacio claustrofóbico, líneas frágiles como es la relación entre los personajes. Los pocos elementos – algunas cajas, una escalera, dos puffs,…- terminan por crear el espacio íntimo y caótico a partir del apagón. Un espacio que pareciera ser una enorme jaula, sin contacto con el mundo exterior, donde por el azar o por el destino han sido encerradas distintas especies. El “encastre” perfecto entre lo coral y lo individual, entre las canciones y los diálogos, entre los desplazamientos y las coreografías atrapa el espectador desde el inicio. Quizá solo un pequeño factor a tener en cuenta: el sonido que por momento pude sensibilizar a algún espectador. El elenco con profesionalismo construye a estas criaturas cotidianas y por todos conocidas. Con el dinamismo constante, desde lo visual y lo auditivo, la “tensión dramática” y el humor, el espectador disfruta de los conflictos familiares en una noche calurosa en los hermosos jardines del Museo. Una nueva Temporada de Verano al aire libre y una fresca comedia musical, Oxímoron, sin fisuras.

8397-hector-presa-estreno-musical-oximoron-en-teatro-larretaFicha técnica: Oxímoron de Héctor Presa. Elenco: Andrea Mango, Guillermina Calicchio, Sol Ajuria, Claudio Pazos, Ana Padilla. Música: Rony Keselman. Coreografía: Mecha Fernández. Vestuario: Lali Lastra. Escenografía: Héctor Presa. Realización de Escenografía: Claudio Provenzano. Diseño de luces: Demián Lorenzo. Asistente de dirección: Tamara Ferreyra. Prensa: Varas & Otero. Puesta en Escena y Dirección General: Héctor Presa. Grupo La Galera en el Teatro Larreta.

Trilogía Argentina Amateur (1948- 1933-1910) de Andrés Binetti y Mariano Saba

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Trilogía Argentina Amateur
(1948- 1933-1910)
Andrés Binetti y Mariano Saba
Buenos Aires
Editorial Papeles Teatrales
Facultad de Filosofía y Humanidades, Universidad de Córdoba, 2013
Páginas 142

Azucena Ester Joffe, María de los ángeles Sanz

Al-servicio-de-la-Comunidad_08Las piezas que componen la Trilogía escrita por Binetti – Saba, tienen la particularidad de centrarse en tres momentos fundantes en la historia del país y a su vez hacerlo con el humor necesario para dar cuenta de una realidad compleja que es mucho más que una verdad revelada. La mirada hacia la tradición teatral argentina en las dos primeras: La patria fría (1948) y Después del aire (1933), enriquece textos que dejan expresar de manera diferente realidades históricas cuya única mirada empobrece el resultado. La primera La patria fría recorta un momento de 1948, en pleno primer gobierno peronista, con una Eva que recorre pueblos del interior del país en ferrocarril, hoy una leyenda argentina, la de Eva aunada a las líneas ferroviarias que ya no existen, y a un espectáculo como el del circo donde las contradicciones políticas se ciernen como una nube de tormenta sobre la función. Definido como grotesco ambulante por los autores, da cuenta como un género desarrollado casi cien años atrás por Armando Discépolo y su hermano Enrique, sigue ejerciendo una productividad y una seducción para la escritura dramática, desde Roberto Cossa, Mauricio Kartun, hasta la dramaturgia de esta trilogía. Grotesco es desmesura, espacio de la expansión de una subjetividad que no obedece a lo racional, sino que se deja atravesar por los acontecimientos y se desborda en la irrealidad de lo posible. “(…) estamos en presencia de lo grotesco cuando todo lo que nos es familiar y conocido se revela de repente como extraño y siniestro” (Rocco, Croce, 16). Los autores logran con una eficacia contundente estructurar una pieza dramática que no es un grotesco en el sentido estricto de la definición canónica del género, pero que utiliza sus procedimientos para dar cuenta de una trama sobre un pasado que está presente como en los aros de los troncos de los árboles, que nos relatan su edad y su tiempo. La patria fría tuvo una puesta en escena con muy buena repercusión, esta es una oportunidad que se le brinda al lector / espectador de producir, desde su propio back ground, tangenciales interpretaciones sobre lo expuesto, variables miradas que la subjetividad de la memoria enriquece a un texto, rico ya en imágenes. La segunda pieza Después del aire, 1933, sainete oral, define desde la posibilidad de sus características una tipificación de personajes, y un tipo de actuación desde el exterior que mucho le debe a la observación e imitación de aquello que la vida produce. El sainete con su polifonía de voces cargadas de los acentos de la inmigración, aquella europea, se convierte en un relato radiofónico donde dos decadentes actores luchan por permanecer en un medio que está siendo arrasado por la competencia. La gauchesca con su melodrama, versus un teatro “culto”, (…) ¿Cómo querés competir con eso, eh?…Se hacen un poco los cultos y ya la gente los escucha…” (52) y la modernidad que arrasa es el punto álgido de la situación; desde la parodia al género iniciador de nuestro sistema teatral, el indio habla en inglés, los autores logran con humor y en verso, dar cuenta de un contexto trágico para gran parte de la sociedad, la muerte de Irigoyen, y de los conflictos que el golpe de Uriburu trajo consigo como una corriente que nos arrastró hacia una dependencia económica desde la liberalidad política: el Pacto Roca – Runciman. El género chico y su traslado a un soporte nuevo que lleno de posibilidades comienza una competencia sin códigos ni ley, y como el auto en Mateo (1923) de Discépolo se lleva por delante al pobre de Don Miguel, la broadcasting de Robledo se cae a pedazos en el empuje de la otra. Por último, Al servicio de la comunidad, 1910, epopeya isabelina, donde también los co-autores eligen una fecha por demás significativa. A principio del siglo, la elite gobernante intentaba invisibilizar la intensa movilidad social que pudieran opacar los festejos de Centenario. Como en las dos obras anteriores, sus personajes no son héroes ni mentes brillantes, por el contrario son criaturas simples. Roberto Perinelli en el prólogo a la obra afirma que “toda la herencia teatral argentina se encuentra presente en esta epopeya plena de personajes que, tocados por el presente, podrían ser protagonistas adecuados de algunas historias del pasado” (92). Uno de los personajes, Oscuro, intenta poner en escena a un Hamlet criollo y se tomó algunas licencias, pues él piensa que “la gente quiere oír a Guillermo Shakespeare pero hablando fetén, como uno… Porteñazo y lindo” (96). La idea de una Huelga de mendigos no es para generar mayor limosna sino para “poner el cuerpo” en las tablas y lograr una paga digna a través teatro. También se van tejiendo, en el espacio reducido de “un cabaret céntrico”, otras pequeñas historias, todas ellas de color local en oposición a la mirada europeizante característica de aquellos momentos. Con humor e ironía estos personajes surgen de los intersticios, de lo no dicho, por nuestra historia oficial.
Tres obras autónomas cuyo hilo conductor es, por un lado, nuestra historia política y, por otro, la historia de nuestro quehacer teatral. Tres obras que contribuyen al revisionismo histórico y a mantener viva nuestra memoria colectiva. La metateatralidad constante no diluye la mirada crítica, aguda y actual de Binetti – Saba sino, por el contrario, exacerbar la atenta lectura en soledad o bien la atenta mirada expectatorial. Un libro de lectura divertida y atrapante e intensa, a la vez, en especial para aquellos jóvenes ávidos de nuevas propuestas.
Bibliografía:
Carbone, Rocco; Croce, Soledad, 2012. Grotexto. Buenos Aires, Argentina. El 8VO. Loco Ediciones.

