Archivos Mensuales: marzo 2018

La desgracia de Juan Martín Delgado y Francisco Martínez Castro

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La desgracia de Juan Martín Delgado y Francisco Martínez Castro

Una comedia musical sobre la corrupción, y sobre el desamor.

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

000173712El Galpón Guevara es un espacio teatral que se interesa por géneros y poéticas que buscan desde lo conocido darles al espectador trabajos que impliquen un desafío en la forma o en el sentido buscado. La comedia musical en nuestro campo va constituyendo un género con características propias. Desde una escenografía eficaz y funcional a las acciones, permitiendo el desarrollo de las coreografías planteadas por los creadores, que conservan así mayor lucimiento dentro marco donde se ejecutan. Música en vivo, especialmente escrita para la puesta, es ejecutada con acierto y belleza por los integrantes del elenco, los cuatro protagonistas que encarnan los personajes principales. Una historia que guarda en suspenso, no sólo el autor de un crimen, sino la ejecución de un pacto de corrupción donde las autoridades del pueblo están comprometidas: la intendencia, la policía, la medicina y la iglesia. Con muy buenas coreografías, con voces potentes y afinadas, y sin que falte la nota de humor a pesar del tema tratado, o por eso mismo, ante la necesidad de poder hablar de ciertas cosas sin desmayar en el intento, el cuerpo de baile acompaña a los protagonistas de la historia en ese recorrido que se establece en un pequeño pueblo, donde sus autoridades encuentran en el engaño y el miedo, la posibilidad de enriquecerse y mantener a todos en su lugar. Miedo y control, poder y dinero. Cualquier similitud con la realidad es pura ficción. El sexo como herramienta, la enfermedad como corsé, van construyendo las relaciones donde lejos de primar el amor, en el podio de los deseos está el poder de obtener las voluntades de todos. _DSC2431Sin miedo a equivocarnos, podemos decir que es La desgracia es una fiesta que habita el espacio de la sala para todos los amantes del género. Por el perfecto encastre entre los distintos registros -los protagonistas, el ensamble y la banda en vivo- y sin olvidar la otra parte importante que es el equipo técnico. Estos personajes caricaturescos, bizarros, y el muy buen ritmo desde el inicio atrapan nuestra mirada y provocan el aplauso espontáneo. La narrativa coreográfica y el estilo canción del musical va dosificando el humor negro. Mientras la perfecta escenografía en líneas rectas -rampas, escritorios, camillas,…- y la acertada iluminación terminan por cerrar un espectáculo sin fisuras, donde todo confluye para el disfrute del público. La dupla Juan Martín Delgado / Francisco Martínez Castro hizo posible aquí que el talento y la buena química vayan de la mano._DSC2460

Ficha técnica: La desgracia. Libro y letras: Juan Martín Delgado. Música original: Francisco Martínez Castro. Protagonizan: Mariano Condoluci (Nora), Andrea Lovera (Leonor), Belén Ucar (Ana), Patricio Witis (El Doctor). Elenco: Lula Rosenthal (Samanta), Nahuel Adhami (El Cura). Ensamble: Sol Bardi (Dance Captain), Chechu Vargas, Antonella Fittipaldi, Lucas Noacco, Juan Fonsalido, Evely Basile. Maia Delgado (Swing). Músicos: Francisco Martínez Castro (piano),Rodrigo Martínez Castro (flauta traversa/guitarra acústica), Luis Aragona (guitarra eléctrica), Nicolás Roldán (batería), Leandro Biera (bajo), Tomás Martin (chelo), Andrés Liendro (violín). Diseño de escenografía: Magalí Acha. Diseño de luces: Silvia Otero, Leandro Fretes. Diseño de vestuario: Marisol Castañeda. Diseño de sonido: Mariano Del Rosso. Asistencia en escenografía: Vanessa Giraldo. Diseño de maquillaje y peinado: Adrián Llamosas. Diseño gráfico: Andrea Rodríguez Montelongo. Asistencia en maquillaje y peinado en función: Miriam Manelli. Asistencia en dirección general: Evangelina Romero. Asistencia en dirección musical: Rodrigo Martínez Castro. Asistencia en coreografía: Maia Delgado. Operación de sonido: Lucas Mora Pietro. Producción ejecutiva: Enrique Jáuregui. Comunicación BMZ: Comunicaciones. Producción Audiovisual: Epping Group. Fotografía: Nacho Lunadei. Orquestación: Francisco Martínez Castro / Rodrigo Martínez Castro. Arreglos corales: Francisco Martínez Castro. Coreografía: Juan Martín Delgado. Idea original: Juan Martín Delgado / Mariano Condoluci. Dirección vocal: Vicky Loescher. Dirección musical: Francisco Martínez Castro. Dirección general: Juan Martín Delgado. El Galpón Guevara. Duración: 90’. Reestreno: 19/03/2018. Funciones: lunes 21 hs.

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Sopa de estrellas, brebaje de ilusión

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Sopa de estrellas, brebaje de ilusión.

Susana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

Sopadeestrellas2… Porque el teatro debe ser un arte de apariencias engañosas. Es justo que el demiurgo se sirva de cuantas visiones tenga a su disposición, (…) Es justo que haga hablar a toda una masa de objetos inanimados, si le parece… “ Apollinaire. Prólogo de Mamelles de Tiresías.

Sopa de estrellas está inspirado en el cuento homónimo de Mercedes Pérez Sabbi y cobra vida a partir de la actuación y de la manipulación de objetos. Fernán Cardama, su intérprete, egresó del Conservatorio de Teatro de Buenos Aires en 1991, actor, director y pedagogo teatral, se formó en clown, títeres y teatro de objetos en Argentina, París y España. Luego de integrar otras compañías teatrales fundó la que lleva su nombre, en el 2003 en Alcalá la Real, Jaén, España. Con amplia trayectoria en tareas de gestión, producción, dramaturgia y puesta en escena, ha recibido numerosos reconocimientos nacionales e internacionales. Sus espectáculos están orientados al público en general, no hay límite de edad para el asombro ante las puestas de Cardama. La historia en la que hoy nos detenemos se ocupa de Blas, un niño cartonero y de su perro Chispa y está contada por Julio Petruchelli, el placero del barrio que conoció a los protagonistas en medio de una terrible inundación. La acción fusiona los objetos con la palabra, la escenografía, la música, homogeniza los signos para que ante nuestros ojos surjan los títeres, los personajes que cobran vida para ser: Blas, Chispa y don Gildo, el dueño del corralón. Todos los elementos escénicos confluyen en la representación y el espectador puede vivir una historia y un universo dramático donde la creatividad subyuga. El niño ve la construcción de Blas: una bola de telgopor es la cabecita y el cuerpo una bolsa de nylon con las manijas transformadas en piernitas, ve la confección de Chispa: dos cajas de fósforos (una grande y una pequeña) hacen el cuerpo y cabeza del perrito, ve a don Gildo, cabeza de caja (como rígido y prismático es su corazón) ve todo eso y se asombra por la forma en que se resolvió la confección. SopadeEstrellasEse armado cobra vida: se mueve, tiene voz, juega y “dialoga”, ya son los personajes y su historia. Los objetos tienen distintas dimensiones según el espacio en el que actúan: son más pequeños cuando deambulan por la ciudad (entorno de edificios hechos de cajas de cartón), la ciudad sobre el carrito, y de mayor tamaño cuando el espacio es el escenario. La música instrumental que se escucha en la apertura del espectáculo (música cuartetera) nos ubica en un espacio determinado: una calle cualquiera de un barrio humilde, característica que se fortalece con la presencia del carrito (que también oficia de escenario) y que ya percibimos como el carrito del niño cartonero. De allí en más, Cardama desarrolla con excelente calidad de narrador e intérprete, desde la voz de Julio Petruchelli (el placero), la historia de Blas y su perrito, de qué manera se conocieron y de la amistad que entablaron. Tal como lo vimos y vivimos en La vuelta al mundo en 80 días (2004- presentada en el teatro Maipo en la temporada 2018), Cardama recurre a los objetos más inverosímiles y los “anima”de manera sumamente creativa. Fue interesante mirar la carita y la sonrisa de los chicos cuando el titiritero toma en sus manos esa bolsita de nylon, la infla un poquito, le coloca la cabecita y de allí, aparece Blas o cuando Blas en miniatura, en medio de la calle inundada aparece remando en su latita de sardina transformada en canoíta. Y por supuesto, el maravilloso efecto de lluvia que logra con el enorme nylon traslúcido. De parte de la autora y de la adaptación de Carlos Piñero y Fernán Cardama se observa una actitud impugnadora, un cuestionamiento a la durísima realidad por la que transita gran parte de nuestra niñez, planteo suavizado por el humor y la ternura de esa profunda relación que une al niño con su perro. La historia habla del olvido que padece un sector pero también de la solidaridad: “Dice Julio Petruchelli, el placero del barrio: la inundación trajo muchas cosas malas pero también algunas buenas. El día de la inundación yo gané un amigo: conocí a Blas” (Programa de mano). Una puesta que tiene la belleza, la fuerza y la inteligencia destinada a la mirada y a la sensibilidad de los niños y de quienes lo acompañan.Sopadeestrellas4 (1)

