Archivos Mensuales: diciembre 2015

Antes de la lluvia de Rodrigo Portella

Estándar

Antes de la lluvia de Rodrigo Portella

… el olor de las almendras amargas le recordaba siempre el destino de los amores contrariados (Gabriel García Márquez)

timthumb.phpAzucena Ester Joffe

El Instituto de las Artes Escénicas, CELCIT, realizó el cierre de su temporada 2015 -40º aniversario al servicio del intercambio entre teatristas de América Latina, España y Portugal, y en la difusión de sus obras y/o de sus investigaciones- con la presentación de Antes de la lluvia del Grupo Cortejo[1] (Brasil). Una pieza que más allá de la diferencia idiomática nos conmueve y atrapa nuestra atención durante el tiempo real de la misma. Ya al ingresar, Bruna Portella y Luan Vieira nos reciben con la sonrisa cómplice y la mirada franca, directa, lo cual nos permite entregarnos a un relato que para nosotros se encuentra timthumb3.phpbásicamente apoyado en la gestualidad corporal. Pues el discurso verbal no constituye el elemento primordial, aunque muchas palabras nos resultan conocidas, lo ponemos en segundo plano y nos focalizamos en lo visual. Un historia simple e íntima que “gira en torno al amor inocente y persistente de un joven por una mujer mayor. Habitan un aldea ribereña cada vez más desierta y decadente; un lugar que, en el pasado, habría sido el blanco de los explotadores extranjeros“[2]. Una historia de amor joven, impulsivo y provocativo, que se desarrolla gracias a la ductilidad de los protagonistas, que van creando el clima según lo requiera la escena – de comedia o de drama – y los vaivenes entre la tensión, el humor y la ternura. En el espacio timthumb2.phpdespojado sólo se observa un libro, el vestuario en consonacia y con la precisa iluminación -por momentos rasante o central y por otros nos incluye- los límites se contaminan entre los recuerdos y el presente. Una «realidad» que produce una grieta en cada personaje y, por lo tanto, en la relación amorosa. Con claras diferencias en la actuación orgánica, vital, de ambos: en el joven es mesurada, tímida y casi adolescente mientras que en la mujer es desmedida, sus movimientos son coreográficos y con «máscaras» que construye a partir de su rostro. Esta última criatura pertenece más al mundo del realismo mágico que a ese lugar costero donde pareciera que nada ocurre. Bruna y Luan también con los diferentes matices de voz, a partir de su sólido desempeño, con algo de apolinio y de dionisíaco según el personaje, construyen la atmósfera poética del intenso relato que supera el color local y el idioma. Una ficción donde el entorno, el calor y la lluvia, irrumpen en el espacio privado, en la frágil relación amorosa y en los sueños de cada uno. ¡Una historia de amor [3] que merece ser contada!

12345536_924185837630550_2575515480500139786_n

Ficha técnica: Antes de la lluvia de Rodrigo Portella. Con Bruna Portella y Luna Viera. Vestuario: Bruno Perlatto. Música original: Felipe Chernicharo. Otras músicas: Gustavo Santaollalla. Iluminación: Rodrigo Portella. Preparación vocal: Jane Celeste Guberfain. Producción ejecutiva: Larissa Gonçalves. Dirección: Rodrigo Portella y Leo Marvet. Grupo Cortejo (Brasil). Duración: 60′.

[1] Fundada en 2010 por profesionales del teatro interesados en el desarrollo de sus actividades y la investigación fuera del eje de las grandes ciudades brasileñas. La mayor parte de sus integrantes proviene de la pequeña ciudad de Tres Ríos, en Río de Janeiro, donde la compañía tiene su sede administrativa y creativa. El grupo tiene ahora en su repertorio dos obras, ambas nominadas al Premio Shell 2014 y es responsable de la producción y el comisariado del Festival OFF RIO de Teatro. 
El profundización en sus propias raíces, que marca el trabajo de la compañía, la atención se centra en la investigación de los límites entre la épica y el drama en la creación teatral en colaboración. http://www.celcit.org.ar/espectaculos/125/antes-de-la-lluvia/ [08/12/2015]

[2] Idem.

