Archivos Mensuales: junio 2017

Teresa está liebre de Florencia Naftulewicz y Jimena González

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Teresa está liebre de Florencia Naftulewicz y Jimena González

Una puesta inquietante

teresaAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

En un ámbito en penumbras, el personaje nos espera, sentada, inmóvil en una escenografía barroca, donde la compulsión ha llenado cada uno de los espacios posibles, con bibelots, imágenes religiosas, cuadros, fotos, papeles, libros, tazas para tomar el té, lata de galletitas, figuritas de cerámica, en una espiral de objetos que no cesa y que la mirada no puede abarcar en su totalidad. De ese espacio de refugio la liebre saltará al centro de la sala, para comenzar a narra de forma fragmentada, incoherente en un principio, una historia, la suya y la de conejo. ¿Quién es conejo? Una compañera de ruta en un lugar de salud mental: refugio y cárcel al mismo tiempo. El juego verbal entre liebre y libre, hace que en el espectador, ambos significantes se unan, ¿por qué quien corre más que una liebre para escapar y ser libre? ¿Y qué otro deseo anida en el corazón de Teresa, sino escapar de ese lugar y de sí misma? La fina línea que divide a la locura de la normalidad, pareciera desaparecer ante nuestros ojos, para inquietarnos con su presencia omnímoda. El personaje rompe la cuarta pared y nos interpela aun cuando no se dirige directamente a nosotros, sus testigos circunstanciales, aquellos que reemplazamos al terapeuta, al amigo, o al familiar ausente en la escena, pero siempre presente en el relato: el padre atento y cariñoso de quien tiene los mejores recuerdos, o donde la memoria ha seleccionado los que produce el amor, la madre y su indiferencia, el totalitarismo del discurso científico en la presencia del psiquiatra, que a su vez se convertirá en víctima de la vida, la amiga conejo, que como ella o aún más desesperada la lleva a actos de tensión, a transgredir los márgenes, y a celarla porque también pertenece al escenario de lo propio. esta liebreTeresa, la liebre, construye un monólogo donde lo narrado va tejiéndose con retazos, con piezas que a veces no parecen pertenecer del todo, pero que sin embargo, finalmente encontrarán su lugar. La presencia de la actriz en la subjetividad del personaje es fuerte y contiene una tensión que se siente en todo, provocando un clima de desolación, que llega a la platea; su soledad, su búsqueda, su necesidad de contacto cuando ofrece té o galletitas, es contundente por la excelente performance de la actriz que lleva sobre sí la estructura de la obra. En un momento la tensión dramática es tan alta, que luego se produce el efecto no buscado de un nivel más bajo en la actuación que la detiene, sin embargo, la puesta logra retomar y recapturar la atención una vez más. Su acompañante, conejo, tiene la presencia necesaria para provocar los cambios de humor, agregar los datos que no aparecen de otra manera, y también lleva adelante su rol con solvencia. Un relato atravesado por la literatura Alicia en el país de las maravillas, pero sin chiste. Es decir, Teresa (Florencia Naftulewicz), la liebre, sigue como en la novela al conejo, pero lo que encuentra no es la libertad sino otra dimensión de la cárcel en que se encuentra. Un relato intimo que es contenido por ese espacio lúdico subjetivo y frágil, mientras, por un lado, la iluminación de forma precisa nos vela quizá para paliar la intensidad de la historia y, por otro, los sonidos en vivo tienen algo de perturbador. En tanto nos preguntamos por ese otro personaje femenino (Fernanda Rodríguez). ¿Es “real” o es producto de su imaginación?url

Ficha técnica: Teresa la liebre de Florencia Naftulewicz, Jimena González. Actúan: Florencia Naftulewicz, Fernanda Rodríguez. Diseño de escenografía: Teresa está liebre. Diseño de luces: Leandro Crocco. Sonido en vivo: Mariano Asseff. Realización de escenografía: Jackie Ferreira, Jair Bellante, Mariano Asseff. Fotografía: Agostina Gladiali. Diseño gráfico / Ilustración: Mariano Asseff. Asistencia: Luca Capobianco. Prensa: Carolina Alfonso. Dirección: Pilar Boyle, Sharon Luscher. El Camarín de las Musas. Estreno: 18/05. Duración: 65′.

Las criadas de Jean Genet

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Teatro Diverso presenta

Las criadas de Jean Genet

Con la fuerza de la palabra, con la singularidad de las acciones

16998665_1368741476532606_3160040618502362154_nAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Las criadas (1947) fue la primera obra dramática conocida del autor, y tal vez la más representada en los escenarios porteños. Una de las más recordadas fue la que Víctor García llevó adelante en 1969 en Barcelona con la compañía de Nuria Espert, quien luego de la muerte del director sería vista en Buenos Aires en 1984, con la geografía de una reciente democracia. La más reciente fue la que puso en escena Ciro Zorzoli, con Marilú Marini. El texto de Genet narra las acciones de dos sirvientas que mantienen una relación ambivalente con la señora, donde el amor, el agradecimiento, el odio, el rencor, y el resentimiento, se cruzan en un punto vertiginoso que desata la trama tejida con los hilos del demonio. En esa espiral infernal, todo puede suceder; desde el lenguaje y la corporalidad, los personajes construyen un universo cerrado que deja en evidencia las contradicciones sociales, la imposibilidad de ver al otro como un prójimo. La puesta que en el Teatro Del Borde lleva adelante Teatro Diverso, tiene más de un procedimiento feliz a la hora de poner en acto aquella textualidad descarnada y cruel. La elección de un elenco masculino en su totalidad, da un tono especial a la ambigüedad que pretende el autor, que no construye una dicotomía de buenos y malos sino que pone en esos seres la posibilidad del amor y del odio en partes iguales. En una escenografía que se extiende hacia la izquierda, a la escalera por donde hará su entrada triunfal la señora; se construye un espacio que es su habitación con capullos de rosas rosas tiradas en el piso, una lámpara de caireles, con una mesita donde un reloj les indicará a las sirvientas cuando deben abandonar el juego que llevan adelante, ser una u otra la señora: probarse sus vestidos, adoptar sus maneras delicadas, su tono de voz entre dulce y demandante, su presunción, su estilo de clase, su desprecio por ellas disfrazado de caridad y cortesía. Los personajes de las criadas, vestidas con enaguas negras, maquilladas expresionistamente, odian y aman con la misma intensidad, y ese odio deviene hacia ellas, como una prolongación de su vida devastada, sin esperanza alguna. La dirección de Darío Serantes, elige la fuerza de los contrastes ya desde lo plástico, desde lo visual, antes de que la palabra domine la acción y el discurso de una cruel sinceridad lo invada todo.000152711

Desde “Teatro Diverso” proponemos abordar la creación teatral desde una estética diversa, rompiendo el binarismo impuesto por la norma heterosexual de lo masculino y femenino como únicas expresiones de género, construyendo así otras identidades. Las Criadas  nos permite explorar esta cuestión de la identidad, ¿Quiénes son estos personajes? ¿Cuál es Clara, cuál Solange? ¿Quién de todas es la Señora? ¿Son mujeres? ¿Son hombres? ¿Actores o actrices? ¿Víctimas o victimarios? Quizás sean todo a la vez, generando el paradigma de las identidades trans. No hablamos de cuerpos equivocados sino de cuerpos (personas) que no pueden ser puestas en uno u otro lado.1