Ficha artística: Sopa de estrellas CCC – Corrientes 1543- sábados 17 hs. Sobre un cuento de Mercedes Pérez Sabbi, adaptación de Carlos Piñero y Fernán Cardama. Intérprete: Fernán Cardama. Dirección: Carlos Piñero. Idea y producción: Fernán Cardama y Luciana Reynal Machado. Escenografía: Pablo Lavezzari. Iluminación en escenografía: Juan Pieroni. Diseño de objetos: Pablo Lavezzari. Música original: Gastón Garrido. Edición musical: Rubén Kavanagh. Fotografías: Ramiro Peri. Diseño gráfico: Federico Barquero Mesa. Gestión y distribución: Luciana Reynal Machado.

Le Corviné (la legendaria historia de Ivonne, princesa de Borgoña) de Juan Pablo Ruiz

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Le Corviné (la legendaria historia de Ivonne, princesa de Borgoña) de Juan Pablo Ruiz

Sobre la textualidad de Ivonne, Princesa de Borgoña de Wiltod Gombrowiczmultimedia.grande.8adee98a1f8adfd0.464f544f53204c4520434f5256494e4520414c54412028343837295f6772616e64652e6a7067

Según Sartre, me parece, el hombre debe escoger libremente una forma e identificarse con ella. Pero yo desconfió de toda forma, todo ideal, toda fe, toda cultura, no en virtud de un escepticismo burgués, como Anatole France, sino en virtud de una tensión dramática. El hombre no debe someterse a lo ‘sublime’ que el mismo fabrica” (W. Gombrowicz)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El grupo “Pablito no clavo nada”, un equipo de más de veinte artistas, de autogestión, que tiene más de tres años de investigación y trabajo, lleva adelante una versión sobre el texto del dramaturgo polaco, que residió muchos años en nuestro país, de manera brillante desde el manejo del espacio escénico, con prolijas y bien desarrolladas coreografías, con un ritmo y una energía que no decae en todo el recorrido temporal de la puesta, de la mano de actores y actrices que tienen un muy buen manejo corporal, desde poéticas que van desde la comedia del arte, el clown, hasta el trabajo con el teatro expresionista; cuerpos enfundados en un vestuario que marca con fuerza el contraste de clase y al mismo tiempo de fuerza pasional entre unos y otros; todos contra Ivonne, en un sistema binario entre la guerra y la paz. La apatía de la joven ante el despliegue de la realeza y su falsa majestuosidad, pone ante los ojos de todos, la imagen de un espejo cóncavo, que desnuda la verdad de cada uno de ellos. Es por eso, que intentan en un principio asimilarla, y cuando nada da resultado, el final es previsible. No es ella la que desentona en ese ambiente, sino ellos que por primera vez se ven a sí mismos en sus bajezas, en su delirio, y en su falta de valor y de principios. La fuerza de la debilidad se hace presente en el diálogo asimétrico que se establece entre la verborragia del príncipe, su elevada autoestima y alguien que pertenece al pueblo, que apenas balbucea unas pocas palabras. La construcción de un otro desde la negatividad, para constituir una identidad propia, equivale al desprecio y la destrucción. 20622579_10155563058244793_758623657_oEl espacio está diseñado por una escenografía que favorece las entradas y salidas de los personajes, y sus desplazamientos, en el adentro y el afuera de la escena; la cuarta pared se rompe al bajar el personaje de Ivonne de proscenio, en su deambular por un recorrido que contradice lo que de ella se espera. La obra de Gombrowicz tiene en el campo teatral una presencia constante que se renueva en las diferentes lecturas que de la misma se producen1. Lo sorprendente de su escritura, la permanencia azarosa en Buenos Aires, sus contactos con un campo que lo admira a pesar de sus diferencias, hace del escritor polaco un misterio que se vuelve sobre sí mismo para ser develado una y otra vez. La puesta que el grupo presenta en Hasta Trilce, es una lectura inteligente de la textualidad dramática del autor polaco, entre –tenida sin perder la profunda mirada desencantada de Gombrowicz, es decir, una entrega cuidada en la formas, los gestos de los personajes, el juego coreográfico, pero que no se queda en la máscara que construye el maquillaje, ni en los contrastes que ofrece el muy buen vestuario de Josefina Tarquini, sino que apunta aquello que detrás de toda convención lúdica aparece, en las palabras y en las acciones que son aún más elocuentes que aquellas. teatro-759x393

Ficha técnica: Le Corviné (la legendaria historia de Ivonne, princesa de Borgoña) de Juan Pablo Ruiz, sobre la textualidad de Ivonne, Princesa de Borgoña de Wiltod Gombrowicz. Elenco: Juan Pablo Ruiz (Rey Ignacio), Romina Trigo (Reina Margarita), Julián Cardoso (Principé Felipe), Florentina Messina (Ivonne), Germán Rodriguez Estraviz (Champelán), Natalia Lisotto (Isabel), Rosario Ibarra (Tía / Cortesana), Malen Spósito (Tía / Cortesana). Dirección: Braian Alonso. Asistencia General: Andrés Gavaldá. Producción ejecutiva: Marcela Andrés. Asistencia de producción: Verónica Zacayán. Entrenamiento: Nadia Gómez. Escenografía: Adriana Baldani. Vestuario: Josefina Tarquini y Tamarindo. Diseño de maquillaje: Juan Pablo Ruiz. Asistencia de maquillaje: Florentina Messina. Iluminación: Estefanía Piotrkowski. Diseño gráfico: Josefina Tarquini y Mariano de la Iglesia. Fotografía: Nahuel Lozano. Prensa: Silvina Pizarro. Reestreno: 26/02/2018. Hasta Trilce Teatro. Duración: 90’. Funciones: sábados 22 hs.

Bibliografía:

Gombrowicz, Wiltod, 1972. Wiltod Gombrowicz. Autobiografía sucinta, textos y entrevistas. Barcelona, España: Cuadernos Anagrama.

Hemeroteca:

Villalba, Susana, 2018. “Testamento teatral” Todo Gombrowicz, en Revista Ñ, 16 de marzo. Sección: Escenarios.

1Yvonne fue escrita en 1935, en 1957 fue estrenada e inmediatamente prohibida en Polonia, como todos sus escritos. En nuestro país tuvo numerosas puestas, como la de Roberto Monzo en 2016 en Teatro Andamio. En el mismo año Leo di Napoli realizó su adaptación para teatro de máscaras en Del Artefacto. En 2013 fue montada en El Obrero por el grupo Merdre con dirección de Alejo Marschoff. También por la compañía En zona roja, con dirección de Uriel Guastavino, en varias salas durante 2005 y 2006. Y en 2003 por el grupo Maskaratores con dirección de Juan Lucesole en Casa de la Cultura.