[3] Basada libremente en el libro “El amor en los tiempos del cólera” de Gabriel García Márquez

Anuncios

A Ciegas Gourmet de Martín Bondone

Estándar

A Ciegas Gourmet
de Martín Bondone
Espectáculo musical gourmet para los sentidos: «lo que vemos cuando no vemos”

Azucena Ester Joffe

Es de suma importancia la función social que lleva a cabo el Centro Argentino de Teatro Ciego desde el 2008. La Institución fue creada por Martín Bondone y Gerardo Bentatti, « es el único teatro en el mundo donde todos los espectáculos son desarrollados en total oscuridad. Un espacio cultural inclusivo donde los sentidos son los protagonistas» [1]. El Centro aglutina a varias cooperativas de trabajo independiente que utilizan la técnica de teatro en la oscuridad. La propuesta de la Escuela está dirigidas a aquellas personas con discapacidad visual (jóvenes y adultos con baja visión o ceguera) en capacitación actoral, en clases de tango y en curso de creación coral. Estos talleres permiten que sus integrantes puedan participar en las obras en cartel, como también en los eventos y/o giras que se realicen. En este momento son nueve los espectáculos [2] que se presentan en distintos días de la semana – comedia, comic teatral, de magia, infantil, thriller, bandas en vivo, …
Haciendo un recorrido retrospectivo podemos decir que el «teatro ciego» tuvo su origen en 1991, en Córdoba cuando Ricardo Sued decide realizar una obra en la oscuridad, aparentemente inspirado en la técnica de meditación «zen». Posteriormente, en 1994, en Buenos Aires Gerardo Bentatti participa como actor en Caramelo de limón dirigida por Sued, y en 2001 convoca a José Menchaca formando el grupo Ojcuro:

A diferencia del elenco de «Caramelo de Limón», este nuevo elenco es conformado en su mayoría por actores ciegos (miembros del grupo de teatro leído de la Biblioteca Argentina para Ciegos) por su habilidad para manejarse en un espacio sin luz. Un año después y luego de un trabajo colectivo de investigación, donde participaron activamente en la creación de efectos especiales y adaptación de la obra en total oscuridad, actores ciegos como Gabriel Griro, Rubén Ronchi, Rosi Griro, Tania García entre otros, el grupo Ojcuro estrena “La isla desierta” de Roberto Arlt...[3]

Para Gerardo Bentatti y Martín Bondone el desafío es mayor y el proyecto se cristaliza con la apertura del Centro Argentino de Teatro Ciego. Aunque en su inicio (1994) no fue pensado para un elenco de actores ciegos o con disminución visual seria, hoy no sólo permite la perfecta inclusión social y artística de cada integrante sino que despierta en el espectador una experiencia lúdica personal, según las sensaciones que en cada uno despierte o proyecte su imaginación.

flyer-web-a-ciegas.pngLa obra que nos ocupa, A Ciegas Gourmet, es un estímulo para el resto de nuestros sentidos. Antes de ingresar, mientras la iluminación se va haciendo más tenue, amablemente recibimos las indicaciones necesarias para poder degustar nuestra cena sin ningún inconveniente. Tomados por el hombro iremos ingresando según el menú elegido -tradicional o vegetariano o celíaco- y ocuparemos nuestra ubicación en la mesa designada. Si bien podríamos estar algo alertas ante el no saber como se desarrollará el evento, inmediatamente nos vamos presentando con el resto de los comensales comportándonos con total normalidad (al menos así ocurrió en nuestra mesa). Luego nos servirán la bebida y comenzamos a disfrutar de la cena: un plato rectangular donde de izquierda a derecha están ubicadas las diferentes porciones, postre incluido. Esta distribución no sólo libera nuestro tacto y nuestro gusto sino que además cualquier prejuicio a la hora de comer con las manos. Como en un juego infantil primero tanteamos nuestro espacio cercano y luego nos entregamos a la invitación de “ver sin ver”. Mientras comienza el teatro musical con la melodía del piano en vivo y los distintos temas que hacen a la historia, los actores y la cantante se van desplazando por cada espacio libre entre las distintas mesas. Así el espacio adquiere una dimensión especial, generándose la movilidad de pequeños espacios, y nosotros tenemos la sensación de estar en el centro mientras escuchamos los diálogos a nuestro alrededor. La historia es simple y no queda nada por explicar, pues nuestra imaginación a partir de los olores, de la lluvia que nos salpica, de los truenos, del viento que nos da en el rostro o de los ladridos de un perro, construimos un relato particular e intransferible. Ya que, siguiendo a David Le Breton:

La información que los sentidos perciben es, por lo tanto, también connotativo, da cuenta , a su manera, de la intimidad real o supuesta del sujeto […] La vida social urbana induce a un crecimiento excesivo de la mirada y a una suspensión o a un uso residual de los otros sentidos… (2006:100-102)

Los efectos especiales en vivo terminan por crear el clima mágico de esta propuesta artística que activa todo nuestro ser, no hay identificación con los personajes pero sí una comunicación especial, sensorial, que va más allá del tiempo real del espectáculo. Si la consigna es «lo que vemos cuando no vemos», aprendimos la lección: lo táctil, lo auditivo, lo gustativo y lo olfativo son parte intrínseca de cada individuo. Si la mirada es el sentido hegemónico de la actual sociedad, en desmedro del resto de los sentidos, esta experiencia libera nuestra percepción de tal forma que al retirarnos, cuando se encienden las luces, no terminamos de entender por qué se diluyó ese estado lúdico y vivificante a la vez. Una «puesta en escena» distinta e interesante para un público amplio, un espectáculo cálido para la familia.Teatro Ciego Elenco (24)
Le deseamos a todos los integrantes de Teatro Ciego la mejor temporada en Villa Carlos Paz 2016 -donde presentarán Un Viaje a Ciegas (para toda la familia) y Mi Amiga la Oscuridad (infantil).

Ficha técnica: A Ciegas Gourmet de Martín Bondone. Actúan: Graciela Pereyra, Pablo Ugolini, Maximiliano Griro, Gabriel Griro, Carlos Cabrea, Belen Cabrera, Brenda García. Dirección musical y piano: Carlos Cabrera. Efectos especiales: Gabriel Grito. Producción General: Teatro Ciego. Producción Ejecutiva: Martín Bondone. Dirección de actores: Victoria Cestau. Teatro Ciego. Duración: 90′.

Bibliografía
Le Breton, David, 2006. «Una estésica de la vida cotidiana» en Antropología del cuerpo y modernidad. Buenos Aires: Nueva Visión: 91-119.

[1] Según programa de mano

[2] http://www.teatrociego.org/index.php/espectaculos [08/12/2015]

[3] https://es.wikipedia.org/wiki/Teatro_Ciego [08/12/2015]

Teatro: Duelo con castañuelas ; Uno, dos, tres, cuatro…cumpleaños del gato

Estándar

Teatro: Duelo con castañuelas (Drama Flamenco); Uno, dos, tres, cuatro…cumpleaños del gato (Teatro para niños)

Alejandro Cifra (2015)

Buenos Aires: Rivardo Vergara Ediciones

Páginas: 180.

alejandrocifra@yahoo.com.ar

Silvina Díaz

TAPA ACPoeta, dramaturgo, pedagogo y actor, Alejandro Cifra pone en evidencia, a través de su multifacética producción, un sólido conocimiento de las técnicas literarias y del lenguaje escénico. Con una reconocida trayectoria en literatura y teatro para niños, es autor, entre otros, de los libros de poesías Juguemos a leer versos, El primer muñeco del mundo, Las poesías de Mari Pepa y la obra teatral El tesoro del Capitán Piratín.

En las piezas de teatro presentadas en este volumen -una para niños, la otra para adultos- aparecen las constantes de su escritura. A nivel semántico el tema del amor, la amistad y la solidaridad; la naturaleza y el arte como universos imprescindibles para la vida del hombre, y la libertad como ideal por el que vale la pena luchar. A nivel formal, su estilo autoral se caracteriza por el uso de un potente lenguaje metafórico, la creación de imágenes de gran belleza sensorial y plástica y la combinación de distintos tipos de métrica -desde las formas clásicas del soneto y el romance hasta el verso libre-. Otro recurso característico de su poesía es la repetición, en sus diversas variantes, especialmente aquella en que una frase recoge la estructura sintáctica de la precedente y la enriquece líricamente con la suya propia.

