Archivos Mensuales: mayo 2015

La Bienal Arte Joven presentó a sus bienalistas 2015-2016

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126 obras y proyectos fueron seleccionados entre 6.000 inscriptos para participar de la Bienal.

Más de 500 artistas integran los equipos de las obras y proyectos participantes en las cuatro disciplinas: Artes escénicas, Artes visuales, Artes audiovisuales y Música.

El miércoles 13 de mayo, se realizó el anuncio oficial de los bienalistas 2015-2016. En el marco de una ceremonia celebrada en el MAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires – se dieron a conocer los artistas, de entre 18 y 32 años, que conformarán la nueva edición de la Bienal Arte Joven Buenos Aires en cuatro disciplinas: Artes visuales, Artes escénicas, Artes audiovisuales y música.

En esta oportunidad, La Bienal producirá 16 proyectos de diferentes disciplinas, brindando financiamiento y acompañamiento a 6 obras visuales, 3 series webs y 7 obras de teatro, danza, multidisciplinar y musical. Además, 80 jóvenes artistas -40 artistas visuales, 20 directores audiovisuales y 20 directores de teatro y danza-  mostrarán sus obras en el Festival de la Bienal y podrán acceder a becas de formación en Argentina y el exterior. En música, 30 bandas y solistas contarán con tutorías y  participarán del Festival de la Bienal y de shows en diferentes circuitos de la Ciudad. En esta disciplina, se seleccionarán 4 proyectos que tendrán acceso a la grabación y difusión de un disco en 2016.

Más allá de los números, que dan cuenta de la dimensión del trabajo y producción que la Bienal promueve y visibiliza, Luciana Blasco, su directora, apunta: “Lo mejor que pasa en la Bienal no se puede traducir en un indicador. No podemos medir cuántos artistas se conocen, cuántos entran en contacto y se hacen amigos, cuántas ideas se cruzan y se transforman después en un proyecto en colaboración. Ese es el aporte de la Bienal que más me conmueve, porque casi de rebote, sin que lo veamos venir, estoy segura que esa comunidad que se genera espontáneamente va a ser muy importante para el arte en esta ciudad y es algo que estamos haciendo entre todos”.

Desde ahora y hasta fines de agosto la Bienal acompañará a través de financiamiento y tutorías la producción de los 16 proyectos a desarrollar seleccionados. Además, durante julio más de 500 artistas integrantes de las diferentes obras y proyectos seleccionadas accederán al Campus Bienal, un programa especial de formación multidisciplinar con docentes y creadores destacados de cada disciplina. Entre el 8 y el 13 de septiembre, el Festival de la Bienal será, con sede central en Ciudad Cultural Konex, el espacio de exhibición en el que los bienalistas de las cuatro disciplinas compartirán sus creaciones con toda la ciudad.

Los bienalistas 2015-2016 son:

ARTISTAS VISUALES

Beto Álvarez – Lo que más importa es el otro

Nicolás Ariel Ancona – Sin título

Joaquín Aras – Las palabras y las cosas

Lucas Ardu – Instalación Nº 25 de la serie “para cuando me busques”

Julieta Barderi – La cabra

Agustín Barrutia – Autorretrato

Martín Bernstein – Is nothing easy? (The cost of overchoice)

Martín Carrizo – Umbral

Carlos Cima – Sobre lo que acontece

Leonardo Ciocchini – Sin título

Cotelito  – Adorando lo invisible

Delfina de Estrada – Bienvenidos a la sombra

Lucía Jimena Delfino – Todo lo mirás desencantada

Santiago Delfino- Sentencia

Cinthia De Levie – Pedazo y colección

Valentín Demarco – Cimarrón y self-disclosure (lyric video)

Azul de Monte – Absorción

Rocío Englender – Color Nude

Matías Ercole – Fría

Benjamín Felice – Exposhare

Dana Ferrari – El divismo y lo divino

Hernán Aguirre García – Shanel

Federico Gilardi – Parte de la historia

Jazmín Giordano – De la serie “Sueños”

Lihuel González – No sabemos lo que un cuerpo puede

Mariano Goto – Contemplación

Nani Lamarque – Intento de moldeado por compresión

Kenny Lemes – Un pez que no huela a mar

Valeria Maggi – Sin título

Eric Markowski – Argentum I de la serie Cósmica

Rodolfo Marqués – 3 visiones en forma de videojuegos

Laura Ojeda Bär – El es muy hardcore, yo soy re pop

Sebastián Ormeño Belzagui – Súbita

Ramiro Oller – FTFNTSM

Aimé Pastorino – Sin título

Pencha – Fuego

Geraldine Schwindt – Plato XVIII

Nicolás Smalinsky – Memoria

Juan Vegetal – http://www.nuevobuenosaires.200X

Florencia Zuñiga – El lecho a la orilla

PROYECTO A DESARROLLAS VISUALES

Joaquín Aras – Snuff 1976

Gabriel Chaile – No es esto lo que pensé cuando estaba en mi tierra

Juan Gugger – Deck

Estefanía Landesmann – Lo inmanente

Rodolfo Marqués – La evolución de las costumbres

Fernando Sucari – De-despensa

DIRECTORES AUDIOVISUALES

Manuel Abramovich – La reina

Macarena Albalustri – 2014-2015

Segundo Arregui – El juncal

María Cecilia Astelarra – Lo que hay bajo la alfombra

Carlos Atehortúa Arteaga – Becerra

Paola Buontempo – Los animales

Agustín Burghi – Viernes 20:15

Lucía Cavallotti – Los limpiadores

Nicolás Conte – Yo te quiero!

