Archivos Mensuales: enero 2020

Conversaciones en el FIBA

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Ciclo de Conversaciones en el FIBA
“Cruce de Experiencias, miradas singulares y aspectos colectivos de la direcciòn estètica”
APDEA (Asociaciòn Profesionales de la direcciòn escènica argentina

Marìa de los Àngeles Sanz
sanzm897@yahoo.com

En el marco del FIBA, en las actividades denominadas “Conversaciones” el grupo de directores reunidos en APDEA, desde hace ya casi dos años, presentò una mesa de directores que participan en el Festival, y que dialogaron con los coordinadores de la mesa, Tatiana Sandoval y Martìn Marcou y con el pùblico, sobre conceptos fundamentales a la hora de llevar adelante sus trabajos. Participaron de la charla en el Hall Alfredo Alcòn del Teatro San Martìn, desde La Plata, Diego De Miguel, director de la puesta “Con el cuchillo entre los dientes”; dos de las integrantes del Grupo Teatral Cabeza, Mariana de la Mata y Laura Sbdar, que actuaron y dirigieron en el Festival, “Un tiro cada uno”; y desde Còrdoba Nadir Medina que presenta su trabajo “Flores Nuevas”.
Luego de la presentaciòn de la instituciòn por Alfredo Martìn en su caràcter de integrante de la comisiòn organizadora, se proyectò un pequeño video sobre las actuaciones de la asociaciòn desde su fundaciòn en 2018, para dar lugar a las preguntas que comenzò Martìn Marcou para iniciar una charla que fue por demàs productiva, rica en conceptos e ideas sobre la direcciòn a partir de las experencias en escena de los invitados.

La relaciòn de la direcciòn con el espectador, la afectaciòn del espectador, la lìnea indefinida entre la ficciòn teatral y la realidad; el teatro es polìtico y debe ser periodìstico afirma Diego De Miguel; y debe serlo en el sentido de estar presente en su època, de hablar de aquello que atraviesa la sociedad en su presente, en ese sentido piensa el director en el espectador posible, aquèl que encuentra en el hecho teatral una forma de ver en escena una descripciòn de la situaciòn que lo preocupa, y tal vez una posibilidad de reflexiòn; mientras lo escuchaba pensaba en Augusto Boal y en Bertold Brecht que fue de alguna manera maestro del primero.

El machismo, el feminismo, la violencia que implica una sociedad patriarcal que ve el machismo como empatìa, como tradiciòn que no todos se atreven a romper, còmo representarla en escena, y el feminismo como una voz que sube desde el fondo de los tiempos para dàrsela a aquellas personas que no son escuchadas y que son a pesar de los esfuerzos, las vìctimas de una ideologìa que propone silenciarlas, a como de lugar; Fueron la problemàtica que estableciò un interesante diàlogo entre el director platense y el grupo Cabeza, que presenta una obra donde analiza el discurso del machismo, para entender desde allì acciones y presencias de la violencia social. Sus integrantes conforman una direcciòn unìvoca, donde la relaciòn de horizontalidad entre las tres, producen una mirada sintetizadora del pensamiento de todas, necesaria, para llevar adelante el proyecto. En bùsqueda constante de formas y poèticas de construcciòn a partir de la temàtica de gènero.

La relaciòn director y actor, la bùsqueda de una comuniòn que pueda llevar adelante el proyecto, còmo concretarlo, àreas de libertad, marcaciones posibles, o indeseadas, la presencia a veces ominipresente del autor, y su palabra hegemònica, fueron tambièn temàtica a desarrollar. Las diferentes realidades, entre el teatro en Buenos Aires, y aquel que se produce màs allà de la General Paz, aunque pareciera una situaciòn superada, no lo es.

La interdisciplina entre lenguajes tan diferentes como el cine y el teatro, tuvo en la voz de Nadir Medina su presencia en la charla. En un presente donde el teatro se ve atravesado desde lo tecnològico con juegos e imàgenes que le deben a la producciòn del cine perspectivas y herramientas diversas, la llegada desde allì de un director que busca el despojamiento para incursionar en la escena desde el cuerpo del actor, hace la diferencia. Tras los ensayos de su obra, “Flores nuevas”, nos relata que la necesidad de un espectador, que agregara al trabajo entre director y actor la mirada necesaria y productiva de un otro, se hizo presente y entonces abrieron la situaciòn al pùblico.