Lejos de apelar al niño estereotipado -frecuentemente subvalorado en su capacidad crítica-  Uno, dos, tres, cuatro…cumpleaños del gato se dirige a un interlocutor inquieto, fantasioso, vulnerable y lúcido. Y esto queda demostrado, en primer lugar, porque el autor elude la tentación de una prosa fácil y llana, y recurre en cambio a una poesía de una complejidad nada habitual en la literatura infantil.

Jorge Luis Borges sostenía, en El libro de sueños, que el acto de escribir se asemeja notablemente al acto de soñar. Y acaso el mayor mérito de Cifra como escritor para niños sea, en este sentido, transmitir de manera inalterable la curiosidad sin límites, el deseo de aventuras, la capacidad para emocionar y emocionarse y la creencia en que el mundo puede transformarse a partir del juego, de las utopías y de los sueños.

Por su parte, en Duelo con castañuelas. Drama flamenco, entran en juego tres universos distintos, cuya amalgama genera un clima particular: el criollo -por ciertas expresiones y elementos simbólicos, como la pava y el mate-, el español -en tanto cúmulo de tradiciones, costumbre y modos de expresarse- y el flamenco -en todos sus aspectos: cante, baile, música y poesía-.

Mezcla de formas musicales primitivas hindúes, bizantinas, judías, gitanas y andaluzas, el flamenco conforma un mundo sumamente rico y complejo, con su propio código y lenguaje, que sólo puede disfrutarse plenamente desde el sentimiento y la emoción. Fuente de inspiración para la música, la danza, la literatura, la pintura y la escultura, el flamenco aparece por primera vez en la literatura en la obra de Miguel de Cervantes Saavedra [1]. El Romanticismo recuperó luego su espíritu: su pasión, la expresión de la subjetividad y su carácter netamente popular se encontraban en total consonancia con los objetivos literarios y artísticos del movimiento. Luego esta poética fue renaciendo, cíclicamente, en diversas tradiciones literarias: Gustavo Adolfo Bécquer, Federico García Lorca, Antonio Machado, Manuel Balmaseda, Salvador Rueda, Antonio Murciano, hasta que, desde fines del siglo XX y en los primeros años del siglo XXI, ha vuelto a convertirse en centro de interés para el mundo intelectual.

En Duelo con castañuelas la poesía está signada por la fuerza del flamenco, no sólo por recorrer y explorar ese mundo a nivel temático -por cuanto la obra se desarrolla en una academia de danzas españolas- sino, especialmente, por la estructura, la musicalidad y el ritmo de los versos, que despiertan en sus lectores resonancias de toda una tradición literaria y poética. En esta obra aparecen también otros elementos característicos de la poesía flamenca: la utilización de un lenguaje con giros y expresiones gitanas, una serie de personajes populares, la exteriorización del sentimiento y la afectividad, la alternancia entre la profundidad trágica y el clima festivo. Se reproduce, asimismo, el tono y la cadencia de la copla popular andaluza, matizado con un lenguaje estilizado característico de la poesía culta. Este contraste -entre lo culto y lo popular, la tragedia y el júbilo, la música y la palabra – contribuyen sin duda a reforzar su intensidad expresiva.

Si el dolor y el lamento constituyen la raíz profunda del flamenco (como en la escena del duelo dancístico entre madre e hija en la obra que nos ocupa) no lo es menos la fuerza, la alegría genuina, el aire festivo y el deseo constante de celebrar la vida, elementos también presentes en esta obra.

Se invita al lector, entonces, a abandonarse en la poesía de Alejandro Cifra, a dejarse llevar por sus versos lorquianos, envueltos por el cante y por la copla, por el desgarrador y fascinante sonido de una guitarra española que emerge, como el flamenco, de la profundidad de la tierra.

