Archivos Mensuales: mayo 2016

Ahora. Homenaje a la Commedia dell’arte de Marcelo Savignone y Alfredo Iriarte

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Ahora. Homenaje a la Commedia dell’arte

de Marcelo Savignone y Alfredo Iriarte

Un actor que se convierte en la voz de muchos, en el dolor de otros tantos y es ahí cuando la risa se convierte en nuestra mejor venganza1

AHORA_FlyerOKAzucena Ester Joffe

La indudable pregnacia escénica de Marcelo Savignone, su adecuación al personaje en cada gesto, en cada movimiento y en cada registro de su voz, nos permite hablar de una poética de “marca registrada”. Una trayectoria artística que da cuenta de su particular mirada sobre el hacer teatral, para el deleite del público, y que refuerza la idea de un teatro vivo más allá de políticas gubernamentales neoliberales y confusas. Si bien la Commedia dell’arte nació en Italia a mediados del siglo XVI recién habría tomado este nombre en el siglo XVIII. Hoy, pleno siglo XXI, se actualizan muchos de sus recursos para atravesar nuestra cotidianidad, pues es necesario el humor para reirnos de nosotros mismos y de nuestra actual coyuntura política.

La obra que nos ocupa, Ahora. Homenaje a la Commedia dell’arte, cerraría la trilogía que comenzó con Vivo (2013)2 y continuó con En sincro (2014)3. Antes de ingresar a la Sala mientras esperamos, una persona de la producción se acerca, grabador en mano, para que dejemos un refrán, un sueño o una frase. Luego a partir de este registro, de datos azarosos propuestos por parte de la concurrencia (algunos luego podrán reconocerse) se inicia el juego escénico a mitad de camino entre la improvisación, las máscaras grotescas / los títeres y la música. A partir de la voz en off de una espectadora y su sueño, “cuando era niña soñaba que mis padres me dejaban en un campamento”, comenzó el espectáculo con la historia de un primer beso que luego sería robado a la profesora de matématicas. ahora entera 4

En el centro del amplio espacio escénico se encuentra una pequeña tarima donde irán surgiendo, como por encanto, algunos de los tradicionales personajes del “bando rídiculo” de la Commedia dell’arte: Arlecchino, el humilde servidor que es vendido como sirviente muerto; Pantalone, el famoso comerciante con su larga nariz; el Dottore, con su forma extraña de hablar y su panza postiza al descubierto y el Capitano, el soldado fanfarrón. Hay dos microhistorias, por una lado, el campamento y el primer amor y, por otro, el criado que no quiere estar muerto y que con sus amos buscarán un final para la comedia improvisada.Ahora A-4304 Ambas breves narraciones se van entrelazando de forma imprevista. El hilo conductor entre las breves escenas es el humor constante, la ductilidad expresiva de Savignone hace el resto. La precisa iluminación recorta su figura y focaliza nuestra atenta mirada y en otros momentos, como en el teatro de sombras, las imágenes visuales se vuelven oníricas. Un relato creativo atravesado por la música y las canciones en vivo, también improvisadas según lo grabado con anterioridad, y la musicalidad propia del cuerpo del comediante que es dicho en escena. Una propuesta fresca, espontánea, que mantiene el ritmo interno y la fantasía del movimiento desde su comienzo, y permite que el público se lleve una franca sonrisa, pues hemos aceptado ser parte de la ficción. El cuerpo del protagonista es la mejor herramienta en el devenir teatral cuando la solidez de su trabajo actoral lo transforma en el demiurgo y en su creación al mismo tiempo.Ahora A-4495

Ficha técnica: Ahora. Homenaje a la Commedia dell’arte de Marcelo Savignone y Alfredo Iriarte. Actúan: Marcelo Savignone y Víctor Malagrino. Asistencia y colaboración artística: Sergio Berón. Entrenamiento en máscaras: Jorge Costa. Escultor de máscaras: Alfredo Iriarte. Sombreros y accesorios: Gabriela Guastavino. Realización de títeres: Alfredo Iriarte y Gabriela Guastavino. Vestuario: Mercedes Colombo. Iluminación: Ignacio Riveros. Escenografía: Mirella Hoijman. Realizaciones: Ariel Vaccaro. Community management: Belén Robaina. Fotografías: Cristian Holzmann. Diseño: ED. Prensa: Marisol Cambre. Producción Ejecutiva: Sebastián Romero. Producción General: Producciones Belisarias. Dirección: Marcelo Savignone. La Carpintería Teatro. Estreno: 29/05/2016. Duración 60′.

1 Según programa de mano

Bicicletas, o de cómo en movimiento se llega al equilibrio de Micaela Fariña

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Bicicletas, o de cómo en movimiento se llega al equilibrio

