Archivos Mensuales: julio 2015

Trescientos millones de Roberto Arlt

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Trescientos millones (1932/ 2015)
de Roberto Arlt
Durante meses y meses caminé teniendo ante los ojos el espectáculo de una pobre muchacha triste, que sentada a la orilla de un baúl, en un cuartucho de paredes encaladas, piensa en su destino sin esperanza, al amarillo resplandor de una lamparita de veinticinco bujías. (300 Millones, Roberto Arlt)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

300 Millones 111Una habitación. Una sirvienta. Una patrona y su hijo. Una historia que termina cuando la noche acaba. Un periodista que narra pero no quiere describir lo evidente. Un dramaturgo que elige la subjetividad de su personaje, el imaginario que lo anima antes de la decisión final. Un texto teatralista en la búsqueda de dar cuenta de lo ominoso a través del relato que alguien construye como evasión a una dura realidad. Un interrogante sobre como la escritura representa lo real, o si lo real es construido por la materialidad de la escritura. Roberto Arlt escribe la dramaturgia que estrenará en el incipiente Teatro del Pueblo de Leónidas Barletta1, luego de ser el cronista del suicidio de la sirvienta. Podría fiel al realismo que estaba en el centro del campo teatral, haber construido una textualidad que describiera objetivamente los hechos, conformando un sistema de personajes entre positivos y negativos, de acuerdo a la clase social; pero su escritura iba más allá. Lector incansable, de escritores de muy diferentes procedencias, conocía el 000123454expresionismo alemán, por la literatura y el cine; y sus personajes están conformados por las contradicciones sociales pero también por un estado de conciencia que los convierte en seres mucho más complejos, que se mueven entre el  bien y el mal, entre el deseo y el goce, entre la superación y un materialismo que promete la felicidad. Esto da cuenta de una estructura donde los personajes de humo, aquellos que conforman el sueño que teje Sofía tienen una presencia mucho más contundente que los dos personajes reales que la acompañan: la señora de la casa y su hijo. La buena lectura de Martín Althaparro hace que el punto de vista de la puesta pase por el carácter lúdico de la textura dramática; que resalte la complejidad de un vocabulario provocador, cargado de ironía, cinismo y sarcasmo, y desde allí proponga un tipo de actuación exterior que propone su desarrollo a partir de las acciones físicas. La escenografía, logra con pocos elementos: Un baúl, una estructura de metal, una cortina de tiras, unas falsas bolsas de carbón, ir construyendo los espacios necesarios para el desarrollo de las secuencias. La 000123455aparición del personaje de la muerte, tiene en Alicia Anaya una muy buena performance que lo hace cerrar con su mirada final una historia que en la textualidad arltiana tiene otra conclusión. El uso del grotesco tan afín en su límite al expresionismo subjetivo, aparece en el trabajo de Eduardo Avendaño, en su aparición que provoca la decisión final, y sobre todo en las composiciones de María Cruz Carot y Verónica Josefina Parreño, en la formulación de sus personajes, aunque sobrevuela en general todo el trabajo en mayor o menor medida. La discusión entre el galán, Cristián Cimminelli, y la sirvienta, Laura Ledesma, logra los dos sentidos con los cuales Roberto Arlt jugaba; por un lado, el tema del uso de la imaginación en un ser victimizado que se quiere protagonista de su vida, y por otro lado, una forma indirecta de expresar su convicción sobre el proceso de las relaciones amorosas en la construcción del imaginario literario y el social. ¿Cómo juega la literatura en la manera que se maneja el deseo femenino? ¿A partir de cuál imaginario, de que discurso generalizado la mujer gobierna el deseo masculino? ¿Cuál es el lugar que la sociedad le tiene reservado a la mujer? Preguntas que el autor se hacía ante una relación de fuerzas que la sociedad potenciaba para que la mujer en su grado de debilidad en lo público, utilizara como afirma Ludmer las tretas del débil. Sofía, una mujer que como tantas 000123456vende su fuerza de trabajo, sufre pero sueña que puede a partir del dinero, convertirse en una burguesa, lugar pensado de mayor poder y disfrute. No puede en el mundo de lo real controlar su vida y dejar de ser la víctima de una situación humillante, pero puede desde la imaginación controlar y conducir un relato que le permita ser otra; y actuar en su fantasía como aquella que le indica al galán como debe comportarse, ante el fastidio de éste que siente como lo convierte en un objeto de su deseo, autora como es del destino de su vida. Desde allí, Roberto Arlt como Miguel de Unamuno, como Pirandello, no deja de preguntarse por el lugar del creador y sus criaturas como luego desarrollaría en otra pieza suya, El fabricante de fantasmas (1937). La música en escena enriquece el conjunto que desde el muy buen vestuario y las situaciones respeta el texto del dramaturgo aunque se permite algunas libertades que le dan aún un grado más de ese humor oscuro que posee el texto; así la frase que hasta el final repite el personaje de la muerte, “esto no te hubiera pasado, si comieras jamón del diablo”. Si hubieras vendido, como todas, tu cuerpo y no tu voluntad de pertenecer al sistema desde el lugar más bajo de la pirámide. Es la manera que tuvo el dramaturgo de hablar de lo social sin recurrir a los recursos del teatro de tesis social. Elenco y dirección conjugan un muy buen trabajo pensado desde el universo arltiano, desde una lectura que potencializa los procedimientos que innovaron una poética teatral que en los años treinta no había dado ingreso con asiduidad a las vanguardias europeas, y que él desde su escritura iba a introducir para hablar de los personajes, de sus temores y deseos, para hablar de sí mismo.000123453

Ficha técnica: Trescientos millones de Roberto Arlt. Elenco: Eduardo Avendaño, Marcelo Beltrán Simó, José Cardozo, María Cruz Carot, Cristian Cimminelli, Ricardo Echezuri, Nora Gut, Laura Ledesma, Nicolás Mascialino, Alicia Naya, Josefina Parreño, Rubén Ramírez, Cecilia Rodríguez, Guillermo María Rosasco, Aixa Vegezzi. Voz en off: Osmar Nuñez. Dirección de arte, escenografía y vestuario: Alejandro Guiggi. Realización de escenografía: Silvio Molina, Graciela Balazini. Realización de vestuario y accesorios: Graciela Balazini, Alejandro Guiggi. Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco. Composición musical e interpretación en vivo: Sonia Kovalivker. Realización y grabación de efectos y sonidos: Adrián Carretero. Diseño y realización audiovisual: Eclipse Films, Facundo Vanoli, Felipe Castro. Diseño gráfico: Mariano Santalices. Operación técnica: Gastón Calvi. Coaching de movimiento y construcción de personajes: Eduardo Avendaño. Diseño y desarrollo de proyectos (coaching /trabajo en equipo): Tania Sardellla. Producción general y ejecutiva: Cooperativa “Trescientos millones”. Prensa: Duche&Zárate Asistente de dirección: Lorena Lemos. Dirección: Martín Althaparro. Teatro del Pueblo. Duración: 80’. Estreno: 17/07/2015.

Bibliografía:
Arlt, Roberto, 2005. Trescientos millones. Buenos Aires: Editorial Losada.
Borré, Omar, 1996. Arlt y la Crítica (1926- 1990). Buenos Aires: Edita América Libre.

[1] “El 17 de junio de 1932, el Teatro del Pueblo estrena la obra dramática de Roberto Arlt 300 millones. Este drama, el argumento, acompañó a Arlt durante cinco años, a partir de un hecho policial que escribió en Crítica en 1927, luego lo retomó en un aguafuerte “Usura transatlántica” en El Mundo (6/7/29)… (Borré, 51)

Paraná Porá de Maruja Bustamante

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Paraná Porá
de Maruja Bustamante
“La Tierra se congeló cerca de los mares”

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

998666_596785287028480_1602839443_nUn espacio teatral no convencional, en su centro, lo que parece un bote grande, una escenografía en un lugar preciso, el agua, pero en un tiempo que suponemos lejano, en algún futuro apocalíptico donde todo está rodeado por el frío intenso, el hielo, la nieve, la soledad y la muerte en donde hubo selva, calor, vida, naturaleza en estado permanente. Esa naturaleza ha mutado, como todos aquellos que devienen de ella, las vacas, los peces, los hombres, el destino. Dos mujeres quieren salvar y salvarse huyendo hacia el centro de la tierra prometida, Córdoba, llevan el futuro en el vientre de una, y la fuerza en el brazo de la otra, y además tienen un territorio en común: el deseo compartido por el mismo hombre, Santo. En ese viaje hacia lo desconocido, los diálogos se confunden con la necesidad de sobrevivir, y con la búsqueda imperiosa de un motivo para continuar. Las actuaciones son tan sobresalientes que como espectadores sentimos el impacto de su tragedia, que es la del país conocido, y no podemos dejar de conmovernos con una situación que nos parece no podrá tener un final feliz. Maruja Bustamante escribe una dramaturgia que ahonda en la subjetividad de sus criaturas, en las que deposita casi instintivamente sus propios miedos, sobre todo aquel que se sucede ante el despojo del amor, la soledad, y la paranáincertidumbre de lo que vendrá.

