Archivos Mensuales: septiembre 2015

Pizarniketas Polígrafas “hay que irse a la bosta” de Ana Granato

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Pizarniketas Polígrafas “hay que irse a la bosta”
de Ana Granato
Manifiesto poético-teatral
Y yo sola con mis voces, y tú, tanto estás del otro lado que te confundo conmigo
(A. Pizarnik)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

pizarniketasGastón Santos es uno de los jóvenes directores que llevaron acabo su proyecto artístico dentro del marco del reciente y exitoso Festival de la Bienal Arte Joven 2015 y al cierre del mismo fue premiado, entre otros, por su obra Pizarniketas Polígrafas. Si bien al inicio surgió la propuesta de realizar un homenaje a Pizarnik en el trabajo previo se fueron incorporando otras posibles lecturas como capas, signos vitales y artísticos, que de forma artesanal construyen una obra entre lo onírico y el delirio, con algo de inocencia y de oscuridad. Su tutor, Alejandro Catalán, comenta que “también la obra atraviesa las ideas de ‘genero menor’, ‘fuera de canon’, ‘lo no dicho’, ‘lo marginado’, explotando en un mundo minimalista miles de sentidos que sólo el trabajo de polígrafo puede hacer visible.” Un espacio barroco y surrealista, cargado de objetos, muñecos de plástico, algunos en mal funcionamiento, castillos y mesas que contienen reproducciones de super héroes, un batman en un pedestal casi un altar donde el ritual a su adoración cubre también la fantasía de la mujer, la que en el centro de la escena fuma antes de comenzar y se comunica por wake talk, rosa, todo muy rosa, muy ingenuo y perverso a la vez. Como el tutú de texturas diferentes que la cubre, como la capa que recuerda a una caperucita siniestra de color marrón y sin capucha, la mujer que tocará el piano y entonará canciones que como letanías unen las palabras en collares inconexos, sin ningún rigor lógico causal, buscando en la metáfora que ensaya una nueva construcción devastadora que quiebre el equilibrio de la sintaxis y la significación. Al igual que aquella, la Alejandra que convirtió al lenguaje en un amigo extraño y extrañado, para el placer de la lectura y la expurgación de los fantasmas. La Bucanera de Pernambuco o Hilda la polígrafa, con el epígrafe de Kafka extraído de Diarios: “…hasta es imposible que me haya metido en la boca un mondadientes…”

Oculta tu voluptad antes que la voz del matante miedo ritme esta presa por pendientes desfavorables. Voy a entrar en mi castillito de papel acompañada por un perro de niebla.
-Lo perro es una cosa o una esencia que cada atardecido siente a solas – respondecó. (Pizarnik, 119)

Un surrealismo travieso y juguetón que en una plaza cósmica ensaya construir un discurso otro para aclarar los viejos Foto prensa 7 Pizarniketas Ph Carolina Moreratraumas, las ausencias, la soledad, la búsqueda de una paz que aparece enredada en los pliegues de la poética: dime tu poética y te diré tu política. Lo uno y lo otro en un armado que va rompiendo convenciones hasta llegar a manifestarse en código que invita a la desobediencia. La actriz, Ana Granato, y también responsable de la dramaturgia, construye esa corporalidad artificial constantemente atravesada por los poemas y las canciones, mientras ella misma ejecuta los pequeños instrumentos. En ese espacio lúdico, que la acertada iluminación reduce y centraliza, cada pequeño juguete de colores estridentes, “Made in China”, nos oculta las coordenadas espacio-temporales del relato. Las imágenes visuales y las auditivas son como fuerzas que circulan en distintos niveles provocando una cierta saturación que está determinada por la perfecta combinación de la intensidad del discurso corporal, por un lado, y por la profusión del discurso verbal, por otro. Esto le otorga al hecho teatral un ritmo intenso desde su inicio focalizando nuestra atenta mirada. Una propuesta escénica en la que confluyen distintos registros acorde a la vertiginosa cotidianidad en la que estamos sumergidos y es una interesante lectura, especialmente, para los más jóvenes.

Ficha técnica: Pizarniketas Polígrafas “hay que irse a la bosta”. Dramaturgia y Actuación: Ana Granato. Dirección: Gastón Santos. Realización escenográfica y sonora: Diego Leroux. Vestuario: Virna Cortinovis Reina. Coreografía: Emanuel Ludueña. Asistencia de dirección: Camila Serra. Diseño de luces: Claudio del Bianco. Videos: Nicolás Perdía: Fotografía: Carolina Morera. Maquillaje: Brenda Maggiolo. Diseño gráfico: Mariana Rovito. Asistente de producción: Brenda Carlini. Producción: Pizarniketas Polígrafas. Prensa: Carolina Castro – Marisol Cambre. Teatro: El Extranjero. Duración: 60’. Estreno: 09/09/2015.

Bibliografía:
Pizarnik, Alejandra, 1990. Alejandra Pizarnik. Obras completas. Poesía y prosa. Buenos Aires: Corregidor.