[1] No es un dato menor que las tres obras fueron entrenadas con éxito entre 2011 y 2013. En las últimas páginas de este libro podemos ver las fichas técnicas de la Trilogía.

Escuela de Marionetas de Luis Cano

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Escuela de Marionetas
Luis Cano
Buenos Aires
Editorial Disociado Editores, 2012
Páginas 493

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Escribo teatro pero pienso poesía, hago teatro pero escribo poesía (Luis Cano)

8-Escuela de marionetasLuis Cano es un dramaturgo de amplia trayectoria que presenta en este volumen algunas de sus últimas piezas teatrales que llegan así al público lector de textos dramáticos, como también a aquél que luego de haber disfrutado de las puestas quiera nuevamente, a partir de la palabra, recrear el momento de la enunciación. Las textualidades de Cano, breves y potentes en su escritura fragmentada pero cargada de una subjetividad inquietante, recorren los mundos privados de personajes expuestos no desde una referencialidad directa, sino que son presentados en un no tiempo cronológico, un tiempo cargado del acontecimiento que relatan, un universo íntimo, de una conflictividad singular. Escribo para hacerme preguntas afirma en el prólogo del libro el propio Cano, y para no olvidar, la escritura entonces como un procedimiento de búsqueda de una verdad escurridiza, que se intenta asir a partir de la palabra, pero no desde una palabra comunicacional sino por el contrario con una palabra con peso específico propio, donde la semántica encuentra un espacio propicio a la dimensión metafórica; una escritura que además fije, cristalice aquello que el tiempo diluye o intenta borrar de la conciencia.

Al principio no conozco la forma ni sé de qué se trata mi escritura solamente empiezo, con la esperanza de que el sentido se abra paso por sí mismo. Sin saber lo que voy a plantear, sin entender los problemas “la escritura es también plantear problemas” . (13)

De la escritura a la lectura, a la posibilidad de un decodificador ideal que pueda tomar registro de los vaivenes, impasses de su construcción, que sepa entender, com-prender: lector que luego devendrá un espectador interesado desde el relato a la acción.