de Micaela Fariña

unnamed0Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Un dispositivo escénico divertido, insólito, que recuerda para muchos, aquellos momentos de la infancia o de la adolescencia en los cuáles la libertad estaba en las cuadras que nos animábamos a cruzar, en los territorios desconocidos que íbamos a conquistar con la audacia ingenua de no respetar el mandato de la vuelta de la manzana, o de los espacios conocidos. Un dispositivo que si bien está frenado en el espacio escénico, cumple con la metáfora del movimiento continúo tras el pedaleo incesante de los personajes, pero que también al girar en el mismo lugar sólo cambiando el punto de vista de la mirada, nos habla del ir hacia un sinsentido, donde las acciones no nos llevan a ningún lugar, donde nuestro deseo sigue incumplido, donde estamos quietos y avanzamos sólo en apariencia. unnamed1Tres personajes, que no conforman un grupo, sino el vértice de un triángulo donde las subjetividades son individualidades en la búsqueda de una salida a su soledad. La necesidad de ser amados, desde la primera relación la familiar, al respeto que nos merecemos en nuestro trabajo; en el entre, la fantasía del príncipe azul, y una historia de novela, son una constante que la puesta pone en primer plano y a través de la construcción de cada uno de los personajes explicitada con verosimilitud y humor. Bicicletas, medio de transporte y de paseo, de diversión y libertad. Bicicleta metáfora de cómo la economía pedalea en falso cuando no produce y dedica los esfuerzos de la producción a la especulación financiera. Entre las dos definiciones se mueve el sentido de la puesta, entre la especulación sobre los movimientos que convienen a la vida que intento construir, y la libertad que me ofrece una herramienta que de juego pasa a necesidad en busca de horizonte. unnamed2Las actuaciones son excelentes en el desempeño de fluir y atravesar la platea en ese movimiento pendular de irse y quedarse en el mismo sitio; la música y un vestuario que conforman el imaginario sobre las características de cada identidad sobre las ruedas de un vehículo caro a nuestra infancia, y al proyecto de un país que se ocupa de que los márgenes pasara al centro de una posibilidad de ahorro y cambio. Las bicisendas, el mapa de la ciudad rediseñado para el uso de la bicicleta, pero como todo lo diseñado por otros para nosotros, sólo logran prohibir que lo que prime sobre la norma sea el deseo. Y la pieza habla del deseo de dejar de ser uno, un individuo que choca contra el propio miedo y la duda y se atreva a minímamente ser dos: el italiano y su amor imprevisto, la mujer y la necesidad de que sea más fiel y constante que el dueño del trabajo, o la mirada sobre la compañera de ruta en aquella que desde los seis años se siente traicionada por el abandono de la madre y el silencio del padre, y que llena ese vacío con la fiebre del consumo. unnamed3Una puesta que se integra a partir de una estructura fragmentada, que teje puntos de unión en la soledad, el individualismo y el deseo de sus personajes. Temática que podría ser resuelta en un tiempo menor, hay momentos que como las ruedas de las bicicletas, el nudo del conflicto no avanza y se reitera sin necesidad. Sin embargo, logra conectarse con el espectador, al que se le provoca desde la risa sin disimulo, a la emoción del recuerdo, de una memoria en común en la relación con un instrumento que representa no sólo la infancia perdida, sino también el sentido de poder que nos provocaba. Tres ciclistas, tres pequeñas historias, en un espacio escénico totalmente despojado, y quedan en el anonimato de la cotidianidad, en un tiempo íntimo que puede ser presente y también pasado. La perfecta iluminación recorta a estos seres aislándolos y subrayando que con su bicicleta, el personaje mudo, forman un todo. Cada uno escucha a través de sus auriculares su canción, una melodía que los identifica y los envuelve como acariciando el alma de estas tres criaturas en soledad. Un hecho escénico cuyo principio constructivo es el discurso verbal y el muy buen trabajo coral a partir de sus diferentes tonos y de la gestualidad de sus rostros nos transmiten distintos sentimientos y estados de ánimo. “Con la libertad del viento en la cara” así se desarrolla el juego escénico con un ritmo sostenido desde su inicio.unnamed

Ficha técnica: Bicicletas, o de cómo en movimiento se llega al equilibrio de Micaela Fariña. Actúan: Rosario Alfaro (Andrea), Belén Amada (Carolina), Pablo Cusenza (Federico). Diseño de Vestuario y estética: Wanda Siri. Diseño de Escenografía: Sergio Fasani. Diseño de Luces: David Seiras. Coach Vocal: Steffi Rounge. Coreografía: Carolina Borca. Diseño sonoro y música original: Maz Iannone. Fotografía: Patricia Costa. Diseño Gráfico: Mauro Panuncio. Producción: Bicicletas teatro. Pre Producción: Rosario Alfaro, Micaela Fariña. Asesoría de producción: Sol Fariña, Matías Massat. Asistencia técnica: Ariel Dabbah. Asistencia de dirección: Catalina Collardin. Dirección: Micaela Fariña. El Estepario Teatro. Estreno: 04/03/2016. Duración: 60′.

Aguafuertes porteñas: “Emergencia Cultural” contra los tarifazos

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Aguafuertes porteñas: “Emergencia Cultural” contra los tarifazos

Daniel Gaguine1

http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com.ar/

En Buenos Aires pasan cosas. A veces uno se entera por circunstancias relacionadas a su actividad o simplemente porque la casualidad metió la cola. De esta manera y con esta impronta, se relatarán historias y hechos varios dignos de mención.

apagon_cultural_caleidoscopioLa cultura no se deja amedrentar por las políticas del gobierno del presidente Mauricio Macri. Los aumentos de las tarifas en la luz, el agua, el gas y demás servicios han afectado a toda la población. En el caso de los teatros, este incremento pone en tela de juicio su existencia. Por tal motivo, ayer jueves 19 de mayo, en el Teatro La Carpintería, se llevó a cabo una conferencia de prensa convocada por Cultura Unida en la que se lanzó la campaña Emergencia Cultural. Esta campaña buscará visibilizar el estado de emergencia en que se encuentran diversos espacios culturales (teatros Independientes, los Centros Culturales, los Clubes de músicas, peñas y milongas) a partir de los ajustes aplicados por el Gobierno Nacional.

Cultura Unida está compuesta ARTEI (Asociación Argentina del Teatro Independiente) MECA (Movimiento de Espacios Culturales y Artísticos) ESCENA (Espacios Escénicos Autónomos) FAAO (Frente de Artistas Ambulantes Organizados) AOM (Asociación de Organizadores de Milongas) CLUMVI (Cámara de Clubes de Música en Vivo) Seamos Libres Foro de Danza en Acción Abogados Culturales FACC (Fuerza Artística de Choque Comunicativo) Construyendo Cultura Potencia Unida Roja y Blanca Actores LaCulturaNoSeClausura Peñas Unidas

El reloj marcaba las 17 hs y de a poco iban llegando los participantes. El reconocido productor Carlos Rottenberg hablaba por celular al igual que Osqui Guzmán, antes de ingresar al recinto. Se podía ver a directores de teatro como Guillermo Caccace y Analía Fedra García, actores y actrices del calibre de Cristina Banegas, Mauricio Dayub, Marcelo Savignone, Martín Urbaneja, asi como representantes y propietarios de salas como el Oeste Usina Cultural, Patio de Actores, El Extranjero y La Tertulia. De a poco se fue llenando la sala de uno de los teatros más bellos de la ciudad, tal como es La Carpintería que sufrió en carne propia el aumento de los impuestos.

A través de la lectura de diversos comunicados, se explicaron las medidas a seguir. La primera será el próximo sábado que consistirá en un apagón de 1 minuto en cada espacio, con el fin de lograr la visibilidad de la problemática y encender la Emergencia Cultural.

conferencia-apagon_cultural_caleidoscopioNo quedó afuera la tirante relación que ha tenido el gobierno de la Ciudad de Buenos Aires con la cultura a lo largo de años de clausuras y cierre de espacios. “Lamentablemente, estamos familiarizados con la relación que tiene este gobierno con la cultura y estamos dolorosamente entrenados en ver su política de vaciamiento y clausura”. En relación con el incremento de impuestos, se ve que apunta hacia otro lado en nombre de un sinceramiento que beneficia solo a unos pocos. “El aumento sin control de los servicios básicos y su modo de implementación forman parte de una escalada de violencia institucional” sostuvieron desde el colectivo ESCENA.