Clara de Elia – El Intocable

Ezequiel Erriquez – Panambí, antes del agua

Alejo Maglio – Película + Lava

Tatiana Mazú González – La Internacional

Nadir Medina – Conversaciones con el viento en 5 capítulos

María Guillermina Pico – El pasito de onda

Nicolás Ojeda – La momia que viene de Francia

Iair Said – 9 vacunas

Alejandro Telémaco Tarraf – El Valle interior

Antonio Zucherino – Camino

Nicolás Zukerfeld – Cualquiera que nos viera

PROYECTOS A DESARROLLAR – SERIES WEB

José Antonio Campos Argoti – De Boca en Boca

Juan Cruz Márquez de la Serna y Gabriel Bosisio –  La Niña elefante

Graciela Montoya – TRENDS (Tendencias)

MÚSICA

Bandalos Chinos

ChauCoco!

David Pitucardi

Despertar Antoles

Eric Mandarina

Estación Jacarandá

Facundo Galli

Fly Fly Caroline

Franco Saglietti

Jazmín Esquivel y Los alces

Jota Gómez

Lautaro Feldman

Levare

Lucila Pivetta

Maca Mona Mu

Lola Linares

María Pien

Martín Minervini

Mejor actor de reparto

Muscaria

Ninja

Paula Neder

Pommez Internacional

Qeei

S.i.e.r.r.a.

Sobremesa con el Dos

Soul Parking

TLGM

Tototomas

Yulelé

PROYECTO A DESARROLLAR TEATRO, DANZA Y OBRAS MULTIDISCIPLINARIAS

Nicolás Goldschmidt -Trémula (Teatro)

Josefina Gorostiza y Jimena Pérez Salerno – Doppelgänger – el que camina al lado (Danza)

Miguel Israilevich – En realidad (Teatro)

Juan Mako – RAT Farsa trágica (Teatro)

Gastón Santos – Pizarniketas polígrafas (Mutidisciplinar)

Gadiel Sztryk y Andrés Caminos – Fantasmas (Teatro)

Emiliano Dionisi y Martín Rodríguez – Los Monstruos (Teatro Musical)

DIRECTORES TEATRALES Y COREÓGRAFOS

Ignacio Bartolone – Piedra Sentada Pata Corrida

Fabián Miguel Díaz – Dios está en la casa

Lucía Disalvo – D/H

Juan Pablo Galimberti – Chinitos

Luisa Ginevro – Relato en fiel simetría

Amparo González Sola y Pablo Lugones – El Becerro de oro

Jesús Guiraldi – Una constante

Miguel Israilevich – body Art

Gonzalo Facundo López – Diario de una orientadora de sala

Damián Malvacio – Stabat Mater

Nicolás Manasseri – Juegos de fábrica

Caterina Daniela Mora – El ocaso de la causa

Marina Otero – Recordar 30 años para vivir 65 minutos

Mariano Rapetti – Paraíso

Ezequiel Rodríguez – Yermo quedó. Claro que la soledad no viene sola.

Ignacio Sánchez Mestre – Lunes abierto

Victoria Delfina Serra – Dentro

Mariano Tenconi Blanco – La fiera, la leyenda de la mujer tigre

Amalia Tercelán –  Niño en estado adulto, nieve que arde, o lo que quedó de Hamlet

Michelle Wejcman – Proyecto Posadas

W: buenosaires.gob.ar/labienal

Fb: /LaBienalBA

Tw: @LaBienalBA

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Rosas en el Mar de Courtade, Ibáñez, Samar, Zayas Mathey

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Rosas en el Mar
de Courtade, Ibáñez, Samar, Zayas Mathey
Experiencia teatral [1]/ musical

Voy buscando un amor
que quiera comprender
la alegría y el dolor,
la ira y el placer,
un bello amor sin un final
que olvidé para perdonar.
Es más fácil encontrar rosas en el mar [2]

Azucena Ester Joffe

000105850La propuesta de Rosas en el Mar logra ponernos en el límite difuso entre nuestra expectativa al asistir a la función de teatro y a la situación confusa de una espera que muy bien no entendemos. Mucho más no podemos contar pues en complicidad con sus mentores nos gustaría que la sorpresa sea para todos. El espacio escénico despojado alberga en el centro un micrófono de pie, testigo mudo de la primera parte de esta historia, mientras las buenas actuaciones logran focalizar nuestra mirada aunque si el tiempo real fuese algo más breve quizá ganaría la situación dramática. Al no iniciarse el anunciado show da lugar a un relato distinto con elementos de la comedia, del melodrama y en una zona intermedia con el performance, pues seguramente con ésta división será más efímera que el siguiente relato. Un cruce entre “lo real” y la ficción, entre “la vida” y la simulación. Una historia simple que necesariamente nos involucra desde el presente de la representación a nuestra cotidianidad y donde el eje del discurso verbal tiene como temática la soledad y el reconocimiento de ese otro en los distintos ámbitos. Los miedos y los fantasmas que se materializan, en especial, en los espacios privados, una soledad constitutiva de la sociedad actual donde nos encontramos, por suerte, a estos seres que intentan romper el anonimato y tener identidad propia. Entonces, esta propuesta toma dos caminos (que por el pacto de silencio no comentaremos mucho más) que se apoyan en la ductilidad de los protagonistas, el humor constante, el discurso corporal y la gestualidad del rostro, especialmente en Él. Una vez iniciado el show, la segunda parte de la historia, manteniendo los procedimientos antes nombrados pero con elementos del musical y la melodía de las canciones de Massiel, el ritmo in crescendo da cuenta que los distintos códigos del sistema teatral encastran de tal forma que le otorgan una textura especial a la obra. Al ingresar, nos había desconcertado que en el programa de mano los nombres de elenco estaban tachados pero al retirarnos nos fue entregado el programa que corresponde. La consigna es dejarse llevar por el juego actoral y entregarse de manera espontánea, sin miedo a perder nuestro pasivo lugar en el espacio del público, disfrutando de un devenir creativo con un final a toda música.Rosasenelmaralta