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Madre Coraje cuenta en la guerra de Bernardo Sabbioni

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Madre Coraje cuenta en la guerra
Adaptación de Madre coraje y sus hijos de Bertold Brecht
Y si la guerra te deja atrás
No estarás vivo en la victoria
La guerra es sólo un negocio más
Se vende plomo y no achicoria
(Brecht, Madre coraje)

paraje artesónAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La Sala Cultura Paraje Artesón funciona desde 2010 en el barrio de Almagro, una casa de 1914 que ha sido restaurada –según el sito en la web – que permite crear el clima oscuro y cerrado de la historia. En un espacio despojado, atravesado por una luz de penumbra, que se cierne con fuerza sobre el cuerpo de la narradora, Verónica Rivas lleva adelante el relato de la textualidad dramatúrgica de Brecht, Madre Coraje (1939) [1]. La fuerza de un relato que obedece a un cuento picaresco de Grimmelshausen, durante la guerra de los treinta años, entre católicos y protestantes, a mediados del siglo XVII. La religión, el comercio y el ejército son tratados desde la parodia y el distanciamiento por el autor alemán, pero sobre todo la figura de la madre que es expuesta no como el personaje de contención que conforma el imaginario de la sociedad, sino que representa a un ser absolutamente entregado a las ganancias que la empresa comercial puede ofrecer; aún después de haber perdido al último de sus hijos. Despojada de todo, le queda su carro que es el único bien que no desea abandonar. La narradora con fluidez deja correr la historia llevando adelante cada madre cuno de los personajes que intervienen en la misma, sin dejar nunca de ser la madre coraje que defiende sus intereses por sobre todas las cosas, y las personas. En escena un símil carro, dos listones de madera con un pequeño asiento, cargado de pequeñas bolsas y una tela que semi lo cubre, es la pieza más defendida por el personaje, que ve en ese objeto móvil, el único medio de sobrevivencia y su ideal de progreso, acumular dinero, como única finalidad. Poniendo en acto el deseo brechtiano de un actor que entre y salga de su rol cuando el relato lo requiera, Verónica Rivas de personaje que narra las acciones, a quien las protagoniza atraviesa el texto sin fisuras, y con una muy buena síntesis de las situaciones nos hace vivir los acontecimientos, desde una mirada objetiva que en ningún momento deja sentir su emoción. Porque de eso se trata, de no trabajar con la subjetividad de los personajes, de no conmoverse sino de reflexionar ante sus contradicciones sociales, ante la forma en que encaran su rol dentro de los designios que la vida les propone.

Ficha técnica: Madre Coraje cuenta en la guerra, Adaptación de Madre Coraje y sus hijos de Bertolt Brecht por Bernardo Sabbioni. Actúa: Verónica Rivas. Diseño de iluminación: Bernardo Sabbioni. Fotografía: Patricia Walsh. Diseño gráfico: dosRíos – diseño & comunicación. Supervisión artística: Ana María Bovo. Dirección: Bernardo Sabbioni. Sala Cultura Paraje Artesón. Duración…Estreno:…

[1] Durante el exilio escribe en cinco semanas en la isla de Lindingo en Suecia en 1939, previo a su escape a Finlandia y Estados Unidos vía Rusia. Estrenada en Zurich en 1941, luego bajo la revisión de Brecht se repuso en 1949 por el Berliner Ensamble.

La ficción nacional de TV busca aire

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Se realizó una reunión organizada por DOAT (Sociedad Argentina de Directores de Obras Audiovisuales) para sentar bases, fomentar y promocionar la producción industrial de televisión nacional, que consolide, desde la cultura, un modelo de producción sustentable, con continuidad laboral.
El objetivo es generar ficción nacional en la TV.
Estuvieron presente Miguel Angel Diani por Argentores, Alejandra Darín por la Asociación Argentina de Actores, también las entidades DAC, SAGAI y SATSAID. Por DOAT estuvieron Diana Alvarez, Rodolfo Hoppe, Daniel Alvaredo, Oscar Maresca, Victor Mario Stella, Jorge Montero y muchos mas. Todos en la foto.

FOTO 3 principalGentileza Prensamonserrat, Alfredo Monserrat <alfredomonserrat@hotmail.com> [28/09/2015]