La temàtica de la producciòn teatral, y su relaciòn con el Estado, si debe o no intervenir con su ayuda a la concreciòn del hecho artìstico, y su posible o no condicionamiento, fue luego otro de las conceptos que se discutieron entre los integrantes  del panel y luego en las preguntas que surgieron desde el pùblico presente. El teatro como una forma de dinamitar el sistema, de romper con tradiciones que nos llevan a una situaciòn lìmite, fue otra de los conceptos que se expusieron, y fueron abordados por los tres panelistas, desde distintas posturas, y sus diferentes panoramas a partir del lugar de origen, La Plata, Còrdoba, la ciudad de Buenos Aires.

Tres instancias diferentes de encarar la problemàtica de la direcciòn, que tiene ya desde hace unos años un protagonismo no excluyente pero sì muy presente en los trabajos teatrales, enriqueciò a todos la tarde, a partir de los interrogantes que nos dejò la charla, y me incluyò, y la inquietud de la necesidad de seguir abordando el tema. Por ùltimo, la invitaciòn de la Asociaciòn a los presentes de integrarse a la misma, y desde allì luchar por los derechos de una disciplina apasionante.

Teatro Queer en el Fiba

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Oh My de y Henrique Iglesias
Desde Alemania una puesta irreverente
No es obscena la imagen
de una mujer desnuda
que deja al descubierto
sus partes íntimas
sino la de un general
con uniforme de gala
que exhibe
todas las medallas
conquistadas
en sus guerras de agresión. (Intento de liberaciòn de lo obsceno, de Liliana Felipe)

Mariàngeles Sanz
sanzm897@yahoo.com

Sexo, sexualidad femenina, cuerpo, cuerpos en escena, un camarìn blanco e inflable, un bunker liviano que guarda elementos necesarios, y sirve de refugio a las actrices cuando no estàn en escena. Cuerpos en estado natural, sin los afeites propios de la modernidad, o del mandato social sobre el concepto de belleza, ¿què buscan? Placer. Lejos del comùn denominador del placer otorgado por el otro, ellas proponen construir un sujeto que indague sobre su propio cuerpo, y le otorgue el goce y el placer de sentirlo sin ataduras y sin lìmites.

Pero para llegar a esa instancia condiciòn previa, conocerse, cada pliegue y repliegue, el entorno, el contorno, y el centro mismo de la electricidad. La pornografìa patriarcal, convierte al cuerpo femenino en objeto de deseo del hombre; la propuesta entonces es filmar pequeños cortos pornogràficos donde el objeto no sea sino sòlo el camino de lograr la satisfacciòn, y donde la subjetividad femenina explore su propio territorio para obtener el climax que la lleve al relax. La propuesta final tiene como corolario el interrrogante de imaginar nuestra propia pelìcula porno, aquella que tejemos en la imaginaciòn, lo deseado y no permitido.

Las actrices interactuando con el espectador, desde la picardìa de la mirada, luego lo interpelan desde lo escabroso, lo escatològico, desde la imagen sin filtro, no apto para estòmagos delicados. En su defensa, lo avisan antes de comenzar. Con unos auriculares que nos permitìan escuchar la traducciòn del alemàn, o en la lengua original, segùn el registro de cada uno, la serie de cuadros se suceden. A veces la traducciòn se empastaba, y confieso que me arrepentì de no haberlo pedido en lengua alemana, lo que hubiera producido un interesante cruce entre la imagen y un lenguaje que no poseo en lo absoluto.

Una puesta distinta, con un humor que a veces producìa efecto en el espectador, pequeños monòlogos que se referìan a la manera que la sexualidad era comentada a las mujeres desde su infancia, la importancia de la educaciòn sexual, en una clase sobre la funciòn y tamaño del clìtoris, y el tabù de la menstruaciòn. Una puesta que seguramente produjo rechazo en parte del pùblico no acostumbrado ni a la exposiciòn de los cuerpos desde ese lugar, ni a la concepciòn de belleza del cuerpo femenino sin afeites. Una puesta que a travès de la tecnologìa se permitiò el acercamiento de imàgenes, y efectos no esperados.

