La casa canta de Isabelle Paez
La oralitura es escribir a orillas de la oralidad, a orillas del pensamiento de nuestros mayores y, a través de ellos, de nuestros antepasados. Se habla/escribe en primera persona. Así lo viví/escuché, así lo estoy viviendo/escuchando: me digo, me dicen, me están diciendo, me dirán, me dijeron. Todo ello brotando desde una concepción de tiempo circular: somos presente porque somos pasado (tenemos memoria) y por eso somos futuro. La totalidad sin exclusión, la integridad sin fragmentación de la vida y de todo lo viviente. (Elicura Chihuailaf, poeta mapuche)
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
Un espacio escénico dividido en cuatro, tantos como personajes aparecen en escena, cada espacio un mundo que sólo a veces se cruza desde la voz y los cuerpos. La palabra desde la poesía, con su inagotable abanico de significados, metáforas que se producen en un contacto inusual del roce entre significante y significante; y una manera de decir desde el cuerpo que es un instrumento más junto al acordeón, las guitarras, la batería, y la caja. Tres poetas en escena: Luis Lucchi, Carlos Aldazábal, y Juano Villafañe afirman su presencia, en una puesta que privilegia lo estético desde una escenografía pensada desde lo plástico en el vestuario, y la iluminación, así como de la coreografía de los cuerpos que en la expresividad de cada recorrido de Isabelle Paez logra transmitir con su dulce voz el camino que las palabras han seguido desde la punta de los pies a la cabeza, hasta que la garganta pone en eco aquello que ya fue expresado antes. Las palabras caen en armonía con el movimiento, y los elementos juegan historias diferentes desde una tela, un sombrero, las hojas que simulan ser hojas, el vino y el pan del ritual, y los sonidos que buscan la raíz de la unión de la música y la poesía. La elección de los poetas es una posición estética / política, una ideología que descree de una mirada postmoderna sobre las relaciones de la palabra y su musicalidad.
[…] lo que en Leónidas Lamborghini constituía un ejercicio de musicalidad crítica, en la mayoría de los epígonos postmodernos aparece como prosaísmo afónico, donde el canto oscuro que sobrevive en los ritmos cortados de una prosa maquillada de poema, remite a la gramática kitch del pop, y a todas las banalidades de la cultura masiva ofrecida por el capitalismo en su versión neoliberal. (Aldazábal)
El teatro que siempre es un hecho político, utiliza a veces el discurso directo para decirnos aquello que necesitamos o queremos ver y escuchar, y otras veces apela al discurso indirecto, enlazando la voz con el cuerpo con la música, buscando llegar rápidamente a la emoción que desata la profundidad de un verso cuando hace uso de la policromía del lenguaje. Un relato, un “poema vivo”, atemporal construido sobre el discurso visual y auditivo que necesariamente nos involucra a partir de un mundo sensible, donde la poesía puede expresarse a partir de distintos soportes. Cada intérprete tiene una energía que fluye más allá del espacio lúdico -danza, batería y acordeón- aunque, lamentablemente, pareciera que el actor no está en la misma sintonía, en detrimento al ritmo total de la obra. Por otro lado, el vestuario y la iluminación terminan por construir a estos personajes casi oníricos que nos dicen: “Así estoy, // un poco de lo que como // un poco de lo que temo // soy mi ropa y una manera de entender. // Una opinión interrogante // una curiosidad afirmativa”1 Una propuesta escénica distinta, polifónica, que le da la voz a nuestros poetas.
Ficha técnica: La casa canta de Isabelle Paez. Intérpretes: Jose Luis Calbiño (actuación), Isabelle Paez (danza y actuación), Fernando Suárez (batería y actuación), Alan Haksten (acordeón y actuación). Dirección y Coreografía: Isabelle Paez. Música original: Fernando Suárez, Alan Haksten. Diseño de luces: Horacio Novelle. Asistente de dirección: Fernando Suárez. Asistente de producción: Walter Alegre. Foto y video para difusión: Lara Seijas, Esteban Bisio. Vestuario: Mariana Del Valle Zeballa. Escenografía: Isabelle Paez, Fernando Suárez. Comunicación Visual – CCC: Claudio Medin. Prensa: Silvina Pizarro. Centro Cultural de la Cooperación: Sala Tuñon. Estreno: 21/02/2016. Duración: 45′.