Munus de Sol Pavéz

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Munus
de Sol Pavéz

Azucena Ester Joffe, Leticia V. Coseani

munus flyerYa desde el titulo, Munus, la obra nos plantea una temática aleatoria alejada de cualquier tesis realista, el término latino [1] implicaba “un regalo que obliga al intercambio” . La Sala Osvaldo Pugliese por sus límites edilicios es el marco especial para la historia que se desarrolla en las vísperas de Año Nuevo. En una casa apartada y a un costado de la ruta, las dos hermanas, Carmiña (Sol Pávez) y Simona (Nadia García), también aisladas en el espacio y en el tiempo, habitan un universo particular en el cual han construido una realidad subjetiva y sugestiva. En un clima lúdico y ambiguo que poco tiene que ver con la realidad circundante, para ellas los detalles no son algo complementario o adyacente sino que definen, crean, su particular mundo. Es así como un simple sombrero puede hacer la diferencia entre la vida y la muerte, o que los ornamentos distribuidos en una habitación, la música y el baile definan una fiesta. Cuando el forastero (Lucas Merayo) irrumpe en la morada, él que proviene de otro lugar trae consigo distintas vivencias y una realidad diferente, poniendo en juego elementos que amenazan con romper el precario equilibrio entre las hermanas. Mientras ellas, un poco delirantes, esperan que algo distinto suceda pues tienen “un extraño deber”, en tanto escuchan canciones en su tocadiscos, bailan y colocan los pequeños arbolitos y las guirnaldas navideñas, ajenas a cualquier intento de objetividad. El triángulo que se produce con John, quien intenta volver a su rutina, modifica la cotidianidad de las mujeres y se genera una relación más orgánica que mística. Las muy buenas actuaciones crean el clima perfecto entre el humor constante y lo absurdo de la situación dramática. La acertada escenografía y el adecuado vestuario nos anclan en un tiempo preciso y en un espacio dramático cerrado, es la puesta en escena de un “simulacro” correcto que busca y logra en el público cierta identificación irónica.buena

Ficha Técnica: Munus de Sol Pavéz. Actúan: Lucas Merayo, Nadia García, Sol Pavéz. Diseño de Luces y Foto: Lucas Balestrino. Diseño de Escenografía: Lucas Balestrino / Sol Pavéz. Vestuario: Malda Ivoux de Paula Vazquez. Música Original: Santiago Pafundi. Valcesito En Mí: Sol Pavéz. Diseño Gráfico: Estudio Cumbre. Asistencia de Dirección: Florencia Morelli. Asistencia de Producción: Bárbara Caggiano. Producción Ejecutiva: Tony Chavez, Florencia Morelli. Dirección: Sol Pavéz. C. C. Cooperación: Sala Osvaldo Pugliese. Duración: 60’. Estreno:…

[1] https://es.wikipedia.org/wiki/Munus [23/09/2015]

Un Hombre sin Suerte de Samanta Schweblin

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Un Hombre sin Suerte
de Samanta Schweblin y adaptación de Osmar Nuñez

un hombAzucena Ester Joffe, Leticia V. Coseani

Osmar Nuñez ya tiene una amplia trayectoria en el quehacer teatral, y en esta oportunidad su adaptación teatral del cuento homónimo de Samanta Schweblin, da cuenta de su profesionalismo y de su especial sensibilidad. Este breve cuento forma parte de la reciente publicación de Siete casas vacías, y fue el ganador del Premio Internacional del Cuento Juan Rulfo 2012. Dicha historia comienza con un inquietante párrafo: “El día que cumplí ocho años, mi hermana –que no soportaba que dejaran de mirarla un solo segundo- , se tomó de un saque una taza entera de lavandina. Abi tenía tres años…”, planteada esta situación, desafía nuestra curiosidad por conocer algo más de estos recuerdos infantiles. La obra nos propone adentrarnos más allá de la anécdota traumática del comienzo ante la pregunta de cómo sería la vida adulta de quien ha pasado por una mala experiencia a tan temprana edad. Así nos introduce en el mundo de una mujer que, no obstante el paso de los años, ha quedado emocionalmente detenida en aquélla vivencia que, sin embargo, la ha transformado para siempre. Entonces ¿cómo poder cambiar de soporte a esta temática íntima y doliente, de una narrativa breve y difícil de abordar a la puesta en escena? El centro del drama se mantiene y el discurso verbal de la protagonista, en sus dobleces, da cuenta que nada humillante le ha sucedido de pequeña y que el episodio posterior fue el resultado de la confusa mirada de los adultos. Salvo la actitud egoísta de su hermana pequeña en el intento de ser siempre el centro de hombreatención de sus padres mientras que éstos desesperados suponían que ella, por ser la mayor, sabría comprender el descontrol. El hombre sin suerte y sin nombre es algún ser especial que, por el azar o por el destino, presenció lo ocurrido y tan sólo quiso darle un pequeño regalo por su cumpleaños y tratar de aliviar la difícil situación de la indefensa niña que le había contado que ella no tiene puesta su blanca bombacha. Cuando, en realidad, el abuso es domestico y realizado por el entorno familiar. En el espacio escénico, en la parte superior de una casona con vestigios de un antiguo esplendor, una mujer en el día de su cumpleaños espera con la mesa dispuesta a su hermana menor. Una espera que amenaza con prolongarse mientras desde la calle, los hijos ajenos, molestan y se divierten con el viejo automóvil de su padre estacionado en la puerta, mientras ella se sumerge en una pasividad resignada, en una cotidiana soledad que ya no duele. Las líneas rectas y delgadas de la acertada escenografía construyen un hábitat cerrado por los límites físicos y psiquicos, que sugiere más una gran jaula que una confortable vivienda. Desde donde la protagonista utilizando sus prismáticos puede observar lo que sucede en el afuera algo violento. También la iluminación contribuye a crear ese clima íntimo y confesional en el cual la un hombremujer pone su cuerpo pero, a su vez, es la niña quien lleva adelante el relato atravesado por los celos de su hermana y su temor al no ser correspondida emocionalmente por sus progenitores. Incluso desde el vestuario, en colores pastel, y sus accesorios está subrayada esta ambigüedad de un ser que a pesar de ser adulta ha quedado anclada en sus 8 añitos. Con ductilidad María Nydia Ursi-Ducó le da textura a esta corporalidad femenina difícil de asir, atravesada por la inocencia y la sensibilidad de los niños pero también por la soledad y el no poder comprender el desamor familiar. En la actriz con sus pausados gestos, los matices de sus tonos y las miradas cómplices, se hace carne la historia y nos sensibiliza ante la niña que no olvida y la mujer que sólo espera. Una puesta en escena con elementos expresionistas pues es la subjetividad de la protagonista la que marca el ritmo interno del relato. Quizá si los primeros momentos fueran algo más breves, el hecho escénico ganaría al materializar la intensidad e interioridad propia del personaje en las primeras escenas. Una temática compleja que se plantea desde el texto primero y un texto teatral que va más allá, pues no sólo mantiene el núcleo duro de la historia sino que, además, en esta adaptación, Nuñez nos ubica en la fragilidad constitutiva de una mujer que espera en vano poder festejar su cumpleaños. Un estado subjetivo en un tiempo cíclico y siniestro donde el saber sólo está en manos del azar con algún posible encuentro o del destino que la atormenta desde la tierna edad.sin suerte