¿Anda o no anda la brújula? Mirá si estamos volviendo. No quiero volver, Polaca, no quiero que nos metan donde lo metieron al Santo…Calzate bien las botas que ayer me dio mala espina esa brea azul que sale de los cráteres… Nos vamos a morir…Nos vamos a morir… (100)

A veces lo hace desde la performance, o el biodrama, en esta oportunidad ponen el cuerpo a su voz dos actrices que comprenden el drama propuesto, y utilizan las herramientas, cuerpo y voz, en un espacio mínimo, que recorren ancladas a él por unas cuerdas, que sostienen su continente en movimiento y lo hacen de cara a sí mismas, sin ruptura de la cuarta pared, en una proxemia que las acerca en la desgracia, y las aleja en el rencor. Así, la Gringa y la Polaca no solo están condicionadas por el medio en el que vivían 10672336_972697939437211_3648228131991978444_nsino que ahora es también el clima o mejor dicho la situación climatológica, y desde ahí, ambas mujeres, llevan adelante una historia de ciencia ficción con una desoladora mirada futurista. En el espacio escénico, por un lado, restos de materiales descartables: cajones, cartones y plástico por doquier mientras, por otro lado, la suave melodía de la ejecución del arpa en vivo. Música casi constante que funciona como contra punto a la persistente tensión desde el inicio, que a pesar del humor y del artificio nos sumerge en esas aguas heladas a la espera de llegar pronto al lugar deseado y del nacimiento de El Santito. Otro acierto es la iluminación que va creando los diferentes climas durante el relato según el discurso verbal y corporal que ambas actrices van cruzando. Aunque siempre limitadas en el precario bote a vela, los diferentes registros dan cuenta de los distintos estados de ánimos durante la travesía, en la que no faltará el temor a la vaca mutante o a la luna verde, o bien ese algo que acecha en la oscuridad y que es difícil de describir. Un hecho teatral sólido de color local pero con una temática, lamentablemente, por el cambio climático que es universal

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Ficha técnica: Paraná Porá de Maruja Bustamente. Elenco: Monina Bonelli, Iride Mockert. Arpista: Sonia Álvarez. Escenografía: a77 – Gustavo Diéguez & Lucas Gilardi. Diseño de luces: Javier Casielles. Diseño de vestuario: Candelaria Hazte. Producción: La Mafia. Asistencia Técnica: Lucas Sánchez. Asistencia general: Nicolás Capeluto. Dirección general y puesta en escena: Maruja Bustamante. Teatro El Extranjero. Duración: 70’. Re-estreno: 2015.

Bibliografía
Bustamante, Maruja, 2014. Hija boba y otras obras. Buenos Aires: Editorial Blatt y Ríos

El Acto Gratuito de Gonzalo Demaría

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El Acto Gratuito
de Gonzalo Demaría

Dramaturgos y teatristas, y un acto gratuito policíaco- pasional.
La razón de ello es que el aprender nos brinda el más elevado de los placeres, y no sólo a los filósofos sino a los hombres en general aunque en éstos la capacidad para aprender sea más limitada (Aristóteles, Poética)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

el actoUna clase de dramaturgia, un taller como los muchos que funcionan en la ciudad de Buenos Aires, un dramaturgo que intenta a través de la teoría proponer una estructura a respetar para luego desestabilizarla con una nueva escritura, una lucha por el campo cultural teatral con quienes llevan adelante todos los procesos, la palabra, la dirección y la actuación en su misma persona. Una clase o una verdad, y el límite entre lo real y lo verosímil, como punto ciego para dar cuenta de que materia se nutre la dramaturgia hoy. Gonzalo Demaría lleva adelante en su textualidad, una manera llena de humor e ironía, una parodia a su propio oficio, el de escritor de obras de teatro, en un juego inteligente con la palabra que es una y otra vez discutida o puesta en abismo, cuando no significada a través de la definición del diccionario. Desde la poética aristotélica y sus reglas para la ejecución de la buena tragedia, hasta la relación de los actores, los dramaturgos y la dirección, todo se resuelve en una construcción de personajes que se duplican en escena, en los cuerpos y en la pantalla de fondo que reproduce parte de lo sucedido en el espacio escénico: una cafetería de una estación de servicio en la ruta, todo como un escenario armado desde los lugares típicos del fast-food, sus colores brillantes, su empleada y su micrófono, el autoservicio, el tiempo de estadía. Los tiempos se fragmentan, y el relato se convierte en una semiverdad que circula entre el profesor y su alumno, y que se va El acto gratuito 2015 2construyendo a medida que se van sumando elementos cuando la narración lo requiere. Dos formas de pensamiento sobre el arte, la modernidad y la posmodernidad puesta en discusión, un entramado cierto en el campo cultural teatral que nos circunda y que muchas veces se ve soslayado por el ejercicio de las buenas costumbres, y la convivencia pacífica; pero la controversia existe, y el teatro se interroga a sí mismo, cuando como en esta pieza de Demaría, el centro de la tensión dramática es la polémica. La forma tiende hacia la teatralidad, y a poner en cuestión el concepto de realismo que de esta manera se lleva consigo al de la verdad unívoca. Por eso, los actores entran y salen de sus personajes, para dar cuenta de su ficcionalidad y de un referente que se construye a medida de la necesidad de la intriga. Nada es lo que parece en realidad, y la posible prostituta de ruta, terminará ejerciendo una profesión alejada de toda posibilidad con la deducción previa. La vida de hoy tiene un ritmo intenso, y unos de los procedimientos de la pieza es mantener esa intensidad en las secuencias disyuntivas; entre las entradas y las salidas de los personajes, en la verbalización de los discursos, en el tenor de la dialéctica entre pares. El teatro es juego, un juego que copia a la vida, o es la vida que copia azarosamente 000107800las reglas de juego del teatro, pareciera ser el interrogante que nos queda cuando todas las pistas nos llevan producir versiones sobre hechos concretos de los cuales nunca tendremos ninguna certeza. En esta cafetería rutera se desarrolla lo que podríamos denominar como un thriller metateatral con la representación del profesor de dramaturgia, Eduardo Veliz – con su particular parche en el ojo, y el joven teatrista / ex-alumno, Marco Antonio Copani. Ambos en un duelo verbal, entre el suspenso y la tensión cómica, intentan descifrar los reveses de la creación estética mientras el resto de las criaturas se desdoblan en alumnos, clientes, personajes de la tragedia griega, … Un relato laberíntico donde cada escena focaliza nuestra mirada en un doble juego y donde pareciera que nada quedo oculto al espectador. Pues el espacio virtual representado se incorpora al espacio escénico a través de la pantalla o bien como un pequeño e imaginario cubículo en el mismo lugar. El estacionamiento, los movimientos de los personajes en la extra-escena e incluso los baños: todo está presente y el espectador queda atrapado en este laberinto. De este modo, a partir de un excelente trabajo actoral el artificio parece multiplicarse y nos incluye, a través del juego entre el teatro, el cine y de la televisión. Al ingresar a la Sala nos llama la atención algunas tapas de inodoros escritas con frases que no alcanzamos a leer pero que descubriremos su importancia una vez avanzada la acción dramática. También nos entregan un pequeño anotador / programa como si participáramos de una clase magistral en algún reducto teatral. De este modo, el preciso dispositivo escénico contiene a estas criaturas y nos contiene, pues todos somos parte de la ficción, para luego desvanecerse ante nuestra atenta mirada y a la espera de la próxima representación.el act grat

Ficha técnica: El Acto Gratuito de Gonzalo Demaría. Elenco: Shumi Gauto (Electra / 2do doble del joven), Carolina Barbosa (Clienta / 2do doble del maestro), Guillermo Berthold (Orestes / 1er doble del maestro / 1er doble del joven / doble de la clienta / doble de Greta), Eduardo Veliz (Maestro), Marco Antonio Caponi (Joven), Manu Robillo (Pendejin / camarógrafo), Maria Velez (Greta video). Asistente de producción: Maria Velez. Escenografía y sonido: Agustín Garbellotto. Iluminación: Fernando Berreta. Utilero: Matias Teres. Asistente de escenario: Maria Verónica Nicolai. Prensa: DucheZarate. Asistente de dirección: Martin Comán. Dirección: Luciano Cáceres. Teatro El Grito. Duración: 65’. Re-estreno: 10/07/2015.