La idea està llevada adelante por el colectivo Henrike Iglesias, de teatro feminista queer (1) con sede en Basilea y Berlìn. Fundado en 2012 por Anna Fries, Laura Naumann, Marielle Schavan y Sophia Schroth, a quienes se sumaron cuatro años despuès, en 2016, Malu Peeters y Eva G. Alonso.

(1) La definición correspondiente a queer es una palabra del inglés global para nombrar a todo aquel que no es heterosexual, y ha sido un término usado desde los años 1980 por parte de la comunidad LGBTI o sea lesbianas, gays, bisexuales, transexuales e intersexuales como una manera de autoafirmarse. No obstante esta palabra tiene una connotación ofensiva o despectiva para algunos miembros de la comunidad, mientras para otros, por el contrario, es una forma de describir una orientación sexual, expresión o identidad de género que no está de acuerdo con los parámetros de la sociedad heteronormativa. Igualmente en ocasiones, se suele utilizar este sustantivo o adjetivo para denominar a alguien que tiene hábitos sexuales o parámetros fuera de lo común. Originalmente esta palabra se refería a alguien que era un ladrón, borracho o tramposo, así como para llamar a alguien que no se podía fácilmente identificar como hombre o mujer.

Ficha tècnica: Oh MY autorìa: Henrique Iglesias (Anna Fries, Laura Naumann, Marielle Schavan, Sophia Schroth, Eva G. Alonso, Malu Peeters. Concepto, texto e interpretaciòn: Anna Fries, Laura Naumann, Marielle Schavan, Sophia Schroth. Diseño de luces y video: Eva G. Alonso. Diseño de sonido y mùsica: Malu Peeters. Vestuario: Mascha Mihoa Bischoff. Producciòn: Ehrliche Arbeit, Freles Kulturbùro. Coproducciòn: Sophieensaele, FFT Dusseldorf, Mûnchener Kammerspiele, Roxy Birsfelden. Apoyado por: HKF Berlìn, Fachausschuss Tanz &Theater BS & BL. Duraciòn: 70 minutos. Teatro San Martìn.

El Pùblico de Mariano Pensotti en el 13 Festival Internacional de Buenos Aires

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El Pùblico de Mariano Pensotti
En 13ª Festival Internacional de Buenos Aires

“La creatividad artìstica en el espacio urbano se ha ido deslizando, desde una concepciòn màs tradicional del trabajo del artista con formas en el espacio y la creaciòn de objetos con un poder simbòlico, al trabajo desde la comunidad. La forma artìstica està constituida por las formas de creaciòn colectiva, donde la gente, y no el emplazamiento, es el lugar central. (Bang, 2013, 8)

 

Mariàngeles Sanz
sanzm897@yahoo.com

Pùblico es un concepto teòrico sobre un grupo indeterminado, eclèctico, heterogèneo, imprevisible, que asiste a una funciòn artìstica ya sea teatro o cine, o una muestra performàtica, o una exposiciòn en un museo. Muchos o pocos que como en las arenas del circo romano tienen la facultad adquirida de subir o bajar el pulgar, de acuerdo a un criterio que tampoco nunca coincide en su totalidad. En los mayores èxitos de taquilla, cierto pùblico seguramente encontrarà tema para disentir, y en los peores fracasos, aunque en soledad, algunos espectadores sentiràn hacia lo denostado una empatìa particular. Pùblico como concepto abstracto, a diferencia de otro concepto muy utilizado, el del espectador, habla de pluralidad.

Por lo mismo antes enunciado, es el menos transitado de los temas dentro del espectro del campo teatral, y ya el hecho de que se lo aborde, y se lo saque del anonimato es un logro de la propuesta de Pensotti. Ademàs, al concepto pùblico, se suma otra definiciòn teòrica que tiene mucho que ver con nuestra posmodernidad, nuestro postdramatismo, y la definiciòn aterradora del uso despiadado de la posverdad: la transteatralizaciòn. Todo es teatralizable, no solo los textos dramàticos, sino la vida misma, que pasa a ser a conciencia, un acto, una escena, una impronta, que con màscara o sin ella nos tiene a todos como protagonistas.

