Archivos Mensuales: octubre 2018

No es amor es deseo Trilogía de Patricia Suárez y Sandra Franzen

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No es amor es deseo Trilogía de Patricia Suárez y Sandra Franzen

Una historia en tres episodios

afiche4Marìa de los Àngeles Sanz

Patricia Suàrez comienza su saga hace un par de años con la primera pieza de la trilogía, El corazón del incauto, hoy episodio 1. Una historia que en un espacio criollista, desarrolla una temática de pasión y deseo, donde el objeto del mismo se nos muestra como una transgresión, al espacio y al tiempo del relato. Uno de los personajes de la obra, Honorio pasa al segundo episodio, El despertar de la ingenua, donde en un triàngulo amoroso en el espacio de la Parìs de entreguerras, nos describe a travès del diàlogo de sus personajes, la relaciòn entre un matrimonio destruido que intenta salvarse con la presencia de un tercero, Marta, que lograrà retener en la casa a un marido que no se aviene a sostener màs su relaciòn marital. Esta segunda etapa terminarà en crimen y tragedia, y darà lugar al comienzo de la tercera, donde el personaje Marta vuelve a Buenos Aires y se relaciona con el hijo de la hermana de la mujer a quien traicionò en la segunda. Este momento de la saga, es del mayor intensidad de puesta, y los tres personajes sostienen con una energìa que no decae la composiciòn de sus personajes y la tensiòn dramàtica de la situaciòn, sus acciones que devienen del poder del diàlogo, tienen en la realizaciòn de la performance una fuerza que mantienen al espectador atento, a pesar de que la historia tiene un devenir un tanto predecible. El tejido e la saga propone una historia o varias de amor, pero que todas conservan la caracterìstica de poner el acento en el deseo que no es precisamente el otro, sino lo que el otro representa para nuestra vida. En el tercer episodio Marta necesita obtener el amor de alguien màs joven que ella, porque por ambiciòn ha dedicado demasiado tiempo a quien no amaba y que era un sujeto que la superaba en edad. El precio que pagò por ser quien es en ese presente donde se cruza con el sobrino de su vìctima, fue muy alto, y el destino o el karma acumulado harà que sufra en carne propia aquello que produjo en los demàs en su pasado. En un espacio que mantiene las caracterìsticas de la temporalidad narrada, con la música de tango como fondo semántico, los tres personajes de la última pieza de la trilogía llevan adelante su muy buena performance en un fluir intenso de la textualidad dramática. Los tres componen con talento sus criaturas, y logran el grado de verosimilitud que el género reclama, además de la tensión de los encuentros personales, que van llevando a partir de allí hacia el devenir final de todos. Una propuesta interesante de las dramaturgas, extender en episodios una historia que involucra en el tiempo, de 1925 a 1955, a algunos de los perosnajes, a la manera de las novelas por entregas, y que propone un marco y una estructura diferente a un realismo que necesita nuevos procedimientos para salir del corsé de lo conocido. 000187930

Ficha técnica: No es amor es deseo. Una historia en tres episodios: El corazón del incauto: Anahí Gadda, Nicolás Barsoff y Diego Cassere. Dirección: Sandra Franzen. El despertar de la ingenua: Victoria Reyes Benz, Renata Marrone, Daniel Dibiase. Dirección: Herminia Jensezian. La tentación de Marta Ortiz: Mónica Felippa, Mathías Carnaghi, Laura Castillo. Dirección: María Laura Laspiur. Diseño de escenografía: Tadrón Teatro. Asesoramiento escenográfico: Alejandro Mateo. Diseño de vestuario: Alejandro Mateo. Diseño de iluminación: Herminia Jensezian. Composición musical y Sonoridad: Florencia Albarracín. Asesoramiento en peinados: Mónica Gutiérrez. Voces Propaladora: Irene Almus y Rafael Bruza. Dibujos: Juan Pablo Cuchian. Bocetos: Lorenzo Dibiase. Diseño gráfico y Fotografías: Edgardo Andrés Kevorkian. Fotografías: Russarabian. Coordinación de visión artística: Charly Arzulian. Prensa: Daniel Franco para Simkin & Franco. Producción ejecutiva: Miguel Ängel Ludueña. Producción general: Teatro Tadrón.

Acróstico de Diego Rosental

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Ciclo Ópera Primas

Acróstico de Diego Rosental

Artificio literario y artificio escénico, desandar el pasado para leer o crear un presente distinto

agenda_acrosticoAzucena Ester Joffe

Acróstico es un biodrama performático que fue seleccionado dentro del marco de Óperas Primas 2017, y que se repuso en el mes de octubre. Es la obra que Diego Rosental se inventa cuando despliega el papel con las letras de su nombre que, desde 1984, guarda en el cajón de su mesa de luz”1.

Al ingresar a la sala Cancha, el intérprete nos saluda a medida que ocupamos nuestros sitios en las gradas, la iluminación es tenue pero nos involucra en un relato casi confesional, como una noche con amigos. Rosental nos introduce en su niñez mientras circulan entre nuestras manos su boletín de la primaria, el souvenir de alguna carpa de circo con la pequeña foto de él junto a su padre,… Próximo a nosotros, los elementos necesarios para dar cuenta de esa infancia y preadolescencia que tuvo un importante punto de quiebre, la “palabra oculta”. La única foto que conserva de su madre, la carta de su abuela, el video de su Bar Mitzvah,… Durante esta primera parte, es a través del discurso a nivel verbal que el actor y bailarín, hasta con cierto pudor, comparte esos años atravesados por dos realidades paralelas que descubrirá después de mucho andar.

