Archivos Mensuales: junio 2015

Reconocernos de Oscar Barney Finn

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Reconocernos
Un espectáculo de Oscar Barney Finn
Un viaje de poesía y música por nuestra historia nacional
Somos como somos, y el Arte lo dice así.

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

000120068Un locus especial donde se desarrolla el espectáculo Reconocernos, Clásica y Moderna, que no es sólo un lugar de encuentro donde pasar un buen momento gastronómico sino que con una librería al fondo, es el espacio ideal para el estar rodeados del placer de la palabra con el otro, café por medio, o escuchando muy buena música, en un clima de bohemia casi perdido en el Buenos Aires posmoderno y sus confiterías en serie. Allí en ese lugar casi mítico, se desarrolla a través de la mirada del director de cine y teatro Barney Finn una historia, la nuestra, desde nuestra concepción primaria, Pedro de Mendoza, Juan de Garay, hasta casi un presente donde en ese camino a través de la canción, la narración y la poesía, fueron apareciendo los acontecimientos que nos marcaron a fuego como sociedad, y construyendo una subjetividad propia: intensa y dolorosa. Los intérpretes de este recorrido, son actores y actrices que imponen su talento y una trayectoria a los textos y a las canciones maravillosamente 000116971expresadas por la voz de Inés Rinaldi, Daniel Miglioranza y Osmar Nuñez, con el acompañamiento en el piano de Juan Carlos Cuacci. Temas algunos muy conocidos que los eventuales espectadores podíamos seguir en silencio, o acompañando con nuestra queda voz desde las mesas. El clima logrado fue de comunión, mientras los años y el siglo pasaba ante nosotros, recordándonos, quienes fuimos y quienes somos, suma y resto de nuestras acciones, de la fuerza de una pasión que a veces nos desborda, de las mezquindades y los egoísmos, dialéctica de un pensamiento que giraba entre una clase u otra, y que formó síntesis en los acontecimientos de octubre del 45, como dijo María Elena Walsh, “cuando el que te dije salía al balcón”. Desde la brecha abierta por morenistas y saavedristas, unitarios y federales, conservadores y radicales, izquierda y peronismo, militares y revolucionarios, la dicotomía se cierne sobre nosotros como una sombra que nos cubre y no nos deja el reconocernos-620x400planeamiento feliz y hacia el futuro de una identidad en la que nos reconozcamos sin resquemores ni sufrimiento. Somos así, “mezcla rara de penúltimo linyera y primer polizón en el viaje a Venus” diría un Ferrer en los setenta, con la música increíble de Piazzola. O bien, a través de la particular poesía de Alfonsina Storni o de Alejandra Pizarnik; o bien, recordando aquellos primeros intentos de nuestro cine. Un elenco / quinteto donde cada uno tiene su particularidad pero, a su vez, forman un todo orgánico y armonioso, con una energía intrínseca que se extiende y nos envuelve. A partir de los gestos, de las miradas cómplices, de los diferentes tonos de voz, cada artista contribuye a crear los distintos climas necesarios para este relato que tiene la musicalidad de la palabra. Por un lado, con el dramatismo propio de teatro y, por otro, con el componente dramático también en la música dan cuenta de una perfecta estructura narrativa donde confluyen dos soportes distintos. Las voces del pasado, las miradas del presente, la nostalgia de un futuro promisorio, tantas veces defraudado, insiste en nuestra corriente sanguínea con la fuerza de nuestros poetas, nuestros músicos, nuestros artistas, que están ahí para recordarnos con su presencia necesaria que el camino tiene mil atajos pero todos nos llevan a nosotros mismos. Una noche especial, angelada, en la fría noche del invierno porteño, donde el calor de los cuerpos y sus voces producen la magia de una tibieza que no procede del clima ni de los calefactores, sino del acto unívoco del encuentro, del reencuentro con el otro. reconocerns

Ficha técnica: Reconocernos Idea y dirección: de Oscar Barney Finn. Elenco: Thelma Biral, Daniel Miglioranza, Osmar Nuñez, Inés Rinaldi, Beatriz Spelzini. Dirección Musical: Juan Carlos Cuacci. Fotografía: Andrés Eraso. Vestuario: Oliva Colección. Producción ejecutiva: Mónica Benavides. Prensa: Carolina Alfonso. Espacio: Clásica y Moderna. Duración: 90’. Estreno: 07/04/2015

Mis Muñecos de trapo de Sebastián Femenía

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Mis Muñecos de trapo
de Sebastián Femenía
La soledad, y los fantasmas del inconsciente.