Bibliografía:
Aristóteles, 2004. Poética. Buenos Aires: Editorial Quadrata.

CONGRESO INTERNACIONAL DE TEATRO IBEROAMERICANO Y ARGENTINO BUENOS AIRES, 3 AL 7 DE AGOSTO DE 2015 XXIV

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1er boceto circularORGANIZAN
Grupo de Estudios de Teatro Argentino e Iberoamericano,
Instituto de Historia del Arte Argentino y Latinoamericano “Luis Ordaz”
Centro Cultural Francisco Paco Urondo
Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires
Fundación Roberto Arlt

PATROCINAN
Agencia Nacional de Promoción Científica y Tecnológica (ANPCYT)
PROTEATRO

AVALA
Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos AiresAUSPICIAN
Ministerio de Educación del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (CONICET)
Teatro Nacional Cervantes
Instituto Nacional de Estudios de Teatro (INET)
CELCIT
ARGENTORES
Instituto Italiano de Cultura
Asociación Argentina de Actores
Fundación SAGAI
Teatro del Pueblo-SOMI

COORDINA ADMINISTRATIVAMENTE
FUNDACIÓN ROBERTO ARLT

SEDES DE ACTIVIDADES
Sala Augusto Raúl Cortazar de la Biblioteca Nacional, Agüero 2502, CABA.
Museo del Libro y de la Lengua, Avda. Las Heras 2555, CABA.
Facultad de Filosofía y Letras, UBA, 25 de Mayo 221, CABA.
Aulas 402 4º piso.
Centro Cultural Francisco Paco Urondo,
Salón de Actos, planta baja, Facultad de Filosofía y Letras, UBA, 25 de Mayo 201, CABA.
Taller
“Lo teatral por escrito” por Mariano Saba, viernes de 14:30 a 16:30
Salón de Actos del Centro Cultural Francisco Paco Urondo

Lunes 3
Museo del Libro y de La Lengua
11:00-12:00 Acreditación y entrega de programas
12:00-13:00 Acto de apertura: palabras a cargo de la Decana de la Facultad de Filosofía y Letras (UBA),
Graciela Morgade; del Director del Departamento de Artes de la Facultad
de Filosofía y Letras y Director del Centro Cultural “Paco Urondo” (UBA),
Ricardo Manetti; y de los presidentes del Congreso, Martín Rodríguez y Marina Sikora.
Entrega del Premio Armando Discépolo a la Investigación Teatral 2015 a Marcela Sosa
Coordina: Marina Sikora
13:00-15:00 Receso
15:00-17:00 Museo del Libro y de la Lengua
Teatro y peronismo
l Carlos Fos: “Un aporte del peronismo para la formación de actores y hacedores técnicos”.
l Laura Mogliani (UNTREF-UBA-INET): “El circo durante el primer y segundo gobierno peronista”.
l Marina Sarale (CONICET): “Transtextualidad y peronismo en Tus excesos y mi corazón atrapado en la
noche de Manuel García Migani”.
l Iván Pablo Orbuch (UBA-Flacso-UNLZ): “Tensiones entre cultura popular y cultura de izquierda en
Lanús durante el primer peronismo”.
Coordina: Martín Rodríguez
Sala Augusto Raúl Cortazar
Teatro y peronismo
l Oscar Conde (Universidad Nacional de Lanús – Universidad Pedagógica):
“La tragedia individual en la comedia colectiva: Blum de Enrique Santos Discépolo y Julio Porter”.
l Lucas Lagré (UBA):
“Sujetos sin memoria. Negación de la Historia y procesos de ficcionalización en Edipo en Ezeiza”.
l Ricardo Moreno (El aguantadero teatral): “El peronismo y el teatro: de la platea al choripán”.
l Yanina Andrea Leonardi (CONICET-UBA): “Pensar la cultura desde el Estado”.
Coordina: Marina Sikora
17:00-17:15 Receso
17:15-19:00 Museo del Libro y de la Lengua
Mesa redonda: Las representaciones del peronismo en el teatro actual
Integrantes: Mariano Saba, Andrés Binetti, Andrés Mangone, Bernardo Cappa y Marcelo Pitrola.
Coordina: Martín Rodríguez

Martes 4
10:00-11:30 Museo del Libro y de la Lengua
Teatro y peronismo
l Rubén Orlando Soto (Universidad Nacional de Tucumán): “Relación del Teatro
en la política cultural en lo que respecta al primer y segundo gobierno peronista”.
l Brunela Succi (FSOC-UBA-GETEA): “Revisitar Eva Perón de Copi en perspectiva queer”.
l Rocío Celeste Fernández: (UNA): “El secuestro de isabelita: la parodia en un equívoco”.
l Irene Villagra (UBA): “Relación entre Teatro Abierto, Teatro Independiente y Peronismo”.
Coordina: Horacio García Clerc
Sala Augusto Raúl Cortazar de la Biblioteca Nacional
Teatro y peronismo
l Jimena Cecilia Trombetta (CONICET-UBA):
“Entre el exilio y la extranjería: a propósito de la Eva Perón de Copi y la ópera rock inglesa”.
l María Inés Grimoldi (AINCRIT): “Limbo Ezeiza de Jorge “Pelé” Gómez.
A cuarenta años de la masacre”.
l Patricia Sapkus (UNA-UBA)-Cecilia Tosoratti (UNA): “Remontar la historia: (re)aparición del
pasado en las representaciones teatrales de Museo Ezeiza y Edipo en Ezeiza”.
l Verónica Corizzo (UNA): “Melodrama y peronismo en Nada del Amor me produce envidia de Santiago
Loza y Qué me has hecho vida mía de Marcelo Pitrola”.
Coordina: Pilar de León
11:30-11:45 Receso
11:45-13:15 Museo del Libro y de la Lengua
Teatro y peronismo
l Ricardo Pérez Sbrascini (ISFD Nº 95 de La Plata): “Teatro y peronismo: pluralidad política en el arte
escénico de 1945 a la actualidad. El relato vivencial de sus protagonistas”.
l Silvina Díaz (CONICET-UBA-GETEA): “Algunas lecturas del teatro argentino sobre el peronismo”.
l Rodolfo Bonfiglio (UBA): “Antígona Vélez o las antinomias del peronismo”.
l Estefanía Ferraro Pettignano (UNCuyo): “El teatro como ensayo de la existencia. Análisis y resonancias
del peronismo en la obra El Barro se subleva de Norman Briski”.
Coordina: Silvina Díaz
Sala Augusto Raúl Cortazar de la Biblioteca Nacional
Teatro y política
l Nidia Burgos (Universidad Nacional del Sur):
“Denuncia estético política en una reescritura del Tartufo de Moliere”.
l Eliana M. Wassermann (Calibán-UBA): “Briski-Boal: el trasfondo político de una pelea de cartel”.
l Verónica Manzone (CONICET):
“Lo político en el teatro: el caso de La Patria fría de Andrés Binetti y Mariano Saba”.
l Larisa Rivarola (UBA): “Aproximaciones a un modelo de producción teatral”.
Coordina: Larisa Rivarola
13:15-15:00 Receso
15:00-16:30 Museo del Libro y de la Lengua
Diálogo: Ricardo Bartís y María Pía López
16:30-16:45 Receso
16:45-18:15 Museo del Libro y de la Lengua
Mesa redonda: Cultura y peronismo
Integrantes: Daniel Santoro y Guillermo Korn.
Coordina: Yanina Leonardi
En los días sucesivos todas las actividades del congreso
se realizarán en el Centro Cultural Francisco Paco Urondo
§y en la Facultad de Filosofía y Letras (UBA), 25 de Mayo 201/221