Ficha técnica: Un Hombre sin Suerte de Samanta Schweblin . Adaptación teatral de Osmar Nuñez. Actuación: María Nydia Ursi-Ducó. Dirección: Osmar Nuñez. Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo. Diseño de luces: Cristina Lahet. Voz, Producción sonora y musical: Julieta Milea. Músicos: Marcelo Andino -Jorge Blues Guerrero. Fotografía: Andrés Eraso. Diseño gráfico: Gustavo Reverdito. Prensa: Carolina Alfonso. Realización de escenografía: Los Escuderos. Realización de vestuario: César Taibo. Realización de pastelería: Ana Nuñez. Producción ejecutiva: Mónica Benavides. Asistencia de dirección: Paloma Santos. Espacio Teatral El Kafka. Duración: 55’. Estreno: 12/09/2015.

1] Según gacetilla de Prensa: Nació en Buenos Aires, 1978. Es egresada de la carrera de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires. Su libro de cuentos El núcleo del disturbio (2002) ganó el primer premio del Fondo Nacional de las Artes, y su cuento Hacia la alegre civilización de la capital, el primer premio en el Concurso Nacional Haroldo Conti. Participó en las antologías publicadas por la Editorial Siruela, Cuentos argentinos (España, 2004); la Editorial Norma, La joven guardia (Argentina, 2005) y Una terraza propia (Argentina, 2006); y varias antologías de centros culturales como el General San Martín y el Ricardo Rojas. Su segundo libro de cuentos, Pájaros en la boca (2009), obtuvo el Premio Casa de las Américas 2008 y traducido a trece idiomas. En 2010 publicó La pesada valija de Benavides en la editorial uruguaya La Propia Cartonera y fue elegida por la prestigiosa revista británica Granta como una de los “veintidós mejores narradores en español menores de 35 años”. Muchos de sus cuentos han sido traducidos al alemán, al inglés, al holandés, al húngaro, al italiano, al francés, al portugués, al sueco y al servio, para su publicación en numerosas antologías, revistas y medios culturales. En el año 2012 ganó el Premio Juan Rulfo por el cuento Un hombre sin suerte, en el que narra un encuentro entre una niña y un desconocido. Becada por distintas instituciones, vivió temporalmente en México, Italia, China  y Alemania (Berlín), donde reside desde hace dos años. En 2014 obtuvo el Premio Konex,  Diploma al Mérito por su trayectoria como cuentista durante el período 2009-2013. En 2015 ganó el IV Premio Internacional de Narrativa Breve Ribera del Duero con su libro Siete casas vacías.

Intervención Florencio Sánchez. Cincuenta artistas, un autor

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Intervención Florencio Sánchez
Cincuenta artistas, un autor
Un interesante trabajo con el imaginario dramático de un autor fundamental para nuestra manera de ver el teatro