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

muñecosDe actor a dramaturgo es el paso que da Sebastián Femenía con Mis Muñecos de trapo, la pieza que se da en el espacio Corrientes Azul. Una puesta que comienza como los cuentos con un relato que nos lleva al pasado para ir recomponiendo una historia, que será narrada por el sujeto Ema, a través de un juego de teatralidad con sus muñecos. Un espacio atemporal, ya que todo va y viene en la memoria fragmentada del personaje, y no hay elementos que nos permitan anclar el relato a ningún referente. Una plaza, una pareja, un encuentro, y la posibilidad de revivir junto a la psicología, algo que no se quiere recordar, algo que quiere permanecer sepultado en el inconsciente. La individualidad feroz de las relaciones filiales en el nuevo siglo, se traducen en la pieza al solipsismo de entablar diálogos posibles sólo con una memoria escurridiza, y con muñecos de trapo que con sus cuerpos reemplazan al posible y concreto otro, cuya presencia real se hace intolerable. La espacialización entre el taller donde se construyen los muñecos, la plaza del encuentro con Manuel, y el consultorio, donde poco a poco, se irán muñecos 1deshilvanando las costuras que fueron como una máscara para no confesarse a sí misma, una identidad y una manera de construir el mundo. El mandato materno como un fantasma que se aparece también en la muñeca que la representa: casarse, tener hijos, formar una familia, ser de a pares, pero cercenando una individualidad posmoderna que se resiste a lo gregario, herida profundizada por una sociedad de mercado, consumista, que ve en el hedonismo particular una fuente de ingresos. Realización de un sujeto que rehúye del contacto real, de la palabra dicha con el otro, y busca sustitutos, que provocan como en el texto de Calderón que no sepamos cuál es la realidad y cuál el sueño; vivir en el límite entre la construcción a partir del lenguaje, y la proxemia de acercarnos al prójimo. La niña – mujer que aparece en escena, sufre porque ya no puede discernir sin ayuda, quien es quien, y como fueron los hechos, ya que la verdad relativizada, permite que cada uno tenga su propia versión sobre un solo acontecimiento. Así José y su mujer, o los muñecos que los representan, tienen sobre su primer encuentro un recuerdo distinto en una memoria que finge acordarse. Contradicción entre lo objetivo, los muñecos, lo subjetivo, el recuerdo de una identidad en crisis que necesita lo concreto para reconstruir y reconstruirse. En el espacio lúdico los diferentes espacios se van uniendo como en un círculo vicioso, claustrofóbico, entre el delirio y los fragmentos de frágiles recuerdos, siendo el muñecos 3consultorio de su psicólogo tal vez la única “realidad” de los jirones de una historia que solo encuentra un punto de fuga en los pequeños muñecos y “ellos tienen mucho para decir”. Con un buen desempeño actoral el elenco focaliza nuestra mirada en cada mínimo espacio, si bien Ema es un personaje difícil de asir por su delicado equilibrio entre niña y mujer, por su evidente trastorno de identidad disociada, quizá sea ese el motivo por el cual en algunos breve momentos la tensión pareciera decaer. Una plaza que guarda los secretos o momentos que su inconsciente censura mientras los muñecos, su única familia, nos van llevando en un recorrido laberíntico por los recovecos, intersticios del alma de la joven que ha quedado atrapada en su doloroso pasado.000118585

Ficha técnica: Mis Muñecos de trapo de Sebastián Femenía. Elenco: Virginia Curet, Melina Suschnik, Sebastián Femenía, Humberto Costa. Diseño y realización de vestuario: Catalina Ávila. Diseño y realización de escenografía: Catalina Ávila. Música original: Juan Manuel López Manfré. Fotografía: Claudia Gattinoni. Operación de luces: Juan Sebastián Molano Rincón. Diseño gráfico: Lupo. Asistencia de dirección: Gaveta Iurlina. Dirección y puesta en escena: Leo Bartolotta. Teatro Corrientes Azul. Duración: 60’. Estreno: 08/05/2015.

The little match girl passion (La pasión de la niña de los fósforos) Versión de David Lang

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The little match girl passion
(La pasión de la niña de los fósforos)
Versión de David Lang

She again rubbed a match on the wall, and the light shone round her; in the brightness stood her old grandmother, clear and shining, yet mild and loving in her appearance. “Grandmother,” cried the little one, “O take me with you; I know you will go away when the match burns out; you will vanish like the warm stove, the roast goose, and the large, glorious Christmas-tree.” [1]

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

sliderLa majestuosidad del Teatro Colón, “en un estilo ecléctico propio de principios del siglo XX” [2], es por todos conocida pero que en uno de sus subsuelo funciona el Centro de Experimentación, con una excelente programación en artes escénicas, que quizá el transeúnte desprevenido puede ignorar. Aunque esta Sala tiene hoy la tristeza de la reciente pérdida física de su mentor [3], sus paredes se impregnaron de la excelencia artística de Música Inaudita mientras cada atento espectador quedó suspendido en un gran relato mágico. La maravilla de las voces, en un recinto, iluminado por la técnica de Super Uber, y una historia conocida como el relato de Andersen sobre la pequeña vendedora de cerillas, más la pasión según San Mateo de Bach es una conjunción deliciosa de alta calidad, que se desarrolla en la sala CETC, el lugar de experimentación que fundara Sergio Renán. Ante un público que esperaba expectante ingresar a la musicainaudita3sala desde una hora antes de producirse el espectáculo, las maravillosas voces de los cantantes, Música Inaudita [4], nos introducen con talento en el mundo de una ternura cruel donde la protagonista la niña que vende cerillos, recorre las calles en la última noche del año, pidiendo no sólo una moneda sino la contención necesaria para sobrevivir a la adversidad: la soledad, la orfandad, la miseria, el frío y la nieve, el hambre, y el deseo que se cuela por sus ojos cuando ve como todos, del otro lado del cristal, disfrutan, gozan de la vida y de los festejos de esa noche, que no sabe, será la definitiva. A través de la tecnología, por detrás de las figuras en vivo, se perfila un teatro de luz y sombras, que es el contexto necesario para el desarrollo de la historia, y que va sumando a la música la secuencia de imágenes que constituyen el relato. SuperUber, el equipo que trabaja en Brasil, está compuesto por diseñadores, arquitectos, expertos en tecnología creativa, que mixturan con la belleza, el arte, la tecnología, la arquitectura y el diseño, y fue fundada por Liana Brazil y Russ Rive. Con sus contrastes lumínicos y sus figuras fantasmales nos llevan a un mundo de sueño y vigilia que nos atraviesa, y nos deja tan frágiles ante el tenor de las The Little Match Girl 2voces, para ser captados por ellas y sentir en lo profundo de nuestra sensibilidad aquello que nos quieren transmitir; la hostilidad de un mundo indiferente ante la necesidad de los más débiles. Todo aunado para el goce estético bajo la dirección de David Lang, prestigioso y muy reconocido compositor de origen estadounidense. El lenguaje visual es de una plasticidad especial y el lenguaje musical va más allá de la frontera idiomática, en un delicado equilibrio nos permiten aceptar el artificio – entre luz / sombra, vida / muerte, día / noche, y realizar el último recorrido junto a la pequeña. Así las imágenes – visuales / auditivas – crean el clima necesario y focalizan a nuestra expectación en el límite difuso de la vigilia, en un misterio encuentro entre el acto creador y nuestra cotidianidad.musicainaudita2