Javier Acuña a propósito de Alternativa Teatral

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Javier Acuña a propósito de Alternativa Teatral

Diría que Alternativa es una plataforma que termina siendo canal para la expresión creativa de los demás, en teatro, música, etc.”

NxqSBVwg_400x400Azucena Ester Joffe

Javier Acuña es actor, programador, astrólogo, y es el creador y director de Alternativa Teatral. Un sitio que nació en el 2000 a partir de su necesidad personal relacionada con la difusión de una obra en particular y que se convirtió en una plataforma digital necesaria para toda la comunidad teatral. Una herramienta de difusión y de consulta permanente, pues sabemos que se actualiza constantemente.

Una calurosa tarde de verano, Javier Acuña conversó cordialmente con este medio.

¿Javier imaginabas el crecimiento que tuvo Alternativa desde el 2000?

Nunca. Lo inicié sin expectativa, a modo de experimento y algún año estuvo en “piloto automático”. Fue bien espontáneo y no especulativo. De hecho, comencé a considerar de vivir del sitio recién entre el 2004-2006 y a partir del 2008-2009 lo logré.

Como actor y programador me puse a hacer lo que imaginaba como un sitio que tuviese las fichas técnicas de los espectáculos y que funcionara como cartelera.

Siempre hago un paralelo de mi vida con Alternativa porque en algún sentido representa un poco mis momentos: cuando empecé a actuar, cuando hice eventos, etc. Fue cubrir primero una necesidad mía como estudiante de teatro: dónde encontrar determinadas cosas y dónde promocionar entradas.

Por ejemplo, el año pasado comenzamos a trabajar con el Teatro Cervantes y nunca lo hubiese imaginado, tampoco lo tenía como meta. Fue sorpresivo e implicó necesidades nuevas a las que nos tuvimos que adaptar. Y está buenísimo. A pedido del Cervantes, vamos a sacar abonos y quedará disponible para todos los teatros.

Digo un poco en broma que mi mayor mérito fue la persistencia de haber sostenido el sitio todos estos años. El año pasado encontré un punto de equilibrio, creo que es por la cantidad de teatros que ya utilizan nuestro sistema, por la participación de algunos teatros grandes y de obras que son fenómenos. Tengo esa suerte de poder estar detrás, de saber cantidad de entradas, de funciones, etc. Voy aprendiendo y capitalizando un poco todo eso. El sistema se va amoldando a lo que va ocurriendo. No permanece estático.

¿Vas incorporando nuevos conceptos de modo intuitivo?

Sí. En el 2016, gané un concurso de Innovación Cultural con “Alternativa Funding” -Financiamiento Colectivo. Estaba muy bueno. Pero, como ocurre acá, los fondos no fueron llegando. A inicios del 2017, el concurso quedó en forma standby y se reactivó a fines del mismo año. El proyecto implicaba que una Universidad lo incubara. Me tocó viajar a Tandil donde tuvimos capacitaciones a nivel de emprendedor cultural. Era medio un experimento para ellos y para nosotros. Para mí estuvo bueno en relación a medirme. Porque me preguntaban que expectativas tenía y les respondía: “trabajo muy en solitario en el sentido de que no tengo pares, no tengo con quién compararme”. No sé si lo que hago está bien en definitiva. Me manejo puramente de forma intuitiva, de hecho, soy prácticamente autodidacta. Lo único que empecé y terminé fue Astrología y eso me da la visión por detrás, como un tapiz que das vuelta y ves como están conectados los cablecitos. La experiencia me sirvió para medirme en el sentido de cómo fui armando la cosa, cómo fui preparando al equipo, qué planillas utilizo para tener claro mi panorama económico, etc. Todo lo hice intuitivamente, si bien tengo conocimientos de informática, lo más complejo es el tema del dinero y de la venta de entradas.

Soy medio obsesivo, metódico, y, al mismo tiempo, tengo una parte más de arriesgar. Soy muy de prueba y error. Básicamente trabajo de esa manera. Por ejemplo, ahora modificamos el sistema de cobro online, con la expectativa de mejorarlo y que el espectador pueda acceder directamente a su ticket.

¿Cómo fue la relación inicial con el investigador teatral?

Establecimos un vínculo muy rápido con la gente que estudiaba Artes Combinadas, en la UBA. Al principio, en el sitio teníamos críticas, ya no tenemos contenido propio, con la expectativa de cubrir todo el teatro. Alternativa se inició de forma muy ingenua en ese sentido. Sin embargo, me pareció que nosotros no generábamos un diferencial en la producción de nuestra editorial con respecto a todo lo que había. Un mérito, para mí, es haber puesto en mapa toda esa dimensión. En ese momento pensaba que el teatro era sólo con el que me vinculaba.

¿En la actualidad cómo es la relación?20140131_150001

Tengo muchas ideas que voy acumulando y después veo cuál utilizo. Hoy tengo la fantasía de armar una especie de diccionario de terminología teatral. Como, por ejemplo, para saber cuáles son las obras emblemas de lo que se llama “familia disfuncional”.

Otra idea, es hacer que quien no tenga un sitio propio pueda escribir en Alternativa. Tendría un espacio para subir su nota y poder linkearla.

En este momento estoy trabajando en eso, rearmando el sector de notas externas, que una nota se pueda vincular a una persona, a un espacio, y no sólo a una obra. Darle más espacio a la gente. Me gusta la idea de transformarnos en una plataforma. Y ahí, se mezclan algunas cuestiones astrológicas, de interpretación sobre mi carta: más que artista soy canal para que los demás puedan ser. También estamos con “Proyecto Archivo” que es el lugar destinado a los investigadores.

Será productivo contar con ese material de las artes escénicas a través de Alternativa…

Con “Proyecto Archivo” es interesante lo que pasa a partir de las notas que nos hicieron el año pasado. Empezamos a recibir mensajes de algunas personas y uno de los últimos fue de alguien que está trabajando con toda la producción de Landrú. Y así varios. Con lo cual está buenísimo en ese sentido que se difunda, porque eso genera que si alguien tiene material y le interesa se pueda subir. Nuestra expectativa sería ver como la propia persona puede subirlo. Empezar a reconstruir la información de otro. Conceptualmente me parece super interesante que un aporte vaya generando esa maraña de links del resto de los compañeros.

Cómo investigadora me preocupa la fidelidad de esas fuentes.

Tuvimos algunas conversaciones al respecto y dije: “en primer lugar, el sistema debería reflejar siempre la realidad”. Aunque veces es difícil interpretarla.

Un caso típico son los espacios que van cambiando de nombre, pero que físicamente es el mismo. ¿Cómo trabajarlo? Ante un error, en internet lo podemos modificar, es donde más tenemos que trabajar. Principalmente en dejar asentado en dónde se originó el dato. Incluso está la cuestión de datos personales. Es un problema que tenemos porque hay gente que se quiere borrar de la base de datos, por distintos motivos, lo que quieren realmente es desaparecer de Google. Por más que los datos proceden de fuente pública la persona tiene el derecho, en nuestro país, a pedir la exclusión.

Le damos valor histórico al dato, con lo cual perderlo es perder rigurosidad. Fuimos encontrando diferentes soluciones y si un investigador quisiera acceder al dato completo podría hacerlo. Alternativa se crea con el contenido que aportan todos, con lo cual sería ridículo no manejarlo de esa forma.

En ese sentido la ficha técnica es imprescindible…

La ficha técnica fue casi lo primero que programé. Era como pensar el espectáculo, en un hipertexto, donde estuvieran todos los que participan. Un link que conduce a la ficha de una persona. Eso produjo, al no borrarse, la acumulación de datos.

Por ejemplo, estuve en la primera obra del ciclo Biodrama dirigida por Analia Couceyro, en el teatro Sarmiento, y esa participación no está e implicó un cambio en Alternativa. Porque al comienzo fue decir el comercial y el oficial no van a estar, ya tienen su lugar, este es un espacio para el teatro alternativo. Una idea inicial adolescente en esa cuestión.