Ficha técnica: Rosas en el Mar de Courtade, Ibáñez, Samar, Zayas Mathey. Elenco: no se puede informar. Escenografía y Vestuario: Mercedes Uría. Diseño de Luces: Carlo Argento. Diseño Gráfico y Fotografía: Juan Miguel E. Armada Posse. Maquillaje: Griselda Fabro. Pistas Musicales: Matías Zayas. Coreografía: Gabriel Arango. Asistente de Dirección Leandro Ibáñez. Dirección y Puesta en Escena: Emilio Samar. NoAvestruz Espacio de Cultura. Duración: 70’. Reestreno: 29/03/2015.

[1] Definición según su director: http://laventanaarteycultura.blogspot.com.ar/2015/03/entrevista-emiliano-samar-teatro.html [11/05/2015]

[2] Fragmento de Rosas en el Mar de Massiel, actriz y cantante española.

Paisaje marino con tiburones y bailarina de Don Nigro

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Paisaje marino con tiburones y bailarina
de Don Nigro
Traducción Tato Alexander
La fuerza de los mansos

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

InvitaciónTato Alexander es una actriz que ha trabajado algunas de las obras de Don Nigro, y que por lo tanto al traducir la pieza dirigida por Manuel González Gil tiene sobre el texto un conocimiento interior que se traduce en los silencios, las pausas, y la exacerbación del miedo que convierte a la textualidad dramática, en un cruce sin diferencias de lengua para el espectador de habla castellana. La propuesta simplifica la escenografía que sin embargo es sugerente y plásticamente bella, en su disposición espacial, los colores elegidos, y los objetos que pueblan el universo cerrado de la casa del escritor, que de golpe se ve extendido hacia un afuera amenazante en la figura de la mujer rescatada del mar. Paneles de tela transparente que guardan en su semipenumbra la intimidad, o que se abren para dar cabida a la mirada indiscreta sobre una lucha por la vida, cuerpo a cuerpo. Una historia de amor, que establece un vínculo desde el abismo de la desesperación y la ausencia en esa casa donde el interlocutor es el mundo de la literatura. Biblioteca y escritura un paraíso borgiano para él, que se ve cruzado, interceptado en su calmo desarrollo por el rescate de un cuerpo que niega la dificultad, y ataca como única defensa. Cuerpo inerme entre tiburones dentro y fuera del mar, dentro y fuera del agua de un acuario, metáfora de la sensación de peligro en que se mueve una mujer que se atreve a las profundidades marinas; para danzar al ritmo acompasado de la pleamar. Los personajes están delineados a través de los fuertes contrastes, entre la agresividad y la templanza, entre la primavera y el otoño en los tiempos de los ciclos de la vida, entre la búsqueda de provocar la herida y mostrar desde el cinismo el dolor y la angustia, y el vaso de contención de la tormenta que encierra a un cuerpo femenino, que no quiere ceder ni dejarse atrapar por la ternura. La actriz logra encontrar el tono de su ira contenida, a través de la voz, cuando su cuerpo en movimiento habla de otras necesidades, de otros sentimientos. Ya desde el título se plantea una contradicción: tiburones / bailarina, entonces podríamos preguntarnos ¿quién es el tiburón? Contradicción que materializa a través de la corporalidad de cada personaje, mientras Tracy comienza en un tono monocorde y bajo a medida que avanza el relato su gestualidad se va transformando en más orgánica, visceral. En cambio, Ben tiene una actitud distante, paciente, como si aceptara el destino sin altibajos. Un historia de amor y desencuentro que entre “las paredes”, límites precisos, de la “casa” alejada de todo y en cercanías al mar no existiera la posibilidad de conciliación. Solo tendremos el saber del presente de la historia, el pasado y el futuro nos es vedado como olas que siempre regresan al mar.11

Ficha técnica: Paisaje marino con tiburones y bailarina de Don Nigro. Traducción: Tato Alexander. Elenco: Fernanda Caride, Adrián Batista. Música: Martín Bianchedi. Escenografía y Vestuario: Pepe Uría. Diseño Gráfico: Wanda Epstein. Prensa: Alfredo Monserrat. Asistente de Dirección: Ana Lascano y Marilú Maygret. Dirección: Manuel González Gil. Teatro El Portón de Sánchez. Duración: 75’. Estreno: 08/05/2015.