Somos hijos directos del grotesco criollo, y del uso de la màscara como deporte nacional, y desde allì, la puesta singular que inicio el Festival FIBA en su 13ª ediciòn deberìa se leìda como continuidad. Porque la propuesta nos lleva a una falsa puesta de teatro, ya que lo que vemos son una sucesiòn de secuencias diferentes de un filme, donde los temas quedan unidos por el relato fragmentado de una puesta que alguno de los personajes han visto; y que involucra los acontecimientos que sucedieron en diciembre de 2001; su parte de la narraciòn en cada uno de los cuadros, tiene relaciòn directa con las situaciones que vemos en pantalla. La otra pista que da el dramaturgo, es la pequeña definiciòn que Jorge Dubatti expone ante el pùblico sobre el teatro y la teatralidad de toda la sociedad, que produce inquietud, ya que borra los lìmites entre la ficciòn y lo real concreto.

La serie de pequeñas escenas, cubrieron la ciudad y sus dispares comportamientos humanos, incorporando a dos de las ùltimas migraciones que vemos a diario, la china y la senegalesa. Podemos afirmar tambièn, que El Pùblico, es un trabajo sobre los espacios, aquellos que nos cobijan o nos tratan con adversidad pero que estàn ahì sin que los veamos de verdad. La càmara nos permite narrar desde el tejido que producen las imàgenes, mientras va construyendo un real concreto, diferente al habitual, en un margen sutil entre la mirada sobre la mirada, la del director y la del espectador. Desde allì, se suceden los acontecimientos: el maltrato de personas, de animales, la memoria que aùn nos duele y nos interpela con sus huellas marcadas en las paredes de un departamento, en una canciòn, el sinsentido, y la bondad, el amor, la espontaneidad, la ira sublimada en arte. Paisajes urbanos, recorridos que nos hablan de nosotros mismos, situaciones cotidianas narradas ficcionalmente, pero con la naturalidad de lo aparentemente real.

Tres salas en el complejo San Martìn, el teatro y las dos salas del Centro Cultural albergaron la jornada para luego de escuchar la mùsica de la banda sonora en el patio, tras el seguimiento de oportunos carteles, nos dirigimos en procesiòn teatral hacia el teatro Metropolitan Sura donde la pelì – teatral, y nuestros imàgenes en pantalla darìan final a un recorrido que nos tuvo de a momentos como activos participantes.

Teatro, cine, ambas cosas, una performance donde el pùblico de espectador pasivo se convirtiò en activo, en actor no en el relato sino en la conformaciòn de un sentido que sòlo el pùblico puede construir para concretar el hecho artìstico. La heterogenidad fue aùn màs incierta cuando los actores y las actrices que participaron del trabajo, estaban sentados entre nosotros, los simples mortales que amamos con pasiòn una disciplina artìstica: el teatro, y que esperamos que cada vez nos sorprenda con una nueva mirada sobre la realidad, que nos devuelva a nuestra mirada una claridad diferente. Muy buenas actuaciones, exquisita fotografìa. Once cortos, once frescos sobre una ciudad, que a la vez es metàfora del paìs, los actores y el pùblico.

Hemeroteca:
Blag, Claudia Lìa, 2013. “Claudia Lìa Blag: el arte participativo en el espacio pùblico y la creaciòn colectiva para la transformaciòn social. Creatividad y arte” en Creatividad y Arte, Nùmero 20, septiembre.