En el teatro comercial es difícil conseguir la ficha técnica completa y en el teatro oficial es complicado conseguir los nombres del personal del teatro. Es raro el concepto. Ahí ellos nos escriben para ser incluidos.

A veces aprovecho una solicitud particular para ver cómo eso se puede transformar en algo útil para todos.

¿Cómo está formado el plantel estable?

Son casi todos actores. En Cartelera ahora son cuatro, Romina en Banner, Marcelo en el soporte a todos los teatros a nivel de entradas e instalación de impresoras, Sol es la contadora y productora y, recientemente, se incorporó Claudia en Prensa. Estamos tratando de armar un equipo en Comunicaciones y una persona para el manejo de Redes. Somos más o menos unas doce personas.

Fuimos encontrando un mecanismo, diría en los últimos años y a partir del sistema de entradas. Ya estamos aproximadamente en los doscientos teatros, algunos utilizan la totalidad del sistema de localidades y otros algunas cosas.

Con la gestión de entradas va quedando un registro de los espectadores…

El año pasado, Alejandro Cruz sacó una nota con la estadística que le pasé del 2016-2017. También está la cuestión que todos hablan de que bajó el público, como no hay números de verdad es muy difícil saberlo. No tenemos la totalidad pero la muestra que hice fue sobre treinta y cinco salas del teatro alternativo que tuvimos con la totalidad de la programación. Éste subió mientras el comercial bajó mucho.

¿El Microteatro sería una respuesta a la crisis?

Microteatro es un fenómeno para mí. Literalmente, es el teatro que más localidades mueve en este momento, en todo el círcuito, y no sabría cómo definirlo. Es como en un híbrido.

No creo que sea una respuesta a la crisis. El formato es español y los hermanos Bossi son productores de cine y compraron la licencia.

Creo que atacan, queriendo o no, al “consumo delivery”. Es lo más parecido a un cine con múltiples salas: se puede elegir qué ver y además lo mezclaron con algo que también está de moda, la cerveza artesanal. La pegan con el público de netflix que no se banca una obra de teatro de una hora. El espectador que va tiene una experiencia más cercana a lo que consume habitualmente. Hay una mezcla de público de todas las edades. Creo que logra penetrar en un medio de consumo. No lo asocio mucho a una cuestión de crisis porque de hecho explota. Me parece interesante pensar en toda esa gente como un público que estaba buscando una experiencia más digerible y menos exigida. Es un consumo muy diferente frente a la discusión de Teatrix -teatro online.

¿Y para Alternativa qué representa?20150306_144150

Hay algo importante para nosotros y es que podemos saber quién fue a ver qué y después invitarlo a otras obras del mismo artistas o aquellas que le demanden un poquito más.

En una entrevista hablamos de Microteatro y aunque muchos lo critican para mí está buenísimo como punto de ingreso. Es muy dócil con un espectador que no tiene información y de hecho las pocas personas con las que hablé, que no eran de teatro, se fueron con una buena experiencia.

Es mucho volumen, estamos hablando de 10.000-15.000 espectadores mensuales. Creo que no se puede dejar de ver el fenómeno. También pienso que supieron hacer la curaduría, los artistas son buenos, en general, y mezclan de todo. Además, llevan a algunas personas más mediáticas. Para el actor es un ejercicio de repetición impresionante -hasta seis pasadas en un día durante un mes con un riesgo mediano de exposición de 15 minutos.

Por eso digo que es un lugar de prueba muy atractivo. El formato me parece que está bueno para eso, como menos exigido, y a nivel escenográfico tiene su producción ya que no hay que desarmarlo porque no hay otra obra después. Esta bueno para observar al público, la cercanía con los actores en un espacio tan reducido de 15 m².

Estará interesante ver qué ocurre con Teatro Bombón, ambos fenómenos con distintos perfiles.

¿Javier cómo están trabajando la expansión de la plataforma?

La sensación es que no hay mucho más para crecer acá. Alternativa está muy afianzado en Capital. Seguir creciendo y que el sitio se haga más sostenible implica tener más teatros, con lo cual la posibilidad de expandirse hacia el Conurbano, Provincias y fuera del país.

Es algo que venimos intentando desde hace unos años y no es del todo fácil. Por ejemplo, he viajado a San Juan, Córdoba, Mendoza y Bahía Blanca. En general, nos identifican y asocian mucho a lo porteño. Está esa cosa que no les gusta mezclarse con porteños. Salvo Mendoza que un poco se apropió del sistema, con la gestión del INT. Toda su cartelera está en Alternativa. El año pasado, para la Fiesta Nacional, llevé la impresora para imprimir los tickets y quedó como una pequeñita sede nuestra allá.

Creo que ese es el camino, ir y capacitar gente para que ellos puedan seguir. Vendimos también el Festival de Rafaela, otro en Entre Ríos y en Santa Fe. Los festivales son otro punto de acceso, otro nicho distinto. Para mí estuvo buenísimo viajar a Mendoza y ver la problemática ahí. Hay un montón que se puede aportar al festival y la boletería siempre es un foco conflictivo.

Además, en general, ya tenemos los datos de las obras que se presentan y se podría ver como un circuito reconocible en donde presentar una obra. También estamos intentando con Uruguay y Chile.

Fueron importantes los logros en el 2017…

Logramos superar ese número psicológico de un millón de espectadores en el año. Principalmente es del teatro off, si bien se incorporaron el Cervantes y algunos espacios de música. Con las treinta y cinco salas que, te decía, tomé de muestra estamos hablando de cuatrocientos mil espectadores. Es un número muy representativo. Alternativa está en un momento de crecimiento, producto también del sistema de entradas que se originó a partir del evento que realicé en el 2008: Tecnoescena, festival de teatro y tecnología, dos cosas que me atraen, y que incluyó obras de Argentina, Chile, México, Colombia, España y Perú. Con el problema que tuve ahí por las ventas de localidades pensé: “cómo puede ser que no exista un sistema que trabaje a la par mía”. Y justo me contactaron de Timbre4 que estaban planificando la sala grande y querían organizar un sistema de venta online. Empecé a desarrollarlo y con ellos fuimos probando, ajustando y corrigiendo. Después incorporamos a otros teatros. La verdad es que todo en Alternativa ha funcionado así. Nunca hicimos publicidad. Siempre alguien que, seguramente, fue a un teatro nos escribía: cómo puedo hacer para tener los tickets. Así se fue propagando. El mismo “boca a boca” que ocurre con las obras. Fue creciendo más allá de lo que yo podía imaginar. Ojalá con esto nuevo que voy a hacer, que me da mucho más vértigo y es más arriesgado, ocurra lo mismo.

Creo que Alternativa encontró su punto de equilibrio en el 2017 y está empezando a tener un nivel de penetración que excede lo que hubiéramos pensado. Se va transformando en cosas super interesante en base a lo que nos van proponiendo. Por ejemplo, vendimos más de cien libros con las entradas del Cervantes, a partir de un pedido de ellos. Y estará disponible para todos los teatros e incluso con consumición si contaran con ese servicio. También incorporamos cursos -estamos probando con el C. C. Recoleta y con el C. C. 25 de Mayo- con la posibilidad de inscripción y del pago online. Esto abre otro nicho que no necesariamente son espectadores. Es atractivo poder mezclarlos, lo mismo que espacios de música con teatros. Las mezclas siempre me resultan interesantes en el sentido de ampliar público.

¿Y sobre “esto nuevo”, el proyecto de “Financiación Colectiva”?

Esta destinado a juntar fondo para un proyecto artístico o no. La persona o grupo publica un proyecto y ofrece valores de contribución. Podría ser para una obra o para su gira por el Interior. Quien realice una contribución obtiene algo a cambio -un agradecimiento, una entrada, participar en los ensayos, etc. Parte de lo creativo tiene que ver con lo que se ofrece por esa contribución.