Bibliografía
García Tejera, María del Carmen, 1986. Poesía flamenca. Análisis de rasgos populares y flamencos en la obra poética de Antonio Murciano. Universidad de Cádiz

[1] La admiración de Cervantes por la cultura andaluza signó toda su obra, desde Novelas Ejemplares, en la que describe la forma de ser del gitano hasta Coloquio de los perros, La Gitanilla o el entremés Pedro de Urdemales, entre otros textos.

silvinadiazorban@yahoo.com.ar

El lugar donde mejor canta el pájaro

Estándar

arbol de la vida

El lugar donde mejor canta el pájaro

“El árbol genealógico

Se le ocurría señalar a un autor

Sí, ese sería un pajarito doméstico,

Enjaulado en el árbol familiar.

Podemos deducir que el canto se nutre

De la memoria

Una memoria familiar, o tal vez otra,

Que está fuera de esa jaula y se sitúa

En la humanidad y su aventura terrestre

O cósmica.

De allí naciera otro canto,

El de un pájaro libre y memorioso

El árbol de la vida”

Bien aventurados sean amigos y amigas.

Fraternales abrazos en estos tiempos de ancestrales significados.

Significados que están en la memoria universal de nuestras mentes.

Tres arboles nos significan,

​ (​el árbol de la vida, el árbol de Navidad, el árbol genealógico)

¿Sabremos elegir cómo festejar? ¿Y que los festejos nos reanimen, nos renueven?

¡Qué hermanados nos encuentre el tiempo nuevo!

¡Iluminados!

¡Bienaventurados!

El Viejo de la Montaña

Gentileza de Roberto Espina <robertoespinablog@gmail.com>

Mujer Terrestre

Estándar

Mujer Terrestre
Work in progress
Personajes buscando un cuerpo, y un cuerpo que busca su personaje.

María de los Ángeles Sanz

Una puesta en escena es la conclusión de un trabajo en equipo que requiere además de talento, energía, tiempo y constancia, mucha pasión por el teatro, por la fuerza que se desata en escena y que atraviesa la platea, para brindar desde los cuerpos en acción, una expresión que busca su interlocutor; todos esos elementos están presentes en Mujer Terrestre. Sin embargo, la puesta no es un trabajo cerrado; en el Teatro del Borde el grupo de actrices y un actor, que dirige Gabriela Villalonga, desarrolla una textualidad dramática abierta que se expresa a través de la línea de intertextualidad entre textos dramáticos, la literatura y la política, para dejarle la posibilidad de nuevos textos, que en su deconstrucción y nueva puesta en riesgo, afirmen el sentido que la pieza busca conformar. Así algunas de las líneas fundamentales de Casa de muñecas de Ibsen, se cruzan con el pensamiento de Alejandra Pizarnik, las afirmaciones contundentes de Frida Kahlo, y la voz de la mujer, defendiendo sus derechos, en la representación de Eva Duarte de Perón, por revelar sólo algunas de las piezas que construyen con eficacia el entramado de la textualidad dramática, en una construcción que permite la estrategia de un teatro habitado por lo postdramático. Dos espacios, el escenario y sus fantasmas, y la platea destinataria de lo que allí puede ocurrir; entre ambos, la asistente de dirección y el electricista que tratan uno de solucionar el desperfecto, mientras ella busca ocupar ese espacio, supuestamente vacío, y encontrar y encontrarse en el personaje que salve la situación. Una perfomance, un momento de realización que parezca improvisado pero que tenga entre los pliegues de la contingencia todo aquello que se necesita para constituirse en escena. Testigo del crecimiento del grupo humano y de la textualidad que iba produciéndose a través de los ensayos, la puesta logró su propósito de emocionarme, de sorprenderme y de hacerme reír, porque el humor no está ausente en el trabajo, y contribuye a su fluidez. Un espacio que se expande, y que a la vez conforma con los cuerpos un territorio propio, que es transgredido una y otra vez, para dar cuenta del límite entre lo real y la ficción. Búsqueda incesante en Funcion__0182las palabras – acciones, de aquella presencia que de cuenta de la relación del espacio – tiempo teatral con el cuerpo de los actores, el real, y con el de los personajes que habitan simultáneamente el escenario. Los tempos se cruzan en una contingencia, el desperfecto eléctrico, que permite a los seres de humo concretar el sueño de escapar del mundo de la imaginación, y a los seres de carne y hueso presentir la posibilidad de ser y estar concretando una ilusión. Un vestuario que da cuenta de la teatralidad que alberga a los habitantes del teatro, de una sala que estuvo cerrada largo tiempo y recupera su actividad, disímil, atemporal, marcando el paso de un tiempo que no tiene que ver con el contexto referencial, sino con el de la intriga donde eran protagonistas. Un juego de luces que resalta las diferencias y la música que logra los climas hasta el momento en que por fin el todo se resume en las tablas. Mujer terrestre es un proceso, extenso, que deja abierta la posibilidad de encontrar nuevas referencias, nuevos protagonismos, y también la certeza de un tiempo el dramático que juega con sus propias reglas.