En la segunda parte, el discurso a nivel corporal se hace dueño de la escena y en el espacio despojado, junto a María Kuhmichel, se conjugan de manera impecable la danza contemporánea y la danza tradicional israelí, el rikudim. Un baile alegre, social, que genera un contacto, un punto de unión especial con ese otro. En otros momentos, son dos cuerpos que se acercan y se repelen, que se aman y se rechazan en una relación difícil de explicar. Rosental no juzga a su madre sólo intenta comprender determinadas situaciones que le han dejado cicatrices en el alma y que por medio de la danza logra “exorcizar” o como cuando ejecuta la “batería virtual”. Una narrativa coreográfica potente, donde ambos bailarines crea un mundo intenso en el cual cada movimiento tiene la textura perfecta para relatar más allá de las palabras. La música y la iluminación de manera precisa terminan por construir el clima necesario entre el espacio íntimo y el público. La imagen final, como en un tercer espacio, condensa la particular relación madre-hijo, y si bien se destejieron “los hilos del recuerdo” el nuevo entramado es más que prometedor.

 

Ficha técnica: Acróstico de Diego Rosental. Interpretación: María Kuhmichel y Diego Rosental. Creación: Jimena Pérez Salerno, Roberta Blazquez Caló, Andrés Molina, Diego Rosental. Diseño de iluminación: Sebastián Francia. Diseño gráfico: Leandro Ibarra. Música: Daniel Bugallo. Dramaturgista: Aldana Cal. Colaboración artística: Eugenia Foguel. Asistencia general: Sofía Etcheverry. Asistencia de dirección: Andrés Molina, Roberta Blazquez Caló. Idea y Dirección General: Diego Rosental. C C R R Rojas: Cancha. Reestreno: octubre 2018. Funciones: martes 21 hs.

Óperas Primas es un espacio para arrancar y animarse y es por eso que es indispensable que se sostenga su programación año a año incentivando la aparición de nuevos nombres dentro de las artes escénicas. http://www.rojas.uba.ar/

1Según programa de mano

Lo que esconden los libros

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Lo que esconden los libros

Susana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

IMG_3088El Teatro para Niños abreva constantemente en la literatura y en otras disciplinas artísticas para una suerte de recreación que permite tomar motivos de obras del pasado para hablar de temas que nunca pierden actualidad, temas que remiten a los sentimientos que priman en el ser humano: el amor, la amistad, la solidaridad como así también hacia otros, negativos, que no nos enorgullecen pero que siempre tiñen las relaciones humanas. Ariel Varela toma en este caso, para hablar de amores y de cómo salvar las diferencias, la fábula de Jorge Amado El gato manchado y la golondrina Sinhá, la recrea y complementa con una muy bella escenografía inspirada en las pinturas de Frederich Hundertwasseri

Amattino y su amiga Silencio encuentran en el desnudo escenario, un libro y cuatro cubos. La joven le confiesa a Amattino que no lee bien, que tiene dificultades, así lo demuestra con la lectura y Amattino se ofrece a ayudarla porque además… está enamorado de ella. Los nombres de los dos amigos juegan con aquello que connotan las palabras, Silencio no puede leer correctamente, ¿la imposibilidad de acceder a la lectura no es acaso una forma de silencio? Y Amattino es puro amor, por la naturaleza, por la joven, por la vida. Al estilo de “cuento enmarcado”juntos comienzan con la lectura, luego, arman la escenografía y aparecen árboles, caminos, ríos y puentes de una rara, ondulante y colorida belleza. Y a medida que avanzan en la lectura, surgen los personajes, primeramente el gato, gris y manchado, hosco y bastante antipático. El gato es un precioso muñeco articulado, de tal manera que cobra vida con gracia y con movimientos en todos sus miembros Luego, la golondrina que vuela movida desde el extremo de una varilla y a medida que avanza la acción aparecen los otros personajes de ese bosque donde transcurre la historia: la vaca, el pato y la oveja.

La historia habla del gato que conoce a la golondrina, de la amistad que surge entre ellos a pesar de que con eso contrarían las leyes de la naturaleza (un gato nunca puede ser amigo de un pájaro), de cómo recorren campos de girasol, juegan, dicen rimas, ríen y son felices. Pero la historia también habla de todos aquellos que se oponen a esa amistad y más aún, cuando el gato le confiesa a la golondrina que si él no fuera gato le pediría que se casara con él. Golondrina finalmente se va y cuando regresa le cuenta al gato que se casará con el Ruiseñor. No obstante, el autor tuerce la historia original y finalmente, el gato y la golondrina pueden concretar su amor. La historia recrea el cuento de Jorge Amado pero también habla de la amistad de Amattino y Silencio, del compañerismo y del amor que surge entre ellos.

Títeres muy bellos, con un diseño bien definido. Dos actores con muy buen nivel interpretativo pero que se esfuman totalmente cuando son los títeres quienes actúan, lo que implica un excelente manejo de los muñecos. Como ya lo mencionamos, la escenografía es sumamente creativa: líneas curvas, ondulantes, espiraladas y muy coloridas para recrear todo lo que exige el paisaje. La música llena con mucho ritmo los momentos de armado y desarmado de la escenografía. Una puesta muy cuidada que los chicos siguen con mucha atención y entusiasmo y donde el gato, sin lugar a dudas, se gana las mayores simpatías.IMG_3089 (1)