En el marco de las acciones a realizar, Liliana Weimer, en representación de ARTEI, dijo que “iniciamos gestiones varias. Comenzamos con el Poder Ejecutivo Nacional, a través del ministerio de Cultura; después hicimos gestiones en la Legislatura Porteña desde donde se está impulsando un proyecto de ley para crear un Fondo de Emergencia que ayude a paliar esta situación hasta obtener lo que realmente queremos que es una Tarifa Cultural. Ésta es una tarifa diferenciada. También estamos colaborando con un proyecto de ley por parte de diputados en el Congreso Nacional, que  lo está impulsando Juan Cabandié. Son varios los frentes donde empezamos a gestionar diferentes acciones como para llegar a este objetivo, que los espacios culturales tengan una tarifa diferenciada. No es que no queremos pagar ni nada por el estilo. Estamos diciendo que se aplicó esta medida, sin previo aviso ni un estudio serio, porque se aprecia en las facturas unos altibajos y cifras completamente arbitrarias. Esto que pedimos es urgente porque las facturas hay que pagarlas y muchos espacios están al borde del cierre. Esto no es exagerar ni victimizarse. Estos aumentos salvajes constituyen un segundo alquiler del lugar”.

Hugo Szmoisz, de Clumvi – Cámara de clubes de música en vivo-, contó que hubo reuniones con el ministerio de Cultura de la Nación y el ministerio de Energía. “En la primera reunión nos propusieron hacer un relevamiento y una investigación de cuanto era el impacto de suma de los espacios para una tarifa diferenciada. Tuvimos una segunda reunión en la cual el ministerio de Energía no se hizo presente. Solo estaban representantes de ministerio de Cultura de Nación y de Ciudad. Nuevamente nos fuimos con una promesa de seguir trabajando en una posible solución, sin ninguna certeza de una solución inmediata”. Remarcó que “La Constitución de la Ciudad de Buenos Aires tiene en su artículo 32, a la cultura como un derecho humano y garantiza su preservación”.  

Por su parte, Claudio Gorenman (MECA) calificó al tarifazo de “descerebrado” al tiempo que sostuvo que este tipo de acciones son para “exigirle al GCBA que se hagan cargo de la función que tienen y salgan a defendernos. Entendemos que el responsable de disponer de los fondos para paliar esta emergencia y permitirnos no llegar a fin de año sino a fín de mes, es el jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Horacio Rodriguez Larreta. Él tiene los medios y los recursos para solucionar este problema mientras negociamos con Nación.

conferencia_apagon_cultural_caleidoscopio3Sebastián Blutrach, representante de ADET (Asociación de Empresarios Teatrales) sostuvo que, “no formamos parte de Cultura Unida ni estuvimos en las charlas a las que se refirieron pero apoyamos al teatro, clubes de barrio y espacios culturales en general. Un gran colectivo que es fundamental para la Ciudad y los ciudadanos.  Creemos que esta es una situación grave. Cada espacio es distinto y tiene sus herramientas para defenderse. El teatro comercial tiene más herramientas pero también está en una situación grave. La situación es preocupante. En el caso del Teatro El Picadero, llegó una factura de agua de $35.000. En cualquier caso, apoyamos las gestiones que están haciendo.

Destacó algunos puntos, “El teatro se hace de noche y la tarifa nocturna es mas cara que la diurna. Hoy en día, las marquesinas de la calle Corrientes se apagan a las 12 de la noche de un día de semana. Eso es una foto triste de la ciudad. Espero que el proyecto de Juan se pueda tratar a la brevedad al igual que el proyecto de Tomada en la Legislatura tenga tratamiento”. Esta no es una situación de la cultura solamente sino de crisis que llega a las Pymes y emprendedores en general.

El punto final de los testimonios lo puso Julio Bassan, de AOM. “Nos declaramos en estado de emergencia. Son espacios que se sostienen con mucho esfuerzo y se necesitan políticas de estado que promuevan, fortalezcan y protejan  el trabajo artístico, no solo protegiendo la fuente de trabajo sino el derecho a la cultura.

Para cerrar la jornada, una foto con todos los presentes certificó que la cultura no se toca. Esta sábado 21 de mayo se realizará un corte de luz de un minuto. Pero, como se dijo en la conferencia, “un minuto es todo lo que le podemos dar. No vamos a permitir que por un tarifazo nos obliguen a cerrar ni un espacio cultural”.cultura_unida_caleidoscopio4

Novelas ejemplares (1613), Teatros ejemplares (2016)

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Novelas ejemplares de Miguel de Cervantes Saavedra (1613)

Teatros ejemplares (2016)

portada-high-solidAzucena Ester Joffe

Teatros ejemplares es un proyecto único de nivel internacional. Es la original e interesante idea de un libro on-line gratuito. El proyecto comenzó allá por 2013 al cumplirse 400 años de la primera publicación de las Novelas ejemplares de Miguel de Cervantes y hoy el fácil acceso a traves de la web permite que desde cualquier lugar se pueda ingresar a un sólido andamiaje cultural e histórico necesario para todos, no solamente para los amantes del teatro sino también para otros posibles destinatarios y, en especial, para aquellos adolescentes y jóvenes que tienen su primer acercamiento al Siglo de Oro español. Las doce novelas cortas de Cervantes La gitanilla, El amante liberal, Rinconete y Cortadillo, La española inglesa, El licenciado Vidriera, La fuerza de la sangre, El celoso extremeño, La ilustre fregona, Las dos doncellas, La señora Cornelia, El casamiento engañoso y El coloquio de los perros- que se publicaron en 1613 son el punto de partida e inspiración para los diecinueve dramaturgos iberoamericanos que de este modo le rinden su homenaje al gran autor español América Latina. Mujer, amante y argentina de Maruja Bustamante, Los libres cautiverios de Ricardo y Leonisa de Josep María Miró, El amante liberal de Carlos Liscano, Rinconete y Cortadillo de Luis Cano, Nos arrancaría de este lugar para siempre de Diego Faturos, Vidriera de Laila Ripoll, Transparente de Angie Oña, Lamadero de Roberto Contador, La fuerza de la sangre de Pablo Fidalgo, La fuerza de la sangre de Carlos Manuel Varela, Tu parte maldita de Santiago Loza, Celoso de Mariano Llorente, Constanza de Ariel Farace, Res (o) la mirada corrida de Yoska Lázaro, Pobres minas de Verónica Perrotta, La reina de Castelar de Román Podolsky, Perra vida de José Padilla, Palabra de perro de Juan Mayorga y El coloquio de los perros de Gastón Borges.