En Estados Unidos, por ejemplo, hay gente que superó el importe necesario. En Argentina el escenario es mucho más modesto, de hecho una campaña que busque $50.000 se puede considerar ambiciosa y con cierta dificultad para lograrlo.

Lo que critico de esos modelos es que, me parece, se apoyan en la capacidad de tracción del proyecto. O sea, si son creadores que ya tienen cierta trayectoria es posible que si lo publican dentro de su comunidad logren su objetivo. Entonces ¿para que necesitan la plataforma? Es lo que cuestiono un poco.

El modelo que Alternativa pretende encarar es un cambio en el enfoque con respecto a eso. La idea sería: armar un fondo de financiación de proyectos artísticos entre todos. Primero, abriremos la convocatoria para todos aquellos que quieran realizar una contribución. Luego, logrado un dinero considerable, será para presentar los proyectos. Entonces ahí, éstos se postulan en la plataforma, después de haber sido moderados para ver si son potables o no, y empezarían a circular entre todos aquellos que realizaron una contribución. Y cada uno decidiría si pone o no el dinero o sólo una parte o si sigue esperando.

El año pasado lanzamos “Fundación Alternativa” para proyectos sin fines de lucro, como “Proyecto Archivo”, y eventualmente éste podría ir por ahí también. Para mí se abre una veta super atractiva de lo que podría llegar a ser.

Es atractivo y todo un desafío…

La idea sería que la persona que no tiene esa comunidad y tiene potencial, pueda tener ese nivel de exposición. Y si no recibe el dinero necesario es porque no despertó interés, entonces tendría que repensar la idea. También implica que estaría abierto a la contribución de empresas. “Fundación Alternativa” podría operar como intermediario. Nosotros nos pondríamos al hombro el mecenazgo. Elegiríamos proyectos con el perfil de la empresa para que ésta elija y sea derivado su aporte. “Proyecto Archivo” lo financiamos con mecenazgo y me topé en primera persona con lo que es conseguir una empresa para que aporte dinero. Es más complejo que la aprobación del proyecto.

Ahí habría una veta, para nosotros nueva, que un poco cierra el circuito “Ecosistema Alternativa”, donde se comenzaría con la financiación de los proyectos, la búsqueda de los artistas, la publicación de la obra, la venta de entradas y finalmente sería recordado en “Proyecto Archivo”. De esta manera se cierra el circuito de vida de un ecosistema artístico.

Es un proyecto interesante y no me cabe duda que lo vas a lograr…

Ojalá. Es ambicioso y sé que proyectos no van a faltar, el tema es generar esos fondos. Además hay algo super interesante que sería como una estructura que se retroalimenta. Finalmente se estarían gestando proyectos que van a dinamizar a la propia comunidad.

Es el círculo perfecto, como el logo de Alternativa…

El logo en realidad es un símbolo astrológico. Tiene un significado claro. La trama con la que jugamos es la luna con el sol adentro. Las pestañas las puso el diseñador pero nunca fue la idea de un ojo. ¿Por qué? Porque Alternativa es de cáncer, cáncer es el hogar, la familia, y la luna está como abrazando el sol. El sol es el artista, el centro. Si se gira puede verse una especie de anfiteatro, es el escenario y la platea, en el medio el artista o el actor. El símbolo del sol es el círculo con el puntito adentro. El logo es como decir “Casa de artistas”. Es el hogar abrazando al sol. Y “Financiación Colectiva” es como la pata que falta para cerrar ese circuito de contención.

Hay un antes y un después de la aparición de Alternativa…

Tengo situaciones muy graciosas, por ejemplo, el año pasado me cayó una circular porque me habían multado por no completar la información que la AFIP, supuestamente, me había solicitado. Fui directamente con la carta y el inspector me pregunta: “usted qué hace”, “cómo…”, pero después de mi respuesta me dice: “ah, conozco Alternativa Teatral”, entonces ahí cambió y fue como que ya no dudaba de mí.

En poco tiempo vamos a cumplir 20 años y realizaremos todo un trabajo sobre la identidad de Alternativa, que podría implicar cambios o no sobre el logo. Tiene que ver con su afianzamiento, con tomar conciencia que tiene un vínculo muy afectivo con sus usuarios. Es muy familiar, es canceriano, justamente por eso el vínculo de identificación.

El año pasado hice también un trabajo con una consultora, casi fue como un trabajo de terapia, pero para ellos Alternativa era una empresa de tecnología. Como no me cerraba esa idea me puse a pensar cuales eran nuestros valores como empresa. Hice como un análisis astrológico y llegamos a que los valores tienen que ver más con los sentimientos, la pertenencia, etc. Lo tecnológico es más consecuencia de como vivimos hoy. Por eso, creo que ocurre el “boca a boca”, similar a “yo quiero formar parte de…”. Incluso los que nos critican lo hacen desde ese lugar afectivo de querer que sea como ellos desean.jacuna-2015

¿Cómo definirías Alternativa Teatral?

Primero, te cuento que estamos intentando conseguir una oficina con un crédito del Fondo Nacional de las Artes. Pero es un crédito bajo y la verdad es que estoy medio desmoralizado. Es muy difícil conseguir algo que me interese y que sea apto crédito.

Después de ver una oficina que era un bajón, pasamos por una librería esotérica y en un libro de Plutón y Urano miré lo que decía sobre mi posición: Urano en 12. Es lo que te comentaba y lo que significa para mí Alternativa. La Casa 12 es la última casa que tiene que ver con Piscis. Es como la totalidad donde uno es canal, en definitiva, en esa Casa. Mi Urano es lo creativo pero además lo tecnológico, las redes, la comunidad. En mi carta tengo en Urano a Libra, que tiene que ver con lo artístico, con la Casa 12. En otras palabras, yo soy un poco canal para esa energía, para los demás no para mí. Y Alternativa para mí es eso, por eso lo pienso como plataforma, como canal para la creatividad de los demás. Sin duda, mi creatividad se expresa a través del sitio pero no como artista individual sino como medio para que los demás puedan canalizar esa expresión. Por esto también, hay algo de maternal, de preocuparse por darles esa posibilidad a los artistas, buscándoles financiación, recursos, facilitándoles el contacto con los espectadores. Creo que Alternativa es eso. Incluso me gustaría exceder lo teatral. El concepto, la manera en que funciona el formato, es trasladable a cualquier disciplina artística, manteniendo la autonomía de cada comunidad. En algún sentido, pasa lo mismo que con Buenos Aires y las Provincias, hay gente que no le gusta mezclarse mucho. Quizá los de teatro sean los que van por distintos lugares, los más multidisciplinarios.

En definitiva, diría que Alternativa es una plataforma que termina siendo canal para la expresión creativa de los demás, en teatro, música, etc.

Es un canal digital que le da mucha visibilidad a los artistas.

Por eso empecé a utilizar la idea de ecosistema. Porque tiene vida, sus componentes se interrelacionan, incluso con esta idea de “Oficina Alternativa”. Me encanta pensar de que sea un espacio de coworking para la comunidad. Que sea abierto. Es decir que alguien pueda ir y vincularse con productores, conectarse a internet, hacer una capacitación, etc. Estar en contacto con las actividades desde un lugar de producción. También creo que es una idea ambiciosa y costosa.

Seguramente para antes de los 20 años de Alternativa…

Estaría buenísimo. Pienso que eso replica en los distintos ámbitos. No como una oficina cerrada porque Alternativa es un sitio que todos utilizan. IMDb es mi referencia inmediata, es lo más parecido, aunque ellos no te dan acceso al perfil de forma gratuita, sí a nivel consulta. En ese sentido, Alternativa es abierto y son distintos sus usuarios -investigador, periodista, artista, el dueño de un teatro, un organismo oficial, etc. Además con la conciencia de que está construido por todos, el elenco / el artista se preocupa para que la información esté ahí.