10922491_868722006526141_1328072177921003815_nAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Una noche cálida, aunque sin estrellas, nos permitió disfrutar de tres trabajos teatrales diferentes pero de excelencia en el espacio Querida Elena [1]. La vieja casona, de casi 100 años de historia en el barrio de La Boca, es el punto de encuentro perfecto y un tanto onírico entre praxis y actividad artística, pues no solo está dedicado al teatro experimental sino que sabe utilizar sus límites edilicios en constante armonía con el hecho escénico. Pues es un espacio que ofrece sus salas y sus jardines para disfrutar de la presencia siempre viva de los personajes, y que en esta ocasión nos ofrece aquellos que construyó la imaginación del escritor Florencio Sánchez, incluida su propia persona. Él, en un mundo entre el fin del siglo XIX y los comienzos de los convulsionados años del siglo XX, en Buenos Aires, se movió entre los principios del anarquismo, al que nunca abandonó querida elenadel todo, y los pliegues de los cantos de sirena de una élite que lo veía como el autor que podía desarrollar una poética realista naturalista a la manera de los dramaturgos europeos. Una élite cultural que miraba con buenos ojos la desmoreización que su escritura proponía, que lo alentó a pesar de sus furiosos críticas a una sociedad a las que ellos mismos contribuían, conformando una realidad no siempre justa, no siempre angelada. Sánchez persona, Florencio personaje desfila ante la mirada atenta de un espectador que no quiere perderse palabra ni gesto de los actores y a los que sigue en su recorrido por los lugares que estos van habilitando para el relato con su presencia. Entre el público se pasean, llevando al extremo la famosa cuarta pared, y haciéndonos sentir que los fantasmas somos nosotros y no las voces que toman cuerpo a partir de las palabras. Desde el lugar que se nos ofrece en la intervención, ellos, los personajes, se nos ocurren más reales, más vivos que nosotros mismos. En tres días consecutivos: lunes, martes y miércoles; la entrega nos ofrece una introducción a su vida y a su complejo y a la vez claro pensamiento, para luego dar paso a las secuencias elegidas de dos de sus obras por día. El primero: En Familia (1905) y El pasado (1906); el martes: 3Puertas adentro (1909) y Los derechos de la salud (1906); y el miércoles: La gente honesta (1902) y Nuestros hijos (1906). Este medio pudo asistir el martes, y pudimos acercarnos al universo Sánchez, desde su voz multiplicada en otras, con un exacto acompañamiento musical, que además de crear climas producía los sonidos necesarios para la expansión del sentido; para luego disfrutar del diálogo de las criadas de Puertas adentro, y conmovernos con el dolor físico y moral de los personajes de Los derechos de la salud. La recreación comienza desde el vestuario, que respeta la época y nos ubica en un pasado que era el presente inmediato para los seres que habitan sus obras, a quienes quería grabar con sus palabras, y discutir desde el discurso, un orden que debía ser al menos pensado desde otra perspectiva. La inmoralidad de clase aparece en la picardía de los dos personajes de Puertas adentro, con la dirección de Mónica Benavidez, que contraponen 1su libertad y honestidad ante los sentimientos y el amor, a la hipocresía de sus patrones, que por guardar las apariencias viven en la clandestinidad lo que sienten. Mientras que la performance Desbarrancos, dramaturgia y dirección Silvia Goldstein, nos sumerge en el mundo intimo del autor, pues a través del registro visual y auditivo -sus cartas y fotos- realizamos una travesía cargada de sentimientos como acompañando sus sueños, sus fantasmas y miedos, también nos embarcamos con su alma en ese barco que lo alejó para siempre de las dos orillas del Río de La Plata. El tema de Los derechos de la salud tiene una doble lectura, la propia enfermedad del autor, llevada al teatro para problematizar una encrucijada entre unos y otros, sanos y enfermos y la responsabilidad ante el amor. La versión de Alfredo Martín, cierra el 4punto de vista sobre la problemática ética, que lleva a los personajes a una encrucijada donde la muerte es a la vez un castigo y una salvación. Cada actor / actriz de los tres elencos con solvencia construye a su criatura de manera acabada; una tarea nada fácil si se tiene en cuenta los continuos desplazamientos y la cercanía con el público ávido de seguir cada escena y de no perder ningún detalle. Otro acierto es el ritmo sostenido del espectáculo en su totalidad, todo es un continuum y no hay ruptura y/o corte entre las tres breves obras, todo fluye con naturalidad en un devenir creativo y cada espectador queda suspendido entre la escritura escénica y lo real de la experiencia, a pesar de haber perdido su cómodo sitio en la oscuridad de la platea. Una experiencia distinta, que problematiza los lugares convencionales entre el público y los actores, que les permite a unos sentirse dentro de la escena, y a los otros les exige un grado de concentración superior para expandirse en el ojo que los mira sin involucrarse en esa mirada. Los responsables de Querida Elena ha puesto en escena un evento teatral que excede cualquier categorización previa y solo nos resta decir que quedamos a la espera de la tercer propuesta del Ciclo de Intervenciones.

florencio sanchezFicha técnica: Desbarrancos / Performance,Concepto y dramaturgia: Silvia Goldstein. Basada en: “Cartas de un flojo” y otras cartas de Florencio Sánchez. Actúan: Julia Azar, Nélida Barber, Alberto Carmona, Nara Carreira, Lucía Castro. Cantantes: Nara Carreira, Adriana Karababikian, Myriam López Palacios. Músicos (flauta traversa): Adriana Karababikian. Voz en Off: Silvia Baylé, Marcelo Bucossi, Osmar Nuñez. Video: Silvia Goldstein, Sergio Klanfer. Asistencia artística: Tamara Victoria Varela. Asistencia de dirección: Marina Fredes. Dirección musical: Sergio Klanfer. Dirección Silvia Goldstein.