Emma, el cuerpo de prueba coordinado por Alfredo Martín

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Emma, el cuerpo de prueba
coordinado por Alfredo Martín sobre el cuento de Jorge Luis Borges
“Emma Zunz” y “Hamlet” de William Shakespeare.
Work in progress

La venganza en forma de mujer
Los ladridos tirantes le recordaron que no podía, aún, descansar.
(Borges, “Emma Zunz”)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

11102791_473905239428116_3944620384387220882_nLos mandatos familiares parecen o son ineludibles. Nadie escapa a ley que ordena sin estar escrita, que los crímenes cometidos deben tener su momento de justicia y que siempre hay uno de los integrantes de la familia que es el señalado para llevar adelante ese oscuro día de revancha; aquel día en que uno de ellos debe ofrecerse como cordero de sacrificio a la diosa Nemesis. Hamlet o Emma, tiempos y espacios diferentes, situaciones distintas, pero un mismo cuerpo del deseo, el del culpable del asesinato de la figura enorme del padre. Alfredo Martín, logra con talento tejer una trama borgiana y conformar la escena que construye Emma de la mano del autor, para atravesar los tiempos y constituir una forma que desdobla el proceso y ubica en el mismo registro de deber al hijo del rey y a la hija del empleado de una fábrica en Buenos Aires, donde sus integrantes luchan por sus derechos y pergeñan una huelga. Pero a Borges no le interesa la denuncia social, el dato es sólo un procedimiento más para los planes que el sujeto femenino va a utilizar a su favor. No es común en la literatura borgiana que los sujetos sean femeninos, como tampoco dejar en claro la geografía, su famoso terror al “color local”, herencia de un romanticismo del que va alejándose cada vez más. 11174445_473899806095326_4913975975239608392_oSin embargo, en este cuento ambas cuestiones son eludidas por el narrador que enfatiza espacio y tiempo con pequeños detalles: fechas, lugares, situaciones: catorce de enero de 1922, una fábrica de tejidos; Brasil, Gualeguay, Almagro [1]. Martín utiliza el tango como marco musical para que nadie dude en donde se desarrollan los hechos. Buenos Aires / Dinamarca, dos lenguas: el español y el inglés. Las dos lenguas que constituían el acerbo cultural de Borges. Emma Zunz y el marinero instrumento, fronteras, que se cruzan en el punto crucial de un destino que la atraviesa pero que ella tomara con las dos manos para torcerlo en el afán de llevar a término su deseo. Deseo, un significante que guarda más de un sentido en la puesta: el sexual, el de la justicia y el de la venganza. Involucrados todos en el pequeño y frágil cuerpo de una mujer: Emma. La disposición espacial construye los ámbitos: la oficina, el burdel. Las actrices mutan en los personajes en diferentes sujetos: Emma, las obreras, las prostitutas del bajo; en el juego de espejos que tanto fascinaba al escritor de tramas perfectas, de policiales milimetrados en todas sus aristas. Cuatro sillas que sostienen sus cuerpos y guardan sobre sí un vestuario que formará parte de las sucesivas máscaras. Un escritorio, donde el hombre espera aquello que no sabe que sucederá. Una pequeña gaveta de cajones, allí se esconde lo imprescindible para la ejecución del hecho. Los cuerpos masculinos enfrentados, el padre y su verdugo; los femeninos, en un cruce donde los grupos dejan en un vértice la figura de quien el destino como a Hamlet lleva al extremo de olvidarse de todo menos de la tarea impuesta. Una fuerza, la venganza, que lleva a los personajes, tanto en Shakespeare como en Borges a aniquilar también a su herramienta. Una puesta de work in progress que se permite trabajar con los pliegues, y entre ellos ir constituyendo en cada puesta una perfomance que promete crecer en matices e intensidades.000118569

Ficha técnica: Emma, el cuerpo de prueba coordinado por Alfredo Martín. Integrantes por orden alfabético: Francisco Devita, Estefanía Lisi, Pamela Mora, María Eugenia Rigon, Agustina Russo, Yamila Transtenvot. Escenografía e Iluminación: Grupo Montaje. Diseño gráfico: Gustavo Reverdito. Asistencia de Dirección: Sol Rieznik Aguiar. Dirección artística: Alfredo Martín. Teatro Andamio 90. Estreno: 08/05/2015.

Borges, Jorge Luis, 1968. “Emma Zunz” en El Aleph. Buenos Aires: Emecé Editores.

1 “Emma vivía en Almagro, en la calle Liniers; nos consta que esa tarde fue al puerto. Acaso en el infame Paseo de Julio se vio multiplicada en espejos, publicada por luces y desnudada por los ojos hambrientos…” (72)

Alfredo Arias en el Cultural Deshonrada / Comedia Repostera

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Alfredo Arias en el Cultural
Deshonrada / Comedia Repostera
Tres genialidades en el escenario de la sala AB del
Complejo San Martín

10360203_803493906371097_3749810134033411920_nAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