Cada versión dramática libre contemporánea de las novelas cervantinas no sólo actualiza la profusa e inteligente obra de Cervantes sino que es una puesta en abismo, interactiva, dinámica, y sobre todo “ejemplar”. Para la joven coordinadora de este mega proyecto, Almudena Javares:

Teatros ejemplares es un homenaje poliédrico: primeramente es un homenaje a Miguel de Cervantes. También, un homenaje a la literatura dramática en general y a la dramaturgia de nuestros días en particular, permitiendo trazar unas pinceladas de lo que se está escribiendo hoy para las tablas en la región iberoamericana, escenarios que homenajean a su vez a las dramaturgias con sus montajes.1

Por otro lado, la acabada ilustración da cuenta de qué forma el destacado dibujante español conoce las novelas cortas cervantinas y cómo se ha involucrado de manera precisa con cada texto dramático. Imágenes plásticas que surgen del centro mismo del proyecto: Miguel de Cervantes es dicho hoy, desde otras miradas, pero sin perder su particular punto de vista.

El ilustrador Miguel Brieva, que en España es muy conocido, es un gran novelista gráfico, de gran cultura general y una base filosófica importante. Siempre trabaja con mucho conocimiento de causa. Sabía muy bien que iba a ilustrar. Conocía muy bien a Cervantes y es un autor más del libro. Las ilustraciones ubican a Cervantes en el siglo XXI sin perder su esencia.2

El pasado 15 de abril se realizó la presentación oficial y el lanzamiento de esta publicación digital en la Embajada de España en nuestra ciudad. Un proyecto narrativo y teatral impulsado por el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) y por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) que se ha hecho realidad dentro del marco del IV centenario de la muerte del escritor.

proyectoEl punto de encuentro es https://teatrosejemplares.es/ y permitirá a cada lector navegar según su preferencia o interés. Y embarcarse en un recorrido a mitad de camino entre el Siglo de Oro y el siglo XXI. Cada lector podrá acceder y “adueñarse” de un trabajo perfecto realizado por un equipo de profesionales -curadores, expertos y responsables institucionales- que ha puesto a nuestra disposición el precioso material, el cual se puede descargar en distintos formatos. Maruja Bustamante y Santiago Loza estuvieron presente en la presentación y contaron cómo fue su elección y posterior aproximación a la novela cerventina. También agradecieron la invitación a participar por parte de los responsables de este mega proyecto. Además de un breve recorrido por esta publicación digital, el evento fue acompañado por un video con algunos fragmentos de las distintas puestas en escena o bien en formato de lectura dramatizada o semimontada. En el sitio web los textos dramáticos están ordenados como están ordenadas las novelas de Cervantes, algunos mantienen el mismo nombre y ciertas novelas tienen más de una obra dramática. Pues la consigna fue clara para cada dramaturgo/ga: deberían apropiarse e inspirarse de una manera muy libre en la novela que eligieran para luego crear su propio universo ficcional, un compromiso con nuestra escena actual. Este sólido encuentro entre un proyecto literario y un proyecto escénico es acompañado por varios prólogos a cargo de algunos de los responsables que incidieron en una parte importante del proyecto -Juan Duarte, Ricardo Ramón Jarne, Guillermo Heras, José Manuel Lucía Megías y Almudena Javares.

Por último, hay una clara intención de realizar el montaje de todas las obras dramáticas a lo largo del presente año cervantino. En una primera instancia, se presentó como teatro leído en España y hoy en:

Paraguay, Perú, Estados Unidos y Chile ya cuentan con elencos que están trabajando varios de los textos, acompañados por los dramaturgos, que apoyarán las creaciones invitados por los Centros Culturales de España de cada uno de los países. En el caso de Argentina, Bolivia y Uruguay contarán con las puestas de los dramaturgos, que, en el rol de directores, llevarán a escena sus propias creaciones. Lo mismo sucederá en España, donde los dramaturgos dirigirán y/o facilitarán sus textos para puestas en diversos espacios y festivales. En todos los casos, dramaturgos y Cooperación española contarán con socios locales de excepción, en un despliegue de la escena iberoamericana.3

Perra vida de José Padilla

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A fines de abril, los días 28 y 30, se presentó en el C. C. Rojas la primera obra después del lanzamiento de Teatros Ejemplares en nuestro país. La presentación de Perra vida en España fue en el formato de teatro semimontado, luego llegó el estreno internacional en Bolivia -Tarija y La Paz- y después de Argentina se presentó en Uruguay. En El casamiento engañoso los personajes están inmersos en un mundo cotidiano de mentiras y engaños, donde lo único cierto es la enfermedad de Campuzano. En cambio, en Perra vida el punto de vista parece pasar por el situación social de los españoles después de la crisis económica que se inició en el 2008, pues la precariedad de los personajes está más ligada a la pérdida de los recursos económicos que trae aparejado el engaño para poder sobrevivir en un contexto cada vez más cruel. El amplio espacio de la Sala Batato Barea subraya la desprotección de estas criaturas. En algún bar abierto las 24 hs situado en una estación de servicio en una ruta alejada, Peralta, un comerciante dominado por las leyes del mercado pero sin mucho dinero, hace un alto en el camino y encuentra a su antiguo compañero de la Legión española, Campuzano, quien no viene del hospital como en la novela original sino que vive en estado de total indigencia. Unos años antes el joven Lorenzo, dueño del lugar, se enamora de Estefanía, la nueva camarera, quien habría llegado de imprevisto y pareciera no tener historia personal previa. 13124925_1106960999326399_1174628550875475979_n

Cuatro seres como perdidos en algún lugar a medio camino, entre la crisis social y la crisis personal. Una historia fragmentada con saltos temporales no cronológicos, donde el presente se contrae y deja al descubierto los compromisos pasados y también el resultado del engaño en un futuro no muy lejano. El lenguaje de esta versión reproduce la jerga del español más coloquial con los giros de época más castizos, más vulgares. El elenco de manera acertada le da vida a una situación dramática atravesada, por un lado, por el no tiempo del clásico y, por otro, por el tiempo de una dramaturgia que no puede ser ajena de su presente. A lo largo de la obra, los cuatro personajes están presentes en cada escena, como observando, espiando entre bambalinas, muy atentos al devenir dramático. Mientras la precisa iluminación, por momentos rasante, construye el clima oscuro, gélido, y con algo de bruma que envuelve a estos seres. De la picardía de un relato parecido al de El Lazarillo de Tormes en Cervantes, pasamos a un drama burgués del siglo XXI; un drama que nos involucra y que da cuenta de la actualidad de la escritura del genio cervantino.

Ficha técnico: Perra vida de José Padilla, versión libre de El casamiento engañoso de Miguel de Cervantes Saavedra. Actúan: Marta Poveda, Elisabet Altube, Diego Toucedo, Samuel Viyuela. Diseño de Iluminación: Pau Fullana. Diseño de Escenografía: Eduardo Moreno. Producción y técnico de gira: Pablo Ramos Escola. Asistente de dirección: Marta Matute. Diseño de vestuario: Sandra Espinosa. Creación sonora y composición musical: Alberto Granados. Prensa en Argentina: Marisol Cambre. Dirección: José Padilla.