Esta es la esencia que habita el espacio escénico, es una corporalidad que se va construyendo ante nuestra atenta mirada, imposible desviarla, pues es inquietante y pone entre paréntesis nuestra cotidianidad más allá del artificio. Mientras la acertada iluminación delimita el devenir tortuoso hacia el desenlace final. La gestualidad de los rostros remarcada por el maquillaje, los tonos e inflexiones de la voz son el perfecto exceso que instala a estos personajes en el centro de la ritualidad. El potente trabajo actoral tiene la precisión y la intensidad necesaria como para asegurar que esta puesta escena es un acontecimiento teatral. las criadas

Ficha técnica: Las criadas de Jean Genet por Teatro Diverso. Elenco: Juan Rutkus (Solange), Darío Serantes (Clara), Miguel Zandonadi (La Señora). Diseño de Iluminación: Diego López. Selección musical: Darío Serantes. Diseño y realización de Vestuario: Miguel Zandonadi. Maquillaje: Juan Rutkus. Fotografía: Anita Villar. Diseño gráfico: 3boxes. Prensa: Analía Cobas y Cecilia Dellatorre. Director asistente: Fabián Pedroza. Dirección general: Darío Serantes. Teatro Del Borde. Duración: 70′.

1Según gacetilla de Prensa

La Botella de Diego Corán Oria y Jorge Sordera

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El Botella. Cuando los niños quieren y necesitan respuestas …

Copia de el botella_flyer prensa aSusana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

El protagonismo de Enoc Girado, su voz, su capacidad actoral y fundamentalmente, su carisma, hacen más que atractiva la puesta de Diego Corán Oria. Este niño, realmente encantador, se inició en el canto guiado por su madre quien como profesora de música, dándose cuenta de la capacidad de su hijo comenzó a educar su voz y a introducirlo en esta disciplina artística. Sus primeras actuaciones fueron en Tandil, su ciudad natal, cantando en la iglesia o bien, milonga y tango en una fiesta en homenaje a su abuelo. Luego, en la radio local, Canal 9, C5N, nuevamente Canal 9, una posibilidad en la TV colombiana, Tinelli y finalmente, su incursión en el teatro.

La puesta narra la historia de El Botella quien vivía con su abuelo en una fábrica de botellas abandonada (de ahí el nombre del niño). Cuando pierde a su abuelo decide salir en busca de sus padres, a quienes no conoce. Emprende el periplo ayudado por su maestra, la señorita Laura, por Miguel, enfermero que atendió a su abuelo y por su amigo Fresco, compañero inseparable. Viven múltiples aventuras, audaces, peligrosas y también divertidas. Finalmente, cuando con su amigo arriban a París, pues allí cree que encontrará a sus padres, son rescatados por la señorita Laura y Miguel, quienes le dicen que sus padres desaparecieron cuando trataban de resguardar obras de arte para evitar que fueran destruidas durante la segunda guerra mundial. Regresan al pueblito que los vio partir y … misteriosamente, al puerto llega un barco con un sinnúmero de valiosísimas pinturas que comienzan a exponerse en la vieja fábrica ya restaurada, constituyendo un atractivo turístico que soluciona el problema económico que había generado su cierre.

El conjunto de aventuras que atraviesan los niños constituye una serie de secuencias sumamente atractivas por el colorido, la creatividad de las coreografías y la plasticidad de la danza. Cada una, es un cuadro que revela el equilibrio entre baile, canto y actuación. La música es quien transmite y vehiculiza la acción dramática. Los conflictos con que debe enfrentarse el personaje suceden a través de la música, y el canto da voz y sentido a los sentimientos y temores de El Botella. La puesta cuenta con excelentes cantantes, no sólo desde lo vocal sino también desde lo interpretativo, guiados por una dirección que demostró muy buena utilización del espacio. La orquesta en vivo constituye un verdadero lujo: violonchelo, viola, violín, clarinete y clarinete bajo, trompeta, batería, bajo, guitarra eléctrica, teclados y sintetizadores. Una producción brillante y de alto costo económico, todo un esfuerzo para quienes apuestan al Teatro para Niños y que, sin lugar a dudas, merece una amplia respuesta por parte del público.

El teatro, por su especificidad artística precisa de una temática pero, en realidad, aquello que llamamos contenido, en esta disciplina está constituido por la forma, por el entramado de procedimientos que organizan esa estructura estética de la cual surge el “qué significa”. Y en este punto está el acierto de la pieza ya que es sumamente original en la forma de encarar cada uno de los eslabones de este periplo, que como todo viaje iniciático concluirá con el crecimiento y fortalecimiento espiritual del protagonista y de su amigo. Ahora bien, hay algo en lo que la puesta parece quedarse a mitad de camino, en esa la multiplicidad de sentidos que dispara. Hay un niño que vive con su abuelo porque sus padres desaparecieron, hay escenas donde irrumpe el pueblo hambreado por la falta de trabajo, y aquí, en principio surge en el espectador adulto una pregunta: ¿hablamos del gobierno militar? ¿Hablamos de la actualidad? ¿Hablamos de algún momento histórico en particular? Con la resolución final todo tiene un sentido más “naif”, quizás el autor quiso generalizar esas temáticas tan complejas: desaparición de personas y reclamo social-laboral en una forma más atenuada. Sin lugar a dudas, el espectador niño disfrutará de lo visual y de ese mensaje final que apunta a perseverar cuando se tiene un objetivo, a confiar en la amistad y a preservar y honrar el recuerdo de los mayores pero, a los niños de hoy a quienes les interesa lo social y la realidad del país, no les hubiese resultado difícil ni complejo identificar la problemática de El Botella con lo sucedido en un pasado bastante reciente y constantemente replanteado.

Una muy buena propuesta para concurrir en familia.Copia de Enoc Girado - EL BOTELLA A (1)

La Botella de Diego Corán Oria y Jorge Sordera. Teatro: CC Villa Urquiza. Triunvirato 4444 – T.E. 4524-7997- Sábados y domingos 17 hs. Vacaciones de invierno: martes a domingo 17 hs. Elenco: Enoc Girado. Francesca Lorito. Manuel Pérez Erramouspe. Gonzalo Fletcher. Anita Gutiérrez. Jorge Contegni. Sebastián Ziliotto. Horacio Vay. Jorge Priano. Diego Sassi Alcalá. Pilar Rodríguez Rey. Luli Zavala. Nicole Hernández. Manuel Di Francesco. Gustavo Viñes. Nahuel Adhami. Emiliano Giannotti. Damián Silveira. Giuli Tagliamonte. Camila Casaubo. Lucía Cullinan. Facundo Ullua. Felu Poli. Actores reemplazo: Ezequiel Fontela, Kiyomi Gaillardou, Zarek Nazar, Lola Poggio, Carmela Rodríguez. Músicos: Ignacio Bartet, Darío Bascoy, Gonzalo Braz, Fernando Fuentes, Lucila Garibotto, Tomás Silva, Uciel Sola, Jorge Soldera, Emmanuel Sultani. Vestuario: Micaela Angellozzi, María Laura Gallupi, Alina Torres. Escenografía: Tadeo Jones. Iluminación: Sergio Costessich. Audiovisuales: Lucas Casolo. Música original: Jorge Soldera. Fotografía: Gonzalo Esteguy, Nacho Lunadei. Asistencia de dirección: Matias Cardozo, Maribel Khazhal, Virginia Peroni. Arreglos corales: Raul Oliveira. Producción: Federico Brunetti, Melina D’angelo, Alejandro Loiacono, Analía López Musa. Coreografía: Seku Faillace. Director musical: Laureano Mesina. Dirección: Diego Corán Oria

En el Columpio de Micaela Fariña

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En el Columpio de Micaela Fariña

en el columpioSal de ahí, chivita, chivita. Sal de ahí, de ese lugar.