Puertas adentro de Florencio Sánchez. Actúan: María Viau, Sandra Villani. Dirección: Mónica Benavidez.

Los derechos de la salud de Florencio Sánchez. Actúan: Marcelo Bucossi, Mercedes Fraile, Daniel Goglino, Élida Schinocca, Lorena Székely. Violinista: Cecilia Sanjurjo. Vestuario: Mercedes Piñero. Asistente de Dirección: Dana Olivieri. Versión y Dirección: Alfredo Martín.

Equipo de Querida Elena en Realización Integral: Dirección de Arte: Eduardo Spindola. Dirección Técnica: Rodrigo Mujico. Vestuario: Paula Molina. Asesoramiento: María Mensi. Producción Ejecutiva: Paola Gómez. Coordinación de Producción: Claudia Díaz. Producción General: Querida Elena. Idea y Dirección General: Mónica Benavides.

[1] El Ciclo de Intervenciones sobre grandes dramaturgos comenzó en el mes de mayo del presente año y estuvo dedicado al autor sueco August Strindberg con el auspicio de la Embajada de Suecia en Buenos Aires. En esta oportunidad cuenta con el Auspicio de la Embajada de Uruguay en Argentina al estar dedicado a Florencio Sánchez

3º Encuentro Latinoamericano de Teatro Independiente (ELTI)

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unnamedDel 15 al 18 de octubre se desarrollará la tercera edición del ELTI: Encuentro Latinoamericano de Teatro Independiente. Organizado por el Grupo teatral UmaMinga de Buenos Aires en co-producción con el Centro Cultural Kirchner, se desarrollarán diversas propuestas artísticas  con la participación de artistas provenientes de: Cuba, México, Uruguay, Ecuador, Puerto Rico, Chile, Nicaragua, Bolivia y Perú. Las actividades serán en tres sedes centrales: Teatro Andamio ´90, La carpintería Teatro y Teatro Timbre 4.

 El ELTI tiene como antecedente dos ediciones: Septiembre 2012 y Septiembre 2013 en las que participaron artistas provenientes de Chile, Brasil, Perú y Colombia. En esta oportunidad el encuentro albergará a más países y habrá más actividades duplicando su apuesta de gestación de un espacio de convivencia con el fin de fusionar la región latinoamericana a través del arte.

Durante cuatro días se realizarán, en tres sedes, las siguientes actividades: Obras, Performances, Talleres, Cine Documental, Intervenciones Urbanas, Música, Muestras Fotográficas, Libro Liberado, Campeonato de Creación. Cabe destacar, que al finalizar cada actividad habrá una instancia de charla-debate con los grupos participantes y el público presente moderada por la crítica e investigadora teatral: Vivian Martínez Tabares de Cuba.

Además de las cuatro jornadas de actividades artísticas, del martes 13 al viernes 16 de octubre se realizará el Combinado de Creación Escénica: C.O.L.A.C.E a cargo del creador y director teatral: Diego Aramburo de Bolivia. De 10 a 14Hs. Sede: La Carpintería Teatro.  También, estará abierta la Muestra Fotográfica: El arte como espacio de resistencia, del jueves 15 al domingo 18 en el bar Proscenio, en TIMBRe4, ambas actividades gratuitas.

Del 15 al 18 de octubre

La Carpintería Teatro: Jean Jaures 858 – Abasto

Teatro TIMBRe4: México 3554 – Boedo

Teatro Andamio ´90: Paraná 660 – Monserrat

Más información: www.elti.com.ar | Facebook: Elti | Twitter: eltibsas

Todas las actividades requieren de reserva o inscripción previa a partir del 1 de octubre

Entradas: elti.com.ar | Inscripciones: talleres@elti.com.ar | Contacto: info@elti.com.ar

Nostalgia de una ciencia ficción futura de Sofía Medici y Laura Kalauz

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Nostalgia de una ciencia ficción futura
de Sofía Medici y Laura Kalauz
Investigación performática