El texto que termino de escribir es un recién nacido. Eso dura muy poco, porque los montajes tampoco son bebés, sino partos –es una opinión que leí en Peter Brook. El montaje plantea condiciones que favorecen el parto. Si sucede, acaso el texto conocerá el mundo. (19)

Las dramaturgias que componen el libro están dibujadas bajo esas premisas. Escuela de marionetas, es el título que las recoge, título sugestivo desde el lugar de la confluencia de doble juego de la actuación, ser otro desde el cuerpo del actor, y una vez personaje comportarse como alguien que es manejado por un texto que le impone una impronta de juego y construcción de mundos diferentes. Marioneta, es un cuerpo /objeto guiado por otro, pero que a la percepción del espectador gana autonomismo cuando ejerce la magia de asumirse en el personaje construido por el dramaturgo. Así son las piezas que integran la propuesta, cada una por separado presenta la impronta de su fuerza intrínseca, proyectada en una sintaxis segmentada, en un tiempo acechado por las elipsis, pero que leyéndolo como un todo, cada textualidad dramática podría ser como el capítulo de una novela que no tiene un fin próximo, porque aún no están exploradas todas las posibilidades de su semántica. Texto potente, de lectura inquietante, donde queda reflejada la riqueza productiva del autor, y su lectura diferente sobre temáticas que son abordadas desde ribetes disímiles, con procedimientos conocidos pero encajados en el puzzle de la escritura en una funcionalidad distinta. Es así, el tratamiento sobre las relaciones de pareja que aparecen en El diario de Carmen, pieza que cierra el libro, y que establece a través de una situación asfixiante una manera de comprender como se ejerce la violencia desde la victimización:

CARMEN
(Casi al público) Juan se va a sentar en el sofá. (Juan obedece) Juan está sentado. Me quedó aquí. Espero un rato. Puedo mirar por la ventana. Puedo ir a sentarme a su lado. O puedo esperar un poco más, hasta que sepa lo que quiero hacer. Pero no voy a esperar tanto.

(Carmen acomoda los almohadones, la manta, el jersey colgado junto a la puerta, el vaso de agua. Juan tiembla como una hoja. Carmen se pinta los labios para besarlo) (493)

La poesía en función de acción dramática, como en Historia Danesa, donde el fantasma de Hamlet sobrevuela las palabras:

(…)
Estoy en la mesa, en la cama en los escalones
Lleno de odio
Me hago pesado
Me convierto en hacha para abrir en dos al traidor
Para hundir mi lengua roja
Me dirijo
Un actor, más
Porque el actor cree que actúa y yo no (52)

En la escritura de Luis Cano las imágenes son potentes herramientas de enunciación, que construyen un universo propio donde los personajes y los espectadores mantienen un vínculo desde la palabra, la gestualidad y el silencio que acompaña con su impronta de inquietud la sorpresa de un devenir en construcción.
El libro está dividido en dos secciones. La primera, “Poesía de Teatro”: La Ambares (Teatro musical); Búsqueda y representación de algo que quedó en mi infancia. Banda sonora; Historia danesa; Diario de un día; Vuelta a casa; Domingo; Ensayo para un quinteto; Niños; Texto leído; Apunte durante los ensayos; Resistente al agua; Partes de libro familiar 1. Un canario; Partes de libro familiar 2. Ars moriendi; Elementos del Paisaje; Aviones enterrados en la Playa y Poesía.
La segunda sección, “Ensayos y Errores”: Y sin embargo; Cama de manivela; Cangrejos; Pieza para títeres; Cumpleaños; Ruidosas rosas – Trilogía 1. Niñas piden auxilio por el conducto de ventilación, Trilogía 2. ruidosaPequeño casamiento (una boda ) Ballet, Trilogía 3. El invernadero (rosas de invernadero); Claramente / o el Teatro de la melancolía; Una clase portátil; Niebla; Fantasma de una obra de teatro de 1900; Amigos olvidados y El diario de Carmen.
Una escritura profusa que contiene distintas expresiones literarias y un denominador común: la metáfora, el recorrido no lineal de los acontecimientos, la búsqueda de la multiplicidad de los sentidos. Este recorrido minucioso no es azaroso sino que explicita, a grandes rasgos, el particular estilo y el compromiso constante de Luis Cano con la vida, es “un recorrido personal de más de veinte años”.
Por último, este es un libro interactivo, “disociado”, lo cual le aporta un plus extra en especial para los investigados y críticos, obviamente al espectador teatral. Cada obra tiene un soporte digital al cual se puede ingresar a través de la clave en el texto impreso: elementos visuales y auditivos – fotos, programas de mano, notas y bocetos, musicalizaciones,- que van más allá del placer de la lectura. Libro Disociado Editores une la tecnología al placer de la lectura individual. Una excelente conjunción que nos permite disfrutar del potencial creativo del poeta, dramaturgo y director que como un prisma descompone la realidad cotidiana a partir de su proyecto creador, proyecto en constante ebullición que, necesariamente, requiere de un lector / espectador activo.