1Según gacetilla de Prensa

3Según gacetilla de Prensa

Mi hijo camino sólo un poco más lento

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Mi hijo camino sólo un poco más lento: Una invitación a pensar sobres las relaciones interpersonales, los prejuicios y los miedos en la familia.

Horacio Garcia Clerc – hgclerc@gmail.com

Adriana Libonati – superlibonati@gmail.com

Un sábado, once treinta de la mañana, inusual para una obra de teatro porteño, en Apacheta Sala-Estudio (una pequeña sala, de las tantas alternativas que hay en la ciudad de Buenos Aires) actores y actrices vestidos con atuendos deportivos, sin maquillajes, nos reciben con chipá y mate mientras otros dialogan entre ellos o se preparan para la escena.

Nos espera un espacio despojado, bañado de luz natural que entra por un ventanal y que se convierte en la fuente lumínica principal de la escena. Sobre un pizarrón, uno de los actores didácticamente escribe el nombre de la obra “Mi hijo sólo camina un poco más lento (una pieza croata)”. Una pieza de Ivor Martinic, joven autor croata producida durante el Festival  Internacional de Dramaturgia “Europa + América” en el año 2014, estimulando las relación entre autores y puestistas de los dos continentes.

En esta puesta de Guillermo Cacace la entrega de mundo no tiene referencia geográfica, espacial o temporal, allí habitan tres generaciones que conviven y donde se destaca el vínculo materno filial. La familia se dispone a festejar el cumpleaños de Branko, el hijo que no camina. Una calamidad que avergüenza y estigmatiza. El hijo varón en el marco de las sociedades de un fuerte sesgo patriarcal es quien debe llevar adelante la esperanza de la transformación. La madre enmascara el linaje discapacitado para sobrellevar la frustración de sus deseos.

Desde el sistema de personajes se presentan situaciones que se activan entre el ocultamiento y la desdicha, disimuladas por la sobreprotección. Branko el hijo inválido, sometido al sistema que lo cuida y ahoga. Mia, la madre, juega una actividad doméstica efectiva donde la dedicación a su hijo es primordial. Su hermana Rita que oculta su propia situación familiar. Ambas son hijas de Ana, la abuela exigente y fantasiosa de memoria aleatoria, acomodaticia y senil. Entre las tres, asumen las principales acciones de una estructura familiar donde Branko es el centro de referencia y ellas, depositan sus anhelos insatisfechos. Hay aún dos mujeres importantes en esta trama: Doris, hermana de Branko que siente culpa por ser la que no tiene impedimento físico y teme salir del entamado familiar para lograr su felicidad y Sara, enamorada de Branko pero a la que se le impide entrar al enmarañado círculo de la familia. Cabe destacar que el rol masculino – salvo en el caso de Branko se muestra disminuido. Los cuatro hombres son periféricos en la trama. Roberto, marido de Mia y padre de Branko, acobardado y sometido. Oliver, el abuelo, resignado y ausente. Miguel, el esposo de Rita intenta alejarla de la familia sin conseguirlo y Tin, novio de Doris, quien desorientado utiliza actitudes disruptivas y fuera de lugar, en su intento de demostrar sus sentimientos.

La comunicación entre los personajes se lleva a cabo mediante palabras viciadas /vaciadas, donde el sentido cae en un punto muerto, que son pronunciadas a la manera de un discurso ritualizado. De esta forma se manifiesta plenamente el deíctico escénico de obturación de los espacios de relación. Situaciones que se plasman en la actuación, cuando los personajes muestran la imposibilidad de expresarse mediante contactos físicos. Estas acciones son relatadas por un actor que asume el rol didascálico, entregando y comentando el segundo texto dramatúrgico que incluye directivas que no se desempeñan, reforzando de esta manera la imposibilidad de un acercamiento físico- afectivo. Es importante destacar esta figura, en un texto escénico que presenta filiación hiperrealista dado por la ropa deportiva que visten los actores, la ausencia de maquillaje, la luz natural, las sillas en escena ocupadas por los personajes cuando no están actuando, la interpelación permanente al público tanto en gestos, palabras o miradas, que harían mutar la poética a una zona intermedia. Construcción dinámica que hace asumir a la obra una clara referencia a la condición de ensayo, instalando una bisemia conceptual en ese sentido. Pero, esta suerte de trasgresión al encuentro personal le otorgaría la función en el aspecto semántico, de una metáfora de la incomunicación.

Los personajes son individuos sin un destino preciso que no parecen comprender que es lo que buscan. Pero en el final la obra también abre la opción del encuentro, la posibilidad del re-conocimiento más profundo y reflexivo. Una apertura a re- entramar a partir de las capacidades propias y disponibles, los vínculos que habiliten espacios de amor y sociabilidad constituyentes. Desde allí es factible pensar a los seres humanos, todos, como insertos en una trama de significaciones que ellos mismos han creado y en la que terminan siendo inmovilizados por esa red, que los obliga a seguir caminando en círculos.

Ficha técnica

Dramaturgia: Ivor Martinić Traducción: Nikolina Zidek Actores: Aldo Alessandrini, Antonio Bax, Luis Blanco, Elsa Bloise, Paula Fernandez Mbarak, Pilar Boyle, Clarisa Korovsky, Romina Padoan, Juan Andrés Romanazzi, Gonzalo San Millan, Juan Tupac Soler. Vestuario: Alberto Albelda Escenografía: Alberto Albelda. Diseño de luces: David Seldes Asistencia de dirección: Catalina Napolitano. Arreglos musicales: Francisco Casares. Director asistente: Julieta Abriola. Dirección: Guillermo Cacace. Espacio Apacheta. Reposición.

Ayer, hoy y siempre TeatroS AbiertoS

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Ayer, hoy y siempre TeatroS AbiertoS

Conversación sobre el Teatro como Resistencia cultural

Panel: referentes de Teatro Abierto y jóvenes discípulos de Alejandra Boero que están al frente de salas teatrales.

Martes 24 de mayo 18.30 hs

Teatro Andamio90, Paraná 660, CABA. Inscripción previa: llamano@andamio90.edu.ar

Actividad gratuita. Cupos limitados.