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

unnamedLa caída de las verdades únicas en nuestro mundo posmoderno nos permite la posibilidad de descreer de ciertos relatos considerados objetivos, pero que sin embargo, no dejaron de conformar un relato, una versión, una ficción de percepción relativa, cuyo centro fue Europa. La perfomance de Sofía Medici y Laura Kalauz, conlleva un sentido, demostrar de forma cuasi científica como los discursos de la ciencia sobre los Onas o Selk’nam, son tan sólo relatos, que van armándose de acuerdo a la mirada eurocéntrica de quienes se proponen como la voz autorizada, los testigos presénciales de la vida y costumbres de sus integrantes, y los únicos indicados para establecer la traducción necesaria y exacta de aquello que los habitantes de aquella zona austral dicen en un diálogo donde las lenguas se cruzan y se contaminan. Traductor, traidor, podríamos afirmar sin miedo a equivocarnos luego del recorrido que hacemos a través de las habitaciones de la vieja casona devenida en mapa de iniciación para aquellos que asistimos como espectadores a ¿una representación teatral? Difícil de decir, porque en realidad somos nuevamente testigos de un discurso otro, cuya finalidad es la deconstrucción de los anteriores que mantuvieron un centro, una hegemonía que tuvo como finalidad la desaparición de los hombres y mujeres de La tierra del Fuego. De recolectores y cazadores, a piezas de museo, a ser exhibidos como trofeos en las Ferias de 2 unnamedParís, los habitantes de la península, fueron diezmados e invisibilizados, por una cultura que se apropio incluso de su lengua, para quedarse lisa y llanamente con su territorio. La figura del otro, del diferente para constituir una subjetividad que este caso se erige como central, es un acontecimiento que se reitera en la historia de la humanidad hasta nuestros días. Los protagonistas pueden ser otros, pero de todas maneras, hasta burdamente, los procedimientos siguen siendo en algún punto los mismos, aggionardos con las nuevas tecnologías, con las nuevas herramientas que la comunicación nos provee, pero guardando el mismo significado, masacrar al que consideramos diferente con el firme propósito de quedarnos con aquello que les pertenece. De ahí deriva la importancia del proceso que la perfomance ejerce, no sólo para dar cuenta de nuestra historia ficcionalizada por la voz que ejerció el poder, en cuanto a describir a los representantes de la tierra a conquistar y colonizar, sino porque nos pone en acto la singularidad de ver como se siguen produciendo los mismos hechos ante nuestra mirada acostumbrada, adocenada, eurocéntrica, aunque las víctimas sean sirios, afganos, o libios. Primero la demonización, los Onas eran caníbales, para luego pasar a la necesidad de convertirlos en nosotros y si no eliminarlos por peligrosos. En un recorrido que asemeja a las salas de los museos, donde alguien sirve de guía y nos ofrece algún elemento que ilustra sus palabras, desarrollando una medici 2argumentación a la que estamos acostumbrados, vemos como la sonrisa que produce los equívocos del lenguaje, se van perdiendo para acercarnos con ese otro relato no oficial, a una realidad que nos duele, por inevitable pero también por reiterada. En paralelo nuestro recorrido por la casona, terraza incluida, es el mismo que llevaron adelante los Selk’nam en su periplo de cautiverio. Una propuesta muy interesante que fusiona de manera acabada el arte y la praxis; en un recorrido preestablecido y con el itinerario en mano vamos cruzando en grupo de 12 personas las distintas pequeñas “salas” con los elementos necesarios, cruzando puertas y años de historia. Un canevá profuso, sólido, y sobre todo polifónico a partir de la ardua investigación con fragmentos, comentarios y dichos de la historia oficial y, también, de los sobrevivientes al flagelo de la colonización y evangelización. Además de algunas otras voces que estuvieron en ese preciso lugar y tiempo por otras razones personales. Nostalgia… [1] está planteada como un hecho escénico que excede a cualquier categoría, porque es sobre todo un hecho social e histórico, indispensable para construir nuestra memoria e identidad nacional. Y, BonusTrack [2] es la visita obligada para los más jóvenes pues es una forma de escuchar esas voces que fueron acalladas de forma violenta e irracional. Solo nos resta decir: Gracias a sus mentoras por compartir el registro visual y auditivo, fuentes indispensable para un trabajo comprometido con la historia de los Onas, básicamente oral, y que se ha invisibilizado por los intereses personales de algunos pocos y por los responsables del poder de turno.

Ficha técnica: Nostalgia de una ciencia ficción futura, Idea y dirección: Laura Kalauz y Sofía Medici. Performers: Liza Casullo, Carla Crespo, Laura Garbus, Nahuel Ibarra, Laura Kalauz, Sofía Medici, Demián Rochwerger, Jair Jesús Toledo, Valeria Tollo. Asesoría dramatúrgica: Mariana Obersztern. Diseño Sonoro: Rafael Salgado. Asistencia técnica: Candelaria Gauffin, Matías Ygielka. Asistencia y producción general: Lucila Piffer, Luz Algranti. Prensa: Malena Schnitzer. Producción: Ninja & Nada Especial Tanz. Co – producción: DeSingel (BE). Espacio: BonusTrack. Duración:…Estreno: 24/09/2015.

[1] Según gacetilla de Prensa: NOSTALGIA DE UNA CIENCIA FICCIÓN FUTURA fue concebida como obra de teatro performático y estrenada en diciembre de 2014 en DeSingel (Amberes, Bélgica) en el festival ACT. https://vimeo.com/107746865. Parte de su investigación formó participó de la exposición colectiva “Voces indígenas” en el Pabellón Italo-Latinoamericano de la Bienal de Venecia 2015, en cuya apertura Kalauz y Medici realizaron la performance “Reported Speech”. En este nuevo género de performance instalativa, el modo en que la información llega al público se transforma radicalmente al estar dividida en distintos espacios y dispositivos, haciendo que el espectador pueda elegir el tiempo y la atención que dedica a cada escena y construir así un sentido final.