Es lo que hace historia, todos tienen que ver con ese “ecosistema” de las artes escénicas…

Siempre fuimos de muy bajo perfil pero está bueno como posibilidad hacer algo sin haber recibido subsidio. Es realmente autogestivo y autosustentable. Me parece super interesante que pueda funcionar como inspiración para otros. En principio, no consideraba la posibilidad de vivir del sitio y cuando empecé a considerarla casi me muero de hambre también. Fui aprendiendo que, a veces, el sustento económico no está quizá en lo que se hace pero sí en gestiones periféricas. Tengo claro que “Financiación Colectiva” no es sustentable económicamente pero a partir de este sistema podríamos generar futuros clientes. Quizá no ganaremos dinero con eso pero retroalimentaremos a una comunidad que, en definitiva, produce más obras y genera más publico y eso va generando trabajo para los artistas. Por eso, me gusta pensar la “Oficina Alternativa” como un espacio coworking.

***

Al despedirnos, después de agradecerle por su tiempo y amabilidad, y por los 18 años de Alternativa Teatral, Javier nos volvió a responder: “considero que es un mérito a la persistencia”.

Ex Antuan de Federico León

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Ex Antuan de Federico León

El teatro de Federico León es un teatro duro. Duro en el sentido en que se dice, por ejemplo, que la ciencia y la pornografía son duras. Lo que le interesa no es el riesgo –que es la versión decente y sensible del vértigo– sino el peligro, así, a secas. Su trabajo de escritura y de puesta en escena no ha hecho otra cosa que cepillar, rebajar, limar, opacar todos los brillos, la seducción y los glamours extorsivos de la representación. (Alan Pauls)1

FLYER EX ANTUAN-01Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

En una entrevista Federico León dice que el texto de Ex Antuan, es una dramaturgia que no tiene pensado montarla en un escenario. “A ‘Ex Antuán’ no la hice nunca; fue la única obra que terminé y quedó como un material dramatúrgico que no trabajé nunca más, pero seguramente, de hacerlo, la hubiera reescrito”, afirma en La Gaceta de Tucumán. Más allá de la declaración del autor, que puede como todos cambiar de opinión; éste se mantuvo fiel a su propuesta de no ser él director de su textualidad dramática, y en el año 2010, Ex Antuan tuvo una puesta que dirigió Teodora Ciega Caníbal en Tucumán. Nuevamente, hoy en 2018, se nos ofrece una segunda puesta en el Teatro Payró, donde tenemos la oportunidad de que en una poética de teatro integrando2, nos ofrezcan de la mano de la dirección de María Pía Molina Brescia, una lectura de su texto. Una historia de amor no convencional, que atraviesa el tiempo y que guardada en la memoria, revive en el relato del personaje, para dar cuenta de que los sentimientos no tienen ninguno de los límites que la convención social propone. Estela y Antuan viven en las costas del Uruguay la maravilla del deseo y la felicidad de estar juntos. Los dispositivos en escena que aparecen de forma mecánica, van construyendo espacio, ambientando la historia narrada, llevando al espectador, del presente al pasado, para traerlo luego a una realidad, donde Antuan vive con su madre, quien también quiere a partir de cumplir con su deseo, su título secundario, construirse una vida diferente. 000175138.jpgUn círculo familiar distinto, sin figura paterna, con un amigo que se acerca para llevarse lo que puede o necesita, metáfora del estado de carencia en el que viven, y que el recuerdo de una plenitud quiere borrar. El planteo de puesta es la narración de un discurso con algunos momentos de pequeñas acciones ilustrativas, donde los actores están de frente al espectador, en una sola línea recta. En un espacio despojado el elenco construye de manera perfecta esta particular historia, donde cada breve gesto o silencio tiene su peso específico y nos atraviesa más allá del artificio escénico.

Antuan: ¿Te acordás cuando era chico cómo te tocaba las tetas? Vos te reías, creo que tenías 37. ¿Ahora cuánto tenés?

Ex mogólica Estela: Los mogólicos no solemos acordar.

Antuan: Recordar se dice.

Ex mogólica Estela: Mala memoria.

La iluminación los envuelve mientras él acaricia desprolijamente y con ternura sus pechos, luego bailaran un lento con la música del viejo Walkie Talkie, .., tratando de recuperar algo el tiempo perdido. La escritura escénica (María Pía), sin golpes bajos, da cuenta de que todos somos distintos, cada uno con sus particularidades. Un hecho teatral para ver y disfrutar, que nos interpela como sujetos sociales que somos.000175135.jpg

Ficha técnica: Ex Antuan de Federico León. Actúan: Paula Flaks, Rocío Florit, Coral Gabaglio, Mariano Rótolo, Emanuel Torres. Asistente de dirección: Juan Pedro Hansen. Diseño de iluminación: Javier Rincón. Diseño de vestuario: Paola Delgado. Escenografía: Nacho Riveros. Diseño gráfico: Verónica Rincón. Prensa: Sonia Novello. Dirección general: María Pía Molina Brescia. Teatro Payro. Duración: 60’. Estreno: 16/03/2018. Funciones: viernes 22:30 hs.

1 En el blog “Saquen una pluma dramaturgia rodante”, 24/7 / 2011. Reseña de Textos Reunidos, de Federico León, por Alan Pauls.

2 La actriz Rocío Florit pertenece a la compañía de arte inclusiva Las Ilusiones. Desde el 2009 “es un espacio de educación no formal que favorece el crecimiento intelectual, corporal y social de personas con discapacidad intelectual”. http://www.lasilusiones.com.ar/index.html [26/03/2018]

Rayito de sol. Un amor sin tiempo de Natalia Villamil

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Rayito de sol. Un amor sin tiempo de Natalia Villamil

Sobre mí, decido yo.

rayito con mariposaQué he sacado con el lirio, ay, ay, ay 
Que plantamos en el patio, ay, ay, ay
No era uno el que plantaba, ay, ay, ay
Eran dos enamorado’, ay, ay, ay
Hortelano, tu plantío, ay, ay, ay 
Con el tiempo no ha cambiado, ay, ay, ay

(Violeta Parra, Lamento mapuche)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Una puesta conformada por una tríada de mujeres: textualidad, interpretación y dirección, que promete una lectura diferente de situaciones comunes donde la mujer es el centro del conflicto, al menos su locus de controversia, una promesa que se cumple. En un espacio despojado, solo un artefacto que simula un quiosco, que luego se convertirá en un pequeño nido de amor, diseño funcional al relato de José Escobar, el cuerpo de la actriz nos cuenta su vida, y en ella la fuerza que se necesita y el despojamiento para cumplir con el mandato de ser, y lograr una pizca de paz y felicidad. El cuerpo femenino entre el deber ser, madre y esposa, y el amor, que es un bicho que cuando pica no se encuentra remedio ni en la botica, como decían las viejas, se presenta como un campo de batalla, como un jardín de otros que sólo puede florecer al contacto con lo masculino. El cuerpo femenino, campo arrasado por la medicina desde el vamos, desde el sentirse mujer, por el matrimonio, con amor o sin él, y por último, por el deseo, que finalmente lo hace libre, para moverse hacia donde lo lleva la tormenta de sentimientos que lo atraviesa, para poder tomar la decisión desde la autoconciencia de que se quiere y con quien. Los hijos como amor y dolor al mismo tiempo, y la mirada de los otros sobre ese cuerpo femenino y sus acciones, es el que se propone el texto de Natalia Villamil, entre el humor sencillo y la declaración de principios y expresa con la estructura del monólogo, para una actriz que interiorice el complejo mundo que allí se describe. 000173797Leticia Torres logra construir esa mujer que el texto propone, lo hace verosímil y querible, lleva con ritmo sin pausa y muy buena energía el diálogo con un espectador, al que le hace llegar el caudal inagotable de sus palabras para explicarle a todos, aquello que la sociedad vería sólo desde el prejuicio patriarcal: el dominio que la mujer debe ejercer sobre sí misma, al aceptarse en sus contradicciones, y ser capaz de decidir, a pesar de la mirada cuestionadora que sabe caerá sobre ella. La pregnancia escénica de la intérprete nos atrapa desde el inicio porque le otorga la textura perfecta al sujeto de la acción, que es sensible y fuerte a la vez. En tanto la iluminación la contiene en un habitad que le es adverso y la música parece ser su liberación. Un hecho teatral sin fisura y un relato que nos interpela a partir de un código común y sin golpes bajos.000173799

Ficha técnica: Rayito de sol. Un amor sin tiempo de Natalia Villamil. Con: Leticia Torres. Escenografía: José Escobar. Vestuario: Paula Molina. Música original: Daniel Quintás. Iluminación: Sebastián Evangelista. Diseño gráfico: Sebastián Villamil. Producción: Bárbara García Di Yorio. Asistente artística: Natalia Villamil. Dirección: Cintia Miraglia. Espacio Callejón. Estreno: 16/02/2018. Duración: 55’. Funciones: viernes 20 hs.