Lo que esconden los libros. Teatro: Artesón, Palestina 919- paraje.arteson@gmail.com Intérpretes: Daniela Calbi y Ariel Varela. Diseño y realización de títeres: Juan Manuel Benbassat. Diseño de escenografía: Daniela Calbi y Juan Manuel Benbassat. Música original y diseño sonoro: Osvaldo Belmonte y Manuel Adem. Luces: Juan Manuel Benbassat. Realización de escenografía: Daniela Calbi, Juan Manuel Benbassat y Marcela Cremona. Realización de vestuario: Graciela Acevedo. Asistencia: Analía Marcolini. Técnica: Alfredo Rizo. Dramaturgia: Ariel Varela. Dirección y puesta en escena: Ariel Varela y Daniela Calbi. Comunicación y producción ejecutiva: Daniela Fiorentino. Músicos: Diego Alejandro (batería). Carolina Monteiro (clarinete) Mariana Marcolongo (flauta). Juan Usandivaras (percusión). Federico Schmidt (contrabajo). Osvaldo Belmonde (piano y dirección).

i-Friedrich Hundertwasser- pintor y arquitecto austríaco (1928-2000). Las características originales de este artista fueron el rechazo a las líneas rectas, la adopción de los colores brillantes, de las formas orgánicas, la reconciliación con la naturaleza y aunque siempre se mantuvo en su estilo, sus diseños arquitectónicos a veces recuerdan a los del arquitecto catalán Antoni Gaudi debido al uso de formas biomórficas.

En esta casa no pasa nada sobre La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca

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En esta casa no pasa nada sobre La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca

Cuando el deseo vence a la ley

000190370 en esta casaMaría de los Ángeles Sanz

Cuando Lorca escribe su dramaturgia, en la mayoría de sus obras, salvo en las que se introduce en el universo surrealista, lo hace con el corazón angustiado por una sociedad que impide a sus integrantes ser quienes quieren ser. La casa de Bernarda Alba, es el paradigma de una escritura que nos habla de la represión, de la castración del deseo, del prejuicio sobre el amor, del que dirán como límite a las acciones de todos, y de la muerte como un destino cierto ante tanta falta de empatía entre los seres que habitan un solar, un casa, pero que nunca formarán una familia, en el sentido justo de la palabra. Muerto el páter, el dueño de fincas y de cuerpos, será la madre, Bernarda quien se erigirá como la heredera de aquel mandato social, patriarcal y machista, que pregona, los hombres en la calle, las mujeres presas entre las paredes de su casa. La viudez como excusa, el matrimonio como salvación posible, y un rigor que sólo produce rencor y ferocidad. Flor Laval y Ana Luz Furth, dirigen la puesta pasando su punto de vista por esa subjetividad animal, que hace que los cuerpos se transformen y se muevan en escena como fieras apresadas que se vuelven en su desesperación unas contra otras. Para ello recurren a los procedimientos del teatro físico, desviando la atención sobre las palabras, que fragmentadas nos recuerdan al texto lorquiano, pero que aparecen por momentos, en los encuentros personales que son definitivos para la continuidad del relato. La religión como una de las patas fundamentales para el discurso represivo aparece desde el comienzo en ese padre nuestro enunciado en coro, y en la coreografía que lo precede. La duplicación en espejo de la figura de Pepe el Romano, objeto de deseo, de tres de las hermanas, hace que ese triángulo, el que conforman: Adela, Martirio y Angustias, se extienda a las otras dos, que también luchan por salir de la angostura de sus vidas. Las criadas, son testigos y profetas de lo que sucede, y Bernarda, una y otra vez intentará en ese juego macabro apagar el fuego de sus hijas, y ocultar las evidencias: que la casa se incendie, pero que el humo no salga por la chimenea, dichos de una Andalucía, que la puesta traduce, en una frase: “en esta casa no pasa nada”. El grupo de catorce actores, llevan adelante una muy buena performance, y Tomás Almandos construye su personaje con los matices necesarios para ver la transformación en escena de una mujer que no logrará finalmente cumplir con su único deseo: el poder sobre los demás. Bernarda, no podrá con el deseo encerrado en el pecho de sus hijas, y fracasará también en acallar la voz de su propia madre. La dirección usa las palabras, desmenuza el relato de Lorca y lo aplica como letanía en los personajes, como un coro, que busca ser una sola voz. El vestuario atemporal, y la música y las canciones en inglés y contemporánea, universalizan la temática, la traen a nuestro presente, y nos lleva como espectadores a pensar en las reivindicaciones presentes por los derechos de la mujer. Una puesta distinta sobre un texto clásico, diferente porque se propone como una extensión del relato lorquiano hasta el presente inmediato, y pone a los personajes ante la posibilidad de una salida hacia la libertad. 000190302 en esta casa

Ficha técnica: En esta casa no pasa nada sobre la pieza de Federico García Lorca La casa de Bernarda Alba. Elenco: la madre, Tomás Almandos; la abuela, Pina Spena; las criadas, Majo Núñez, Lucía Cicchitti; las hijas, Clara Antonione, Shushu Hôfferle, Florencia Laval, Jesica Pascual, Micaela Racciatti; los hombres, Alejandro Guerscovich, Fernando Martino, Juan Pablo Panebianco, Betto Pedraza, Joaquín Suárez. Asistente de dirección: Julieta Varela. Diseño gráfico: Leandro M. Correa. Diseño de luces: Sebastián Crasso. Fotografía: Lucas Suryano. Dirección: Florencia Laval y Ana Luz Furth. El Tinglado. Duración: 60 minutos.