Roberto Tito Cossa

Agustín Alezzo

Rubens Correa

Hugo Urquijo

Hector Calmet

Referentes de :  Moscú Teatro Escuela,  Andamio 90, Machado Teatro, El Archibrazo, Teatro El Duende, Timbre 4, Quintino Espacio Cultural, Teatro La Carpintería, NoAvestruz Espacio de Cultura independiente, Centro Cultural Matienzo

Andrea Feiguin – Comunicación y prensa
15.5062.1635
Twitter: @andyfeiguin
http://www.tehagolaprensa.com.ar

La productividad shakespeareana en la escena porteña

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Ricardo III

La productividad shakespeareana en la escena porteña

Silvina Diaz – silvinadiazorban@yahoo.com.ar

Adriana Libonati – superlibonati@gmail.com

Muchas de las obras de William Shakespeare se han convertido en verdaderos clásicos -teniendo en cuenta que esta concepción implica un alto grado de productividad-, si atendemos a la enorme cantidad de veces que sus piezas han sido revisitadas en la escena mundial, teatral y cinematográfica, de todos los tiempos. Su productividad comprende también los innumerables textos teóricos, ensayos y estudios críticos que los análisis de esas obras han generado. Ricardo III es la pieza shakespereana más representada y constituye el último eslabón de su primera tetralogía, que presenta niveles de intertextualidad con las piezas anteriores de la serie: la primera segunda y tercera parte de Enrique IV.

La obra trasciende la singularidad de la biografía de un personaje histórico y su carácter local, para crear un estereotipo universal, aunque sumamente rico y complejo en sus variables, del tirano. La trama representa el ascenso del héroe -que es, en realidad, un antihéroe- en el camino que lo lleva a su meta -el trono- en cuyo transcurso va superando, impetuosamente y sin escrúpulos, cualquier obstáculo que se interponga ante él. El desarrollo de las situaciones dramáticas confluye en la soledad del héroe que, lejos de menguar su fortaleza y su determinación, lo impulsa a enfrentarse al mundo entero para imponer su verdad. Así, “en su siniestra tarea de ascenso y permanencia en el poder no sólo carece de un antagonista a la medida de su estatura, o que siquiera encarne una visión contraria a la propia, sino que, considerada desde la perspectiva de la variedad dramática, sus acciones son de una llamativa unilateralidad: seducir y matar” (Piña, 2007: 14)1 En un movimiento inverso, la última parte de la obra presenta la caída, el descenso, la destrucción del villano y del mundo que edificó, que se devela entonces como un espejismo.

El personaje central es en realidad un antihéroe, un villano, caracterizado por su perversidad, su falta de valores, su regodeo en la maldad. El personaje genera en el espectador una mezcla de espanto y admiración. Así, puede percibirse cómo la identificación del lector- espectador, que se propicia en un comienzo -ya sea a partir de la astucia del personaje o de su capacidad de sacar provecho de las situaciones- vira, en el transcurso de la trama, hacia la aversión y el rechazo.

El poder y sus variables -la ambición, la traición, la locura- constituyen el eje que estructura todos los textos de Shakespeare. Se trata en general de personajes que encarnan una maldad intrínseca, que no pueden dominar y que los conduce primero a la soledad más absoluta y, luego, a la autodestrucción: el impulso fraticida de Claudio, los celos enceguecedores de Otelo y, en todos ellos, la violencia que opera como una fuerza subterránea incontrolable. La historia de Ricardo III es la historia de la máxima deslealtad: la traición a su familia, a sus amigos, a sus servidores y a todos los ciudadanos. Francisco Civit, el director de la versión escénica a que aludimos, escribe a propósito de esto en el programa de mano de la puesta: “Nos interesa la función de esos personajes en la totalidad del relato. Esta es una obra que nos habla sobre el villano, sobre los villanos”.

La característica más notable de la adaptación de Civit es la concepción dinámica de la puesta que, si bien respeta las situaciones básicas de la trama, sus conflictos y las particularidades de sus personajes, imprime un gran ritmo a la escenificación. Y ello en varios sentidos. En primer lugar, con respecto a los personajes, que si bien poseen una evidente profundidad psicológica (por cuanto se trata de los personajes emblemáticos de Shakespeare) están construidos desde un concepto de movilidad. Ya sea por un fenómeno de sincretismo -por momentos un mismo personaje aparece representado por varios actores simultáneamente- o bien porque cada actor representa a varios personajes sucesivamente. En lo que hace el espacio contribuyen con ese dinamismo los niveles y desniveles que dividen el ámbito escénico en distintos sectores, y en lo referente a la dimensión temporal, la rotación de los músicos- actores y de los instrumentos que amenizan la música en vivo. Estos indicadores se complementan con la utilización del espacio teatral en su casi totalidad. Se trata de un espacio despojado, con útiles escénicos mínimos, valorado en toda su potencialidad dramática, que busca integrar al espectador en el devenir escénico, quien se siente involucrado y de alguna manera interpelado.

Como señala Jan Kott, el gran estudioso de la obra shakesperiana, un texto clásico absorbe de golpe toda nuestra contemporaneidad. La elección y la relectura de un texto clásico supone la posibilidad de hablar de la época en que se pone en escena, en un intento por descontextualizar la acción con respecto al drama y a la época isabelina, para generar estereotipos, personajes arquetípicos de todos los tiempos, con una intención de acercarlo a nuestro días y a nuestro contexto socio- político.

Así, a nivel semántico, sus palabras adquieren nuevas resonancias a la luz de las condiciones imperantes. Pensamos por ejemplo en las inhumanas conspiraciones que trama el personaje, justificadas por parlamentos en los que se empeña en subrayar su inocencia y honestidad, incluso pidiendo perdón por acciones cometidas involuntariamente o mal interpretada. Por ejemplo, cuando señala “Si alguno en esta noble asamblea, por informes errados o sospechas injustas, ha llegado a considerarme su enemigo, si involuntariamente o presa de la ira he cometido alguna acción que ofendiera a los aquí presentes, quisiera reconciliarme en paz: La enemistad es para mi la muerte, la detesto y aspiro al cariño de todos los hombres de buen corazón” (2007: 96)2

En este sentido, los abusos de poder envueltos en un halo de supuesta moralidad y sacrificio por el prójimo no hace más que poner en evidencia su interés en privilegiar sus propios intereses por encima de los del pueblo, aunque ello suponga vulnerar las leyes y traicionar a quienes lo apoyaron: “Hago el mal y alboroto antes que nadie: Las maldades secretas las preparo en las espaldas de los otros (…) y cuando mas diabólico es mi designio más santo me consideran.” (2007: AÑO: 74).