Vamos a llamar al lobo para que saque a la chiva.

El lobo no quiere sacar a la chiva, y la chiva no quiere salir de ahí.

Sal de ahí, chivita, chivita … Sal de ahí, de ese lugar.1

Azucena Ester Joffe

Al ingresar a la Sala observamos en el despojado espacio escénico sólo un gran columpio doble que se mece como por algún extraño viento, con la suavidad con que se mece a un niño. Esta hamaca tiene un fuerte rol dramático porque es el punto de encuentro de las tres historias mínimas, cotidianas, que se entrecruzan en el relato. El desafío está planteado desde este comienzo, pues el columpio es para dos y los personajes son tres almas que están como inertes en algún pueblo alejado. ¿Cuál de estos seres abandonará su lugar de origen? El trabajo actoral es sólido, sin altibajos, y le otorga la carnadura perfecta a estas criaturas que parecen estar atrapadas en un devenir sin ilusiones, en el cual “nada pasa”. Es interesante de qué modo los distintos espacios íntimos se irán delineando ante nuestra mirada al ser ellos mismos -los hermanos, Marita y Rubén, por un lado y Nelly por otro- quienes van dibujando con tiza algunos “muebles” o la “ventana abierta”, con un movimiento cuidadoso, con interioridad y sin sobresaltos. El velatorio en el pueblo Berreta es el momento de quiebre para que Nelly comience a decir en voz alta su decisión de “volar como el viento”, buscando otro tipo de vida alejada del sinsentido y de la monotonía pueblerina. En cambio, Marita de forma contundente prefiere quedarse en el lugar donde están sus afectos y su historia, quizá porque siente el temor de volver a enamorarse. En tanto Rubén se debate entre quedarse junto a su hermana o seguir a su amiga de la infancia, tal vez por amor y/o por sentir esa necesidad de encontrar otras opciones. columpio3El espacio público de la plaza es el espacio donde confluyen sus subjetividades mientras se hamacan, como si fueran aún adolescentes, y la historia se va construyendo con los retazos de una rutina que todos conocen. Así el espacio lúdico es habitado por los recuerdos y los reproches, las fantasías y los miedos,… Y la iluminación de forma acertada va recortando cada sitio con cierta timidez, otorgándole un clima que oscila entre la ternura y la reflexión. Un relato que se construye a partir de estos seres queribles que por temor o por costumbre no se animan o dudan en dar el gran salto al vacío, a buscar nuevas ilusiones dejando atrás su lugar de pertenencia. En un ritmo sostenido, el tiempo presente tiene dos vectores opuestos: para Marita se contrae hacia el pasado, en cambio, para Nelly se extiende hacia el futuro, y Rubén parece estar entre ambos personajes femeninos.

Podríamos pensar que en la particular escritura dramática y escénica de Micaela Fariña el principio constructivo es el movimiento, el balancearse para encontrar el propio equilibrio. Del mismo modo que en su anterior obra, Bicicletas, o de cómo en movimiento se llega al equilibrio2, subyace una profunda mirada que a simple vista podría ser erróneamente juzgada como ingenua. Las bicicletas o el columpio nos devuelven varios sentidos que cada espectador completará según su experiencia, pues nos anclan en nuestro interior y se actualiza a través de un dispositivo escénico que contiene a los personajes y a nosotros mismos. ¿Quién no se ha hamacado detrás de un deseo, de un sueño, de un frágil recuerdo de la niñez?columpio

Ficha técnica: En el Columpio de Micaela Fariña. Actúan: Catalina Collardin (Marita), Gastón Filgueira Oria (Rubén), Viviana Ghizzoni (Nely). Escenografía: Lucila Rojo. Herrería: Elmo Gustavo Picasso. Vestuario: Wanda Siri. Asesoría Musical: Charly Valerio. Gráfica: Barbie Delfino. Diseño de Luces: David Seiras. Prensa y Difusión: Boca en Boca. Asistencia de Dirección: Pato Fabián. Dirección: Micaela Fariña. Teatro El Estepario. Estreno: Marzo del 2017. Duración: 60′.

1 Canción popular infantil.

Buenos Aires Ballet [I]

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18447018_763184883865032_2322788063807964191_nFederico Fernández

presenta

Buenos Aires Ballet

Azucena Ester Joffe

Interesante propuesta para un público ávido de disfrutar de una noche especial, en la cual primeros bailarines de distintas Instituciones realizan algunos de los pas de deux más conocidos. Un ciclo que cambia su repertorio en cada nueva gala clásica. En esta oportunidad fue la cuarta gala en el ND Teatrodel ciclo mensual que comenzó en febrero en dicho teatro solo en el mes de mayo no hubo función; la quinta está anunciada para el 15 de Julio, posterior a su presentación en Tucumán el 9 de Julio.

La función de Junio se inició con Alto de Caballería (1869) interpretado por Aldana Percivatti y David Gómez; luego Pájaro azul (1890) a cargo de Emila Peredo Aguirre y Emiliano Falcone; a continuación Bayadera (1977) por los bailarines Ayelén Sánchez y Emanuel Abruzzo; Harlequinade (1900) con la interpretación de Camila Bocca y Jiva Velázquez. Todas las coreografías de Marius Petipa. De repente un giro, un cambio estético, con el dúo contemporáneo llegó con Souls de la bailarina y coreógrafa Romina Simone con música de Yo Yo Ma, interpretado por Aldana Percivati y David Gómez. Posteriormente, El cisne de Michel Fokine (1905) con Eliana Figueroa; el cierre de la primera parte estuvo a cargo de Julieta Paul Kler y Federico Fernández, mentor del ciclo, La Esmeralda (1886) de Jules Perrot y Marius Petipa. Después de un breve intervalo pudimos disfrutar de Cuerdas de Emanuel Abruzzo, también coreógrafo argentino, y de los performers: Federico Fernández, Julieta Paul Kler, Eliana Figueroa, Ayelén Sánchez, Maximiliano Iglesias, Emanuel Abruzzo, Emilia Peredo Aguirre, Emiliano Falcone, Camila Bocca y Jiva Velázquez.