Ficha tècnica: El Pùblico de Mariano Pensotti. Elenco:
Corto 1: Luis Ziembrowski, Antonio Ziembrowski.Corto 2: Agustina Muñoz, Javier Drolas, Lena Pensotti Pescio, Lisandro Rodríguez, Guillermo Wasser
Corto 3: Julián Ponce Campos, Diego Velázquez
Corto 4: Min Chen, Ignacio Huang, Shang Min Lee, Maximiliano Totake Ryumon
Corto 5: Juan Minujín, Guillermo Arengo, Tomás Castaño, María Cottet, Patricio Aramburu, Marcelo Mariño
Corto 6: Susana Pampín, Claudio Méndez, Jorge Dubatti.
Corto 7: Lorena Vega, Juan Barberini, Horacio Acosta, Natali Lipski, Agustín Gagliardi, Sofia Palomino, Nicolás Schujman, Gonzalo Córdoba Estéves, Valentina Ansaldo, Martín Feldman, Ignacio Brasesco, José Ansaldo, Lucas Piccinino
Corto 8: Walter Jakob, Juliana Muras, Pablo Seijo, Pablo Lugones, Manuel Attwell, Yamil Zeid, Horacio Parisotto, Moussa Dieng Hijo del Tambor.
Corto 9: Pilar Gamboa, Julián Larquier, Claudio Barbieri, Diego Vainer, Vanesa Maja
Corto 10: Gregorio Barrios, Gaby Ferrero, Sebastián Chávez, Juliana Oubel, Alberto Troncos, David Rivero López, Bryan Sánchez, Hugo Menchaca, Cristian Ponciano López, Rubén González, Federico Roldán Sarmiento.
Corto 11: Gaby Ferrero, Silvia Villazur

Extras:
Alumnxs Escuela De Espectadores De Jorge Dubatti, Ilona Aczel, Lucía Agnelli, Rosa Fiorella Aguilar, Laura Avellaneda, Sol Bazzino, Franco Breit, Luciana Caisutti, Gustavo Canavesio, Giuliana Canessa, Malena Canosa, Milagros Carabajal, Romina Caravello, Silvia Carmoni, Manuel Cichero, Guido Colucci, Gina Cristiani, Tomas De Lazzer, Adriana Fandiño, Julieta Fernández, Florencia Fretes, Luana Gagliardi, Rocío Galdés, Verónica Giordano, Nora Gomez, Ailén Keller, Ileana Livoff López, Rodrigo Mendez, Rolando Messina, Julieta Abigail Molina, Renata Morresi, Chiqui Pedreny, Martina Porfilio, Georgina Primo, Santiago Quintero, Paula Salva, Laura Stancato, Julia Storani, Clara Suárez, Mirta Tapia, Nélida Villagomez, Indiana Vissani, Valeria Yovera
Gaffer: Sandra Grossi. Editor: Alejo Moguilansky. Electricidad: Martín Casas. Post Producción De Imagen: Diego Burlando. Post Producción De Sonido: Hernan Severino. Música: Diego Vainer. Microfonista: Lara Baldino. Segundo Asistente: Camila Albertocchi. Subtítulos: Copia Cero. Equipo De Arte: Lucía Furman, Romina Santorsola. Arte: Sofía Eliosoff. Equipo De Producción: Estefanía Piotrkowski, Antonella Schiavoni. Asistencia De Edición: Miguel De Z. uviría. Asistencia De Producción: Lautaro CanavesioAsistencia de dirección: Agustin Gagliardi. Asistencia De Cámara: Santiago Mouriño. Producción general: Grupo Marea, Florencia Wasser. Coordinación De Post Producción: Agustin Gagliardi. Jefe de producción: Martín Feldman. Dirección De Sonido: Hernan Severino. Dirección de arte: Mariana Tirantte. Direccion de fotografia: Soledad Rodríguez. Co-producción: Metropolitan Sura, Grupo Marea, FIba. Dirección: Mariano Pensotti.

Agamenòn de Esquilo

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Agamenón de Esquilo
Idea y Concepciòn de Manuel Iedvabni
Del Teatro de La Comedia al Teatro Apolo

 

Cynthia Attie
cynthia.attie@gmail.com

Esquilo nunca pudo estar más vigente que hoy en día. Agamenón da cuenta de ello. Polis, poder y política, las 3 P nos muestran como el accionar de los gobernantes pocas veces tuvo escrúpulos y pareciera ser que a medida que pasan los siglos, los entroncados sociales se vuelven más complejos. Lo que no se imaginaba Esquilo o tal vez sí, es que su Clitemnestra inspiraría a futuras mujeres de hoy en día.