Ficha técnica: The little match girl passion (La pasión de la niña de los fósforos). Letra y música de David Lang. Música Inaudita (Argentina): Marcela Campaña, Mercedes García Blesa y Victoria Sambuelli, sopranos; Agustina Crespo, María Laura Pantano y Milagros Seijó, mezzosopranos; Mauro Ferreira, Martín Formento y José Pawlin, tenores; Pablo Piccinni, Juan Camilo Stafforini y Santiago Tiscornia, barítonos. Puesta en escena: SuperUber (Brasil). Diseño y operación de Sonido y asistencia escénica: Ignacio Llobera. Diseño de iluminación: Alfredo Morelli. Traducción: Guillermo Saavedra. Prensa: Tehagolaprensa. Teatro Colón: Sala del Centro de Experimentación. Estreno: 13/06/2015.música inad[1] Según programa de mano: “Volvió a frotar un fósforo contra la pared y la luz brilló a su alrededor; en el resplandor, se irguió su vieja abuela, clara y radiante, con su aspecto dulce y cariñoso de siempre. ¡Abuela! gritó la pequeña, ¡oh, llévame contigo; sé que te irás cuando el fósforo se apague, te desvanecerás como la estufa, el ganso asado y el grande y glorioso árbol de Navidad! […]

[2] http://www.teatrocolon.org.ar/es/historia [27/06/2015]

[3] La reseña confeccionada desde el máximo coliseo argentino, señaló que con Renán como director, entre 1989 y 1996, se “ampliaron notablemente los horizontes artísticos de la sala, le devolvió su dimensión internacional y abrió las puertas a una nueva generación de público mediante decisiones como, por ejemplo, la creación en 1990 del entonces denominado Centro de Experimentación en Ópera y Ballet, que está cumpliendo 25 años de fecunda trayectoria”.

http://www.lagaceta.com.ar/nota/641514/espectaculos/velan-restos-sergio-renan-teatro-colon.html [27/06/2015]

[4] Según gacetilla de Prensa: Música Inaudita surge de la iniciativa de un grupo de compositores, directores y cantantes dedicados al estudio y la difusión de la música vocal de nuestros tiempos. Inicialmente concebido como un espacio de investigación y producción musical, se amplió hacia el área interpretativa. En 2014 estrenan “Llover Helados” un espectáculo integral de obras producidas por la agrupación, en el Auditorio CEMIC y la Iglesia Central Griega. También en 2014, obras de Música Inaudita son presentadas dentro del Marco de La Plata Cantat, en un taller sobre compositores argentinos y uruguayos dictado por Virginia Bono. En Mayo de 2015, la Orquesta Sinfónica de Bahía Blanca, con Pablo Piccinni como director invitado, estrena “Doxa” de Juan Stafforini y “Circular” de Agustina Crespo. El festival internacional America Cantat VIII convoca a Juan Stafforini para dictar una clínica sobre Música Coral Contemporánea Argentina, centrada sobre el trabajo compositivo de Música Inaudita.

Quiro, mágicos misterios del mar de Hernán Belloti

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Quiro

Un historia de piratas, con mucho humor

Susana Llahí

Quiro, m+ígicos misterios del mar (9)web (1)Quiro es una historia de piratas pero piratas muy particulares, piratas buenos porque el capitán es bueno y le disgusta tomar medidas extremas para castigar a quienes son objeto de su piratería. La historia cuenta que en una isla vivía una joven amante de la magia y de la hechicería, pasión que compartía con el amor que dedicaba a su pequeño hijo. Un día, un galeón pirata viendo que el niño estaba perdido, para protegerlo, lo llevó con ellos. La madre, creyendo que lo habían raptado envió sus maldiciones a todos los piratas, condenándolos a la deformidad. Transcurridos veinte años, el barco que comanda Quiro llega a la Isla de las Calaveras, donde vive su madre hechicera y luego de una serie de vicisitudes el joven se reencuentra con ella y el equilibrio y la paz se restablecen. No falta la relación entre Quiro y la bella joven que amante del mar se disfraza de hombre para navegar en el barco pirata. Finalmente es descubierta y la pareja confiesan su amor.

La puesta, de luz negra, genera imágenes muy bellas. La intriga, muy bien graduada despierta la atención del espectador que sigue con sumo entusiasmo las aventuras y desventuras de estos piratas.  Pero más allá del valor de la fábula resultan muy atractivos los “títeres-persona”, es decir, cuatro de los personajes (tres piratas y la cocinera del barco) están construidos sobre el cuerpo del actor y su cara es la del actor, los brazos son manejados por el titiritero pero la ropa está cosida al cuerpo. Como son personajes deformes por la maldición que les enviara la hechicera, son pequeños (bajos) por lo que el titiritero debo deslizarse de rodillas.

La comicidad está generada por el automatismo de las repeticiones, el chiste verbal, la expectación defraudada (un personaje intenta una acción pero rápidamente realiza otra). La forma de actuación, sumamente artificial, es la que conviene para una historia que tiene todas las características del cuento maravilloso. Los tres piratas son muy simpáticos y la cocinera, dueña del recuerdo, poseedora del pasado, transforma su saber en poder, en realidad es quien gobierna (con cariño y preocupación maternal) a este extraño barco pirata, precisamente, por esta alteración de roles. Ella es quien puede decir de dónde surgió el nombre de Quiro: el niño era tan pedigüeño que su frase constante era: “quiro esto, quiro aquello…”

Escenografía muy bien estructurada, principalmente la escena que simula el mar y a trasluz de la tela ondeante se ven los peces. La música ilustra la línea argumental. Las imágenes que se proyectan en la pantalla a foro (en el escenario a la italiana), enriquecen la información que dan el texto y la actuación.Quiro, m+ígicos misterios del mar (5)

Una puesta muy prolija, que ya atrae desde los visual, con muy buenas actuaciones donde todos los elementos se combinan armónicamente y que es seguida con mucha atención y respeto por los pequeños espectadores, compensación que reciben las puestas bien logradas.