 

Una experiencia distinta y más cercana a nuestra cotidianeidad, un repertorio que tiene como pilar al gran maestro Petipa, que es atravesado por otro grande de la danza clásica como lo es Fokine y por dos coreógrafos de la danza contemporánea de nuestro país. Cada pas des deux y cada solo como también la coreografía grupal, de la segunda parte, dan cuentan del virtuosismo y de la técnica de cada bailarina / bailarín. Y en un espacio totalmente despojado lograron focalizar nuestra atenta mirada sobre la expresividad de sus cuerpos y la tensión de cada movimiento, bien para romper con la fuerza de gravedad o bien en la interacción entre los cuerpos y el espacio. El perfecto vestuario, acorde a cada coreografía, reforzó la plasticidad de las potentes imágenes visuales. Lamentablemente, el sonido de la Sala no estuvo en consonancia con lo que desde el espacio lúdico se nos brindó, pero estamos seguros que será solucionado para la próxima función de este ciclo de galas.

Esta velada de primerísimo nivel nos permitió disfrutar del ballet en un ámbito diferente -y más acorde a nuestro depresivo bolsillo- en un devenir mágico. Primeras figuras reunidas en una única noche confluyen realmente en una noche imperdible. La dirección artística de Fernández tiene su sello propio, pues le otorgó la sólida mixtura a la dimensión coreográfica donde se conjugan de forma acabada la precisa técnica de la disciplina y la emoción narrada desde lo corporal, y desde el lenguaje gestual. Sólo no resta decir ¡¡por muchas galas de ballet más!!16602764_683207168529471_1004648274661330945_n

Buenos Aires Ballet es la joven compañía creada en 2015 por Federico Fernández1, primer bailarín del Teatro Colón, ante la necesidad de los artistas por habitar el espacio escénico y poder crear el clima casi místico que requiere el ballet clásico, en particular. Además de permitir que cada espectador disfrute de un espectáculo de calidad a un costo realmente accesible. Junto a Karina Battilana, productora general, hacen posible “una realidad artística de primer nivel”2. La Compañía, que se sustenta con fondos privados, genera su propia producción y realiza una perfecta selección del repertorio. El 2016 participaron en el Festival de la Habana, y en breve realizarán una gira por Tucumán, Salta y Jujuy.

Y recordemos:

Marius Petipa (1822-1910) -maestro de ballet, coreógrafo y bailarín francés- radicado en la Rusia Imperial, desarrolló la técnica a un nivel máximo de virtuosismo transformando el ballet en un gran espectáculo, estructurado en composiciones grupales y solos para destacar a las bailarinas, en especial, de aquel momento. Las producciones fueron majestuosas y su ejecución brillante.

Mikhail Fokine (1880-1942) –maestro de ballet, coreógrafo y bailarín ruso- introdujo un importante cambio en la estructura del ballet clásico a partir de la idea de un ballet sin argumento, provocó la renovación de las estructuras coreográficas estableciendo una nueva relación con las otras artes, logrando una mayor autonomía expresiva y consideraba que el cuerpo del bailarín era el protagonista.

Ficha técnica: Buenos Aires Ballet. Federico Fernández (Primer Bailarín del Teatro Colón), Julieta Paul Kler (Primera Figura del Teatro Argentino de La Plata), Eliana Figueroa (Primera Bailarina del Ballet Nacional DANZA), Ayelén Sánchez (Solista del Teatro Colón), Maximiliano Iglesias (Solista del Teatro Colón), Aldana Percivati (Figura del Teatro Argentino de La Plata), Emanuel Abruzzo (Ballet Estable del Teatro Colón), Emilia Peredo Aguirre (Ballet Estable del Teatro Colón), Emiliano Falcone (Ballet Estable del Teatro Colón), Camila Bocca (Ballet Estable del Teatro Colón), Jiva Velázquez. (Ballet Estable del Teatro Colón), David Gómez (Ballet del Teatro Argentino de La Plata). Dirección Artística: Federico Fernández. Producción General / Manager: Karina Battilana. Técnico en Luces y Sonido: Julián Galván. Stage Manager: María Laura Matienzo. Jefa de Vestuario: Lorena Durou. Diseño / Video: Sergio Gómez. Fotografía: Carlos Villamayor. Fotos Back y Sociales: Josefina Loza. Prensa: Música Clásica B A, Gabriela Levité. ND / Teatro. Estreno: 09/06/2017.

1 Comentó que el germen de Buenos Aires Ballet fue la compañía que creara Julio Bocca en su momento. https://www.pagina12.com.ar/20975-un-desfile-de-pas-de-deux-clasicos [18/06/2017]

Acasusso de Rafael Spregelburd

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Acasusso de Rafael Spregelburd

La comedia es una cosa seria

000158613María de los Ángeles Sanz

El taller de teatro La Odisea dirigido por Gastón Courtade lleva adelante una puesta donde el humor delirante cargado de ironía de la pieza de Rafael Spregelburd Acasusso (2007) desborda en los noventa minutos que transcurre en escena con muy buenas actuaciones, y un ritmo que no decae. Un ritmo que exige a los actores un tempo intenso, que solo se detiene por segundos en los apagones que señalan el paso del tiempo entre situación y situación. Con el marco de una escenografía funcional, los tipos humanos que construye el discurso desde una buscada exageración, desfilan los personajes que producen la rápida identificación por parte del espectador, que a la vez que se ríe abiertamente de acciones y dichos, también tiene elementos que le provocarán luego un instante de reflexión sobre una sociedad que basa sus principios en la familia y la educación. Spregelburd deconstruye ese imaginario y nos muestra el revés de la trama, aquello que uno puede intuir o saber pero que todo allí, en el espacio escénico, hace que nos brote la carcajada porque parece demasiado. Las diferencias de clases entre educandos y educadores, es una frágil línea que deja a todos muchas veces en offside, fuera de los límites de lo legal, tanto para unos como para otros. Cada uno de los personajes tienen una composición que va como requiere el género, desde el exterior: vestuario, maquillaje, voz, postura corporal; construcción que favorece la empatía a través del reconocimiento. En una propuesta de dirección que aprovecha el espacio para, respetando la textualidad dramática, construir diferentes puntos de fuga, donde una secuencia central compite con pequeñas acciones simultáneas que obligan a una mirada que se desplace necesariamente y elija que privilegiar. No es tarea fácil, evitar la superposición de situaciones, pero el procedimiento le da a la puesta una agilidad donde se busca evitar huecos en la acción. El timbre, los símbolos: la bandera y el himno, son junto al guardapolvo blanco un distintivo de clase. El grupo en escena funciona en armonía al mismo tiempo que logra construir las diferentes subjetividades que componen ese universo llamado escuela. La directora y su revés la vice, la secretaria, la fonoaudióloga, el profesor de gimnasia, la nueva, la infaltable vendedora de ropa y bagatelas, la maestra que retoma sus clases, los problemas salariales, las reuniones con el sindicato, y la esperanza puesta en las piernas de una promesa futbolística, son los elementos que lo conforman. El afuera también se hace presente en la figura de la madre de los alumnos, ejemplo de una difícil relación, tomando la parte por el todo, y en la noticia de los atracadores del banco de Acasusso, que tras su golpe afortunado son considerados héroes, en ese territorio donde hay de todo menos dinero. El dinero, elemento esencial para llevar adelante los sueños de todos los integrantes de ese micromundo donde se tejen voluntades encontradas. El dramaturgo escribe la obra y se la dedica a la educación pública y a su hermana docente:

A mi querida hermana, Roberta, que llegó a casa llorando amargamente el día de su primera suplencia en una escuelita de Merlo; tal vez el humor despiadado, urgente de esta obra no sea más que el intento estéril de hacer justicia y revertir la impresión con la que ese día quedó grabado en mi memoria. A la educación pública. A todos los que luchan por lo preservación del futuro. R.S. (11)000158617

De esta manera, exorciza un recuerdo que toma otra dimensión a partir del discurso escénico; situación que reproduce el grupo La Odisea, cuando nos permite a través del humor, y de la risa franca, poner fuera los demonios de un tiempo presente que tiene una vez más a la educación en el ojo del huracán. Porque más allá de lo desopilante de las situaciones, lo que aparece es el inquietante estado de precariedad en que se encuentra nuestra docencia, por lo excesivo del número de obligaciones que debe llevar adelante el educador en nuestras escuelas públicas. Acasusso satiriza a la docencia, pone hasta el límite del absurdo la mayoría de sus acciones, pero también nos permite ver tras la burla, la constante lucha por sobrevivir. 000158662

Ficha técnica: Acasusso de Rafael Spregelburd. Elenco: María Antonio, Tatiana Borjas, Ewa Czarnecka, Florencia Feldman, Laura Judith Moin, Daniel Righetti, Natalia Vallone. Actores invitados: Marcelo Frasca, Jorge Váldéz. Dirección y puesta en escena: Gastón Courtade. Fotos y diseño gráfico: Fernando Lendoiro. Asistencia de dirección: Liliana Perez. Código Montesco Teatro. Este espectáculo surge del taller “avanzado 2016” de La Odisea.

Bibliografía:

Spregelburd, Rafael, 2008. Los verbos irregulares. Buenos Aires: Colihue Teatro. Dramaturgias argentinas.

La discreta enamorada de Lope de Vega

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La discreta enamorada de Lope de Vega

Una comedia de enredos ejemplar

ladiscretaAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Lope de Vega y su inacabable ingenio escribe La discreta enamorada en el siglo XVII, luego compondrá su El arte nuevo de hacer comedias, proponiendo un marco teórico a lo que se llamó: La comedia nueva, o la comedia tragicómica, que luego todos trataron de igualar1 tras el éxito de público que sus textos producían y que no era entendido por la Academia que quiso probar al dramaturgo pidiéndole que redactara la teoría que ya estaba afianzada desde la práctica. Lo hizo, y sólo fue reafirmar aquello comprobado.

(40) y cuando he de escribir una comedia,

encierro los preceptos con seis llaves,

saco a Terencio y a Plauto de mi estudio

para que no me den voces, que suele

dar gritos la verdad, en libros mudos,

(45) y escribo por el arte que inventaron

los que el vulgar aplauso pretendieron

porque como las paga el vulgo, es justo

hablarle en necio para darle gusto. (Perinelli, 2011: 333)

La propuesta de Santiago Doria, nos acerca al talento del dramaturgo del Siglo de Oro español, y lo hace recreando la fuerza de la palabra, sin una escenografía rebuscada2, sino buscando responder a la palabra como centro del trabajo como aconsejaba el autor en su tiempo y apostando a la composición de los personajes; es decir, confiando en su equipo de actores para darle brillo a una pieza reconocida del autor, una de sus comedias más conocidas. Respetando su lenguaje en verso, la agilidad de sus acciones, el procedimiento de los apartes, y con un vestuario que más allá de él nos remite al siglo XVII, la puesta nos deja como espectadores disfrutar de una historia de amor y enredos, donde la malicia y la lucha de los géneros no deja de estar presente. Las actuaciones cumplen con su performance con eficacia, y nos brindan un momento de brillante comicidad, aquella que atravesará los siglos para recordarnos sus recursos en nuestro teatro popular. Si bien hay una adaptación, la esencia del texto dramático se mantiene logrando un relato dinámico y con un tiempo justo. Los movimientos coreográficos, los continuos desplazamientos, la música que nos recuerda a la zarzuela y la melodía intrínseca de los versos construyen una narración que tiene su propia musicalidad. Más allá de la presentación de la obra y de su cierre interpretada de forma coral. En tanto la perfecta iluminación termina de crear ese universo de comedia en el cual la bella Fenisa intenta conquistar a Lucindo, mientras el Capitán Bernardo -padre de éste- pide la mano de la joven. Una puesta en escena que de forma acabada construye estos enredos amorosos para el disfrute del espectador.000157232

Ficha técnica: La discreta enamorada de Lope de Vega. Elenco (por orden aparición): Irene Almus (Belisa), Ana Yovino (Fenisa), Mónica D’Agostino (Gerarda), Mariano Mazzei (Lucindo), Pablo Di Felice (Hernando), Francisco Pesqueira (Doristeo), Gabriel Virtuoso (El capitán Bernardo). Asistentes de dirección: Gastón Ares y Jazmín Ríos. Asistente de iluminación: Sofía Montecchiari. Realización de sombreros: Traipi. Realización de vestuario: Stella Giorgio. Iluminación: Leandra Rodriguez. Vestuario: Susana Zilbervarg. Música Original: Gaby Goldman. Producción Ejecutiva Rosalía Celentano. Prensa: Haydée Marochi. Fotografía y diseño: Fernando Lendoiro. Dirección Santiago Doria. Centro Cultural de la Cooperación: sala Solidaridad. Estreno: 12/05/2017. Duración: 90′.

Bibliografía:

Perinelli, Roberto, 2011. Apuntes sobre la historia del teatro Occidental. Tomo 2. Buenos Aires: Instituto Nacional del Teatro.

Tal como dice Rozas, la doctrina de El arte nuevo estaba mediatizada por la ironía, la erudición y la fantástica experiencia de dramaturgo de Lope. A partir de ella todos se declaran sus discípulos, todos tuvieron El arte nuevo como bandera, como un texto que se conformará sólidamente como la Poética de la Comedia Nueva o Tragicomedia” (Perinelli, 2011: 331)

 

2 (…) en la compañía nadie ejercía el oficio de director teatral, al menos según la consideración que actualmente ha ganado el rubro. La dirección escénica dependía en absoluto del poeta; él, desde su texto, decía como debía montarse la obra. Las indicaciones, importantes e insoslayables, estaban incluidas dentro de los versos o en alguna magra acotación. De modo que los poetas de la comedia nueva imponían una manera de leer sus piezas, fácilmente decodificable durante el Barroco pero que suele complicar a los adaptadores y directores contemporáneos, que suelen cometer el error de forzar la voluntad dramática que late dentro del texto para generar dispositivos afines con una teatralidad moderna, que ningún modo, es la de aquellos tiempos. (Perinelli, 2011: 284)

Con las manos atadas de Claudia Piñeiro

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Con las manos atadas de Claudia Piñeiro