Hemeroteca:
Aldazábal Juárez, Carlos, 2015. “El canto oscuro de la poesía postmoderna” en Papeles Latinoamericanos, año XII, diciembre, ómnibus n.51
1 Según gacetilla de Prensa, fragmento del poema “Momento Poético”, de Luis Luchi
Las circunstancias en que la muerte aparece son de carácter azaroso, un accidente, donde la inconsistencia de la conciencia de los personajes, puestos a un punto límite de sus relaciones produce que lo indeseado ocurra. Pero la trama no se queda sólo ahí, sino que también describe la diferencia entre la ciudad y el campo; la diferencia en la mirada sobre el mismo acontecimiento está presente en los personajes campesinos 
Escuchamos fragmentos, cuasi monólogos, como “ánimas” que 
La escena se muestra a veces caótica por lo barroco de su distribución en escenas y situaciones, lo que obliga a una mirada que sin descanso posible debe pasar de un lugar a otro, exigiendo del público un presencia activa, a veces atravesada por los personajes que surgen entre la platea. Desde esta percepción simultánea, que 
Con sensibilidad en el uso de las palabras la dramaturga va tejiendo un relato en primera persona que narra la construcción de una identidad a partir de la necesidad del sentir, y que no tiene que ver con el cuerpo, ni las circunstancias que la ley determina. Un alegato a la búsqueda de uno mismo dentro de una verdad que no puede ser escondida entre los pliegues de un mandato social: ajeno, cruel, insensible con el diferente. Así se siente el personaje, que atrapa desde el afuera los gestos y los objetos que afiancen eso que arde por expresar: su calidad femenina en un cuerpo que siente no pertenecerle: el vestido rosa, los zapatos, los aros de perlas, que son para su imaginario, el símbolo de una mujer y de una madre. Un espacio despojado, la iluminación que destaca situaciones, y la música original para la puesta, que en la voz de Mariano Mazzei crece con su significado más allá de las palabras, son los elementos precisos para el lucimiento del intérprete. La voz que el actor maneja con destreza produce las tonalidades diferentes que componen al personaje; un muchacho de provincia, un ser cargado de ilusiones y sentimientos sinceros, una mujer que vibra en su cuerpo, y a la vez nos deja ver desde la escena, al otro, al interlocutor con quien mantiene un cuasi diálogo necesario. Sincero, porque el engaño está en los ojos del que mira, y ve, cuando ve, la dicotomía entre el ser y el parecer, cuando en él hay una única verdad: se siente mujer. Con una poética que recuerda a la Gambaro de 
La primera obra, 
A pesar de la brevedad de este hecho escénico queda claro el alto nivel que tiene el Grupo de Danza de la UNSAM. Los tres protagonistas parecen estar en el límite difuso de la vigilia, entre la ficción y la realidad, entre la aceptación del otro y su rechazo. Un triángulo, quizá amoroso, donde cada uno parece luchar por su lugar. La precisión de los movimientos crean el clima tenso que requiere el lenguaje coreográfico. La última obra es
teatrales, movimientos cotidianos y la música contribuye a crear el clima que requiere la situación dramática. Una pareja 
Una noche de taberna, una noche cualquiera, donde el
Entre pasiones y culpas, entre alegrías y tristezas, Alacrán hace 
Es una propuesta interesante y necesaria para un segmento de nuestra sociedad que a veces le resulta difícil encontrar su lugar dentro de la cartelera porteña. 