Cartas de la ausente de Ariel Barchilón

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Cartas de la ausente de Ariel Barchilón

(…) el amor, el amor, flota en el aire tibio de la ilusión, toca el corazón a distancia, no padece la fugacidad de la carne, ni los obstáculos de las diferencias; se alimenta de distancia, de fantasía, es puro futuro, es sólo lo que va a ser… (Ariel Barchilón, programa de mano)

000187801 cartasMaría de los Ángeles Sanz

Un encuentro deseado y postergado ocurre en la intimidad de una casa, donde todo parece pertenecerle a un recuerdo y a un nombre, Luli. El hombre viene desde el fondo de sí mismo, desde el penal de Ushuaia donde abundan los peligrosos y los libertarios. Ambos, el hombre que llega del fin del mundo, y la mujer que espera hace años el milagro del encuentro fingen una serenidad que no tienen, porque guardan más allá de la ansiedad, secretos que oportunamente serán develados. Una historia que aparenta una sencillez que a lo largo de las acciones va desarrollando la complejidad de los actos verdaderos. Nada es lo que parece, siempre hay una vuelta de tuerca a todo lo que se dice, y como se dice, como conocer al otro, si también encubre la verdad tras las palabras. Los personajes construidos por Barchilòn son verosímiles, empatibles, vamos a medida que crece la acción, o que se va deshilvanando su textura, sintiendo compasión por ellos, una empatía que nos acerca a la posibilidad de que la historia sea cierta, o lo haya sido en un tiempo, el narrado, donde las cartas tenían para todos un peso específico, una significación que hoy han perdido, casi para siempre. La dirección de Mercedes Fraile potencia esa arista de la textualidad y de la composición de Mirta Katz, Elvirita y Daniel Goglino, Rufino, que llevan adelante su muy buena performance con acierto y comprensión. 000187803 cartasTodo transcurre en una escenografía que es un homenaje a la memoria íntima, una sala diseñada según el tiempo histórico, y con grandes paneles donde fotos familiares lo cubren todo, como si las ausencias se fueran acumulando en esa casa, en ese personaje que necesita, las imágenes y las palabras para cubrir de fantasmas su soledad. El vestuario y la música, completan el cuadro, que van diseñando los diálogos, plenos de ternura, misterio, humor y un miedo al desencanto, que cada personaje puede sentir en el cuerpo del otro, sin confesarlo. Una puesta que centra en ellos su punto de vista, para que en ese encuentro propuesto todo pueda desarrollarse en el espacio que cabe en la memoria de ambos, y en el deseo que emana de sus palabras y de sus silencios. Una pieza que rescata un tiempo, donde el amor, el deseo, la política, la soledad, se cruzan en los dos personajes, y en el recuerdo de aquella que sirvió como excusa para que el encuentro fuera posible. Luli, una figura de papel tan etérea como el aire, tan real como ellos quisieron hasta la verdad.

Ficha técnica: Cartas de la ausente de Ariel Barchilòn. Elenco: Mirta Katz, Daniel Goglino. Diseño escenográfico: Rafael Landea. Realizaciòn de escenografía: Rafael Landea, Malena Risso. Diseño de iluminación: Daniel Feijoo Fotografía: Gustavo Goglino. Prensa: Silvina Pizarro. Diseño gráfico: Cris Rocha. Asistente de escenario: Camila Colautti. Asistente de dirección: Mariana Alonso. Dirección: Mercedes Fraile. Actor’s Studio Teatro.

La conducta de los pájaros de Vicente Muleiro y Norman Briski

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La conducta de los pájaros de Vicente Muleiro y Norman Briski

Por un mundo donde seamos socialmente iguales, humanamente diferentes y totalmente libres. (Rosa Luxemburgo)

(…) Yo conservo fervorosamente el culto del país en que he nacido, pero mi patria superior es el conjunto de ideas, de recuerdos, de costumbres, de orientaciones y de esperanzas que los hombres del mismo origen, nacidos de la misma revolución articulan en el mismo continente, con ayuda de la misma lengua. (Discurso pronunciado en Lima 3 /5 /1913, Manuel Ugarte)

000181167 la conducta de los pàjarosMaría de los Ángeles Sanz

La puesta que dirige Norman Briski de la textualidad que escribe junto a Manuel Muleiro tiene la particularidad de resaltar la textura dramática a partir de un juego escénico que parte de la utilización de dos artefactos que movilizan y son movilizados por los personajes, y mantienen la mirada de los espectadores atenta al mismo tiempo que están atrapados por la red que teje la multiplicidad dialógica de las palabras. Los personajes enfrentados por sus ideas y género: Rosa de Luxemburgo y Manuel Ugarte, si bien tienen en el bienestar del mismo destinatario, el obrero, la finalidad de su vida y de la idea de la revolución deseada, en la mirada universalista de la primera, la identitaria y latinoamericana del segundo, se abre un abismo de conceptos que imposibilita el entendimiento. El imaginario enfrentamiento que llevan adelante Romina Ricci y Juan Felice Astorga de la mano de los autores nos llevan en un viaje hacia el pasado como una manera de entender en el presente una dialéctica que aún hoy mantiene la brecha entre la izquierda nacional y el peronismo. Como puente de un pensamiento que nos ofrece una posibilidad de entendimiento la figura del presente y su tecnología, el google, litero, Federico Rodríguez, pone como todo mediador, el cuerpo entre ambos, y la traducción e interpretación de los hechos que ya son historia conocida; o no tanto. El espectador puede en la vorágine de una discusión política – filosófica, que cruza por momentos los límites de la metafísica, perderse en los vaivenes de las posiciones, y de las biografías, que incluyen el amor de uno o de otro. La presencia de Delmira Agustini en escena, poeta uruguaya, amante de Ugarte y su trágico final, es motor de la decisión de la ida del poeta y ensayista a una Europa convulsionada antes de la Primera Guerra Mundial,i y donde el cruce con Rosa Luxemburgo, es un toque de atención para la profundidad de su pensamiento latinoamericano. Molesto para propios y ajenos, admirador de la Patria Grande que soñaron San Martín y Bolívar entre otros, cuenta como una de sus frases conocidas, aquella que resignifica aquella idea errónea de que la época de la independencia fue una edad fabulosa y que sus hombres no pueden ser imitados jamás. Algunas de las otras personalidades mencionadas en el discurso de ambos aparecen en unos cubos que contienen sus imágenes y que puestos en la cabeza de los personajes amplían el universo y la presencia de los protagonistas de ese momento histórico. Las actuaciones nos ofrecen una muy buena performance acompañada por la música original de Fito Páez para la puesta. Un trabajo que tuvo dos años de ensayoii, y que se propuso y lo logra una suma de interrogantes para un público que no puede salir no conmovido por lo relatado, y por la manera inquietante de traernos a una realidad que a veces aparece literalmente en escena. El afán de libertad que encierra la conducta de los pájaros, y sobrevuela las figuras emblemáticas de los personajes, que sin acartonamiento y buscando en las palabras las definiciones que los acerquen a sus propósitos compartidos viven un duelo intelectual único en el escenario. 000190706 la conducta de los pàjaros