Cuando la vida te pone al límite

000160484Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Un espacio teatral que alberga un clima de sutilezas en su ecléctica distribución de estilos en las dos salas de espera para un espectador que mientras ve pasar los minutos hasta el momento de dar sala, puede admirar objetos, tapices, copas, sillones, candiles, espejos. Allí la pieza de Claudia Piñeiro, Con las manos atadas, se presenta bajo la dirección de Guillermo Ghio, y en el cuerpo de los actores: Marcela Jove (La escribana) y Pablo Turchi (Gutierrez). Una historia policial, un asalto en una escribanía, que luego se va transformando en la excusa para el planteo intimista de dos personas que hasta ese momento comparten el mismo espacio de trabajo por horas, pero que desconocen todo uno de otro. La realidad de ese día, la noche que por la fuerza deben pasar juntos, pone en abismo sus prejuicios y los obliga a verse como dos seres humanos carentes y necesitados de afecto. La eficacia de los diálogos se refuerza con un trabajo intenso de movimientos en el espacio rodeado de ménsulas de archivo cargadas de biblioratos, de dos cuerpos que tienen las manos atadas hacia atrás, y que ven entonces minimizadas sus posibilidades de salir o al menos desplazarse con facilidad. Los actores logran hacernos sentir el ahogo del encierro y la impotencia de no poder escapar a la situación. En un espacio escénico en H los personajes se mueven hacia un lado u otro, permitiendo al espectador, tenerlos alternadamente de frente. La iluminación logra el efecto buscado, de apagarse la luz solar, y tener que desesperadamente encender la electricidad para atemperar el miedo, esa instancia les obliga a los cuerpos a las más complicadas posturas, exigiendo de él, una acción no acostumbrada. 000159455Claudia Piñeiro viene de la literatura, y sus novelas habitualmente transitan las relaciones humanas ante un evento que raya lo policial y que sirve de disparador para develar sentimientos verdaderos: miedo, amor, mezquindad, dolor, frustración, esperanza, cinismo, violencia. Su dramaturgia también, al igual que los guiones para el cine que la hicieron conocida como Las viudas de los jueves (2005) El suspenso, el relato pequeño que se va deslizando hacia el centro de una verdad de a poco como si no fuera queda definido en la entrevista que la dramaturga dio en 2015 a Ciudad Equis en La voz del interior.

Me gusta manejarlo, ir llevando al lector para que me acompañe en esta historia que quiero contar. Es una suerte de homenaje a la narración oral. Hay1 gente que cuenta algo más o menos interesante, y uno escucha atento, esperando a que llegue al final. Me gusta ese tipo de relato, en el que uno cuenta una historia y el otro espera que sigas. Puede pasar en un policial, o, también, en una novela psicológica como ésta. Me gusta dosificar la información, usando un lenguaje de determinada manera, para que el otro me quiera acompañar en esa historia que estoy contando. (C. Piñeiro)

La dirección de Guillermo Ghio pasa el punto de vista por ese procedimiento, y recupera en escena el clima intimista y pequeño de su escritura. Un relato que, por un lado, actualiza el sentimiento colectivo de inseguridad y, por otro, plantea de manera sencilla dos breves historias de cotidiana soledad, y un después que tal vez, más allá de la tensión de su comienzo, podría hacer confluir a estas dos almas que necesitan simplemente saber que alguien los espera después de la jornada laboral.

Gutiérrez: …Real aunque yo estuviera tirado en el piso del baño de la escribanía con las manos atadas. Porque lo que sucedía dentro mío sólo era posible si yo estaba dentro de ella. Traté de que ese momento durara, que no se fuera, moviéndome apenas para no molestarla2000159454

Ficha técnica: Con las manos atadas de Claudia Piñeiro. Con: Marcela Jove, Pablo Turchi. Vestuario: Pheonia Veloz. Iluminación y Asistencia: Norberto Portal, Tamara Turczyn. Espacio escénico y selección musical: Guillermo Ghio. Banda de sonido: Miguel Rur. Peinados: Ale Granado. Fotografías: Marcela y Andrea Russarabian. Diseño gráfico: Pablo y Matías Vega. Prensa: Duche&Zárate. Diseño online: http://www.estoesunexito.com/. Dirección: Guillermo Ghio. Teatro Dandelión. Estreno: 28/05/2017. Duración: 60′.

Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017

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Bienal Arte Joven Buenos Aires

El 12 de junio se realizó el anuncio oficial de los bienalistas 20171

230 obras y proyectos fueron seleccionados entre más de 6600 postulaciones para participar de la Bienal Arte Joven Buenos Aires.

800 artistas integran los equipos de las obras y proyectos participantes en cinco disciplinas: Artes escénicas, Artes visuales, Artes audiovisuales, Música y Literatura.Grupal Bienalistas 2017 - Foto gentileza prensa Bienal Arte Joven Buenos Aires

SELECCIONADOS EN ARTES VISUALES

Proyecto de artes visuales a desarrollar con tutoría de Patricio Larrambebere, Lara Marmor y Marcela Sinclair. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Ángeles Ascúa – Piel de empedrado corazón de leche y de trigo

Lil Limen y Julián Solís Morales (Grupo Karicia) – Compañía naviera del Litoral S.A.

Santiago Delfino – Simiente

Alfredo Frías – Apuntes visuales para la reconstrucción de una historia negra

Nacha Canvas – Hiel de Buey

Ramiro Quesada Pons – La imagen real

Artistas visuales. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Santiago Delfino –El nombre es un arma

Ale Moreyra – Última llave

Franco Basualdo – Al estado más pesado no le flamea la bandera

Beto. – Nuevo orden

Lucía Delfino – La promesa de lo efímero

Santiago Colombo – Percepción

Jimena Mariel Travaglio – Sin título, de la serie “Reliquias”

Antonella Agesta – Deliciosa

Verónica Madanes – l virtuosismo me deprime

Vil Schulman – Asamblea general

Federico Roldan Vukonich – Izemberg

Alfredo Frías – Queso presente

Rocío Englender – Sin título

Mayra Vom – Sin título

Lucas Ardu – Cuerpo Nº2, de la serie “La oscilación de los cuerpos”

Valentina Ansaldi – Gran circo de Moscú

Ariela Bergman – Guardo mercurio suelto

Esteban Martínez – Sin título, de la serie “Ejercicios de supervivencia”

Rodolfo Sousa – Copia Académica

Nani Lamarque – La evaporación del encanto

Ivo Aichenbaum – Diario internacional: la acción de la historia

Julia Padilla – Sin título

Santiago Licata – Cosa portal o la vista tonta

Lucas Federico Tula – Pareja de murciélagos y su primera casa en el conurbano

Micaela Piñero – Lucha

María Candelaria Traverso – Trayectos del MADE IN

Hernán Aguirre García – Ejercicios sobre la autoportancia

Lucas Fiorucci – Sin título

Manuel Aja Espil – Level Up

Camila Carella – Sin título

Nazareno Pereyra –Antihorariodomini

Magdalena Petroni – Sin título

Sasha Emanuel Minovich – Sonda Voyager

Jazmín Giordano – Autogestión del cariño

Andrés Piña – Piel quemada

Celeste Rojas Mugica – Una sombra oscilante

Santiago Hernández – Error: Infinito

Eloy Mengarelli – ¿Y si alguna vez fuimos tan fuertes?