Miércoles 5
09:45-11:15 Salón de Actos
Teatro Iberoamericano
l Bianca de Cássia Almeida: (Universidade Estadual de Campinas):
“Ao declinar do dia – o teatro sério brasileiro”.
l Tiago Henrique Pimentel Pereira (Universidade Federal de Uberlândia):
“Colecionando memórias: o cartaz e a cena”.
l Susan P. Berardini (Pace University): “Ni una menos: perspectivas
sobre la violencia de género en el teatro reciente de Juana Escabias y Diana de Paco”.
l Pilar de León (Universidad de la República, Uruguay):
“Fenómenos de reescritura: pasado, presente y futuro en el teatro de Sofía Etcheverry”.
Coordina: Pilar de León
Aula 402
Teatro latinoamericano
l Yorleni Alpízar Barquero (Universidad Nacional de Costa Rica):
“Prácticas de creación heterodoxa: tendencias del teatro actual en Costa Rica”.
l Olga Martha Peña Doria (Universidad de Guadalajara):
“Tres prototipos de la imagen materna en el teatro escrito por mujeres en México”.
l Elisabete de Paula de Lemos Neri-André Luiz Moura Siqueira:
“Criouletivo experimental de improvisações de rua. Clowns em diálogos de desapropriação”.
l Marilyn Santamaría (UNA): “Discursividad poético-política
de la farsa en la producción del ecuatoriano José Martínez Queirolo”.
Coordina: Evangelina Ramos
11:15-11:30 Receso
11:30-13:00 Salón de actos
Universidad Nacional de las Artes (UNA): El actor popular argentino y mexicano
l Lucía Groppasonno (UNA): “Olinda Bozán: Escalera a la fama. Del circo criollo a capo cómica”.
l María Paula Uccelli (UNA): “Moria Casán: el análisis viral de la actriz popular”.
l Carlos Bleichner Delgado (UNA):
“Roberto Gómez Bolaños: La invención de la astucia o la astucia de lo cotidiano”.
l Carmela Possentini (UNA): “Natalia Oreiro: negra y carteluda”.
l Marisol Sousa (UNA):
“Roberto Sánchez y la construcción de Sandro por el camino de la sensualidad”.
Coordina: Martín Rodríguez
Aula 402
Teatro Argentino
l Graciela Susana Puente: “Títeres de pies ligeros de Ezequiel Martínez Estrada”.
l Martín Rosso, Malen Gil, Brenda Di Spalatro (UNICEN):
“Un análisis Critico Genético de lo político en dos procesos creativos del grupo IPROCAE”.
l Mario Alberto Palasí (Univ. Nac. de San Luis):
“Análisis de la propuesta dramática y escénica de Justo Daract”.
l Claudia del Valle Fernández (Escuela Superior de Estudio Sociales, Jujuy):
“Accame quería taparla con algo”.
Coordina: Carolina Soria
13:00-15:00 Receso
15:00-16:15 Salón de actos
Teatro y cine
l Jorge Sala (UBA-GETEA): “Itinerario de un trayecto cruzado.
Cronología de las relaciones entre el teatro y el cine argentinos de los sesenta”.
l Karina Mauro (CONICET-UBA-UNA):
“Antes, durante, después del rodaje: el desempeño actoral en cine”.
l Carolina Soria (CONICET- UBA-GETEA):
“Sistematizar el caos: reglas cardinales comunes al teatro y al cine argentino contemporáneo”.
Coordina: Karina Mauro
Aula 402
l María Ester Gorleri de Evans (Universidad Nacional de Formosa-GETEA): “El teatro de tema peronista
en Formosa: expresión tardía, público militante y sin dramaturgia propia”.
l María Esther Badín (UBA): “La presencia del componente teatral en la obra de Alessandro Baricco”.
l Guillermo Schmidhuber (Univ. de Guadalajara): “El Teatro de México, Argentina y España: intercambios
trasatlánticos e intercontinentales de dramaturgos en el siglo XX”.
Coordina: Adriana Libonati
16:15-16.30 Receso
16:30-17:45 Aula 402
l Israel Isaac Pájaro Sánchez (Universidad Autónoma de Querétaro): “Las dimensiones de la historia
en la literatura no dramática desde la teatralidad”.
l Patricio Rodríguez-Plaza (Pontificia Universidad Católica de Chile): “Guillermo Ganga: diseñador
y cartelista teatral”.
l Jorge Rueda Castro (Universidad de Santiago de Chile): “Ideario republicano en Manuel Rodríguez,
de Carlos Walker Martínez”.
Coordina: Pilar de León
17:45-18:00 Receso
18:00 Salón de Actos del Centro Cultural Paco Urondo
Entrega de los Premios Teatro XXI a la actividad teatral 2014-2015
Contaremos con la presencia de Bernardo Cappa, Guillermo Cacace, Juan Pablo Gómez,
Daniel Fanego, Pompeyo Audivert, Patricio Aramburu, Analía Couceyro, Lorena Vega, Laura Nevole,
Mauricio Kartun, Mariano Saba, Mariana Bustinza, Carlos Ianni, Cristina Banegas, Alejandro Finzi,
Marcelo Marán, Hernán Belloti, Francisco Ramírez, entre otros.
Coordinan: Marina Sikora y Ricardo Manetti

Jueves 6
09:45-11:30 Salón de Actos
Teatro y peronismo
l Mario Henao (UBA): “Eva Perón es una mutante. Una salida a la comunidad absoluta”.
l Liliana Griskan (Escuela de Teatro, Bahía Blanca):
“El modelo argentino en el teatro de Leopoldo Marechal”.
l Cecilia Gramajo (UNICEN): “La organización vence al tiempo y mejor que decir es hacer, claro”.
l María Teresa Brutocao-Nicolás Luis Fabiani (Universidad Nacional de Mar del Plata- GETEA):
“Actividad teatral en el período peronista (Mar del Plata)”.
l Juan Manuel Padrón (UNICEN):
“El nacionalismo de derechas y el teatro en los albores del peronismo, 1943-1946”.
Coordina: Jorge Sala
Aula 402
Teatro Argentino
l Iliana Hoffer (UBA): “Salsa criolla: Enrique Pinti en la comedia musical porteña”.
l Luciana Moya (UBA): “Un éxito teatral finisecular: Justicia criolla,
de Ezequiel Soria. Entre la popularidad, el vil metal y el reconocimiento”.
l Diana Gabriela Barreyra (UNICEN):
“Teatro municipal en Tandil. El Proyecto Adolescente y la Cooperativa de Arte Recooparte”.
l Normando Acosta (Escuela Superior de Estudios Sociales, Jujuy): “Itinerarios del teatro en Jujuy”.
l Neri David Nuñez Acuña (Escuela Provincial de Educación Secundaria N° 42, Formosa): “Teatro
estudiantil en el barrio Juan Domingo Perón: una experiencia metodológica desde el área de inglés”.
Coordina: Iliana Hoffer
11:30-11:45 Receso
11:45-13:15 Salón de actos
Maestría en Estudios de Teatro y Cine Latinoamericano y Argentino,
Facultad de Filosofía y Letras, UBA.
l Daniel Gilman Calderón (UBA): “Variaciones ideológicas sobre La Muerte y la doncella”.
l Isabel Sapiaín Caro (UBA): “Una visión sobre el trauma en la sociedad chilena de posdictadura en
La amante fascista de Alejandro Moreno”.
l Carla Cortez Cid (UBA): “Experiencia y posdictadura en Villa de Guillermo Calderón”.
l Angélica Martínez (UBA): “M’ hijo el dotor de Florencio Sánchez. Hacia un teatro anarquista”.
Coordina: Yanina Leonardi
Aula 402
El teatro en el mundo
l Diana L. Frenkel (UBA):
“Relación entre teatro y política: de Acarnienses de Aristófanes a nuestra época”.
l Luciana Caresani (UBA): “Cuerpo teatral inerte y gestos políticos de resistencia.
La vigencia de Catástrofe de Samuel Beckett en nuestro teatro contemporáneo”.
l Nicholas Rauschenberg (CONICET-UBA): “El problema de la tragedia en Christoph Menke”.
l Natalia Quiroga-Juan Francisco Barón (UNA):
“Ópera, obrero y democratización cultural. Análisis de Curlew River dirigida por Lírica Lado B”.
Coordina: Nicholas Rauschenberg
13:15-15:00 Receso
15:00-16:15 Salón de Actos
Mesa redonda: Cine y peronismo
Integrantes: Pablo Piedras, Héctor Cohen, Dana Zilberman,
Lucía Rodríguez Riva, María Aimaretti
Coordina: Ricardo Manetti
16:15-16:30 Receso
16:30-17:15 l Sharon Magnarelli (Quinnipiac University):
“Contar historias / Soñar espacios: En tren de soñar de Eduardo Rovner”.
l Roger Mirza (Universidad de la República, Uruguay):
“¿De qué hablamos cuando hablamos de teatro político? La obra de Santiago Sanguinetti”.
Coordina: Marina Sikora
17:15-17:30 Receso
17:30-19:00 Salón de Actos
Mesa redonda: Teatro independiente y peronismo
Integrantes: Roberto Cossa, Roberto Perinelli, Rubens Correa. Hugo Álvarez.
Coordina: Marina Sikora