En el Centro Cultural Sarmiento, en su Sala AB, se presentan dos espectáculos que tienen como figuras centrales a Alfredo Arias y Alejandra Radano; dos propuestas que nos ofrecen una mirada sobre un período el del gobierno peronista y su destitución. En el Hall de la Sala pudimos visitar la exposición Fotarias, una muestra impactante donde images 0las distintas fotos de algunas de sus puestas en escena dan cuenta de que Arias tienen un estilo particular fuertemente marcado por distintas expresiones artísticas. Imágenes visuales de una plasticidad precisa: los contrastes entre la iluminación y la tríada de color negro-blanco-rojo hacen que esos personajes se apoderen de nuestra mirada en una actitud desafiante. Artista multifacético que se formó en el efervescente Instituto Di Tella, Centro de Investigación Cultural (1958-1970), y participó de exposiciones, happenings e instalaciones.
En Comedia Repostera la figura de Doña Petrona C. de Gandulfo referente de los años ‘50 para las amas de casa de clase media, ya que las otras sentían que sus recetas eran imposibles de realizar por lo complicadas y lo costoso de sus ingredientes, es tomada por Arias desde el recuerdo, memoria de la construcción de una subjetividad que le debe como tantos otros a la radio y al incipiente aparato de televisión un imaginario que fue formando una manera de pensar y sentir. Las series enlatadas llegarían después, pero en esos primeros años, las películas de la época de oro del cine argentino y la figura de la cocinera más representativa eran como puntos de inicio para conocer como era el mundo, o como aparecía en ese espacio recortado de la pantalla. De la imagen en blanco y negro de su protagonista a un presente donde con un vestuario como la escenografía, de un blanco prístino, aséptico, de laboratorio, se presentan los personajes, para hacernos testigos de un relato leído y expresado de un tiempo histórico pero cuyo entramado no se basa en acontecimientos sino en sensaciones, en deseos, en el camino sinuoso de la subjetividad. Con un fondo donde resuenan los sones de canciones imagesrepresentativas de la época, del género popular, sencillas y pegadizas, en sus melodías y letras, con el tono patriótico de una clase de escuela, escarapela incluida, en el límpido guardapolvo de Arias, como adorno en la cabeza de la Radano, las recetas y las consejas del personaje se suceden entrelazadas con la historia de vida del niño que no quiere olvidar y nos repite como letanía: seamos niños siempre. En el reducido espacio escénico la puesta en escena minimalista focaliza nuestra atenta mirada como si estuviésemos frente a un gran televisor y ubicados en una especie de semicírculo. Ambos interpretes / personajes con humor e ironía reconstruyen parte de nuestra historia en común mientras algunos datos autobiográficos de Arias, por el ejemplo el comentario sobre el Liceo Militar, van tejiendo con la lectura un evento distinto, simple, espontáneo. Como si fuera el juego y/o sueño del niño Alfredo quien con su impecable guardapolvo y sus zapatillas celestes, entre saltitos y vueltas, va recorriendo la Cocina imaginaria. Un creador que se anima a seguir sus fantasías y nos permite participar de esa ilusión.En este tríptico artístico, Deshonrada, es la otra obra del genio de Alfredo Arias unido al talento de Alejandra Radano y Marcos Montes hace posible que en un espacio enorme dos personajes que coreográficamente se mueven alrededor de una mesa, mantengan sobre el espectador una tensión dramática hasta el minuto final de la puesta, conteniendo la respiración, sin dejar de en algún momento distender la energía con un paso de parodia que lleva al espectador a la risa. Un texto cruzado por las películas1 que Fanny Navarro protagonizó en su época dorada, van constituyendo en esa sala de interrogatorio, el entramado donde la ficción y la realidad toman un peligroso contacto; y nos remiten a un pasado histórico cargado también con la fuerza del mito, de aquello que se construye con las voces apagadas, entredichas de palabras prohibidas, que circularon como discurso marginal después de la caída del gobierno de Perón y la llegada de la Revolución Libertadora. De reina de la cinematografía argentina, amiga íntima de Eva Duarte y amante de su hermano Juan, la actriz pasó a los ojos de muchos de los opositores al peronismo y de algunos de los seguidores de su trabajo, a ser una “apestada”, alguien con quien era un error compartir ni un minuto más de una vida marcada por la pasión al cine y la política. Arrastrada de su casa, con la doble significación que el término contiene, la Navarro se encuentra en un juicio sin juicio en varias etapas donde la más dolorosa circunstancia la vive delante de un personaje sin piedad y que hace gala tanto en la realidad como en la ficción de una crueldad amparada en la presunta legalidad de su cargo. El cuerpo y la voz de Alejandra Radano, nos hace con la espesura sustancial de su trabajo, olvidar a la otra, la conocida, y pensar que somos testigos, aquí y ahora, del dudoso privilegio de asistir a una secuencia de su camino de via crucis, por los pasillos tortuosos de un gobierno que declaró su legalidad, en el avasallamiento de la democracia2. Amada por unos y odiada por otros, ni culpable ni inocente, el texto dramático de Gonzalo De María, expone a su personaje Fanny con las contradicciones propias y las vicisitudes de una época. Se lo acusó de arribista y usar su amistad con Juan Duarte y Eva Perón para convertirse en una gran estrella. Sin embargo, la verdad histórica es que:

En 1934, cuando Juan Duarte era apenas un modesto vendedor de jabón en Junín, Fanny ya figuraba en el reparto de una ópera en el Teatro Colón que encabezaba, nada menos, Claudia Muzzio, y cinco años después protagonizaba “Ambición”, el film de Adelqui Millar. Cuatro años antes de que Perón llegara a la Presidencia, Radiolandia le dedicó su primera tapa. Es obvio, entonces, que cuando Duarte la conoció, Fanny Navarro ya era toda una reconocida estrella, con éxitos resonantes en su carrera.

titulo_CLAIMA20150425_0046_4Marcos Montes como el inconmovible y siniestro capitán Ghandi, cuyo verdadero nombre era Germán Fernández Alvariño, tiene una perfomance excelente junto a su víctima que encuentra en Alejandra Radano la calidez y la energía necesaria para el personaje. El espacio escénico es amplio y, a su vez, distante marcando la condición no terrenal de los personajes. La oposición entre blanco y negro, desde la escenografía al impecable vestuario, como también la precisa iluminación, entre luz y sombra, crean los contrastes de límites precisos. Imágenes visuales impactantes que le otorgan mayor tensión y dramatismo a cada escena como también subraya el estado anímico de ambos personajes. Oposición entre fuerzas antagónicas que el gran demiurgo, Alfredo Arias, puede tensar a su gusto a tal punto que, por un lado, a algunos espectadores se anclan en los momentos de humor y esto les provoca risa mientras que otros quedamos suspendidos en los intersticios dolorosos de la decadencia de Fanny Navarro. Imposible olvidar el caudal de las imágenes auditivas, un crescendo musical cuya intensidad nos paraliza, por ejemplo cuando escuchamos el Himno Nacional. Solo nos resta esperar el pronto regreso de Arias para seguir disfrutando de su particular estilo como actor, director y regidor argentino, radicado en Francia 1969.
Ficha técnica:
Deshonrada de Gonzalo Demaría. Elenco: Alejandra Radano, Marcos Montes. Estreno: 08/04/2015.
Comedia Repostera de Alfredo Arias. Elenco: Alejandra Radano, Alfredo Arias. Estreno: 10/04/2015.