Quiro, mágicos misterios del mar de Hernán Belloti. Andamio 90, Paraná T.E.: Elenco: Ivana Averta. Luciana Bava. Paula Ettedgui. Vidalia Rivas Helman. Luciana Procaccini. Juan Marcelo Duarte. Gisella Crimi Hardt. Facundo Godoy. Patricia Hurrahs. Idea, concepción estética y Dirección General: Francisco Ramírez. Dramaturgia: Hernán Belloti. Letra de canciones: Vera Montone. Diseño y Realización Escenográfica, Vestuario y Utilería: Francisco Ramírez y Ariel Nesterczuk. Diseño de iluminación: Germán Giacalone y Francisco Ramírez. Diseño gráfico: Mariano Falcón. Diseño y Realización de multimedia y animación: Ariel Piccinale y Mariano Falcón. Composición musical: Mariano Falcón.

La mancha de Don Quijote de María Inés Falconi

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La mancha de Don Quijote

Susana Llahí

María Inés Falconi acaba de presentar en la UPB La Mancha de Don Quijote. Siguiendo la línea iniciada en: De cómo Romeo se tranzó a Julieta (Versión libre de Romeo y Julieta), Jamle (Versión libre de Hamlet), Demasiado para nada (Versión libre de Mucho ruido y pocas nueces), Tita Andrónica (Versión libre de Tito Andrónico), Ruido en una noche de verano (Versión libre de Sueño de una noche de verano), apelando al humor y teniendo a la parodia como principal recurso, María Inés Falconi, con un creativo e inteligente trabajo de adaptación logra que los jóvenes puedan acercarse, conocer y gustar de los clásicos de Shakespeare y en este caso, de la obra de Miguel de Cervantes Saavedra.

Un grupo de cuatro amigos deciden recrear la obra de Cervantes. Y si Don Quijote de la Mancha es una parodia de las novelas de caballería, María Inés Falconi realiza la parodia de la parodia. Pero, si en Cervantes a medida que avanzaba la construcción de los personajes la parodia se transformaba en homenaje a las virtudes ejemplares que enunciaban las novelas de caballería, en la pieza de Falconi, ese frágil e intensamente caricaturizado don Quijote, logra emocionarnos porque mantiene intactos aquellos mismos valores. La adaptación de Falconi elabora con el lenguaje la comicidad que explota al máximo su función expresiva y la capacidad para esbozar en una frase una situación cómica a partir de juegos verbales que logran la risa sin alterar el sentido profundo del texto que le dio origen. La pieza presenta recursos dialógicos muy interesantes, valen como ejemplo las repeticiones automatizadas: un personaje comenta algo, los otros siguen comentando otra cosa y el primero interrumpe y vuelve sobre el mismo tema. Los diálogos con la bicicleta- Rocinante. La descripción de Aldonza, que en contrapunto realizan Don Quijote y Sancho, con rasgos de mujer ideal para el primero, y de mujer real y fea para el segundo.

La actuación apela a la desmesura que lleva al límite la caricatura de gestos y movimientos, de manera tal que la comicidad se transforma en un verdadero espectáculo visual. La estructura de la pieza se organiza en dos niveles: el de los actores que narran y conducen la historia en un primer plano ficcional y el de la ficción en sí. Por supuesto, esta superposición de niveles produce la continua entrada y salida de personaje, el cambio de roles (un mismo actor debe desempeñar varios personajes a excepción del actor que personifica a Don Quijote) y las confusiones que conlleva todo este accionar genera situaciones sumamente graciosas. La comicidad se sostiene en forma constante y en algunos momentos se concreta en situaciones verdaderamente desopilantes, por ejemplo, cuando son asaltados por los presos que van a galeras, la escena tiene la pícara desnudez del trasero de Sancho y en el discurso, cuando Sancho debe memorizar la carta para Aldonza, la alteración de algunas palabras le dan la fuerza del doble sentido. Todos estos procedimientos son muy festejados por los espectadores.

La pieza mantiene secuencias claves de la obra, aquellas perfectamente reconocibles por el espectador adulto y también por los adolescentes, pues son las que rescatan todos los profesores de Literatura de enseñanza media.

El espacio escénico tiene sólo un escritorio, donde por momentos se sienta el personaje narrador y escritor- alter ego de Cervantes Saavedra. Luego, sólo los elementos necesarios para la representación. El músico en escena es un personaje más, no sólo está presente en los cantables sino que además, da voz con  sonidos onomatopéyicos o acordes que enfatizan el discurso. Carlos Gianni pone música a la  poesía de León Felipe, un lujo que encuentra en Gianni un intérprete ideal. Los cuatro actores logran muy buen trabajo vocal. Actuaciones parejas, con un Don Quijote que desde lo físico nos remite al emblemático personaje de Cervantes y un Sancho, excelente interpretación, que logra distinguirse del conjunto.

Una puesta que divierte y que rescata la profundidad de la obra de Cervantes con una estética muy especial que revaloriza el humor, el juego escénico y el disparate.