Viernes 7
09:30-11:15 Salón de Actos
Teoría teatral
l Juliana Cosentino (UNA): “Teatro y una problemática socio cultural”.
l Cecilia Gramajo-Manuela Pose (UNICEN):
“Herramientas técnicas en el entrenamiento vocal para actores: la entonación”.
l Mónica Berman (UBA): “La vida trasmediática de las artes escénicas”.
l Luciana Estevez (CONICET-UNA-GETEA):
“Prácticas objetuales en el teatro porteño: aproximaciones a la metáfora”.
Coordina: Luciana Estévez
Aula 402
Teatro argentino y latinoamericano
l Pablo Canalles (Universidade Federal de Santa Maria, Universidade do Estado do Rio de Janeiro):
“O diretor-pedagogo ou a encenação do professor”.
l Adriana Libonati-Horacio García Clerc (UBA):
“De la comunidad al teatro: perspectivas sobre Teatro Comunitario”.
l Teresita Victoria Fuentes (UNICEN):
“Teatro y peronismo en provincias: Raúl Echegaray, dramaturgo, director y gestor cultural”.
l Aleida Bautista Martínez:
“Antropología teatral aplicada al proceso de investigación en el Ensamble de Santiago”.
l María Cristina Castro (Universidad Nacional de San Juan):
“Procesos de actuación en la puesta en escena sanjuanina: Fantasmáticas”.
Coordina: Adriana Libonati
11:15-11:30 Receso
11:30-13:00 Salón de Actos
Mesa redonda: Nuevas lecturas sobre el peronismo en el teatro actual
Integrantes: María Inés Grimoldi, Pablo Razuk, Jimena Trombetta, Gabriel Fernández Chapo, Carlos
Fos, Héctor Levy- Daniel y Silvina Díaz.
Coordina: Silvina Díaz
Aula 402
l Susana Tarantuviez (CONICET-Univ. Nac. de Cuyo): “La representación de la figura de Evita en la
Trilogía peronista de Patricia Suárez y Leonel Giacometto”.
l Mariano Saba (CONICET-UBA): “Todo es cruz: sacrificio y teatro en Leopoldo Alas ‘Clarín’”.
l Lucas Rimoldi (CONICET-UBA): “Estudio por cohortes sobre tendencias del realismo”.
l Lía Noguera (CONICET-UNA-GETEA): “Juan Moreira: entre la realidad y el mito”.
Coordina: Lía Noguera
13:15-14:30 Receso
14:30-16:30 Salón de Actos
Taller “Lo teatral por escrito” a cargo de Mariano Saba
16:30-16:45 Receso
16:45-18:15 Mesa redonda: Militancias teatral y peronista en los 70: Cuerpos y voces
Integrantes: Laura Yusem, Paula Mujica Láinez, Daniel Barberis y Marita Foix.
Coordina: Lorena Verzero
18:15-18:30 Receso
18:30-20:00 Salón de Actos
Diálogo con Norman Briski
Coordina: Lorena Verzero
Palabras de cierre a cargo de Marina Sikora y Martín Rodríguez, presidentes del congreso

Abismarse de Analía Rosenberg

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Abismarse
de Analía Rosenberg

Abismarse. Ataque de anonadamiento que se apodera del sujeto amoroso,
por desesperación o plenitud. Barthes

07_EFLYER_Abismarse_OKAzucena Ester Joffe, Leticia V. Coseani

El Centro Cultural R. R. Rojas, como ya nos tiene acostumbrados, a partir de una clara decisión en cuanto a su programación – la experimentación artística, el cruce y la búsqueda en y entre las diferentes Artes Escénicas – es el marco perfecto para Abismarse. Obra que no sólo está atravesada por las diferentes disciplinas sino que es difícil categorizar pues excede cualquier código establecido.
Por demás interesante es esta obra que multiplica los sentidos a medida que avanza el relato. En el amplio espacio escénico atemporal se observan muy pocos elementos, salvo los instrumentos musicales – flauta traversa, violonchelo, de percusión, piano y acordeón – y una falsa pared que sugiere una vieja fábrica / taller o bien que por momentos funciona como una pantalla – un video “casero”, dibujos animados “simple”,… Las diferentes escenas se van sucediendo como saltos de nuestra conciencia, memoria y/o imaginación y corresponderá a distintos estados psíquicos: la alienación, la ensoñación, la ira,… Este hecho interdisciplinario parece poner en escena lo que ha afirmado Barthes:32 (4)

Curiosamente, es en el acto extremo de lo Imaginario amoroso – anonadarse por haber sido expulsado de la imagen o por haberse confundido en ella – que se cumple una caída de este Imaginario: el tiempo breve de una vacilación y pierdo mi estructura de enamorado: es un duelo artificial, sin trabajo: algo así como un no lugar. (18-19)

Aunque anonadarse tiene varias acepciones, nos interesa en cuento a la idea de sorpresa / asombro, pues por la polifonía de texturas en el discurso escénico provoca en el espectador algo de extrañeza pero no confusión. Al inicio, en un primer nivel, cada intérprete / actor se mueve o se desplaza con movimientos quebrados y reiterativos, automatizados por un sistema donde el cuerpo es una máquina dentro de una estructura que está invisibilizada. Pero a medida que avanza el relato, cada músico irá perdiendo parte de su vestuario y 32 (17)recuperará el dominio natural de su cuerpo. En otro nivel, el personaje femenino, que explica y relata determinadas escena, va perdiendo la posibilidad de expresarse coherentemente, como si el lenguaje verbal se fuera deconstruyendo en un sin sentido. Entonces, queda sólo el arte para poder comunicar los estados de ánimos y sentimientos. Mientras, en un tercer nivel, otro interprete a partir de sus coreografías interviene en esta estructura ficcional como si fuera una expresión de la razón o bien de la condición irracional de cada individuo. Todo confluye en un ritmo sostenido y con un registro distinto, cada una de estas criaturas realiza con excelencia “un solo” – teatro, danza, música. Si al comienzo el mundo creado es el de la alienación, al finalizar ese mundo se ha transformado en un universo poético que se materializa y nos convoca como sujeto espectador, en tanto sujeto activo. La plasticidad de las imágenes visuales y auditivas está subrayada por la precisa iluminación y la perfecta utilización del espacio lúdico, que a veces recorta a cada personaje en un espacio íntimo y, en otras, amplía nuestra focalización en un espacio público. Un hecho escénico donde cada sistema significante se amalgama en un todo, en un clima onírico y de vigilia, sin subordinación a partir de la idea y dirección de Analía Rosenberg. Joven y multifacética artista que sabe como explorar nuevas posibilidades en la creación.32 (1)

Ficha técnica: Abismarse de Analía Rosenberg. Intérpretes: Rodrigo Soko (flauta traversa), Emma Chacón Oribe (violonchelo), Emanuel Gaggino (en percusión) y Analía Rosenberg (piano, acordeón). Voz: Bárbara Togander. Danza: Jack Syzard. Dibujos: Adrián Lirman. Fotografía: Mariana Cirulli. Diseño y realización de vestuario: Guido Lapadula. Realización escenográfica: Mariana Cirulli y María Maidana Corpus. Realización y edición de videos: Melina Franco. Edición y mezcla de audios en off: Rodrigo Soko. Diseño de sonido: Santi Lesca. Producción general: Abismarse. Asistencia de producción: Virginia Mazzarella. Diseño gráfico: Débora Akershtein. Prensa: Carolina Alfonso. Asesoramiento en dramaturgia y dirección actoral: Claudia Carbonell. Dirección general: Analía Rosenberg. C. C. R. R. Rojas: Sala Batato Barea. Duración: 70’. Estreno: 04/07/2015.