Director: Alfredo Arias. Productor: Alfredo Arias y Groupe TSE. Prensa: Walter Duche, Alejandro Zárate. Espacio escénico: Alfredo Arias. Música: Diego Vila. Vestuario: Pablo Ramírez. Iluminación: Gonzalo Córdova. Sonido: Santi Lesca. Mobiliario escenográfico: Carlos Pelisatti. Accesorios: Larry Hager. Maquillaje: Sebastián Correa. Fotografía: Gustavo Di Mario. Asistente de producción: Maximiliano Gallo. Coordinación de producción: Luciana Millone. Sala AB Centro Cultural San Martín.

Hemeroteca on-line:
Pablo Sirvén, 2004. “Fanny Navarro, la diva que murió otra vez” en Lanacion.com. Espectáculos. 13/6.

1 Las películas son: Deshonra (1952), Marihuana (1950), El grito sagrado (1954).

 2 Al igual que muchos años después, el 24 de marzo de 1976, muchos participantes de los bombardeos de Plaza de Mayo, y del golpe del 16 de septiembre de 1955, también amparándose en lo que consideraban casi un deber divino, ya que fueron apoyados por gran parte de la Iglesia Católica, subvirtieron el orden constituido, para proclamarse, los salvadores de la Patria.

Alicia. Ensueño de Maravillas de Alejandro Bustos y Tristana Muraro

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Alicia. Ensueño de Maravillas
de Alejandro Bustos y Tristana Muraro
Compañía Ochojos
¡la de ojos que sueñan maravillas! [1]

Azucena Ester Joffe

alicia 1Si Alejandro Bustos ya nos ha deslumbrado con Bambolenat (2012), “un viaje al despertar de los sentidos” [2] , ahora con Alicia. Ensueño de Maravillas nos sumerge en un viaje onírico, un relato a mitad de camino entre lo real y la fantasía. Un recorrido que nos permite recuperar la expectación y la sonrisa de niños que como adultos hemos perdido. Aunque el título remite al clásico de Lewis Carroll, texto revisitado por distintas expresiones artísticas, no fue el punto de partida para esta obra sino, por el contrario, a través de la investigación constante y jugando con los distintos objetos y títeres, el hilo conductor se materializó casi espontáneamente. Esta interesante propuesta aviva, por un lado, el imaginario social construido a partir de Alicia en el país de las maravillas y, por otro, crea ese universo mágico con diferentes elementos de las artes escénicas y con la música original. En el amplio espacio escénico de la Sala un gran lienzo a modo de pantalla nos oculta el artificio, un espacio donde ese límite unnameddesaparece cuando nos entregamos a la experiencia visual y auditiva, sin mediación del lenguaje verbal. La intérprete, Tristana Muraro, modela su Alicia a partir de los movimientos de la danza y de la acrobacia aérea, otorgándole una corporalidad sutil y única. La joven Alicia “en su rutina diaria descubre observando su sombra, la entrada a una realidad distinta” e ingresa al fantástico mundo acompañada por un ágil conejo, personaje que crea su imaginación al igual que los otros – el flamenco, el erizo,…, un mundo construido a partir de las distintas escenas. Pero cada una de éstas tiene su ritmo y melodía particular como también su precisa iluminación. Así se va tejiendo el canevas por la mixtura de procedimientos, casi de forma “artesanal”, a partir de los distintos ejes creativos: la manipulación de los objetos y de los títeres, del juego de sombras y la distorsión en los tamaños que interactúan, del teatro de arena y el rostro de la joven, los ojos felinos que nos miran y los espejos de colores,… Los hacedores de esta puesta en escena, Alejandro Bustos y Tristana Muraro, como demiurgos, van moviendo “los hilos” y junto al resto de la Compañía Ochojos no sólo focalizan nuestra mirada sino que nos regalan, especialmente a los adultos, el encantamiento de dejarnos llevar por las imágenes. Un hecho artístico para grandes y chicos, a partir de los 6 u 8 años, donde cada sistema significante encastra en un todo sin fisura, un ensueño hecho realidad. clickFicha técnica: Alicia. Ensueño de Maravillas de Alejandro Bustos [3] y Tristana Muraro [4] . Intérprete: Tristana Muraro. Asistencia escénica y manipulación de títeres: Rubén Caffieri, Natalia Carrot, Jonatan Nastar y Daniel Tur. Diseño Audiovisual: Natalia Carrot y Federico Nessi. Diseño de títeres y objetos, dibujos en vivo: Alejandro Leonardo Bustos. Realización de objetos y títeres: Alejandro Leonardo Bustos y Rubén Caffieri. Música original: Gato (Claudio) Urbanski y Germán Cantero. Vestuario: Walter Delgado. Prensa: Luciana Zylberberg. Dirección: Alejandro Leonardo Bustos. Sala Santos 4040. Duración: 55’. Reestreno: 02/05/2015.