La Mancha de Don Quijote de María Inés Falconi. UPB – Campo Salles 2145- T.E.4701-3101- Elenco: Damián Benchetrit. Claudio Provenzano. Marcelo Balaá. Matías Hirsch. Musica en vivo: Federico Duca. Diseño de iluminación: Miguel Coronel. María Inés Falconi. Diseño de Vestuario: Lucía de Urquiza. Entrenamiento corporal: Rubén Segal. Música: Carlos Gianni. Asesoramiento Escenográfico: Silvina Viaggio. Realización de vestuario: Lucía de Urquiza. Realización de armadura: Silvina Viaggio. Realización escenográfica: Claudio Provenzano. Diseño Gráfico: Damián Benchetrit. Fotografía: Florencia Rotondo. Producción Ejecutiva: Solange Perazzo. Puesta en Escena y Dirección: María Inés Falconi.

La Varsovia de Patricia Suárez

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La Varsovia
de Patricia Suárez
Una institución feroz en la Buenos Aires de la década del 20
El juego brutal de la inocencia

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

la varsovia 3La pieza de Patricia Suárez forma parte de una trilogía: Las Polacas, que ingresa al imaginario del campo teatral una zona de nuestra historia de triste recuerdo. La Varsovia, recrea la sombra del Zwi Midgal [1], eran organizaciones que se dedicaban a la trata de blancas, mujeres pobres de Europa que por su condición eran atraídas, a veces con falsos matrimonios, otras entregadas, “vendidas” por sus propios padres, a hombres que desde Buenos Aires viajaban, en este caso a Polonia, a buscar “novia” para él o para alguien más que se lo pedía y cuyo destino final eran los pirigundines que florecían a lo largo y ancho del país. Tierra de inmigrantes, de hombres solos que venían hacer la América, dejando su familia en su país de origen, y que por su situación se convertían rápidamente en una clientela en ascenso. La dramaturga rescata de la memoria colectiva esos relatos, y los traspone en textualidad dramática. En el espacio de El Excéntrico 18, y bajo la dirección de Liliana Adi, las palabras toman encarnadura y ponen en acto un texto que guarda con sutileza una verdad velada. Los dos personajes Hanna y Mignón, dialogan en ese viaje iniciático para la primera, y en el cruce de sus voces se dejan sentir los hilos de silencio que guardan lo no dicho, aquello que se trata de ocultar con mentiras a medias, o verdades que no pueden develarse hasta que sea necesario. Un espacio minimalista, con un muy buen diseño escenográfico realizado en madera, que simula la cubierta de un la varsoviabarco, y las olas de un océano, el que separa a Hanna de su familia, y el que transita Mignón hacia su destino; más el complemento de la música en escena y su melancólicos sonidos, que como llamados de sirena nos hablan de hacia donde se dirige la carga a trasbordar. Polonia – Buenos Aires, y un trayecto donde el dinero, el amor, la transa, el negocio de las pieles, y la falsa inocencia tejen un entramado de vida y de muerte, en una espiral inesperada. Juego verbal, donde los encuentros personales, livianos al principio se van tensando hasta estallar hacia un final que invierte los términos de víctima – victimario. Las actrices logran convencer con su performance en sus diferentes roles a un espectador que sigue una trama que deja caer su punto de vista y su fuerza en la entonación de las palabras más que en el ejercicio de las acciones físicas. En esta puesta en escena, en la varsovia 2particular, en el amplio espacio lúdico, todos los sistemas significantes encastran perfectamente para crear el clima de la fragilidad femenina. Desde la escenografía de líneas curvas, como si no tuviesen solidez, se genera la imagen de una plasticidad desoladora con la sensación de precariedad en la que están sumergidas estas dos criaturas. Por otro lado, el cuidadoso vestuario nos ancla en tiempo y espacio preciso – la década del 20 – de tenue color pastel entre el satén, la puntilla y las perlas; mientras la sutil música en vivo como es sutil la sumisión de estos personajes parece ser el testigo mudo del drama o, mejor dicho, de un recorrido entre los recuerdos que acechan y las ilusiones que se desvanecen como las pequeñas olas en el mar. Por último, cierra la conjunción de elementos, la precisa iluminación que roza a estos cuerpos femeninos como temiendo destruir su inconsciente debilidad. Si bien, Liliana Adi mantiene la escritura del texto primero, la obra dramática, se desprende en el texto segundo, el hecho teatral, la “acumulación de recuerdos”, una cadena de significantes, entre el destino y la suerte, donde imágenes visuales y auditivas nos sensibilizan más allá del artificio.la varsovia 1

Ficha técnica: La Varsovia de Patricia Suárez. Actrices: Lena Simón, Silvana Rosón. Músicos: Alejo Slucki (acordeón), Matías Wettlin (guitarra). Dirección y composición musical: Matías Wettlin. Diseño gráfico: Camila Hirthe Memelsdorff. Diseño de escenografía: Gabriela Luna. Realización de escenografía: Raíz (Gabriela Luna, Carlos Zabala, Mariana Ramírez Roa, Aty De Summa) Diseño de iluminación: Ernesto Bechara. Vestuario: Miguel Ángel Cardenes, Silvia De Paula. Asistente de dirección: Mailén López. Dirección y puesta en escena Liliana Adi. Prensa: Tehagolaprensa. Teatro El Excéntrico de la 18. Duración: 60 minutos. Estreno: 12/06/2015.