Bibliografía
Barthes, Roland, [1982] 1993. “Me abismo, sucumbo” en Fragmentos de un discurso amoroso. México: Siglo XXI editores: 18-19.

Los caminos invisibles de Silvina Reinaudi

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Los caminos invisibles – Una mirada inteligente .

Susana Llahí

IMG_0895 (2)La vida nos presenta muchos caminos, caminos paralelos y caminos que  se cruzan pero, puede ser que no los veamos, que sean invisibles para nosotros. Por qué? ¿Por indiferencia?¿Prejuicios?. El problema aparece cuando se hacen visibles, allí surgen los conflictos, lo cierto es que, inevitablemente, nos encontramos con quienes transitan esos caminos, con un “otro” al que podemos aceptar de entrada, o rechazar también desde el comienzo, porque algo hace ruido dentro nuestro, a favor o en contra. Pero … lo bueno es poder dirimir aquello que nos enfrenta … Esto es lo que sucede con las dos viajeras de esta historia. Pertenecen a pueblos diferentes: una al de las rayas y la otra al de los lunares. Hacen un alto, instalan sus mesas y sus manteles, despliegan los pequeños elementos de la vida cotidiana pero ni se hablan, sencillamente porque se ven distintas. Disputando el espacio en lugar de compartirlo, provocan un gran embrollo con los manteles, todo se mezcla y de allí … nace Pepo, hecho con un poquito de cada cosa y además, mitad rayado y mitad a lunares. Este hermoso y tierno muñeco se siente feliz de haber salido al mundo y de tener dos mamás. Cuando ellas se lo disputan deseando que en la identidad de Pepo prevalezcan las rayas o los lunares, Pepo sólo señala “yo soy yo” y les anuncia que tiene que partir porque con su nacimiento también vino un cofre con un mandato: buscar lo que estaba en una de las orillas del río y él decide partir en esa búsqueda. Aquí aparece el viaje, ese periplo que todo ser humano emprende para lograr su crecimiento y que Silvina Reinaudi desarrolló muy bien en Sietevidas (1993). Las mamás colaboran para que Pepo tenga los elementos necesarios para el viaje y le arman al perrito Salchicho para que lo acompañe. En este viaje Pepo encuentra una ayudante Fifinita, que se siente ridícula porque está hecha con todo tipo de dibujitos y a quien Pepo ayuda para que asuma con felicidad la posibilidad de ser diferente. Se encuentra también con dos fuertes oponentes el Capitán y el General que hacen gala de su autoritarismo sólo porque Pepo no es de “los unos” ni de “los otros”. Pepo los vence y los convence de que pueden vivir fuera de ese rol de prepotencia e intolerancia.

La estructura de la pieza se organiza con los personajes- títeres y los personajes- actores y titiriteros al mismo tiempo. Hay un manejo prolijamente diferenciado de unos y otros. Las actrices desarrollan sus personajes con rasgos que los definen ampliamente como si rayas y lunares se personificaran. Y al mismo tiempo, le dan a los títeres los tonos e inflexiones que hablan de la dulzura, solidaridad y comprensión en unos y del autoritarismo en otros.

La puesta señala el encuentro feliz y logrado, de actores y títeres. En el teatro actual y en especial en el Teatro para Niños se habla constantemente de la necesidad de aceptar al diferente, no como una opción de tolerancia sino como un encuentro natural que nos brinda la vida. Lo importante, cuando se abordan estas estéticas, es partir de motivos y procedimientos que no busquen apegarse a la realidad, que disparen hacia la fantasía y el disparate si es necesario, de esa manera se evita el riesgo de caer en lo pedagógico.

Una puesta estéticamente muy hermosa y que, desde la belleza logra hablarnos de temas complejos y de valores fundamentales.

Los caminos invisibles de Silvina Reinaudi. Teatro Nacional Cervantes, Libertad . T.E. Elenco: Ema Fernández Peyla y Sandra Antman. Producción TNC: Yamila Rabinovich. Fotografía: Gustavo Gorrini. Mauricio Cáceres. Diseño gráfico: Verónica Duh. Ana Dulce Collados. Arreglos y grabación musical: César Prado. Realización de títeres y utilería: Gloria Díaz. Asistencia de dirección: Alejandro Camba. Música: Mariano Cossa. Iluminación: Leandra Rodríguez. Vestuario: Noemí de Jesús. Escenografía: Santiago Lozano. Dirección: Mariano Cossa.

Objetos maravillosos de Hugo Midón

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Objetos maravillosos
de Hugo Midón
Una texto, una puesta, siempre por más.

María de los Ángeles Sanz

unnamedEn la sala Martín Coronado del Teatro San Martín, el grupo vocal 5 presenta bajo la dirección de Gabi Goldberg Objetos maravillosos de Hugo Midón, la comedia musical estrenada en el 2000 en el Museo de los niños del Abasto, con música de Carlos Gianni. Un público conformado por niños y adultos, que de la misma manera disfrutaron de la puesta, que para algunos fue un placer desde el recuerdo, y para otros, tal vez, la primera vez que llevados de la mano pisaban un teatro, para disfrutar con felicidad y atención siguiendo los distintos cuadros que componen la propuesta. Como definió en una entrevista su autor:

—El teatro, como género, es acción. Así como el cine es imagen, el teatro es acción. Y sobre todo en el teatro para chicos hay que contar a través de lo que pasa, más que a través de lo que se dice. La palabra ahí cumple una función, naturalmente, pero no es lo más importante, como lo es en la literatura. En el teatro lo más importante es lo que pasa. Eso me llevó a desarrollar mucho el género de la comedia musical, donde lo que pasa es muy fuerte, y a hacer escenas fuertes y contundentes, muy limpias de texto.
Hacer cuadros cortos o “flashes” que tengan un atractivo en sí mismos, en lugar de una historia en la que hay que esperar hasta llegar al final. Eso se fue acentuando en mi trabajo. Como en el caso de Derechos torcidos u Objetos maravillosos, donde se cuenta una historia, hay una trama, un pretexto, y cada cuadro es, en sí mismo, algo que puede sacarse o ponerse, como un módulo. (Gruffat, Klibanski, 2006)

La puesta en escena, con fluidez y gracia, es decir, con la suma del talento de actores y dirección, conforma una Objetos-Maravillosos-teatro-infantil-midonpropuesta llena de humor, con canciones de letras simples que guardan la lengua de lo cotidiano, de lo conocido por los pequeños espectadores en el imaginario de un mundo a descubrir. Pero que además, se permite la libertad de jugar con la significación de las palabras, y la risa provocada por el equívoco y la doble intención. La coreografía, que reproduce la de la versión de 2006, está igualmente cuidada en su desarrollo, con la complicidad entre la música, la actuación y los movimientos diseñados por Gabi Goldberg para lograr una sincronía que construye cuadros musicales casi perfectos. Hugo Midón escribe Objetos maravillosos como un homenaje interno a sus anteriores piezas, en un puzzle musical que tiene por temática la búsqueda de otorgarle categoría poética al mundo más cercano, a aquellos elementos que hacen a nuestra cotidianidad y que sin embargo guardan también su cuota de la sensibilidad que en ellos depositamos, es decir, que se constituyen diferentes a través de nuestra mirada cargada de sentido. El actor /dramaturgo dejó una herencia única para los teatristas del medio, desde una trayectoria donde la búsqueda por un lenguaje para el teatro para niños se conformara a partir de la innovación en las temáticas y en las formas de encarar el desarrollo de las puestas. La construcción de la comedia musical cuyo destinatario es un espectador menudo, es una propuesta que demistifica el género, con su coto cerrado de público y lo lleva a profundizar en el contacto necesario desde la teatralidad de la palabra y la música. Como afirma Ruth Mehl:

Esta combinación de música, humor, actuación y textos convincentes en hermosas canciones girando necesariamente alrededor de un hilo conductor, es la esencia de la mayoría de los espectáculos de Hugo Midón, en los que el disfrute y la gratificación vienen de divertirse con un juego coherente, en el que se tiene una participación vicaria, y en el que los sentidos ha sido halagados al mejor nivel. (247)

objetos-maravillosos-t_21123chLa dirección de Gabi Goldberg imprime a la puesta el universo Midón, lo que hace que desde la platea aquellos que vieron la obra dirigida por el dramaturgo sientan que están en una pirueta de la memoria ante aquel evento emocionante que les produzco tanta alegría en el pasado. Profesora de danza, dirige un talle de Comedia Musical para niños, adolescentes, jóvenes y adultos, donde conjuga las tres disciplinas indispensables: canto, baile y actuación. Además, de la emoción necesaria para que en el escenario, el elemento restante sea el juego, y la libertad de sentir y expresar con armonía un arte tan difícil como hermoso. Las voces del grupo vocal 5 le dan el tono a las canciones pensadas por Midón con la música de Gianni, en esa dupla que hizo historia en el teatro para niños; recordadas por muchos de los espectadores que las seguían y repetían con palmas. Una tarde donde la maravilla, más allá de los objetos, estaba en la comunión entre unos y otros, entre los que llevan con talento la obra de un grande a escena, y los que lo siguen con devoción desde la platea, desde sí mismos, o llevando de la mano a una nueva generación para que disfrute del placer de un teatro de excelencia.

Ficha técnica: Objetos maravillosos de Hugo Midón. Música y dirección musical: Carlos Gianni. Dirección: Gabi Goldberg. Elenco: Vocal 5: Sergio Alem, Mariela Gianico, Mariano Muso, Raúl Oliveira, Horacio Pomer. Coordinación de producción (CTBA) Macarena Mauriño, Mariana Toledo. Asistencia de dirección (CTBA) Daniela Sitnisky, Ticiana Tomasi. Asistencia de dirección: Mariana Pérez Cigoj. Producción ejecutiva: Demián Kattman. Producción general: Damián Kattman, Marcela La Salvia, Arieta Mancke, Roberto Bisogno. Arreglos musicales: Sergio Blostein. Realización musical: 440 Producciones Musicales. Realización escenográfica: Gustavo Di Sarro. Coreografía: Gabi Goldberg (versión de la original de Hugo Midón) Sonido: Mariel Ostrower. Arreglos vocales: Raúl Oliveira. Iluminación: Roberto Traferri. Escenografía y vestuario: Silvia Tonel. Duración: 90’. Sala Martín Coronado Teatro San Martín. Temporada 2015.

Bibliografía:
Mehl, Ruth, 2010. El teatro para niños y sus paradojas. Reflexiones desde la platea. Buenos Aires: Colección Estudios Teatrales. Instituto Nacional del Teatro.

Hemeroteca:
Gruffat, Carolina; Klibanski, Mónica, 2006. “Hugo Midón: Teatro infantil, apto para todo público” en Educar. El Portal educativo del Estado argentino. Sección: Entrevistas. Agosto /9.

Donde el viento hace buñuelos de Arístides Vargas

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Donde el viento hace buñuelos
de Arístides Vargas
Los mil y un encuentro a través de la memoria, del espacio y del tiempo

Azucena Ester Joffe, Leticia V. Coseani

1620535_10151928762609599_651076113_nEl Grupo Malayerba (Ecuador), con la obra que nos ocupa, tuvo a cargo la apertura de la Temporada Internacional del CELCIT (Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral), Instituto de las Artes Escénicas que cumple 40 años de trayectoria y de dedicación intensa por la integración teatral iberoamericana (1975-2015). La agrupación Malayerba se formó allá por 1981 y sus integrantes mantienen los principios ideológicos con el fuerte compromiso por la vida. Con diferentes estéticas atravesadas por distintas vivencias personales le dan una textura especial a cada obra, a cada puesta escena, a cada personaje, apoyándose esencialmente sobre dos principios constructivos: la poética y la ética. La profunda y profusa dramaturgia varguiana permite que cada texto dramático no sea una obra cerrada sino, por el contrario, acorde a nuestro actual mundo globalizado, siempre con cierta movilidad interna e itinerante. Aunque la estructura de base se mantiene, se agregan o se modifican detalles, elementos, puntos de vistas que, necesariamente, hacen de cada texto escénico un hecho vivo, exuberante, y atravesado por la subjetividad latinoamericana.
Por lo tanto, en Donde el viento hace buñuelos [1] la memoria todo lo atraviesa, en un espacio íntimo pero en el que confluyen lo privado y lo público, con un tiempo no lineal ni fragmentado sino con dobleces existenciales mientras los recuerdo fluyen sin sobresaltos. Un presente atemporal, con ausencias y vacíos, a la espera de que un hombre, que está Donde el viento 2dormido o quizá muerto, desocupe la cama para que Catalina o Miranda puedan descansar. Este presente a mitad de camino entre lo onírico y la vigilia permite que ambas amigas compartan sus íntimas confidencias, sueños alegres y otros no tanto y dolorosos fantasmas. Miranda llega de viaje a visitar a su amiga, ellas interactúan y juegan a través de los diálogos, los monólogos y las evocaciones de esos recuerdos. Así, en la asistencia ante el dolor y la enfermedad de la otra, se configura en el escenario un mundo, sin tiempo ni espacio, por fuera de una realidad ordenada. Las distintas escenas se van sucediendo a modo de reflexiones personales, también con momentos  en los cuales ellas usan su relación de amistad y complicidad para presentar eventos de la vida de cada una. De pronto Catalina se convierte en Buñuelo, el perro de don Luis Buñuel. Las intervenciones de Buñuelo agregan una nota de humor que distiende el tono reflexivo y la intensidad de la atmósfera; además nos dan una clave para entender las varias referencias 1Donde+el+viento+3al surrealismo, al mundo onírico, en lo visual y en lo auditivo, como las referencias a los ojos y al famoso “corte del ojo” de Un perro andaluz (1929) que se recrea en escena valiéndose de un huevo duro. Mientras, el tercer personaje, que bien podría ser metáfora de un ángel o de la muerte, es la cantante y guitarrista, quien aporta un tono melancólico, pues la música y la letra de la canción fortalecen ese espíritu de búsqueda, de encuentro y despedida alegremente triste que el texto va delineando. El espacio escénico está delimitado por una franja de papel blanco y sobre éste varios elementos, pero lo que más nos llama la atención son los pequeños atriles con finos trazos de rostros, imágenes simbólicas que remiten a varios sentidos, desde lo particular: un pequeño cementerio, desde lo social: nuestros numerosos desaparecidos latinoamericanos. Por otro lado, cada elemento cobra vida – la mecedora, el botecito a vela, la caja sobre la cual los diferentes zapatos – pequeños duendes familiares – con su caminar le suman mucho humor, como también la perfecta utilización de las máscaras para Buñuelo y para la mamá de Miranda. Charo unnamedFrances y Rosa Luisa Márquez son de una exquisita sensibilidad y de una impronta escénica muy difícil de asir, con la solvencia y ductilidad que se construye a través del compromiso, de la búsqueda y de la pasión en el quehacer teatral modelan de manera artesanal a sus criaturas, con esa dimensión onírica del surrealismo y el realismo mágico. El espacio escénico se expande en el juego perfecto entre la poesía y el humor, con la propuesta lúdica entre la organicidad y la reflexión, en una larga noche de vigilia a la espera de que una vida cumpla su ciclo, a modo de una “bitácora de viajes” o mejor dicho una bitácora de emociones y sentimientos. El relato se atreve a jugar con cada sujeto espectador y nosotros aceptamos el desafío porque cada obra del Grupo Malayerba nos demuestra que nuestros sueños y nuestros afectos no mueren y que necesitamos mantener viva nuestra memoria particular y, en especial, muestra memoria social para contrarrestar el anonimato de la globalización. Una puesta en escena imposible de olvidar por su fuerza vital centrífuga y por la sutileza de una poética que como el viento se materializa antes nosotros y se apodera de todos nuestros sentidos, como las chalinas o paños que se mueven de forma ondulante en la escena así nos nuestra cotidianidad queda suspendida más allá del tiempo real de la obra. Sólo nos resta decirles Gracias a estos tres grandes pilares de nuestra actualidad teatral: CELCIT / Malayerba / Arístides Vargas.