Ella, como representante del empoderamiento femenino, es una leona que va a defender a ultranza su lugar en este mundo, sin importarle siquiera el designio de los dioses. Se la podrá criticar pero nunca juzgar. Vemos a una Ingrid Pellicori y a un Osmar Nuñez desplegando con una excelencia actoral a varios personajes de la tragedia, sin perder de vista la perfecta estructura del teatro griego.

Las máscaras, otro procedimiento a rescatar. Asimismo el recurso tecnológico visual y la correcta elecciòn de la música, nos invoca a aquel coro de ancianos que juegan un rol preponderante en Agamenón pues seràn los representantes del pueblo, los testigos omniscientes que todo lo vieron y ven.

Un coro que tiene la función de denunciar y no callar, es la alegoría perfecta de lo que debiera ser nuestra sociedad. La grandeza de Esquilo radica en haber colocado en escena al segundo actor, con lo cual nos está diciendo que el poder unívoco es desmesura en cualquier circunstancia y lugar. El pasado y el presente fundidos en el Teatro Apolo.
Apolo, Dios de la verdad y la profecía. Casualidad o intención la eleccion del teatro? Otra buena decisión que hace de este espectáculo la necesidad de innovar para llegar a todo tipo de espectadores en calle Corrientes. La vigencia de un clásico en tiempos modernos. Muy recomendable.

Ficha tècnica: Agamenòn de Esquilo. Idea y Concepciòn: Manuel Iedvabni. Adaptaciòn: Ingrid Pelicori. Intèrpretes: Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez. Vestuario: Paula Molina. Diseño de luces: Soledad Ianni. Diseño de sonido: Sebastiàn Zavatarelli. Producciòn musical: Daniel Curto. Realizaciòn de màscaras: Marcela Alonso. Audivisuales y Diseño gràfico: Pauli Coton. Mùsica original: Silvia Jedwabny. Fotografìa: Gabriel Reig. Prensa: Marcos Mutuverrìa. Producciòn ejecutiva: Ale Garcìa. Direcciòn: Pablo Flores Maini y Manuel Iedvabni. Duraciòn: 85 minutos. Teatro Apolo (ex Lorange)

Festival Internacional de Buenos Aires, apenas una mirada antes del inicio.

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Festival Internacional de Buenos Aires
13 Ediciòn
23 de Enero al 1 de Febrero de 2020
Teatro, Danza, Mùsica y Artes visuales

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Mariàngeles Sanz
sanzm897@yahoo.com

A pocos dìas del comienzo del Festival, la gente de prensa de la ciudad fuimos convocados por Federico Irazàbal para darnos la informaciòn correspondiente a su desarrollo, en una charla informal en el bello Edificio Estrada, en una sala de làmpara imponente de cristal y bronce, y vitrales que en su presencia nos ofrecìan una temporalidad de distancia; cafè mediante, y a travès de material impreso donde horarios y obras, màs otros eventos estàn en todo su detalle. De su voz y la del Ministro de Cultura, Enrique Avogadro, quien comenzò la charla, nos enteramos de la planificaciòn y los ejes estructurales de la propuesta, que son cuatro: 1- Teatro y gènero. 2- Teatro y ambiente. 3- Teatro y accesibilidad. 4- Teatro y tecnologìa. Un eje conceptual que se propone extender hacia temàticas contextuales que no siempre aparecen desarrolladas pero que sin embargo, son un interrogante en el tiempo actual de nuestro campo teatral.