[1] El Zwi Migdal, una organización dedicada a la trata de blancas, operó en la Argentina y particularmente en Rosario entre 1906 y la década del 30. La mecánica consistía en “importar” adolescentes, generalmente judías polacas, bajo el engaño de un ventajoso matrimonio en la Argentina: La Migdal –empresa ordenada y eficiente- tenía en las aldeas polacas una red de “corresponsales” que realizaban el “inventario” de las doncellas disponibles. Así, “el importador” ya sabía dónde ir. Los padres, impelidos por la necesidad, aceptaban el noviazgo de sus hijas con el “comerciante” que venía de América. (Contratapa a la edición de la trilogía Las polacas, editorial Teatro Vivo, 2002)

Tiernas Criaturas de Gonzalo Senestrari

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Tiernas Criaturas
de Gonzalo Senestrari
Una familia muy particular

María de los Ángeles Sanz

tiernascriaturasportadaGonzalo Senestrari [1] es un joven dramaturgo que posee un imaginario propio en la deconstrucción de la imagen de la familia como refugio o contención de las personas. En un cúmulo de individualidades superpuestas, sin mensaje moralizador, ni discurso axiológico alguno, presenta sus personajes en situaciones que develan la fragilidad de lo humano, aún en su estado gregario. La textualidad dramática de Tiernas Criaturas expone con una crueldad inusitada, la dependencia necesaria de un continente familiar, y al mismo tiempo la inutilidad del gesto, cuando el otro se resiste al encuentro con el prójimo. ¿Qué es una familia? Parece preguntarse el autor y el espectador cuando asiste al conjunto de seres que los une sólo un espacio en común, y la leve sensación de que el amor y el sexo pueden estar unidos, o no, depende del momento y del destinatario. La escena nos muestra desde el hiperrealismo la implosión de la familia nuclear, y su imaginario tan deseado por una sociedad que veía en ella el centro duro de su constitución como país. La familia ya no es así, y la escritura no sólo devela como en el realismo anterior las fisuras de sus relaciones, las luchas internas y a veces no expresadas de sus integrantes, la sensación de fracaso de aquello que se parecía a un horizonte de esperanza, sino que pone en acto un nuevo mapa de situación, donde los roles están desestabilizados. En un escenario casi despojado, vemos el clásico living de clase media, pero de carácter minimalista, porque la escena y la extraescena están construidas desde el sonido, la música Tiernas-criaturas-obra-escrita-por-Gonzalo-Senestrari-funciones-Teatro-Del-Abasto-Buenos-Airesal palo, y la palabra de quienes la ejercen por dentro y por fuera del espacio escénico. En un gesto común ante lo concreto, la teatralidad forma parte de la realidad cotidiana cuando todo puede parecerse a una gran farsa, o cuando para evadirse de la realidad el hijo finge sucesivos suicidios, en un muy buen trabajo de Andrés Ciavaglia. La pieza conforma un diálogo con otros textos dentro del sistema que veían en la familia una temática recurrente pero vista desde el “deber ser”, es decir, percibiendo en los desajustes y las intrigas intergeneracionales la denuncia de una extraescena que de modificarse lograría instaurar el orden deseado. En un contexto fragmentado, destituido de jerarquías, atravesado por la incertidumbre y el descreimiento en los valores consagrados, las obras de los dramaturgos más jóvenes, sin juicio de valor construyen personajes creíbles por su nulo interés de convencernos de nada. Sino simplemente mostrarnos como resistir en una sociedad que desapegada de valores y sentimentalismos, propone la coexistencia individual, en el mejor de los casos en paz. Mientras al mismo tiempo, expone sin dramatismo, las daños colaterales de una vida donde vale el sálvese quien pueda; donde cada uno busca su bienestar en la evasión, y con las herramientas que le ofrece la contingencia: la droga, el amor, el sexo, o la maldad como una adicción, como una máscara fusionada con el rostro, patética porque es la clave de una vida en soledad. En esta nueva funcionalidad de la estructura, lo onírico está presente como una manera de que el deseo se haga presente ante la mirada del espectador. Una puesta que tras las palabras produce un efecto singular en las acciones, que parecen y son desmesuradas, inquietantes, inesperadas, y nos ofrecen una realidad que se atreve a mirarse de frente con las debilidades y los vericuetos oscuros de nuestros mecanismos de defensa.noname

Ficha técnica: Tiernas Criaturas de Gonzalo Senestrari. Elenco: Andrés Ciavaglia, Mucho Mancini, Mathías Carnaghi, Verónica Intile, Marigela Ginard. Escenografía e iluminación: Adriana Rial. Realización escenográfica: Duilio Della Pitima. Realización de vestuario: Julieta Harca. Fotografía: Nacho Lunadei. Prensa: Silvina Pizarro. Música é Intérprete: Valentina. Dirección: Sebastián Sánchez Amunategui, Gonzalo Senestrari. Teatro del Abasto. Duración: 75’. Reestreno: 01/06/2015.

[1] Nacido en Buenos Aires en 1989. En el 2010 estrena en Argentina Los Fracasados, su primer obra como dramaturgo y director. Ha merecido elogios de la crítica por sus piezas Yo maté a Papá Noel (2011), Beirut Boulevard (2013) y Tiernas Criaturas (Guión Finalista del Premio Tirso de Molina de España), ésta última presentada en México (2012), y en Buenos Aires (2014) en el Teatro del Abasto.
Es uno de los creadores, junto a Sebastián Sánchez Amunátegui, de la compañía argentino-mexicana de teatro El niño maldito y la señora tatuada

Teatro Bombón 5. Festival permanente de obras cortas

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Teatro Bombón 5
Garpa / Las pequeñas miserias de la clase media
Festival permanente de obras cortas en La Casona Iluminada

teatro bAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Hablar de Teatro Bombón requiere, necesariamente, recordar que este evento multidisciplinarlo tuvo su 1ª edición en Mayo / Junio 2014, con las propuestas de 6 directores de distintas disciplinas. Hoy en la 5ª edición, Mayo / Junio 2015, que nos ocupa participan 11 directores de las artes escénicas. “Piezas cortas para degustar” o “Menú teatral a la carta” tienen el reconocimiento de las Instituciones [1] y un público joven, y no tan joven, que se aglutina para participar cada domingo colmando los diferentes espacios de La Casona:

Corazón delator -Teatro musical- Dirección: Facundo Rubiño. Actúan: Enrique Dumont, Cehache Respira, Facundo Rubiño. Dirección Musical y música original: Jorge Soldera. Músicos: Lionel Mortola (Contrabajo), Antonia Bustamante (Violín), Ramiro Cortéz (Guitarra Eléctrica).
Sangre gringa… en Petit Hotel Porteño -Teatro- Dirección y dramaturgia: Alejandro Ullúa. Actúan: Victorio D’Alessandro y Hervé Segata.
El hijo después -Teatro- Dirección y dramaturgia: Alfredo Staffolani. Actúan: Mariano Sayavedra, Paula Staffolani, Francisco Benvenutti, Maria Laura Santos.
Respirar -Un recital-. Letra, música y dirección: Irene Goldszer. Intérpretes: Irene Goldszer, Leandro Stivelman.
Como una gota de agua -Teatro- Dirección y dramaturgia: Moro Anghileri – Juan Manuel Branca. Actúan: Moro Anghileri – Javier Drolas.
Lupe y sus amores -Música-. Banda invitada. Carlos Britez: violín, piano, arreglos. Mariano Malamud: viola, guitarra. Nicolás Rainone: contrabajo, voz. Julian Gándara: piano, guitarra, arreglos. Guadalupe Soria: voz, clarinete.
Salón Skeffington -Performance sobre poemas de María Moreno- Dirección y dramaturgia: Silvio Lang. Actúan: Alejandra Flechner, Iride Mockert.
Garpa -Danza Teatro- Dirección: Pedro Antony. Autoría e interpretación: Aymará Abramovich, Nicolás Bolívar.
Pequeñas miserias de la clase media -Teatro- Dirección: Nelson Valente. Actúan: Agustina Sanguinetti, Pablo Cordonet, Lide Uranga, Gabriela Ledo, Pedro Gómez, Gabriel Beck, Leandro Calcagno, Sebastián Gui, Carlos Rosas, Fabiana Martínez.
Prunus Pérsica -Teatro- Dirección: Laura López Moyano. Autor: Gonzalo Bueno. Actúan: Francisca Ure, Lucas Barreiro.
En el medio del bosque -Teatro-. Dirección y Dramaturgia: Natalia Casielles. Actúan: Sol Tester, Laura Nevole, Rubén Sabadini
Biolenta -Teatro- Dirección: Mariano Stolkiner. Autora: Carolina Vergara Olivetti. Actúa: María Milessi.

Este Festival permanente de obras cortas, no más de 30 minutos, que se presentan de forma simultánea en las diferentes Salas tiene mucho de performance, porque seguramente en cada función intervienen sus creadores, el elenco y el público sin límites precisos. Tres característica importantes, entre otras, son: en primer lugar, la invitación a participar a los directores tiene como punta de partida la particular y hermosa arquitectura de edilicia y, por otro, la proximidad del público con los actores / bailarines / músicos genera una energía poco habitual. Y por último, otro encanto es que cada espectador decide qué recorrido realizar por esta antigua casona de particular estilo que invita por su armonía y calidez de disfrutar de las obras y la posibilidad de saborear algo calentito en su Salón de Delicias. Con propuestas estéticas interesantes y de temáticas diversas, cada reducido espacio lúdico se colma de jóvenes ávidos de nuevas experiencias y de los merecidos aplausos.

Un breve comentario sobre dos obras a las que este medio asistió:

Garpa de Aymará Abramovich y Nicolás Bolívar.

000118847Un espacio, dos actores, una consola de sonido, un tercer personaje, ruso, y toda la metateatralidad en el acto de sostener una rutina que los lleve a expresar aquello que buscan desde el cuerpo y la palabra; para llevar a la escena, para la comunicación posible, con un espectador ideal que pueda comprender el esfuerzo y la necesidad de producir arte desde lo físico. Eso ocurre, en las dimensiones mínimas de ese espacio que La Casona Iluminada ofrece a un grupo de actores en búsqueda de una performance que atrape el interés de un público seducido por la pasión de sus movimientos, y de las relaciones entre amigos. Una línea etaria de jóvenes en los espectadores, al igual que los participantes de la puesta, todo es una conjunción de coordenadas y temáticas que se suman para ofrecer una perspectiva, una mirada sobre la posibilidad de ejercer, de poner en acto, a través de la representación la ecuación vida / arte.

Las pequeñas miserias de la clase media de Compañía Banfield Teatro Ensamble

La clase media y la violencia de género, es el tema central de una pequeña narración que nos lleva de la mano y teatro bombsuavemente al ríspido camino de la tensión dramática. Dos personajes y las minucias cotidianas, la felicidad del encuentro en familia; una mujer, la nuera, un hombre el padre su marido, y un diálogo de personas que se aprecian y comparten una misma manera de ver la vida. Pero todo sería un deslizar hacia la comedia, si no ocurriera la entrada de la verdad, que como dice Serrat, nunca es triste, lo que no tiene es remedio. Cuando ingresa a la posible felicidad los personajes que guardan sobre lo sencillo una mirada despectiva y sobre el otro la indiferencia y el desprecio. Las muy buenas actuaciones logran que en la condensación necesaria de la tensión dramática, el espectador sienta atravesar en su propio cuerpo la carga eléctrica de una violencia que crece a medida que la situación avanza.

Un ciclo de teatro con un target donde el espectador joven se da cita para cumplir con el ritual de ver y ser visto en la comunión de los cuerpos en el espacio mínimo de un habitación que es el locus donde se llevara adelante con mucho talento, y la búsqueda insistente en nuevas formas, o reiterando procedimientos pero siempre con la mirada en un sentido que se multiplique con la activa participación del público. obras teatro bombon

Teatro Bombón 5: Curaduría: Monina Bonelli, Cristian Scotton. Coordinación General: Eugenia Tobal. Financiamiento: Sol Salinas. Producción Técnica: Federico Coria. Asistencia Técnica: Lucas Coiro. Producción: Paola Traczuk, Pablo D’Elía. Salón de Delicias: Nicolás Matilla. Foto: Laura Castro. Diseño Grafico y Web: Nicolás Deshusse. Prensa: Octavia Comunicación. Redes: Gael Policano Rossi. La Casona Iluminada.