Ficha técnica: Mujer Terrestre dramaturgia de Gabriela Villalonga en base a los aportes del grupo de actrices: Elenco: Grupo Ritornello: Ligüen Pires, Nelly Queirolo, Andrea Cataldo, Diego Iglesias Fernández, Andrea Isola, Brenda Margaretic, Laura Cardoso, Marianela Caresani, Cecilia Balmayor. Fotografía: Malena Cagna. Asistente de dirección: Maby González .Dirección general y coordinación de dramaturgia – Gabriela Villalonga. Supervisión de investigación dramático-literaria – Lic. María de los Angeles Sanz (Investigadora de teatro en GETEA y Aincrit- Docente de Historia del Teatro Argentino en  la Escuela Superior del Teatro y la Comunicación “Andamio 90”) Supervisión grupal – Lic. Gabriel Gendelman (Docente de la Cátedra de Grupos en la Facultad de Psicología de la UBA) Supervisión de lenguaje corporal y movimientos – Lic. Hugo Armando Schettini (Director de la Escuela de Música nro. 11 DE 7 C.A.B.A. y Profesor de las cátedras de Educación Corporal 1 y 2 en la Escuela Superior del Teatro y la Comunicación “Andamio 90”). Diseño y realización de escenografía y vestuario – Laura Cardoso (Docente  del UNA) Diseño y realización de iluminación – Virginia de los Santos Fernández (Diseñadora técnica teatral) Asistente de dirección –  Maby González. Teatro Del Borde.

Presentación: De la crisis a la resistencia creativa. El teatro en Buenos Aires entre 2000 y 2010, de Díaz S. y A. Libonati

Estándar

IMG_1632

Presentación del libro De la crisis a la resistencia creativa. El teatro en Buenos Aires entre 2000 y 2010, de Silvina Díaz  y Adriana Libonati. Buenos Aires: Ricardo Vergara Ediciones, 2015.

Participan: Marina Sikora (directora del GETEA, Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires)/ Azucena Joffe (investigadora y crítica teatral, directora de Luna Teatral, blog sobre teatro argentino e hispanoamericano), María de los Ángeles Sánz (investigadora y crítica teatral, directora de Luna Teatral), Linda Máximo (crítica teatral, conductora Mi Ciudad y el Mundo, programa dedicado al teatro y a la música, Radio Onda Latina), Adriana Libonati (Universidad de Buenos Aires- GETEA) y Silvina Díaz (CONICET- UBA- GETEA)

En la década del 2000, cuyos primeros años estuvieron signados por una feroz crisis económica, social y política, y en consonancia con lo que sucedía en otros ámbitos artísticos, el teatro aparece como un fenómeno de resistencia y, en este sentido, como una praxis social y política. La utilización creativa de los materiales, el abandono de las salas tradicionales, la ubicación del actor en el centro del proceso creativo y la valorización del lenguaje escénico no fueron únicamente decisiones forzadas por la situación económica sino también elecciones estéticas voluntarias y conscientes. En señal de complicidad y apoyo, el público respaldó estas iniciativas con su asistencia al teatro, impulsado por la necesidad de comprender lo que estaba sucediendo, pero también como una forma de recuperar la comunicación directa y fortalecer la interacción comunitaria.

Martes 15 de diciembre de 2015, 18 hs.