Malcon D’Stefano – Patriota

Ramiro Achiary – El ojo frío que todo lo ve, y el tejido onírico de lo imposible

Leonardo Adán Vallejo – Retablo federal

Manuel Baigorria – Retrato de las hojas

Mara Verena – Un fuerte (contra todo lo que yo misma)

Gonzalo Maciel – Experimentos con cielos

Cindy Mamani – Mímesis total

SELECCIONADOS EN ARTES ESCÉNICAS

Proyecto de obra de teatro, danza o interdisciplina a desarrollar con tutoría de Andrea Servera, Luis Cano y Rubén Szuchmacher. En teatro musical: Pablo Gorlero, Joaquín Bonet y Martín Bianchedi. Se presentarán en los teatros: El extranjero, Elkafka, Beckett, TIMBRe4, Abasto social Club, El Picadero y La Comedia.

Macarena Orueta – Los imitadores (Interdisciplina)

Juan Cruz Forgnone – El canto invisible (Teatro)

Bianca Lerner – Ninfa (Interdisciplina)

Franco Calluso – Ruido blanco hielo (Teatro)

Ezequiel Salinas – Cosas que pasan cuando le hablás a un desconocido en el aeropuerto (Interdisciplina)

Valeria Polonera – Anomalía (Daza)

Andie Say, Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira – Mamá está más chiquita (Teatro musical)

Matías Prieto Peccia, Mariel Velez y Vanesa Butero – No me digas que ya se (Teatro musical)

Artistas escénicos. Se presentarán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Tadeo Pettinari – En la piel

Gastón Guanziroli – Breve relato sobre una mujer que va a la fiesta de cumpleaños de su ex y termina adentro de una botella

Nacho Bartolone – La piel del poema

Nicolás Blandi – Lágrimas de pez

Jorge Dreschler – Madorrán

Lucas Martinetti – Toda historia de amor implica una muerte

Alberto Antonio Romero – Malviaje

Lisandro Outeda – El susurro de los bosques

Leandro Orellano – Mientras muero imagino huevos que se pudren

Pablo Sigal – Polite

Carla Grella – Homealone

Eugenia M. Roces – Destructivo de un desastre irruptivo

Martina Kogan y Lucía Disalvo – Fecha 5

Delfina Thiel – La Montón, Lucía García Pulles – La Montón – Samanta Leder – La Montón – El risco

Abril Lis Varela y Emannuel Palavecino – Las ganas

Martina Schvartz y Violeta Danzinger – Carretera

Marysol Benitez – Posmo

Victoria Delfino – Mostra

Agostina Luz López – Los milagros

Iván Haidar – Lugar monstruo

SELECCIONADOS EN ARTES AUDIOVISUALES

Proyecto de serie web a desarrollar con tutoría de Florencia Clerico, Javier Zevallos y Santiago Melazzini. Los estrenos se realizarán en el Centro Cultural Recoleta y luego estarán disponibles de forma completa en la web de la Bienal.

Cecilia Pisano, Martina López Robol y Iair Said – Emilia Envidia

Nahuel Billoni Ahumada y Maitena Minella – Minga

Ignacio Del Campo Ituregui, Camila Peralta, Ailín Zaninovich, Cecilia Marani y Giselle Fernández – Protagonistas

Directores audiovisuales con un corto terminado y un proyecto en desarrollo. Sus cortos se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Juan Renau – Incendio/Rescate

Jerónimo Quevedo – Enfrentar animales salvajes

Santiago Reale – Esta es mi selva

Milton Secchi – Donde no hay nada

Tatiana Mazú González – Hay una foto que no entendí

Micaela Gonzalo –Toda mi alegría

Mariana Sanginetti – Antes de irme

Ramiro Bailarini – No aflojes Miriam

Manque La Banca – Los 7 perdones capitales: 3. El futuro

Melina Gutman – Miscelánea familiar

Cinthia Konopacki – Colonia delicia

Gala Negrello – La isla

Julieta Seco – dónde estás en el futuro?

Pavel Tavares – Alexander

Manuel Embalse – Eliminar videos

Juan Bobbio – La fiebre que espera despertar

Inga Valencic – Pandora

Lautaro García Candela – Carta a Lara

Juan Manuel Ribelli – Huesitos de pollo

Carla Finco – Desquicies

SELECCIONADOS EN LITERATURA

Proyecto de novela breve a desarrollar con tutoría de Marina Mariasch y Hernán Ronsino. La clínica de obra se realizará en el Centro Cultural Recoleta. De entre todos ellos se seleccionará uno que será publicado por la editorial Entropía.

Natalia Rozenblum – Baño de damas

Rodolfo Omar Serio – Los machos se duermen primero (o el día en que Julie Andrews casi se afilia al Partido peronista)

Corina Bistritsky –Arambasic

Nicolás Ferraro – El cielo que se aleja

Agustina Massa – La virgen de los helados

Carolina Romano – Sirio B

Jazmín Carballo – Todos somos vos

Julieta Yanel Salman – Labio partido

Martín Jali – Las luces intransferibles

Tomás Schuliaquer – Una flor que allá no existe

Lucía Rud – Buenos Aires y otros países

Matías Bounfrate – Constantino

Eric Barenboim – Suárez en Kosovo

Nubia Bado – Invasión en el Abasto

Santiago Pérez Izquierdo – Yisuerí

Valentina González Nucci – Fallecimiento presunto

Escritores con cuento o poesía. Se publicarán dos antologías, una de cuento por Eterna cadencia y otra de poesía por Editorial Mansalva.

Mariana Komiseroff – Ladrillos impares

Nahuel Repetto – Carta de mamá

Micaela Gonzalo – La casa de Cristina

Miguel Bruno – Como una rata

Guido Gamba – El distinto

Blas Rivadeneira – Taller literario

Martín Gonzalo Borches – Polígono

Juan Pablo Castro Brunal – Tres hermanas

Martín Sporleder – El canto de la tierra

Santiago Clément – El manicomio

María Florencia Scaia – Enroscada

Franco Calluso – Los jabalíes

Santiago Molina Cueli – Criatura la

Mariel Leite Escobar – Laundry

Juan Agustín Otero – Después del penúltimo cigarrillo

Juan Ignacio Sapia – La experiencia Tracketk

Vanesa Pagani – Lo electrodoméstico

José Mariano Pulfer – Encuentros cercanos

Martín Jali – La nieve de los cuerpos

Juan Gabriel Miño – Leandra

Josefina Salazar – Ciudad Pampa

Gabriela Clara Pignataro – El lapacho es la imagen de la furia

Laura Junowicz – Demolición.