[1] Según gacetilla de prensa: Elegido como una de las Mejores Propuestas Teatrales del 2014 por el Diario La Nación. Elegido como Mejor Ciclo Teatral por los Premios Planeando sobre BUE 2014. Uno de los artistas (Sebastián Suñé) fue nominado a los Premios Florencio Sánchez 2014. La Casona Iluminada fue nominada como Mejor Producción Teatral Privada a los Premios Trinidad Guevara 2014.

Svaboda de Bernardo Cappa

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Svaboda de Bernardo Cappa
En colaboración con Pablo Chao, Aníbal Gulluni, Gabriel Guz y Laura Nevole
Los difíciles caminos de la libertad

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

svaboda cappaCon un tono de comedia, con una temática donde la figura del otro, del inmigrante, tiene un peso específico: desde su lengua madre y su diferente idiosincrasia; donde la libertad se juega en un triángulo que formó el destino: una vaca muerta en un accidente de transito; en una sala pequeña que tiene una disposición que guarda casi un semicírculo, y deja la posibilidad de profundizar hacia foro, la dramaturgia de Bernardo Cappa, crece en espesor ante las muy buenas actuaciones, y un trabajo con la escenografía que permite imaginar lo que se no ve, y traer desde la extraescena aquello que constituye el revés de una trama singular. La intriga sigue un círculo entre los tres personajes, que a partir de las lenguas diferentes, los malos entendidos, y un pleito que no parece tener una resolución final pero que encierra para todos una palabra cuya definición es el núcleo del deseo de los tres: svaboda, libreta, libertad. Los signos escénicos: el vestuario que identifica una procedencia otra, los inevitables instrumentos de labranza, el galponcito, y la casa enfrentada, dos espacios paralelos y simultáneos donde las acciones se suceden de 11169893_1440017272959219_3314029266485110484_na dos o individualmente, la gestualidad y posición corporal, las maneras, los modos y sobre todo la lengua, fuente de comunicación de a dos, y de marginalidad de a tres. El tiempo, una atemporalidad que se trasgrede con la interrumpida transmisión de la serie “Bonanza”, forma indirecta de aprender la lengua del país receptor, el castellano. Un amor posible, y un amor obligado, unión de una pareja que tiene un fin en común, la de sortear la mala suerte en territorio ajeno, y la seducción como la forma de conseguir un aplazamiento, una conclusión a la desgracia. Cuerpo de mujer, objeto de deseo, cortejo y aceptación, búsqueda de una evasión a través de otro cuerpo, un tejido perfecto que le dará a los tres una nueva oportunidad. La escritura de Cappa trabaja con el sentido debajo del sentido, con una literalidad que a veces desconcierta a los personajes, pero que el espectador descubre como máscara de una verdad que se oculta tras la inocencia y el equívoco del idioma. Los mal entendidos discursos de unos y otros, modifican desde el juego la situación dominador / dominado en la secuencias de la intriga. El inocente, fácil de embaucar no lo es tanto, y el abogado enviado a hacerlo, no deja de ser un pobre tipo. En el medio el cuerpo femenino como anzuelo y trampa, pero que también tiene su propio plan de operaciones, que se esconde tras la fachada de no bernardo cappaentender demasiado lo que se dice, pero que atenta a los signos, la cigarrera, sabe que su juego está en marcha con éxito. Las tretas del débil al servicio, con humor, de desestructurar el drama para convertirlo en comedia, para que como en los géneros chicos del teatro popular nos podamos reír de nosotros mismos. La Sala Teatro Abierto tiene la particularidad de ubicar al público en tres frentes pero esto no impide que el perfecto desempeño actoral atrape nuestra mirada. El humor constante nos permite aceptar el artificio y ver como las tres criaturas están atrapadas en una “realidad” que le es ajena e intentan evadir, como el alambrado lo fue para la vaca en cuestión. En el centro del espacio escénico, al inicio, unos pequeños cacharros campestres sobre la mesa, después el infaltable mate y el vodka, por último los papeles y fotos cargadas de nostalgia. Así el clima se va tornando más íntimo, casi confesional, si bien primero pareciera ser que sólo los animales – la vaca, la gallina y el perro – buscan esa “libertad” luego serán estos tres seres los que ansían “libertad”, con un giro inesperado al final. La comicidad, la desmesura – lucro cesante por accidente, la sangre de la gallina, el llanto de la joven,… -, la gestualidad corporal y las miradas cómplice le otorgan al relato el ritmo in crescendo. Una puesta realista donde la cuarta pared marca el límite ficcional mientras se filtra constantemente el espacio virtual representado. Un hecho teatral que excede lo artístico y donde están claras las líneas de fuerzas opuestas que son propias de nuestra sociedad, y que nada tiene que ver con la vieja dicotomía campo-ciudad.cappa bernardo
Ficha técnica: Svaboda de Bernardo Cappa, en colaboración con Pablo Chao, Aníbal Gulluni, Gabriel Guz y Laura Nevole. Actúan: Pablo Chao, Aníbal Gulluni, Laura Nevole. Vestuario: Paola Delgado. Escenografía: Pia Drugueri. Iluminación: Claudio Del Bianco. Diseño Gráfico: Julia Lepez. Prensa: Duche&Zarate. Productores: Martín Savi, Oscar Scioscia. Producción: Neqktarea Producciones. Director asistente: Gabriel Guz. Dirección: Bernardo Cappa. Teatro del Pueblo, Sala Teatro Abierto. Duración: 70’. Estreno: 19/04/2015.