Hemeroteca:

Yaccar, María Daniela, 2018. “Cuando el pasado interpela al presente” en Página 12, sección Cultura y Espectáculos, 24 de setiembre.

Ficha técnica: La conducta de los pájaros Norman Briski y Vicente Muleiro. Traducción: Carlos Kaspar y Sofìa Willhelmi. Elenco: Romina Richi, Juan Felice Astorga, Federico Rodríguez, Theo Machado Wald. Música original: Fito Páez. Vestuario: Giselle Pesce. Diseño de escenografía: Guillermo Bechthold. Diseño de iluminación: Norman Briski. Operación de luces y sonido: Theo Machado Wald. Auxiliar de luces y seguidores: Carlos Naso. Asistente de dirección: Micaela Minervino. Asistente 2: Helena Pérez. Voz en off discurso: Sofía Willhelmi. Técnicos de grabación: Marcelo Pérez y Marcelo Pañale. Fotografía: Emmanuel Melgarejo. Fotos de escena: Gonzalo Cano. Prensa y difusión: María Sureda. Teatro Calibán. Duración: 120 minutos.

i Rosa Luxemburgo se opuso a la guerra porque era en beneficio imperialista, una tragedia para el obrero que servía de carne de cañón para el enriquecimiento de la burguesía, y fue asesinada un año después de su finalización en 1919, tras la revolución Espartaquista, movimiento que ella había fundado en Alemania junto a Karl Liebknecht y que fracasa estrepitosamente, luego de un primer momento de júbilo.

ii Los ensayos se extendieron por dos años y el elenco debió aprender tap, pantomima, tango y esgrima; y Richi, particularmente, alemán. El operador de luces, Theo Machado Wald, se suma al grupo con una pequeña pero significativa intervención.

 

Mamá está más chiquita de Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira

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Mamá está más chiquita de Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira

000177041mamà està..María de los Ángeles Sanz

A un año de su estreno, se lleva adelante en el espacio El Galpón de Guevara el musical de Olivera y Schapira, Mamá está más chiquita, la convocatoria reúne a un público principalmente joven, habitué del espacio, que suele tener musicales en sus temporadas de muy buena calidad, y un espectador cautivo que es fiel a la propuesta ofrecida. Luego de una larga cola, al ingresar vemos que el espacio está colmado, y la música en escena comienza a darnos el clima de un relato que va a desarrollar la historia de una familia, donde la ausencia paterna, reclama de la figura de la madre una doble función y un compromiso que necesita compartir con su hija, mientras su hijo varón que tiene un retraso madurativo, es sobreprotegido en desmedro del cuidado que necesita Clara, quien se siente abandonada y en una soledad manifiesta en su cotidianidad. Un planteo que no deja de ser verosímil, y que pone al desnudo el carácter patriarcal de las relaciones parentales aún hoy, que considera a la mujer, no importa su edad, como la encargada de cuidar del otro, de ser la dadora de alimento y amor, sin fijarse en su persona, ni tener en cuenta sus deseos y necesidades. El cuadro referido se completa cuando quien viene en ayuda de los tres, es también una mujer, la madrina de Diego, Alicia. Un universo femenino, cuyo objeto de cuidado y deseo es la figura del hijo, mientras que aquél que viene de afuera, el novio de Clara, Germán, pieza clave en la historia, es ignorado en la relación endogámica que la familia lleva adelante. La puesta mantiene la tensión y el ritmo que el género requiere, y las actuaciones son convincentes, acompañadas por un buen color vocal al momento que las canciones sustituyan los diálogos. El mundo de aventuras y fantasía que Rita teje para su hijo, es como una burbuja de protección de un mundo exterior que se ve cómo una amenaza constante. El punto de inflexión de un clima tenso que sin embargo se sostiene desde la indiferencia, es la enfermedad de Rita, que pone en el límite de la situación a los cuatro personajes y los obliga a tomar decisiones que siguen la misma línea de pensamiento que vimos en el principio. El centro de todo es el bienestar de Diego, los demás deben acomodarse a su situación. El planteo es polémico, pero el desarrollo de la puesta logra la empatía de la mayoría de los espectadores con el más débil. La pregunta es si lo es en realidad, o si tanta protección es una actitud equivocada que le impide crecer y asumir su vida de otra manera. Por lo demás desde el punto de vista de los procedimientos escénicos todo funciona con fluidez, y como dije antes la performance de los actores es muy buena. La escenografía divide el espacio en cuatro paneles, la habitación de Diego a la derecha, la de Clara a la izquierda, el centro para la cocina comedor, donde transcurren la mayoría de las secuencias, y en una pequeña esquina, el sillón y una pequeña mesa con cajones, que guardan un secreto, y donde se refugia Rita para pensar en el devenir de su vida. La música en escena es excelente, y el público agradece con un nutrido aplauso su desempeño en la puesta. La obra fue ganadora de la convocatoria Teatro Musical en 2017, en la Bienal de Arte Joven en Buenos Aires. 000167599