[2] Idem: BonusTrack abre sus puertas para que cada rincón de este precioso caserón sea habitado con voces y movimientos, con interrogantes, inquietudes y rupturas, con experimentaciones y conversaciones. Abre sus puertas para arriesgarse con aquellos proyectos que no fueron transitados, como también para cobijar proyectos en germinación. BonusTrack es un modo de darle lugar a lo inesperado, descubrir en los pliegues de lo recorrido matices nuevos y mostrar otras aristas creativas de músicos, directores, actores, coreógrafos, bailarines, escritores. BonusTrack. Un espacio donde lo no obvio tiene lugar y puede suceder

Leonardo de Fabio Rosestein

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Leonardo
de Fabio Rosestein
Versión libre de Claudio Salama

leonardo 1Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

En el recientemente inaugurado Teatro Columbia, con una programación compuesta por seis obras de jueves a domingo, el actor y director Claudio Salama presenta su mirada sobre la pieza de Fabio Rosestein, Leonardo. Esta es la primera pieza que Salama [1] pone en escena. Una historia que guarda un secreto, y que ante la revelación del mismo todo el universo del sujeto político irá modificándose a pesar suyo y casi sin darse cuenta. La historia tiene en el teatro argentino más de una versión, sobre todo en las comedias blancas que escribía Abel Santa Cruz; ésta hace la diferencia con el ingrediente de la política, y con la semejanza que se puede encontrar con historias cercanas de los protagonistas en la misma. La construcción de los personajes desde un realismo costumbrista logra la verosimilitud en LEONARDO - CHICAescena, y las acciones bien desarrolladas por los actores logran conmover y extraer del espectador más de una sonrisa cómplice. Personajes delineados que apelan al imaginario social y ponen en boca de aquél que lo ve todo desde su mirada, mezcla de responsabilidad y cariño, el deber de advertir los peligros de un egoísmo cuya finalidad es “ser” reconocido y cuya consecuencia es la soledad. Una escena que tiene una escenografía sin mayores relieves, salvo las dos fotografías del personaje, símbolo sencillo del egocentrismo que lo caracteriza. Situaciones que se van uniendo sin 000126641dificultad, y que al final muestran una vuelta de tuerca que hace que los personajes vayan modificando su perfil hacia otra manera de percibir la realidad. Las buenas actuaciones crean el clima privado del triangulo familiar: Mía – la niña que llega de San Juan, su padre – que ignoraba la paternidad – y el empleado doméstico – que funciona como intermediario entre ambos. En el espacio privado se filtra los aciertos y reveses del espacio público pero la propuesta remarca que lo más importante es contar con el reconocimiento de nuestro entorno familiar, de nuestros afectos, pues es lo que nos permite poder seguir en nuestra vorágine cotidiana. Una puesta familiar, que guarda la impronta en la defensa de los sentimientos por sobre la ambición desmedida de poder.

Ficha técnica: Leonardo de Fabio Rosestein, versión libre de Claudio Salama. Elenco: Romina Lepore, Sebastián Succa, Laura Paz, Claudio Salama. Escenografía y Vestuario: Paula Molina. Diseño Grafico: Leonardo Hofman. Prensa: AGW Prensa+Difusión. Producción General: Claudio Salama. Asistencia de dirección: Tomas Salama. Dirección: Claudio Salama. Columbia Teatro. Duración:…Estreno: 08/09/2015.

[1] Según gacetilla de Prensa: Reconocido hacedor de teatro, Claudio Salama es también quien se encuentra a cargo del Teatro La Mueca. Se formó como actor con Edgardo Cané (5 años) y Agustín Alezzo (12 años). En el Estudio de Alezzo presentó obras como: Algo en común, Made in Lanus, La fiaca, Traición, El beso de la mujer araña, Montaplatos, La luna en la taza, El acompañamiento, El enfermo imaginario, La muerte de un viajante. En otras salas participó en: Roberto Zucco, Tute Cabrero, la sartén por el mango, El jardín de los cerezos, La mueca, Argentinos S.A, Pirandello dos Miradas, El Alivio, El viejo Criado. También le dio vida a personajes en programas de televisión como: “Sos mi vida”, “Amas de casa desesperadas” en Colombia y Ecuador, “Son de Fierro”, “La Lola”, “Esa Mujer”, entre otros. Hoy, sintiendo la necesidad existente de nuevos espacios en los que los elencos puedan mostrar su arte […] invierte en la apertura de esta nueva sala y apuesta a ofrecer una interesante cartelera con variedad de géneros y títulos. En palabras del propio CLAUDIO SALAMA: “Estoy muy feliz. También con muchas expectativas, pero en cuanto la noticia sobre la apertura de esta sala comenzó a correr, el teléfono comenzó a sonar y ya estamos armando una programación muy interesante. Estoy feliz, feliz y sé que esta importante apuesta va a tener sus frutos, no sólo para mí sino para quienes amamos el teatro, tanto hacerlo como verlo. Los espero a todos!!”