Paula Andrea Galindez – Mater

Rita Chiabo – que lo sepa

Fernanda Mugica – El núcleo duro

Florencia Palacios – La memoria

Delfina Uriburu – Altar

Larisa Cumin – Lelo

Sofía LeBlanc – poemas

Diego de Angeli – poesía

Nicolás Ghigonetto – Gabriel Leivas

Alex Piperno – Los estándares de belleza en los pastizales

Juan Manuel Artero – Seudónimo Papaíto Piernaslargas

Micaela Piñero – En el río

Triana Leborans – leboransbienal

Joaquín María Zuaniche – Normal uno

Julián Berenguel – Barrio

Antonella Romano – Expansión

Julieta Troielli – La tierra que necesita una familia

Gustavo Yuste – Olor a sol

SELECCIONADOS EN MÚSICA

Bandas o solistas con tutoría de Matías Cella, Pablo Tevez Oliveti, y Mariano Esain. Las presentaciones se realizarán en el Centro Cultural Recoleta.

Ragazzas

La Femme D’Argent

Candelaria Zamar

Trostrigo

Nahuel Briones

Fenna Frei

Anamoli

Billy Zabaleta

QOME

Pandelindio

Las sombras

Translucido

Juan Izkierdo Grupo

EMEVE

Aleph, Fitzca, Camadour,

Pablo Enelotromundo

Gaby Améndola Trío

Polandria

Loto

Ankamora

Solentina

Galácticas Mareas

El Zar

Nidos

Agustín Donati

 SELECCIONADOS PEDALÚDICO

Convocatoria a artistas de todas las disciplinas para participar de una residencia de creación e investigación en la cual se desarrollarán una o varias obras que utilizarán el sistema de bicicletas de proyecto PedaLúdico.

Joan Benito Britez

Erika Ortiz Díaz

Aldana Olivello

Lucía Pedrón

Marcos Martínez

Santiago Colombo

Carolina Casquil

Martín Aranda

W:buenosaires.gob.ar/labienal

Fb: /LaBienalBA

Tw: @LaBienalBA

In: /labienalba

Más información, pedido de notas y material para prensa: prensalabienal@buenosaires.gob.ar

Marisol Cambre | Antonela Santecchia | Valeria Marcovecchio

1Según gacetilla de Prensa

Hacela Corta Beckett de Rubén Pires y Hugo Halbrich

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Hacela Corta Beckett de Rubén Pires y Hugo Halbrich

Seis obras cortas en 70 minutos de Samuel Beckett

000158391Beckett por siempre Beckett

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Cuando Esperando a Godot llegó a los escenarios porteños, no fueron pocos los que no entendieron su poética, público y crítica mediante. Sin embargo, a partir de que aquél año 19561, en que Jorge Petraglia la dirigió, no ha dejado de tener en nuestros escenarios cultores y fanáticos. Ya nadie discute los valores intrínsecos de su obra, ni la fuerza de la misma en nuestro sistema teatral. La puesta de sus obras cortas, es una forma de acercarnos al dramaturgo desde un espacio desconocido aunque su impronta sea fácilmente reconocible en ellas. El humor, el juego verbal, un lenguaje corporal que necesita un tipo de actuación diferente, entre la quietud y una movilidad sin sentido, son algunos de los elementos que aparecen en este grupo de piezas, y que son puestas en acción por el grupo de actores que realizan el trabajo. Todos ellos concretan una muy buena performance, en los seis relatos que tienen una semántica diferente aunque la muerte es una de los centros recurrentes. El que transita con más facilidad el humor, al que el absurdo nos tiene acostumbrado, con diálogos fragmentados, y aparentemente desconectados entre sí, es el en que las tres actrices juegan una relación de amigas, donde el susurro, el comentario chismoso es el centro de la idea, en una parodia a sus diálogos dislocados. Un vestuario acorde con lo que se narra, acompaña los cuadros, los pequeños relatos y sus personajes, que siempre están al límite de lo que se considera “la normalidad”, que desde la dramaturgia de autor, nos parece de la más absoluta absurdidad. El maquillaje logra una caracterización precisa con la composición de los personajes y nos permite desde la mirada la dicotomía entre lo dicho y lo expuesto; mientras que al actor le da la posibilidad de jugar con lo siniestro, en un universo que se permite ingresar lo racional y lo irracional al mismo tiempo. Las actuaciones tienen la desmesura y la contención para lograr el juego necesario que requiere el género, y el espectador atento al código sigue con entusiasmo una puesta que equilibra la concentración de sentidos: mirada, sonido, y voz. DSC_3807Seis piezas que tienen en su genética los procedimientos de la poética beckettiana, que construyen desde el imaginario de la palabra, las acciones que producen una intencionalidad distinta en la mirada sobre lo cotidiano, que lejos de ser el espejo de una referencia se transforma en un delicado equilibrio entre lo objetivo externo y la subjetividad más expresa de sus personajes. Beckett produjo una ruptura en los códigos verbales y teatrales que aún hoy, más allá de reponer su escritura dramática, produce un brecha, un camino transversal para entender aquello que con los ojos habituados a un orden ficticio, nos parece sólo el universo del caos; para desconfiar de ese orden establecido, de una normalidad que se parece mucho al disciplinamiento de las conciencias, que deja poco espacio al pensamiento crítico, un orden del que necesitamos sacudirnos, como un traje demasiado apretado que nos priva la respiración. A los seis textos dramáticos –La mecedora, Monólogo, Va y viene, Ohio improntu, Pisadas y Play– la escritura escénica, Rubén Pires, le otorgan el ritmo necesario en el espacio escénico casi despojado, construyendo en escena un perfecto canevas beckettiano.image001

Ficha técnica: Hacela Corta Beckett. Traducción y Adaptación: Rubén Pires – Hugo Halbrich. Supervisión dramatúrgica: Luc Margarit. Elenco: Jessica Schultz, Gerardo Baamonde, Marina Tamar, Celeste García Satur, Jessica Schultz, Eduardo Lamoglia, Carlo Argento. Vestuario: Juan Miceli. Escenografía: Pablo Ezequiel Graziano. Iluminación: Rubén Pires – Sebastián Crasso. Diseño y realización de pelucas: Miriam Manelli. Maquillaje: Analía Arcas- Ana Make Up. Asistente de dirección: Luciana Martinez Bayon. Asistente de producción: Mechi Lando. Asistente meritoria: Cynthia Corn. Agente de Prensa: Silvina Pizarro. Diseño Gráfico. Nah Lamoglia. Difusión de redes: Flor Carroza. Video y Fotografía: Pic By Lis. Coaching vocal de monólogo: Graciela Hernández. Dirección general: Rubén Pires. El Tinglado Teatro. Estreno: 06/06/2017. Duración: 70′.

Bibliografía:

Cerrato, Laura, 1999. Génesis de la poética de Samuel Beckett. Apuntes para una teoría de la despalabra. Buenos Aires: Fondo de Cultura Económica.

Pellettieri, Osvaldo, 1997. Una historia Interrumpida. Teatro argentino moderno (1949 – 1976) Buenos Aires: Editorial Galerna.

El 18 de setiembre de 1956, en la casa de Mendoza, Florida 713, el elenco del Teatro Universitario de Arquitectura, dirigido por Jorge Petraglia, dio a conocer Esperando a Godot. (Pellettieri, 1997: 169)