Reikiavik de Juan Mayorca

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Reikiavik de Juan Mayorca

000173333No hay más que una buena opción: seguir dando juego a la dama blanca –al decir esto, el jugador miró a Julia-. Pero jugar con ella significa, también arriesgarse a perderla. (Muñoz, La tabla de Flandes, A. Pérez-Reverte)

Azucena Ester Joffe

Una historia marcada por pares de opuestos y necesariamente complementarios. Dos viejos amigos o contrincantes, Waterloo (Julian Howard) y Bailén (Julio Ordano), acuden a una desolada plaza para recordar y revivir elMatch del Siglo”. Aquel memorable Campeonato Mundial de Ajedrez de 1972 en la capital de Islandia, donde el estadounidense y retador, Bobby Fischer, venció al campeón soviético Boris Spassky. En una coyuntura atravesada por la Guerra Fría y las presiones externas e internas que esto implicaba para ambos maestros del ajedrez. Una historia en la cual confluyen cuestiones personales y de Estado.

El dispositivo escénico de un blanco níveo no lo nos ubica en esa ciudad cercana al circulo polar ártico sino que parece además poner el punto cero de la historia en un notiempo, como en esos días estivales donde el día y la noche se confunden en una claridad sucesiva. Una plaza a mitad de camino de la nada donde solamente parece transitar un joven tímido y delgado con sus anteojos de grueso marco. El muchacho, Leipzig (Nicolás Martuccio), está algo perdido y queda atrapado por el juego de estos dos hombres, que como dos grandes potencias, se retan en un “duelo” para salvar la memoria, la historia y el deporte. Un relato construido por el muy buen trabajo de los tres actores en una estructura algo brechtiana. Cada uno relata y le da textura a su personaje mientras van surgiendo otras voces -las públicas y las privadas- aunque con algunos altibajos dado que, por momentos, esos otros personajes pueden confundir al espectador. Pero estamos seguros que a medida que el material sea transitado en las sucesivas funciones ésto quedará olvidado. Fischer (Howard) y Spassky (Ordano) mueven las piezas de ajedrez en un tablero atravesado por muchos otros personajes públicos (Kissinger y el Soviet / capitalismo y comunismo /…). Son movimientos decididos a resolver aquellos enigmas políticos del pasado en un presente donde el espectro de esa Guerra parece ser la constante (por ejemplo, la escalada de acusaciones y desmentidas por el envenenamiento del ex-espía ruso).WhatsApp Image 2017-11-10 at 2.07.38 PM

Ficha técnica: Reikiavik de Juan Mayorca. Actuación: Julio Ordano, Julian Howard, Nicolás Martuccio. Puesta en escena y Dirección: Enrique Dacal. Asistencia de Dirección: Néstor Pérez Vidal. Diseño del Espacio: Dacal, Mouesca, Pérez Vidal. Diseño de Iluminación: Marco Pastorino. Realización Escenográfica: Martín Mouesca. Diseño Gráfico: Néstor Pérez Vidal. Producción Ejecutiva: La Doménica Producciones. CELCIT. Estreno: 09/03/2018. Duración: 85’. Funciones: viernes 20:30 hs.REIKIAVIK_005

La ira de Narciso de Sergio Blanco

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La ira de Narciso de Sergio Blanco

En este comienzo de siglo XXI, la autoficción vuelve a activarse como una forma de resistir a este individualismo totalizador que termina formateando comportamientos y conductas aberrantes1

la ira de narcisoAzucena Ester Joffe

Para Sergio Blanco, escritor franco-uruguayo, es importante la escritura autoficcional porque si bien parte de un “yo” siempre es “para ir más allá de ese sí mismo, es decir, para poder ir hacia un otro”. De sus “autoficciones” se ha estrenado en nuestro país Tebas Land, en 2017. Con claro compromiso el autor escribió:

Desafortunadamente hacia finales del siglo XX, todos estos procesos de personalización [Gilles Lipovetsky] y esta cultura de sí mismo van a terminar cayendo en las garras perversas de las economías de mercado y de los medios masivos de comunicación que pervirtiendo el conocimiento de al que invitan estos procesos y culturas del yo, lo van a terminar llevando a un encierro ególatra y nauseabundo2.

Por lo tanto, el Narciso que nos presenta está atravesado por esta sociedad de consumo donde los medios masivos crean, entre otras cosas, una falsa felicidad. Poco tiene esta historia del mítico y bello Narciso.

Un relato en primera persona que es dicho a través del cuerpo y de la voz de Gerardo Otero. Quien se desplaza de manera perfecta y con naturalidad por los distintos registros. Tarea nada fácil, pues es construido por el actor y el hombre, por el autor y el conferencista. La historia va cruzando un presente, el de la representación y única certeza, con un pasado confuso en el que otras historias particulares parecen no articularse. No hay una clara unidad espacio-temporal, son espacios distintos que hacen inestable en el tiempo la narración dramática. Porque los personajes viven en un límite imposible de definir, como si esperaran que el final de la representación y de la muerte coincidieran en un punto. El hilo conductor, con esa inestabilidad y ciertos dobleces, es la estadía del autor antes de su conferencia, en la habitación 228 de un hotel en la ciudad de Liubliana, capital de Eslovenia, y sus encuentros desenfrenados con el joven actor de pornografía en el hotel y en el Parque Tivoli. En tanto, las manchas de sangre en la alfombra parecen adueñarse de su voluntad y no logra entender muy bien por qué no cambia de habitación. Un relato inquietante que, quizá, ganaría intensidad si fuera algo más breve; entre las citas amorosas y las conversaciones telefónicas con su madre enferma, entre las visitas al museo y su obsesión por los restos fósiles. Una extraña convivencia acechada por las marcas del atroz crimen cometido. En un recorrido laberíntico, el suspenso y la violencia se acrecientan, el discurso verbal y la temporalidad se confunden en una temática por todos conocidas: los miedos y las adicciones, la soledad y la angustia, la muerte y el futuro incierto.

La música, las proyecciones y la iluminación, junto a la escenografía terminan por crear el clima con el que intenta romper ese individualismo totalizador al que hace referencia Sergio Blanco. la ira de narciso 2

Ficha técnica: La ira de Narciso de Sergio Blanco. Actuación: Gerardo Otero. Asistencia de dirección: María García De Oteyza. Escenografía y vestuario: Gonzalo Córdoba Estévez. Iluminación: Ricardo Sica. Video: Francisco Castro Pizzo. Fotos gráfica: Sebastían Arpesella. Fotos escena: Leandro Otero. Diseño gráfico: El Fantasma De Heredia. Preparación física actoral: Vivi Iasparra. Prensa: Marisol Cambre. Producción: Maxime Seugé, Jonathan Zak. Dirección: Corina Fiorillo. Timbre4: sala México. Estreno: 01/03/2018. Duración: 75′. Funciones: jueves y viernes 20:30 hs.