1 Piña, Cristina, 2007, Prólogo, William Shakespeare, Ricardo III. Buenos Aires, Losada

2 Shakespeare, Williams, 2007, Ricardo III. Buenos Aires, Losada.

Sally, una farsa de Dennis Smith

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Sally, una farsa de Dennis Smith

Un musical expresionista

1462317603_untitled-1Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Una escena expresionista, desde la ambientación, la música y el vestuario, con actuaciones que recuerdan por su estética al cabaret de Berlín de principios del siglo XX, y a las técnicas de cine mudo es la que ofrece Sally, una farsa en El Cultural San Martín. Dennis Smith nos plantea un desafío, el de reconstruir una vida a partir de momentos, sucesos que serán seleccionados para dar cuenta de un personaje, que bien pudo ser real, pero que surge de la magia de un filme, y en un relato metateatral provocarnos desde el relato, en la doble dimensión de una lógica temporal y de un ensayo que propone esa historia ante nuestros ojos. Una pregunta cuasi inocente, los llevará a un viaje hacia el pasado, 1910, para comenzar como en el mejor relato lógico causal, los motivos que pudo tener la protagonista para hacer lo que hizo, y ser lo que fue. Cada salto temporal tendrá en el presentador la voz de las efemérides que nos ubiquen en el contexto de los personajes, aunque algunos suenen disparatados y desconectados uno de otros. Dos continentes, el Americano, el de nacimiento, la riqueza, la Guerra del 14, la miseria, la crisis de la bolsa de 1929, la Gran Depresión, y Europa, que abraza el fascismo y su propio infierno casi sin darse cuenta, luego de los locos años 20 y de la convicción de que lo ocurrido en la Gran Guerra no sucederá nunca más. 1462387029_untitled-4

Un musical – cabaret, un ensayo que nos habla de una vida ficcional, dando así al tempo en escena varias coordenadas que aúnan las presentaciones de Alejandra Perlusky que jugando desde el vestuario, la corporalidad, la gestualidad y la voz con una imagen masculina fuerte que ancla en la que aparece en el presentador de la película, Cabaret1. Por otra parte, Dennis Smith encarna el personaje de Sally, y al igual que su compañera, lo hace desde los mismos procedimientos. Y lo hace a partir de crear un personaje que sea el revés de la trama del original: “La Sally que conoceremos en este espectáculo es absoluta y radicalmente opuesta a la que vemos en la película.” Afirma Smith en el programa de mano. De Liza a Sally, hay un hilo que se rompe y es el de la inocencia. La Sally Bowles de la Minelli, tiene mucha noche, sin embargo, uno puede encontrar en ella ciertos rasgos de malicia ingenua cuando de sentimientos se trata.

Sally en el Cultural San Martin Temporada 2016  a)Foto Prensa CSM Sandra Cartasso

Sally en el Cultural San Martin Temporada 2016 Foto Prensa CSM/ Sandra Cartasso

La Sally de Smith, tiene un territorio de abandono, recorrido tan drástico y perverso que no logra construir a partir de allí el grado de maldad necesaria para sobrevivir en su medio y por eso huye a Alemania. Personajes que nos abordan desde el vestuario, la música, la gestualidad, la palabra, en ese orden, y que se rompen y fracturan para que desde el fragmento recuperemos el territorio del presente de la enunciación. Una directora y su actor / actriz juegan una dialéctica en escena de cómo debería ser el proceso de creación para llegar finalmente a la construcción de la subjetividad de Sally, la niña desprotegida que se ve arrasada por una realidad que no termina de comprender. Las actuaciones son excelentes, y nos llevan a partir de la música, el piano en vivo como en las películas sin sonido incorporado, a sentirnos en ese ambiente de principios de siglo XX, donde la modernidad ensayaba sus primeros pasos a sangre y fuego. La farsa como género se permite el exceso, la desmesura y el juego escénico que implica la metateatralidad, pero en la puesta tiene una doble significación, porque no sólo es farsesco en el sentido de la poética lo que vemos en escena sino que toda la historia es una farsa, una construcción ficcional que recupera la parte de la historia que el filme americano no presenta sino fragmentariamente. Una puesta potente para los que gustan de la comedia musical, y para los que seguimos el proyecto de un creador como Dennis Smith que siempre nos sorprende para bien.

Ficha técnica: Sally, una farsa de Dennis Smith. Elenco: Alejandra Perlusky, Dennis Smith. Música original: Fernando Albinarrate. Letra de canciones: Dennis Smith y Fernando Albinarrate. Concepto: Alejandro Ibarra y Dennis Smith. Diseño de vestuario: Julio César – Matías Begni. Zapatos: Alejandra Robotti. Diseño de luces: Francisco Hindryckx y Alejandro Ibarra. Fotos: Fuentes2Fernández. Diseño gráfico: Lucila Gejtman. Prensa: Débora Lachter. Difusión en redes sociales: Enchúlame Social Media. Asistente de producción: Nicolás Sorrivas. Asistente de dirección y stage manager: Luciana Larocca. Producción: Roni Isola. Dirección musical y piano: Damián Mahler. Dirección general: Alejandro Ibarra. El Cultural San Martín: Sala 3. Estreno: 10/05/2016. Duración: 65′.

1 En el Berlín de inicios de los años 30 tiene lugar una historia de amor entre la bailarina de un local nocturno de moda llamada Sally Bowles (Liza Minelli) y un estudiante de Cambridge llamado Bryan Roberts (Michael York), con los nazis en pleno auge político con la ascensión del NSDAP al gobierno alemán. Antes de llevarse a la gran pantalla, Cabaret fue un musical de gran éxito en Broadway y la película recupero el género para el lenguaje cinematográfico que no tenía en 1972, fecha de su estreno, un lugar destacado.

Conferencia de prensa de Cultura Unida

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Te invitamos a participar de la conferencia de prensa de Cultura Unida 19/05 a las 17Hs. en La Carpintería Teatro, Jean Jaures, 858, Abasto.

Los espacios culturales de la Ciudad de Buenos Aires nucleados en Cultura Unida realizarán una conferencia de prensa mañana, jueves 19 de mayo, a las 17 hs. en La Carpintería (Jean Jaures 858, Abasto) para anunciar al lanzamiento de la campaña Emergencia Cultural . La misma contará de una serie de acciones que buscan visibilizar el estado de emergencia en el que se encuentran estos espacios a partir de los ajustes aplicados por el Gobierno Nacional.

En ese marco, el próximo sábado 21 desde las 20Hs. tendrá lugar la primera acción de la campaña en la que los Teatros Independientes, Centros Culturales, Clubes de músicas, peñas y milongas de la ciudad realizarán un apagón de un minuto en cada espacio para encender la Emergencia Cultural.

Hoy, los Espacios Culturales de la Ciudad de Buenos Aires (Teatros Independientes, los Centros Culturales, los Clubes de músicas, peñas y milongas) apagamos las luces para encender la Emergencia. Debido al incremento desmedido por parte del Gobierno Nacional de las tarifas de luz y agua que venimos sufriendo desde el mes de febrero, hoy estos espacios están en riesgos de cerrar sus puertas para siempre. Nos declaramos en Estado de Emergencia.