Ficha técnica: Donde el viento hace buñuelos de Arístides Vargas. Con Charo Frances y Rosa Luisa Márquez. Músico: Elena Vargas. Diseño escénico: Antonio Martorell. Vestuario: Suda Karibe. Composición musical: Pilli Aponte. Prensa: simkin&franco. Dirección: Arístides Vargas. CELCIT. Duración 70’. Re-estreno: 17/07/2015.

[1] Grace Ávila sostiene: “Buñuelos [Donde el viento hace buñuelos] ha continuado desarrollándose como proyecto transnacional a partir del sueño de tres creadores. En el 2000 dos amigas teatreras, la española Charo Francés (actriz, maestra y directora de Malayerba, la mujer de la voz con alma) y la puertorriqueña Rosa Luisa Márquez (maestra, directora y autora del volumen De brincos y saltos, también actriz), le pidieron a Arístides Vargas (el autor y actor argentino, radicado en Ecuador, y director de Malayerba) que les escribiera una obra. Con base en improvisaciones surgió esta pieza que las actrices continúan representando, bajo la rúbrica de Suda-K-Ribe, cuando se encuentran en diferentes escenarios del mundo.” http://www.casa.cult.cu/publicaciones/revistaconjunto/151/grace.pdf

Cuentos con sentido para niños distraídos III de Vera Montone

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Cuentos con sentido para niños distraídos III
de Vera Montone

María de los Ángeles Sanz

000123023Una nueva edición de Cuentos con sentido para niños distraídos, la tercera; una propuesta teatral que tiene como destinatario el niño, pero que es un placer para todos. Esto sucede debido al respeto por el trabajo bien hecho que tienen los integrantes del grupo. Las buenas voces, la música en escena, los muñecos, bellos y carismáticos y su manejo en escena que los vuelve casi humanos, y la alegría que desborda en el espacio escénico y se expande hacia la platea, hacen aunados, una puesta por demás interesante para una tarde de sábado y no sólo en estas semanas de vacaciones de invierno. Los actores / titiriteros en esta oportunidad todos vestidos de negro, lucen su arte con soltura y simpleza al mismo tiempo. Los relatos van uniendo personajes humanos, niños y ancianos y otros de animales pero que tienen costumbres y acciones humanizadas, como el casamiento de la paloma enamorada. En esta oportunidad dos historias conforman un relato que unifica hacia el final el personaje del viejo pochoclero, que brindará a todos su cosecha de maíces convertidos en blanco y dulce maná. En la primera, el amor hará la confusión de todos cuando la paloma 000122996mensajera entregue las cartas equivocadamente porque en realidad su cabeza está en su palomo, y no puede pensar en nada más. El equívoco provocará las risas que no distraen la atención del espectador que sigue las peripecias de los pequeños personajes. La segunda narración tiene en cuenta las relaciones con el otro, un adulto mayor, cuya característica es el malhumor, los tres amigos, Maia, Dante y Leo, harán las travesuras necesarias hasta ingresar en su casa para averiguar cuál es la causa del malestar que hace que ellas sean el blanco de sus dardos. La solución es el amor, es decir, dar al otro aquello que lo aleje de la soledad, porque estar solo es el camino que lleva a la tristeza y al mal carácter y trato con los demás. El tema entonces es la comunicación, que a veces resulta difícil cuando no tenemos en cuenta al destinatario, o imposible cuando lo ignoramos por completo. La diversión es continuada y se logra porque los hacedores del momento mágico sienten con sus trabajos la alegría que transmiten. A la salida, actores y títeres esperan a los espectadores en un último saludo y con la promesa de un pronto nuevo encuentro, seguramente con otras narraciones, otros personajes, y una nueva mirada que sea capaz de crear un mundo que navegue con viento a favor, entre la realidad y la maravilla de la imaginación como tripulante indispensable.000122997

Ficha técnica: Cuentos con sentido para niños distraídos III de Vera Montone. Elenco /Julio: Maite Velo, Federico Axelrud, Gisella Crimi, Coni Canónico, Francisco Tortorelli. Música en vivo y narraciones: Giselle Crimi. Composición musical: Gisella Crimi. Diseño y realización de escenografía, vestuario y utilería: Ariel Nesterczuk y Francisco Ramírez. Diseño de iluminación: Germán Giacalone y Francisco Ramírez. Diseño gráfico: Mariano Falcón. Fotografía: Luca Granzella. Asistencia de dirección: Gisella Crimi. Dirección: Francisco Ramírez. Andamio 90.000122998

Casi Tennessee de Edgardo Dib

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Casi Tennessee
Inspirada en el universo dramático de Tennessee Williams
de Edgardo Dib

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

image001Construir una textura dramática con el imaginario sureño del autor norteamericano es una tentación y un desafío por la calidad de la escritura de Williams y la profundidad de su temática, exaltada a partir de un realismo que llega hasta el expresionismo más descarnado. Sus piezas son de una densidad y una espesura característica que las hace singulares, por otra parte, el imaginario del poeta / dramaturgo tiene en el conocimiento de su contexto territorial y su problemática una hondura particular. Edgardo Dib en su escritura toma algunos de los tópicos caros al escritor, la vejez, la sexualidad, la enfermedad, la soledad, y el mundo de la confederación sureña como espejo para hablar de la amistad de dos mujeres atravesadas por la violencia, y el desamparo, que se refugian en el amor platónico a dos de los astros del cine de la década de los setenta, -en la emblemática película El golpe, Robert Reford y Paul Newman-, la ausencia de un amor real. Ellos son los galanes deseados cuyas personalidades están también atrapadas en los personajes de los protagonistas del filme. La figura femenina en Williams es siempre cuando menos la centralidad de un desgarro, el dramaturgo como el otro poeta del teatro Lorca, comprende y sufre una sociedad machista y toma partido por los desamparados de ese mundo: las mujeres, los distintos, los marginados del status quo. Si bien la pieza de Dib se ve atravesada por su temática, no logra alcanzar la profundidad requerida, y se queda en una superficie que necesita una cirugía más dolorosa en los cuerpos que han sufrido desde la humillación y la violencia de la palabra, hasta la crueldad del abandono y la violación. Es así que las actrices, con algunos buenos momentos, no logran tampoco desde el cuerpo transmitirnos las cicatrices que trae el recuerdo de esos hechos 000121616traumáticos. Entre el pasado, y el presente, se tejen las líneas de tiempo de lo que pudo ser y quedó trunco y enfermo, acierto sí en las dificultades de los dos personajes, la que no puede caminar con solvencia, porque su vida quedó trabada y no puede avanzar, y aquella que quiere olvidar y dormir, y se refugia en su enfermedad, para no ver ni sentir, porque la memoria es un trago de frustración amarga. Buena la escenografía, en su distribución y en el color elegido, el blanco, que carga con más de una significación en ese pueblo donde los personajes viven y sueñan, y cuyo racismo evidente tiene en la palabra negro una connotación despectiva. Las dos amigas, son representativas de la dicotomía ideológica entre el norte y el sur, aunque ambas tengan en el imaginario del cine un punto en común, aunque sus vidas sean también el encuentro de las diferencias. Un universo, el del dramaturgo norteamericano, difícil de captar por su fuerte idiosincrasia sureña, mundo afín al del narrador William Faulkner, que nos parece cercano por la literatura, y por las series que desde los sesenta nos acercaron a él.Casi TENNESSEE, foto Russarabian  (3)

Ficha técnica: Casi Tennessee de Edgardo Dib. Elenco: Mónica Buscaglia, Ana Padilla. Diseño Escenografía y Banda Sonora: Edgardo Dib. Diseño de Iluminación: Leandra Rodríguez. Diseño de Vestuario: Susana Zilbervarg, Edgardo Dib. Realización Escenografía: Mechi Barragán. Realización de Vestuario: Tralpi. Realización Gráfica: Cecilia Correnti. Fotografía: Russarabian. Prensa: Carolina Alfonso. Asistente de Dirección: Carlos Fernández. Dirección General: Edgardo Dib. Espacio El Kafka. Duración: 75’. Estreno: 21/06/2015.