2Idem

La Forma de las cosas de Neil LaBute

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La Forma de las cosas de Neil LaBute27540272_369316463536598_6158487000634500937_n

Para que el arte exista, tiene que haber una línea, una línea que no se puede cruzar… La línea que separa la expresión verdadera y la simple y neurótica necesidad de llamar la atención. (LaBute)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

¿Cuál es la definición de arte, de objeto artístico? Y del arte ¿cuáles son sus límites? Tras la historia de pareja, la lealtad entre amigos, la intelectualidad y sus verdades polémicas, el nudo gordiano de la puesta es el límite de la sociedad en la cosificación de los sujetos. Con un vago recuerdo al Pigmalión de Bernard Shaw1, la conformación de un individuo a partir de la modificación de su persona para convertirlo en algo diferente, que la sociedad en su conjunto considera mejor, es un tema que nuestra sociedad ha naturalizado y a todos nos cabe ser conejitos de india de un mandato invisible que se ejerce sobre nosotros, puliendo nuestra imagen, imponiendo una considerada el súmmum de la belleza, y provocando nuestra aceptación sin más. ¿Qué otra cosa es sino, la presión para que seamos delgados, sanos a ultranza, individualistas, bellos y jóvenes por siempre, como si la muerte fuera una posibilidad y no una certeza, como si lo feo necesitara ser expulsado? El afán de una sociedad de la positividad, es una exigencia casi insoportable, y el factótum que lo lleva adelante no tiene una cara determinada, ni que aprobar ninguna tesis. Pero la metáfora de Neil LaBute es, sin embargo, casi transparente y necesaria para entender el mundo que habitamos. Evelyn no tiene límites en la búsqueda de una superación personal que ansía, y toma a su objeto de estudio del natural, y a través, como ella afirma de la voluntad y la seducción, logra la transformación deseada. Como afirma Girard: “las cosas solo adquieren valor si son objeto del deseo de muchos”, (en Byung – Chul Han, 2017, 23) bien, pero Andrés no es una cosa sino un sujeto que es tomado por ella como tal, como una piedra en bruto que debe ser pulida, para ser deseada y entonces encontrar un valor dentro de la sociedad de consumo que habitamos. El afán de superación de la estudiante está cargada en sentido inverso de la misma estrategia de explotación:

El sujeto de rendimiento de la Modernidad tardía no está sometido a nadie. De hecho, ya no es un sujeto, pues ha dejado de serle inherente cualquier tipo de sujeción (subject to, sujèt à) Se positiviza, se libra a un proyecto. La transformación de sujeto a proyecto no hace que la violencia desaparezca. En lugar de una coacción externa aparece una coacción interna, que se ofrece como libertad. (Byung – Chul Han, 2017, 21)

Los personajes tienen en los actores una muy buena performance, logran el clima en ascenso que se va desarrollando en la intriga, del simple conocimiento en un museo, a una intimidad que luego será expuesta en una vitrina. Por otro lado, la escenografía de color gris metalizado es interesante y con sus practicables se van creando los distintos espacios. Quizá si hubiese menos cambios, en este sentido, permitirían el ritmo sostenido del relato. En tanto, la iluminación encierra a estas criaturas en un clima expectante.000163521

Ficha técnica: La Forma de las cosas de Neil LaBute. Elenco: Gastón Cocchiarale, Victoria Alsua, María de Pablo, Juan Luppi. Diseño de escenografía y vestuario: Sabrina López Hovhannessia. Realización de escenografía: Mariana de Sancho. Arte Gráfico: Nahuel Lamoglia. Diseño de Iluminación: Jorge Ferro. Prensa: Silvina Pizarro. Producción General y Ejecutiva: Gonzalo Cirigliano. Asistencia de Dirección: Gonzalo Cirigliano. Dirección: Sebastián Bauzá. El Método Kairos. Reestreno: marzo de 2018. Funciones: viernes 20.30 hs.

Bibliografía:

Byung – Chul Han, 2017. Topología de la violencia. Buenos Aires: Editorial Herder.

1 Aunque su propia dramaturgia tiene un antecedente sobre la constitución y modificación de un sujeto por otro. En 1993 estrena su obra En compañía de hombres, donde dos hombres misóginos de negocios conspiran con crueldad para enamorar y destruir emocionalmente a una mujer sorda. El límite que cruza LaBute es que el personaje victimizado desconoce hasta el final su condición, a diferencia del personaje de Shaw.

Poema ordinario de Juan Ignacio Fernández

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Poema ordinario de Juan Ignacio Fernández

poema ordinarioCuando se calla la tarde

levanta su voz el río.

Alma y música es la marcha,

arena y piedra el camino. (A. Yupanqui)1

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Un lugar lejos de la ciudad, cerca del río iluminado por la luna, sonidos de grillos, y el ruido sinuoso de un animal que vigila y acecha, como un secreto, como uno más de los que se ocultan en esa casa. En ese espacio, que podría ser un paraíso, la vida familiar no es un evento feliz, un hijo ausente que regresa, un hijo pródigo que cuando vuelve sólo trae la desgracia. En ese territorio áspero el amor es una utopía, o una realidad no convencional, o una posibilidad que se aleja con la luna. La música une y separa, la bebida mitiga la fatiga y el dolor, el agua trae y lleva los recuerdos, todo es una historia que se relata a fragmentos, que no se puede componer del todo, porque al rompecabezas le faltan o le sobran piezas. La presencia del extraño traerá otra luna negra. La escenografía de José Escobar sitúa las acciones con una proyección del espacio hacia un fondo de escena, donde la mirada puede atravesar desde el porche hacia las habitaciones; mientras el frente se divide entre la ventana que da a la cocina, y la puerta que se dirige al interior. Este perfecto dispositivo escénico permite que el desarrollo del relato se divida como en tres niveles: el adentro con su pacto de silencio, el porche y el afuera amenazante. Junto con el buen trabajo del sonido, el clima de costa ribereña, de pastizales cercanos, de animales que serpentean en ellos, se hace verosímil. poema1Un relato íntimo que es atravesado por la falta de amor, o por el amor distinto, y donde todo fluye como parte del paisaje. Las muy buenas actuaciones, hacen que el suspense de la intriga nos mantenga como espectadores expectantes, sin saber más de lo que en pequeña dosis se nos ofrece y sin atinar a imaginar cómo será un desenlace que no nos promete felicidad. Todo encaja en ese teatro de cámara como en un poema, todo es síntesis en su superficie, mientras en el entrevés de las palabras, y de las imágenes se oculta un mundo subterráneo que puja por salir. Todo tejido como una gran metáfora del desamor, y de cómo la posesión reemplaza al sentimiento por el miedo que produce la soledad. Una posesión que debilita, aísla y finalmente congela las acciones, e impide la vida que se detiene y repite sus movimientos para controlar lo imprevisto. El juego de entradas y salidas de ese espacio, está medido con precisión y el afuera mezcla la ficción y la realidad, entre el relato de la película de terror y el terror que habita en los pastizales; una imagen en espejo del que se esconde dentro de los personajes. Una historia particular y breve, un devenir sinuoso que nos atrapa desde su inicio y que nos coloca a merced de las aguas turbias del río.poema2

Ficha técnica: Poema ordinario de Juan Ignacio Fernández. Actúan: Fernando Morales Beascoechea, Ignacio Torres, Cecile Caillon y Julieta Timossi. Escenografía: José Escobar. Vestuario: Eugenia Limeses. Asistencia de vestuario: Teresita Matilla. Diseño de iluminación: Soledad Ianni. Diseño gráfico: Tatiana Schumovich. Fotografía: Pilar Montaron. Prensa: Carolina Alfonso. Diseño sonoro: Agustín Valero. Producción ejecutiva: Cecilia Santos. Asistencia de dirección: Fernanda Pérez Bodria. Dirección: Lisandro Penelas. Moscú Teatro. Estreno: 24/02/2018. Duración: 50’. Funciones: sábados 22 hs. y domingos 18 hs.