Al ingresar a la Sala Boedo, en el reducido espacio escénico ya está ella, Malena, de espaldas y como única escenografía doce cajones de frutas que irá acomodando según lo requiera la situación dramática -una pared, una cama, un altar,.. Porque así de frágil y de simple parece ser la vida en el campo, como cajones que quedan a un costado sin que nadie se preocupe por su escaso valor económico. Pues, como dirá el personaje, nadie quiere buscar, a nadie le importa si el desaparecido es uno, si son dos o si cuarenta y tres,… Imposible no involucrarse en una historia que necesita exorcizar sus fantasmas, sus demonios, los internos, pero más aun los reales del día a día. La violencia pública y la privada que azota a México parece a nadie preocuparle, salvo a aquellas personas como Malena que ama a pesar de todo y busca a su marido para abrazarlo mucho cuando lo encuentre, o bien como Ramiro que sueña o soñaba con ofrecerle a su mujer una vida mejor. Un relato breve que condensa más de un año de la vida de la protagonista. Cuando podía disfrutar del olor a la tierra húmeda, de la huerta y su humilde casa en lo alto donde el cartero no llega, de ver a su hombre cortando leña con el torso desnudo, cuando eran muy pobres pero felices. El espectro de que apareciera alguna camioneta y que se llevara a su esposo ya nublaba aquellos días, ahora Malena comienza su difícil peregrinar buscándolo. Lucía Diaz le da espesor a su criatura desde distintas aristas, a veces como una niña que juega con la lluvia, en otras como la mujer que desea tener un hijo y cuando alcanza ese sueño ya está sola, y es como la fiera dolida y en celo que busca, a pesar de la violencia e inseguridad y contra todo, a su hombre. Desde la gestualidad de su rostro, la mirada directa y los tonos de voz, desde sus desplazamientos, …, la actriz de manera orgánica nos sumerge en la ternura, en el amor, en el dolor y en la desesperación. El ritmo de la obra es sostenido y las canciones que unen algunas escena terminan por crear el color local y la particular coyuntura que viven los mexicanos, en especial, también necesariamente nos interpela a nosotros mismos pues somos parte de esa cruel realidad. Después de finalizada la obra, aún nos resuena “Adoro las cosas que me dices / Nuestros ratos felices / Los adoro, vida mía”. Hay muchos hijos de la “chingada”, por un lado, y hay muchos artistas y profesionales, por otro, así lo demuestran las dos obras mexicanas que se presentaron en la 4ta edición del Festival, con un fuerte compromiso en visibilizar una realidad que los devora mientras que al poder de turno, nacional e internacional, no le interesa solucionar.
Acrobacia, baile, mímica, música, luz y acción, una conjunción que diestramente llevan adelante los intérpretes desde un cuerpo instrumento, donde cada una de sus partes cumplen una función y está a disposición del sentido. Un tango suena desde un instrumento caja que sobre una mesa es manipulado por ambos indistintamente, la danza invita al encuentro, sin embargo, desde el lugar de la no palabra la gestualidad se enfrenta con la difícil tarea, donde no está ausente el humor, de una lucha de los cuerpos que se escabullen de la presencia del otro hasta que finalmente se produce la unión y su fusión. El sonido gutural algunas veces, la voz clara y bella de la mujer que entona una canción antigua, el cuerpo de él en primer plano, haz de luz mediante, que en una febril danza flamenca, con el cante jondo de continente, hace de su presencia una expresión en sinfónico a través de los sonidos y movimientos que arranca de ese cuerpo, que ha servido en el juego de a dos, de escalera, de pirámide humana, de marioneta y tio vivo, en un giro que promete un camino y una llegada y es sólo una manera de transitar el espacio. Tanto la actriz, Camille Decourtye, una voz excelente, como el actor, Blai Mateu, juegan con talento la búsqueda de una armonía desde el desequilibrio de las situaciones; las sillas, el recorrido del espacio, son la metáfora de las dificultades que atravesamos en el momento de relacionarnos con el otro, el vacío a veces infranqueable entre los cuerpos que se atraen y se desean y al mismo tiempo se alejan y se rechazan, con la misma fuerza y pasión. El espacio cruzado por distintos cuadros, que algunos construye la música, va refiriendo con las acciones, su mensaje, y como en los sketchs del cine mudo, lo más sencillo se complica, se enreda en la torpeza de los participantes de la acción, y nos provoca hilaridad. Como entonces parecen decirnos: la vida es sencilla, pero nosotros hacemos de lo fácil con nuestras dudas un mundo de complicaciones donde nos perdemos, como la mosca se queda atrapada en la telaraña. Miedo, incertidumbre, duda, desconfianza, y deseo son los ingredientes que hacen que las relaciones no fluyan con naturalidad, y tengan la consistencia de una encrucijada o el desafío de un salto mortal. Una experiencia diferente, para un espectador que esperaba ver una lógica causal tejida desde la palabra, pero que se disfruta precisamente en la complejidad de signos que presenta, y en la eficacia de su desarrollo por los artistas. 
El teatro mexicano nos atraviesa esta vez con una 
Franz Kafka es sin duda el escritor que más trabajó en sus textos la sombra Junguiana que a todos nos atrapa y que nos convierte, según las circunstancias, de hombre a animal, o muestra el grado de instinto sin control que todos llevamos dentro nuestro. El texto escogido por el actor catalán Ivan Benet, 