Centro Cultural Paco Urondo.  (Facultad de Filosofía y Letras. Universidad de Buenos Aires)

25 de Mayo 201. CABA

Buena química de Joaquín Bonet

Estándar

Buena química de

Joaquín Bonet

El lenguaje de la ciencia como principio constructivo.

Susana LLahí

En un momento donde nuestro teatro independiente presenta tanta “deconstrucción” de espacio, tiempo y lenguaje, tanto texto hecho en base a la sumatoria de fragmentos, tanto silencio pretendidamente significativo, la pieza de Bonet aparece como una bocanada de aire fresco, como dijo un dramaturgo amigo: “alguien que cuenta una historia del principio al fin”. Una joven llega a la ciudad buscando una nueva directora para su tesis de doctorado. Su primera directora, que acaba de fallecer, es quien la conduce hacia Alicia. Del encuentro de estas dos mujeres, una muy joven y en el comienzo de su carrera científica, la otra, en el ocaso y ya jubilada, surge la historia que iremos recomponiendo a partir del recuerdo de cada uno de los personajes. Es inevitable recordar que ese maravilloso fenomenólogo existencial que fue Gastón Bachelard, en su “Poética del espacio” intentó mostrar que la memoria no registra el transcurso del tiempo; y que sólo en y por el espacio se concretan los recuerdos. Y esta pieza parece evidenciar exactamente este postulado: en cada escena, en boca de cada uno de los personajes, surge el recuerdo de un espacio que nos permite armar el rompecabezas de esta historia de amor, de encuentros y desencuentros.

Alicia (doctora en química jubilada) y Florencia (joven tesista) comienzan entablando un largo encuentro personal donde la joven intentará convencer a esta rígida mujer para que sea su directora de tesis y para que acepte que “algo” la unió al doctor Altuna (esposo de la profesora que la derivó a ella). Es interesante observar el modo en que se van modificando las relaciones, a partir del diálogo, en el transcurso de la acción. El personaje de Alicia tiene matices muy interesantes que marcan el ritmo de la puesta. Florencia, colabora para se pueda observar la evolución de este personaje que irá, desde la soberbia y acartonamiento inicial hasta la liberación de sus emociones, apelando en su trabajo a la mostración de una sensibilidad que logrará su punto culminante cuando ofrezca su casa al doctor Altuna, como lugar para pasar sus últimos años. En la espacialización se trabajó con un realismo de corte mimético que recrea la casa de la profesora, donde tiene un lugar preferencial la mesa en la que su hijo desarrolla los experimentos de química aplicados a la alimentación. El vestuario realista, indicialmente marca la evolución del personaje de Alicia.

Todos los personajes: Alicia y Altuna (los mayores), Florencia y Gregorio (los jóvenes), pertenecen al campo de la química. De allí, que el discurso de esta disciplina es la base que sustenta y motiva los diálogos en los que aflora el amor y la nostalgia, el resentimiento pero también el perdón.

La textualidad de la obra escrita y dirigida por Joaquín Bonet, apuesta a un realismo que busca comunicar significados unívocos. Temáticamente es una reflexión sobre temas puntuales que siempre preocupan al ser humano: por un lado y con relación a la pareja mayor, el lugar que ocupan los recuerdos y hacia el final de la vida, de qué manera actúan en nuestra subjetividad; con relación a la pareja de los jóvenes, el derecho a elegir libremente más allá del mandato familiar y social.

Una puesta muy interesante, con muy buenas actuaciones. Esperemos su reposición en la próxima temporada.

Ficha técnica: Buena química. Libro y dirección de Joaquín Bonet. Teatro: “El extranjero”. Valentín Gómez 3378- T.E. 4862-7400Elenco: Beatriz Dellacasa. María Zambelli. Leonardo Saggese. Julio Marticorena. Música y diseño de sonido: Julián Vat. Diseño de escenografía e iluminación: Magalí Acha. Diseño de vestuario: Pepe Uría. Prensa: Sandra Beerbrayer. Diseño gráfico: Andrés Mendilaharzu. Producción ejecutiva: Claudio Hernández. Asistente de dirección: Marcela Cortés. Asistente de escenografía: Vanesa Giraldo