Ficha técnica: Mamá está más chiquita de Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira. Elenco: Dèborah Turza (Rita), Tomás Wicz (Diego), Paloma Sirvèn (Clara), Juan Manuel Barrera Hernández (Germán), Beatriz Dellacasa (Alicia) Músicos en vivo: Juan Ignacio Unzurrunzaga (Cello y Bajo), Franco De Paoli (Batería), Gonzalo Schapira (Guitarra y Bajo), Juan Pablo Schapira (piano) Dirección: Marcelo Albamonte. Libro y letras: Ignacio Olivera. Música y letras: Juan Pablo Schapira. Dirección musical y arreglos vocales: Juan Pablo Schapira. Asesoramiento coreográfico: Diego Bros. Asistencia de dirección: Augusto Moreno. Vestuario: Marisol Castañeda. Escenografía: Lucila Rojo, Gastón Segalini. Diseño de luces: Samir Carrillo, Caio Senicato. Diseño de sonido: Daniel Vach. Maquillaje: Betsabè Solange. Diseño gráfico: Martín Bayne. Fotografía: Juan Ignacio Coda y BORIA Audiovisual. Redes y audiovisuales: BORIA Audiovisual. Producción: Facundo Suenzo. El Galpón de Guevara.

J. Timerman de Eva Halac

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J. Timerman de Eva Halac

En la Argentina de hoy, también hay una política pública y una secreta. El documento que La Opinión revela hoy aclara mejor que nada los verdaderos objetivos y estrategias del gobierno nacional, mucho mejor que los discursos públicos, y mucho mejor, por cierto, que la publicidad oficial sobre el Gran Acuerdo Nacional, instrumentada en forma de avisos y carteles callejeros anónimos, sin editor responsable. (Sánchez de Bustamante, 27 de junio, La Opinión)

000191202 TimermanMaría de los Ángeles Sanz

Argentina, Buenos Aires, año 1971, un diario nuevo, diferente sale al mercado de diarios existentes. Su director: Jacobo Timerman, director de Primera Plana en 1962i decide fundar un diario cuyo destinatario fueron en su mayoría los universitarios de la época. El diario funcionó como tal hasta 1977, pero Eva Halac elige hacer un recorte, una mirada puntual en ese año, en que se produce el Gran Acuerdo Nacional del gobierno de Lanusse, para poner en el vértice de la tormenta política desatada, los acontecimientos históricos de dos días significativos, 8 y 9 de octubre: el nacimiento del líder esperado y proscripto, y la fecha de los cuatro años del asesinato del Che en Bolivia. Entre el avatar político militar, el casamiento de la hija del General Lanusse con el cantante Rimoldi Fraga de gran popularidad por entonces, y que fue un acontecimiento nacional. Más allá de los hechos contextuales, las internas del diario y de las fuerzas armadas quedan al descubierto en los diálogos que mantienen un buen ritmo durante toda la puesta, y que logran su agilidad en el diseño del espacio escénico, vallado con fajas de peligro, pasillos estrechos por donde los personajes transitan, metáfora perfecta de como todos estábamos en situaciòn de precariedad, conscientes o no de ello. La noche de la celebración, el espacio se traslada con apenas una mesa y unas copas hacia la Residencia de Olivos, y allí sigue la permanente tensión entre propios y ajenos. La guerrilla y su presencia está entre los intersticios de las relaciones que parecen sólo económicas por momentos, pero que nunca dejan de ser políticas en todas las instancias. Donde los hilos de la trama que teje el personaje director de La Opinión traerán en el futuro para muchos y para sí mismo, un destino de tragedia. Las actuaciones, sobre todo la que lleva adelante Guillermo Aragonés nos propone un viaje al pasado sin escalas, donde la figura enigmática de Timerman nos devela algunos de sus posibles pensamientos sobre la realidad de entonces, cruzando los límites de lo que dejaba entrever en sus editoriales, algunas sin firma.ii Halac en el programa de mano, define al personaje en su construcción poética, que coincide con la memoria que de la persona tenemos: “(…) Un cosmos propio, un savoir faire intelectual, un aires de Graham Greene, un contrarreloj, un oxímoron latinoamericano”. Del mismo modo, nos remite a aquellos tiempos, la figura de Graiver, en el cuerpo de Cristian Majolo. Por otra parte, todos conforman el fresco de época de una etapa de nuestra historia que no podemos dejar en el pasado, sino que para entenderla en su total dimensión debemos revisar una y otra vez; incorporando voces y ángulos de análisis que nos permitan armar un rompecabezas al que le faltan tantas piezas. Sorprende el personaje de Lanusse, tratado desde la familiaridad de su entorno íntimo, preocupado por cuestiones familiares, en el medio de una crisis de gobernabilidad que lo atravesaba, entre la figura de un Che Guevara que aparece en la figura del custodio cubano, agente de la CIA en la quinta de Olivos, que trae el recuerdo del día de su asesinato, y la del ausente, el General Perón de quien piensa que no se va a atrever a venir por la posibilidad de su tercer mandato. El espectador ubicado en H en la sala, tiene la oportunidad de ver el transitar sin pausa de los personajes, y como dije antes el buen ritmo, hace que la puesta tenga una dinámica que logra de la textualidad una dialéctica interesante. 000191206 Timerman

Bibliografía:

Ruiz, Fernando J., 2001. Las palabras son acciones. Historia política y profesional de La Opinión de Jacobo Timerman. Buenos Aires: Perfil Libros.