[1] Carroll, Lewis, 1982. “Introducción” en Alicia en el País del Espejo. Buenos Aires: ACME: (9-10)

[2] lunateatral.blogspot.com.ar/2012/08/bambolenat-por-la-compania-sombras-de.html

[3] Según gacetilla de Prensa: “Alejandro Bustos. Dibujante ilustrador, diseñador y realizador escenográfico, ha desarrollado acciones artísticas y talleres en distintos tipos de eventos nacionales e internacionales, participando en programas de educación ambiental como ilustrador y dando talleres de creatividad. Permanentemente se sumerge en la búsqueda de nuevos lenguajes a través de los cuales cuenta y convida su mirada sobre el mundo. Sus relatos visuales invitan a recorrer paisajes internos, sueños compartidos, postales de este y otros tiempos. En los últimos años ha desarrollado los dibujos con arena (Sand Art), técnica que permite transformar rápidamente una imagen en otra, construyendo un relato visual que cautiva al espectador invitándolo a sumergirse en un mundo imaginario. Ha realizado presentaciones para distintas empresas, en teatros, hoteles de nuestro país y del exterior.”

[4] Idem: “Tristana Muraro. Se formó en teatro con Lito Cruz, Gandolfo, Joy Morris y en teatro antropológico con el grupo Viajeros de la velocidad. En 1995 inicia su formación en técnicas de acrobacia aérea en la Escuela de circo criollo, en la Escuola nacional de Rio de Janeiro (Pablo Rutkus, entre otros), aunque su formación es bastante autodidacta. Desde 1997 estudia violín, armonía y composición. Completa sus estudios con diferentes técnicas de danza: contac improvisación con Cristina Turdo, Fly low con Lucas Condró, Kuchipudi (danza de la india) con Natalia Salgado, danza clásica con Sonia Nocera y Viviana Taccone. Desde 1995 ha trabajado como acróbata aérea en diversos espectáculos (“Crash el nuevo circo”, “Imágenes marinas”, “Melodía aérea”, “Pulso aéreo”, “A cielo abierto”, “Circomundovariete”, “Ya!” y “Noches de circo” realizado en el teatro de la Rivera), integrando además grupos y compañías que han realizado puestas y giras tanto en nuestro país como en el exterior en Italia, Macedonia, Montenegro y Croacia, España, Colombia.”

Fotos de señoritas y esclusas de Arístides Vargas

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Fotos de señoritas y esclusas
de Arístides Vargas
Cuando la memoria se niega a olvidar

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

10574530_1473246982944094_7978687142708011414_nHay un exilio que no necesita cambiar de espacio geográfico, ni de identidad aparente, es el que a veces realizamos hacia dentro de nosotros mismos. Una manera de viaje que nos permite sobrevivir ocultándonos una verdad dolorosa, y que nos construye un muro inaccesible hacia un pasado que de permanecer en un presente constante nos impediría la vida. Pero a ese remoto lugar anclado en nuestro inconsciente puede llegar el flash descarnado de una foto que marca con su ausencia aquello que no podemos ver, pero también aquello que no queremos recordar. Arístides Vargas [1] es un dramaturgo que sabe de exilios externos e internos a partir de su propia historia personal, y que a través de sus textualidades dramáticas ha desarrollado una exhaustiva tarea de esclarecimiento sobre las consecuencias del olvido, del rechazo a la memoria, la personal y la colectiva. Fotos de señoritas y esclusas, propone la búsqueda de la ausencia entre las presencias contradictorias de cuatro amigas que se reúnen para hablar de sus recuerdos, jugar para exorcizar el presente, y que en el doble juego de decir y callar, mantienen la tensión en una continua exploración del monólogo interno, aparte para el espectador, donde la verdad se cuela entre los pliegues de los diálogos convencionales. Un quinto personaje, masculino, el mozo, en una muy buena Foto-de-Senoritas-2perfomance de Javier Medina, inquietante y siniestro, es el testigo inevitable para todas las situaciones que se cruzan entre los cuerpos y las palabras, tal vez la figura del propio Vargas que se reserva para sí el ojo crítico de la memoria. Una escenografía funcional: un perchero, un pequeño bar, un sofá lo suficientemente amplio para ser el continente de las amigas, una alfombra dibujada con tiza, que nos habla de la fragilidad de las cosas que se diluyen con el pasar de los dedos que quieren borrarlas y una mesa con un proyector, fundamental para proporcionar en la pantalla de fondo los negativos de esas fotos que las muestra más jóvenes, riendo, siendo ellas como diría Serrat, con el alma sin media suela; pero también que las hace darse cuenta de una presencia viva en el vacío de su cuerpo. El humor, la ironía, tienen en las actrices un muy buen caudal de expresión, una manera de exorcizar el miedo que les produce el encuentro en el desencuentro que Vargas le imprime a sus personajes y que es comprendido en la lectura de la dirección de Griselda Galarza y Eduardo Graham y el grupo de actores que llevan adelante la puesta. Como codirectores , Galarza y Graham, ya han realizado la puesta en escena de Nuestra Señora de las Nubes [2], y quizá eso les permite sumergirse en cada intersticio del texto primero, Fotos de señoritas y esclusas, y jugar especialmente desde el humor en lo profuso del mismo. Cada actriz con ductilidad, tanto desde el discurso verbal como desde el corporal, le otorga un espesor particular a su criatura, personaje que se diferencia del resto no solo por su relato de vida sino también por el vestuario y ciertos modismos que dan cuenta de las distintas actividades. El amplio y luminoso espacio escénico crea la atmósfera para que estas cuatro “señoritas” puedan eludir las inevitables “esclusas” de la memoria e intentar ir cicatrizando esas heridas del pasado que surgen de manera fragmentada. Una puesta en escena que da cuenta de la perfecta armonía entre el texto dramático y el hecho teatral.450_2299_foto_de_seoritas_y_esclusas

Ficha técnica: Fotos de señoritas y esclusas de Arístides Vargas. Elenco: Paula Ettedgui, Griselda Galarza, Javier Medina, Silvina Muzzanti, Laura Piersanti, Soledad Rodríguez. Escenografía: Carolina Migliora. Vestuario: Marina Casas. Iluminación: Leandro Crocco. Producción: Beduino Producciones. Fotografías Proyectadas: Pablo Garber. Foto de difusión: Graciela Galarza. Técnica: Carolina Migliora y Martín Casalongue. Diseño gráfico: Noelia Vittori. Dirección: Griselda Galarza, Eduardo Graham. Duración: 65’. Estreno: abril 2015. Teatro Pan y Arte.