Somos espacios que se sostienen por su esfuerzo y que necesitan de políticas de Estado que promuevan, fortalezcan y protejan el trabajo nacional y artístico, cuidando no solo las fuentes laborales sino también el derecho a la cultura. Nosotros no tenemos ni una rentabilidad extraordinaria, ni financiera, ni especulamos con el acceso al arte. Somos artistas y trabajadores de la cultura, que percibimos salarios de trabajadores.

A pesar de nuestros reclamos desde hace ya más de dos meses, la respuesta por parte del Estado Nacional en relación a una política pública que proteja nuestros espacios es nula. A este atropello se le suma la política de persecución y clausuras constantes que vivimos los espacios culturales de la Ciudad de Buenos Aires.

Ante esta grave situación que tiene en estado de emergencia a la cultura en la ciudad, le exigimos al Gobierno de Horacio Rodríguez Larreta un fondo de emergencia urgente para palear estos aumentos y que se trabaje en la implementación de una tarifa nacional diferenciada para todo el sector cultural.

Somos Cultura Unida: ARTEI (Asociación Argentina del Teatro Independiente) MECA (Movimiento de Espacios Culturales y Artísticos) ESCENA (Espacios Escénicos Autónomos) FAAO (Frente de Artistas Ambulantes Organizados) AOM (Asociación de Organizadores de Milongas) CLUMVI (Cámara de Clubes de Música en Vivo) Seamos Libres Foro de Danza en Acción Abogados Culturales FACC (Fuerza Artística de Choque Comunicativo) Construyendo Cultura Potencia Unida Roja y Blanca Actores LaCulturaNoSeClausura Peñas Unidas

Contactos para entrevistas:

Liliana Weimer (ARTEI): 1134657416 // Claudio Gorenman (MECA): 1130505131 // Alejandro Rejia (CLUMVI): 1161943297 // Andrea Vertone (ESCENA): 1162075623 // Julio Basan (AOM): 1155785628

Correo: laculturaunida@gmail.com

 

Como si fuera esta noche de Gracia Morales

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Como si fuera esta noche

de Gracia Morales

Un juego de tiempos cruzados

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

13139005_1738086789748429_7730409702455465660_nUna joven, Clara, recuerda una historia, propia y ajena. El centro la figura de su madre, Meche, que ya no está. En el presente de la enunciación: su relación con el amor, Diego, personaje que se irá construyendo en el discurso, y un acontecimiento que puede a los dos cambiarles la vida para siempre. En la memoria, un recuerdo que viene como si estuviera pasando en su presente, y que sin inocencia le plantea un ejemplo a no seguir para su propio proyecto personal. En un ámbito cerrado entre las paredes de una habitación; la memoria regresa para dar cuenta de un relato que se cruza en la figura de la hija, su casa, el padre, Carlos, la madre, y una relación cotidiana, tal vez más común de lo que se piensa en realidad. El pasado pesa y está presente como dolor y advertencia, no repetir viejos errores familiares, no permitir que nos rocen, por eso recordar como exorcismo para despejar las nubes que nos rodean y así comenzar una historia propia. La escenografía, hacia el fondo tela pintada, al costado rollos de telas, una mesa y un oficio, la costura; el ayer; hacia el otro lado, el presente, y un mensaje grabado, buscando su lógica. Los personajes dos en escena, los otros construidos por la palabra. La música, el bolero, crea un clima particular, el de la espera: El reloj (1965) de Roberto Cantoral y el del adiós, Bésame mucho (1940) de Consuelito Velázquez y nos sitúa en el tema, el amor romántico y el dolor, el enfrentamiento de una violencia que se repite porque la sociedad patriarcal resiste en perpetuar su mandato y pone a cada uno en su lugar, y la mujer tiene reservado el de la sumisión, en ser el objeto de la desilusión ajena. Víctimas los dos, ella es la que recibe el golpe final, el definitivo. Un texto lineal que entrecruza los tiempos y logra efectividad en escena, a través de la iluminación, a pesar de que las actuaciones no alcanzan por momentos transmitir desde el cuerpo la intensidad de la tragedia.clip_image002 Todo se reduce a un medio tono, que se eleva hacia el final, en el cuerpo de la mujer detrás de la escena, creciendo hacia la platea bajo los efectos de la luz, y que ante la pequeñez del cuerpo femenino en el presente, en el de la hija que también es madre, logra transmitirnos la dimensión de la soledad. La dirección de Meche Fernández marca en el espacio una coreografía, que cruza los cuerpos aún cuando las palabras construyan la intensidad de los monólogos. Parteneirs imaginarios el padre y el novio, futuro padre de familia, danzan con las mujeres en escena en un presente que es recuperado por Clara, necesariamente, para lograr una estabilidad que le permita seguir hacia delante. La obra es más que representación, es un alegato contra el femicidio pero que describe los hechos, sin llegar a profundizar en la problemática, y en como la sociedad es responsable por la realidad de ambos: la víctima y el victimario. La ley1 hace apenas tres años que reformó el Código Penal para que el castigo se cumpla baja la figura de femicidio, mientras tanto, la situación no ha mejorado sino por el contrario el rol que la sociedad perpetúa para la mujer es el de la tolerancia todo terreno, y los casos se suceden habitualmente cuando ésta enfrenta la situación y dice ¡Basta! Pero su grito desesperado no alcanza, la ley no alcanza, si la conciencia colectiva no deja de mirarse con los ojos presos de un mandato que nos involucra a todos. 13164427_1737030973187344_5111413159752842723_n

Ficha técnica: Como si fuera esta noche de Gracia Morales. Con: Laura Campolongo, Flavia De Luca. Escenografía y Vestuario: Ana Repetto. Música original y Diseño sonoro: Rony Keselman. Diseño de luces: A. Repetto, M. Fernández. Diseño gráfico: Toto Ilustrador. Fotografía: Marcelo Navarro. Asistente Técnica: Natalia Vigón Ruffa. Asistente de Dirección: Tati Martínez. Prensa: Marcos Mutuverria, Duche&Zárate. Dirección y puesta en escena: Meche Fernández. Teatro del Abasto. Estreno: 07/05/2016. Duración:

Bibliografía:

Russo, Sandra, 2016. Lo femenino. Aproximaciones a las mujeres como enigma. Buenos Aires: Editorial Debate.

1 El primer caso conocido en el que se aplicó la figura de femicidio estuvo a cargo del titular del Juzgado de Instrucción 17, de Javier Feliciano Ríos. Fue en marzo de 2013, después de que en la sección del 15 de noviembre del año anterior, la Cámara de Diputados convirtió en Ley la Reforma al Código Penal que estableció prisión perpetúa “que mataré a una mujer a una persona que se autoperciba con identidad de género femenino, y mediare violencia de género”.(169)