Ficha técnica: J. Timerman de Eva Halac. Elenco: Guillermo Aragonés, Leonardo Murûa, Cristian Majoli, Mucio Manchan, Carlos Scornik, Juan Pablo Galimberti, Gregorio Scala. Asistente de dirección: Jennifer Aguirre. Diseño gráfico: Andrea Torti. Música original: Gustavo García Mendy. Saxo soprano: Juan Sevlever. Piano: Gustavo García Mendy. Escenografía y vestuario: Micaela Sieigh. Asistente de escenografía y vestuario: Merlina García Brunelli. Iluminación: Miguel Solowej. Producción ejecutiva: Rocío Gómez Cantero. Dirección: Eva Halac. Sala 3 Centro Cultural San Martín.

i Un periodista escribió que la revista “dicto juicios, impuso modas, dijo lo que estaba bien o estaba mal pensar, hacer o ver” (Carlos Ulanovsky, Paren las rotativas, Espasa, Buenos Aires, 1997, pág., 149, en Las palabras son acciones, página 24)

ii En la época que un periodista firmara una nota era un premio al talento, y las editoriales no se firmaban porque se suponía que correspondían al director del diario o la revista, salvo que quisiera enfatizar su discurso.

Warangas. Night Show

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Warangas. Night Show

Groserías con talento y mucho humor

WarangasAzucena Ester Joffe

¡Pasen y vean! Warangas es un espectáculo musical que desde su estreno tiene el reconocimiento del público y de la crítica, además de contar con varias nominaciones. Ya desde su título, aunque con W, plantea un desafío para aquellos espectadores quizá más “estructurados” pero no deja de ser un antídoto para el malhumor y la depresión.

Una propuesta “zafada” atravesada por elementos del music-hall, el cabaret y el café-concert, por lo cual se ubicaría, por así decirlo, en el borde de lo que el público más convencional llamaría, en general, de “buen gusto”. El hilo conductor de los diferentes sketches está dado por lo guarango, lo callejero, lo vulgar pero este recurso de malas palabras no resulta agresivo pues están dichas en el tono justo y con la comicidad necesaria para provocar nuestra risa constante, sin caer en el subjetivo “mal gusto”. El sólido elenco, que se tomó la licencia de hacer lo que ellos querían, tiene una química especial y nos contagian de ese delirio.

El ritmo sostenido, las canciones, los monólogos o los cuadros grupales, dan cuentan del amplio registro actoral de cada intérprete. El presentador, la mujer barbuda, el adivino, el clown, entre otros, no sólo rescatan a esos personajes tan entrañables sino también satirizan nuestra actual coyuntura política y económica (entre tantos tarifazos y desocupación,…, mejor no seguir con la larga lista) y abordan distintas cuestiones de género. Con un vestuario acorde a cada breve escena, con sus rostros maquillados de forma payasesca y la gestualidad exagerada, las distintas criaturas ingresan desde diferentes sitios de la sala. La música en vivo, algunas coreografías y la iluminación, terminan por crear el clima hilarante con la complicidad del público que participó espontáneamente. Un Night Show que recibió el merecido aplauso final. Todos nos retiramos con una sonrisa y con cierta sensación a que nos faltó un “bis”.warangas.Prensa

La compañía Warangas tuvo que mudar su Night Show de El Camarín de las Musas, por cuestiones edilicias, al Maipo Kabaret.

Ficha técnica: Warangas. Night Show. Elenco (por orden alfabético): Celeste Campos, Ana Devin, Roberto Peloni, Julian Sierra, Pablo Sultani, Georgina Tirotta. Músicos: Pablo Citarella o Marcelo Macri (piano), Raul Oliveira (guitarra y Arreglos vocales). Coreografía: Georgina Tirotta. Vestuario: Ana Devin. Realización de vestuario: Luli Gemelli. Pelucas y tocados: Leonardo Colonna. Bufandas: Palega Ortito. Asesoramiento Anal: Daniel Marrone. Fotografía: Nacho Lunadei. Diseño gráfico: Pablo Sultani. Escenografía: Nelson Mandela. Blanqueamiento Anal: Morgan Freeman. Producción ejecutiva: Natalia Eugenio. Producción homosexual: Juan José Chota. Producción general: Ezequiel Comeron & Roberto Peloni. Drogas: Doris Day. Comunicación: BMZ Comunicaciones. Dirección general: Roberto Peloni. Maipo Kabaret. Estreno: abril del 2018 (El Camarín de las Musas). Duración: 80’. Funciones: martes 20:30 hs.

Pasadas de sexo y revolución de Silvio Lang

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Pasadas de sexo y revolución de Silvio Lang

La política como fiesta. ¿Cómo siguen nuestras vidas procesando la revolución sexual? Pasadas de sexo y revolución es un show formativo de las luchas de mujeres, lesbianas, travestis, trans y maricas por una sociedad de nuevo tipo. Pero también una fiesta pagana con el público. El humor marica y un erotismo desmedido producen una poética anal de los placeres del cuerpo como barricada sensible.1

unnamedAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El espacio, Teatro El Cubo, cerca de la una de la mañana, la fila de jóvenes de todas las edades se encuentra a casi una cuadra de la entrada, la noche es cálida y amerita confidencias y conversaciones que tienen que ver con el concepto de género, y la violencia sobre la mujer. Están frescas en la memoria las denuncias sobre el Nacional Buenos Aires, la cita es casi etaria, pero Lang convoca a todos, porque los amantes del teatro sabemos que seguramente nos ofrecerá algo que va a sorprendernos, por su audacia verbal y física. Los performers se acercan cámara en mano, recorren la fila y graban el momento que se repetirá en noviembre y diciembre. En citas bacanales, fiestas donde todo estará permitido, porque dentro de la sala, donde algunos permanecen sentados, y otros de pie, hay una barra donde se venden bebidas alcohólicas. El clima se densa por momentos con los cánticos en contra del patriarcado, porque esta vez es la sexualidad y su diversidad la invitada a desarrollar fuera y dentro del espacio escénico, su revolución. También en contra de un gobierno de la ciudad y nacional represor. Un grupo intenso en escena, que se apodera de la platea por momentos, al costado un dúo vocal que sigue el transcurso de las acciones desde las canciones, el color y el semi desnudo de los cuerpos, es una invitación a la libertad de los sentidos. Copy of pasadas-30Los cuadros se reiteran alternativamente entre lo grupal, y la aparición de dos personajes, con un vestuario barroco, como el maquillaje, que despliegan como en las murgas la letanía de un pensamiento que necesita ser expresado y lo es, en las calles, en las plazas, en las marchas, en el deseo expreso de los cuerpos que sin miedo se atreven a besarse en los espacios públicos aunque sean reprimidos por una ley que no tiene altura ética para tomarse a sí mismo el ejercicio de juzgar2. Construyen a conciencia una nueva poética, que parte de lo diferente y que quiere ser reconocida como válida, en un universo hetero que impone su ética y su estética. El director trabaja siempre en los bordes, en los límites de lo político, porque la sexualidad también es una cuestión política, y los derechos que se permiten hablan de una sociedad y hacia donde dirige sus pasos.

El Cubo explota, literalmente, en cada Show y posterior Fiesta -más de 45 performers en escena y un DJ invitado para la ocasión. Pasadas de Sexo y Revolución es provocación, es delirio, es políticamente teatral. Interpela todos nuestros sentidos porque, como ya nos tiene acostumbrados, Silvio Lang siempre va por más:

Manifiestos, canciones de protestas, poemas anónimos, consignas políticas, acciones de agitación y arte, teoría de fanzine de los activismos de la imaginación político-sexual desobediente, en Argentina, desde los años 70’ hasta nuestros días, son para la Organización Grupal de Investigaciones Escénicas (ORGIE) dispositivos poéticos-políticos a remontar3.

Próximas funciones: 03/11/2018 y 01/12/2018 (Show: 00.00 / Fiesta: 02.00)Copy of pasadas-15

Ficha técnica: Pasadas de sexo y revolución de Silvio Lang. Performers: Alejo Petriz, Ana Borré, Araceli Atmadjian, Bautista Viera, Brenda Bidal, Darío Mendes Duarte, Emanuel Nem, Eva Calderone, Facundo Risso, Fernando Cantora, Flor Sánchez Elías, Dimitri Francesco, Hugo Martínez, Jannik Mioducki, Joaquín Sesma, Joaquín Testoni Vezzosi, Juan Pedro Scioli, Juan Rausch, Julián Dubié, Julia Hadida, Laura Visconti, Lucía Amico, Lucas Nicolás Cardozo, Manuel Pallero, María Jesús González, Marian Pérez, Mariano Rapetti, Miguel Valdivieso, Mora Sánchez Uzal, Nahuel Ortiz, Nahuel Vec, Nastya Rubert, Nehuén Zapata, Nicolás Salvatierra, Paulo Nehuén Zogbe, Ramiro Guggiari, Rodolfo Opazo, Romina Trigo, Santiago Rovito, Tom Werth, Tomás Deías Spreng, Valentín Piñeyro, Yamil Julián. DJS invitados: Chicxs Kidz (01/09), Kinda y Paula Random (6/10), Chocolate Remix (03/11), Plvybxy + DJ $USTANCIA (01/12). Coreografía: Rodolfo Opazo. Asistentes coreográficxs: Julia Hadida, Julián Dub, Eva Calderone. Dirección musical: Valentín Piñeyro. Asistente: Santiago Rovito. Composición musical: Valentín Piñeyro y ORGIE. Diseño de vestuario y dirección de arte: Endi Ruiz. Diseño de iluminación: David Seldes. Asistente de iluminación: Facundo David. Diseño de sonido y mezcla: Marcos Zoppi. Asistente técnico de sonido: Santiago Johnson. Diseño gráfico: Julián Dubié. Ilustración logo: Alejo Petriz y Flor Sánchez Elia. Impresión programa de mano: Yamil Julián. Fotografía: Dagurke. Realización de vestuario: Emanuel Nem, Bagallo, AY Jockstraps, Luisa Vega, Emiliana de Cristofaro, Mariano Clemente, Javier Olivera. Producción de vestuario: Emanuel Nem. Realizador lumínico: Paul Damián Pregliasco. Prensa y comunicación: Ramiro Cuggiari, Nehuén Zapata, Nahuel Vec, Juan Pedro Scioli. Producción general: Estudio NemCiriano. Producción ejecutiva: Silvina González, Eva Calderone, Juanse Rauch, Ramiro Cuggiari, Braian Alonso. Asistentes de escena: Franco Mehlhose, Antí Matus. Asistencia de dirección: Braian Alonso. Ayudante: Hugo Martínez. Dirección: Silvio Lang. Teatro El Cubo. Estreno: 01/09/2018.

1 Según programa de mano

2 Hace un año el 3/10 de 2017 Mariana Gómez fue detenida en la comisaría de Boedo por besarse en público con su pareja. Es sólo un ejemplo de otros casos que se sucedieron, y siguen sucediendo.

3 Gacetilla de Prensa