Hemeroteca (on line)
Montenegro, Tamara, 2013. “Arístides Vargas, el dramaturgo del exilio” en Dínamo, 25/3.

[1] “A través del juego, el olvido, el sueño y el sonambulismo, Vargas expresa el dolor que causa la violencia, la pérdida de la identidad y el desarraigo. El autor imprime en sus piezas una lírica nostalgia pero que no carece de humor. La celebración –que remite a los orígenes del teatro-, la música y el humor están presentes como una forma de reivindicar la risa como efecto sanador de tanto dolor.” (Tamara Montenegro)

[2] http://www.alternativateatral.com/ficha_obra.asp?codigo_obra=24929 [07/05/2015]

Casa adentro de María Colaneri

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Casa adentro
de María Colaneri
Un absurdo de perfecta estructura

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

000111206En el amplio panorama que el campo cultural teatral de Buenos Aires nos presenta semana a semana, no es habitual encontrar una escritura de una joven dramaturga que construya una textualidad a partir de una poética en estado puro. Habitualmente vemos muy buen teatro a partir de la mixtura de procedimientos y de disciplinas que enriquecen la propuesta o no, pero es más difícil que se trabaje con un género sin intertextualidades. El que propone la escritura de María Colaneri bajo la dirección de Paola Luttini, tiene la característica de ser un absurdo en todos sus procedimientos de una excelente factura. Casa adentro es en la construcción de sus personajes, de sus situaciones, de la temática conflictiva que encierra a través no sólo desde lo siniestro, sino también de ese humor oscuro, tinta de calamar que inunda el trabajo, de la violencia de las relaciones en ese mundo rancio que propone, dentro de un círculo familiar asfixiante donde víctimas y victimarios parecen convivir, y un final circular e inesperado, una muestra que el absurdo puede todavía con los recursos conocidos dar cuenta de un trabajo interesante de alta tensión dramática. Casa adentro, foto de Francisco Teijeiro(9)La mirada de la dramaturga convierte al texto en político cuando descubre a través de un juego macabro, un universo desgraciadamente cotidiano sin apelar ni al alegato ni al mensaje clarificador. Como en un puzzler donde cada pieza debe encajar en su forma específica, cada detalle, cada objeto de utilería, el vestuario, y la música en escena, junto a actuaciones sin fisura y de calidad excelente, transmiten hacia la platea una cromática paleta de sensaciones, que refuerza una iluminación que propone la tensión a partir del sentido del oído, negando por momentos en un apagón cerrado, cualquier posibilidad de ver las acciones, para que desde lo imaginario el sobresalto sea aún mayor. Un espacio escenográfico por momentos despojado de todo elemento que no sea el cuerpo de los actores, se construye a través de la palabra y de las canciones, en una cosmogonía que involucra a más de un protagonista del relato. Invirtiendo los términos que instituyera Harold Pinter, la amenaza no proviene de ese afuera como se enuncia todo el tiempo desde el personaje del padre, sino que tiene más de un contenido y un continente. El afuera y el adentro, dos espacios cuyo puente será Aurora, la enfermera que se enfrentará a una situación que parece controlar, y que sin embargo la tiene como conejo de laboratorio. Discurso y realidad son dos efectos producidos por el engaño, como a veces suele ocurrir en la vida cotidiana con los noticieros, o los programas de televisión que propician la víctima para la solidez de un relato en work progress. Un relato oscuro e incómodo construido también a partir del dispositivo escénico, pues la Sala Teatro Abierto, delimita una frontera precisa desde la platea, que permite construir ese espacio íntimo y cerrado que requiere la acción dramática. El núcleo duro de la historia en el centro del espacio lúdico, como si sólidos límites nos distanciaran del él. Las distintas habitaciones de la casa se van materializando con un ritmo sostenido y atrapante, imposible desviar nuestra atención, no hay tregua ni para los personajes ni para los espectadores. Las muy buenas perfomances de los actores nos involucran desde el cuerpo con el recorrido del relato, en una tensión permanente. Sólo la música en vivo nos ancla en nuestro presente y, por momentos, logramos separarnos de la ficción, perfectamente construida, y ubicarnos en nuestro tiempo y espacio.casa-adentro-foto-de-francisco-teijeiro1

Ficha técnica: Casa adentro de María Colaneri. Elenco: Romina Moretto, Mariano Singer, Mathías Percat, Guillermo Jáuregui, Josefina Pittelli. Música Original e Intérprete: Matías Gessaga. Producción: Bárbara Majnemer. Asistente de Dirección: Florencia R. Varangot. Iluminación: Leandra Rodríguez. Diseño Gráfico y Audiovisual: Francisco Teijeiro. Prensa: Carolina Alonso. Dirección: Paola Luttini. Teatro del Pueblo, Sala Teatro Abierto. Duración: 60’.