Obras paradigmàticas de estos cuatro ejes se haràn presentes para el espectador en espacios convencionales (56 salas) y no convencionales, con precios accesibles y otras absolutamente gratuitas, donde el cuerpo de los actores y las actrices con una tecnologìa que intensifique los sentidos propuestos, y en una tarea de cuidado del ambiente intervenido es una sìntesis de lo propuesto. Algunos de los tìtulos de acuerdo a los ejes serìan: 1- La puesta uruguaya de Marianela Moreno “Naturaleza Trans” en la sala Dumont. Como dice los organizadores del evento en el programa que se nos entrega sobre el Festival:

El cuerpo del otro, el cuerpo de una minorìa, el cuerpo del “diferente” es siempre razòn de escàndalo. Asì, las polìticas de gènero y de identidad sexual, entre muchas otras, hoy ocupan un lugar central (…) A travès de procedimientos representacionales en algunos casos, performàticos en otros; a travès de la ficciòn màs clara y rotunda; o a travès de la mera presencia del cuerpo marcado y lacerado, (…)

Desde Alemania procede la obra que representarà tambièn otro aspecto de gènero- “Las Henrique Iglesias”, y su trabajo “Oh My” su temàtica la cosificaciòn del cuerpo femenino en la pornografìa que desde la propuesta queer veremos en escena. “Orlando” de procedencia suiza, nos llevarà desde el texto de Virginia Wolf a una producciòn nocturna, que hablarà de un traslado no sòlo de gènero sino visual, de clima de extrañeza, por el horario y el locus, ya que se llevarà adelante en la plaza Brasil. Para concluir con charlas de filosofìa a las tres de la mañana, provocando que el amanecer nos encuentren a todos envueltos en una atmòsfera de pensamiento sobre los cambios que la sociedad necesita y que los colectivos proponen bajo la mirada, la voz y la conducciòn de Paul Preciado.

El eje 2- que propone la relaciòn del teatro y el ambiente, es una manera diferente de encarar los formatos escènicos que intervienen en el proceso creativo. Un cuidado necesario en un mundo atropellado por el avance de una humanidad despreocupada por lo natural, por aquello que no es sòlo un paisaje sino sustancial para la continuidad de la vida. Còmo podemos desde el teatro no sòlo ser una señal de alarma en las obras del malestar del planeta sino desde lo formal concreto còmo podemos colaborar a un proceso de cambio. “Gala” coproducciòn francesa – argentina dirigida por Jèrôme Bel, es una de las piezas representativas de estos conceptos.

Relato y Tecnologìa, 3- eje, desde su conceptualidad se propone el trabajo sobre la novela de Ricardo Piglia “Plata Quemada” por el elenco chileno de la compañìa Teatrocinema, en el Centro Cultural 25 de Mayo. Una intersecciòn de disciplinas que se aùnan para lograr cada vez mayor eficacia entre el cuerpo del actor y de la actriz en un mundo atravesado por la tècnica. Una realidad que el teatro no puede obviar. Por eso, la noche de apertura, el 23 de enero, se harà con una fiesta performàtica junto a Abramovich y Carla Crespo en su rol de dj, mùsica, danza, teatro, y un espectador participante. Muy interesante es la propuesta de Pensotti, en coproducciòn con Grecia, su obra “El Pùblico”, se darà simultàneamente, entre salas: la Lugones en el Teatro San Martìn, las dos salas de cine del Centro Cultural San Martìn, para el reencuentro final en el Metropolitan Sura. La temàtica està compuesta como una pelìcula que narra la actitud de un grupo de espectadores de teatro que asisten a una obra que narra los acontecimientos de 2001.

4- Teatro y accesibilidad propone la adaptabilidad del espacio a las personas con discapacidad, como afirma el programa: “Gracias al trabajo conjunto con el British Council, en esta ediciòn del Festival ofrece funciones y actividades con recusos tècnicos y humanos para que las personas con discapacidad visual y auditiva y la comunidad sorda puedan disfrutar de la programaciòn”. En homenaje a las personas con discapacidad se presenta: ” Give a reason to live” con Claire Cunningham, intèrprete y creadora de obras multidisciplinarias. Una de las artistas del Reino Unido que desde su discapacidad, usa muletas, crea una tècnica para llevar adelante danza desde el lugar del impedimento.

Este informe es apenas un bosquejo de las numerosas presentaciones y actividades que se llevaràn a cabo a partir del 23 de enero: se suman 14 proyectos audivisuales, teatro de frontera, teatro danza, mesas y conferencias, y una apertura y un cierre en espacios no convencionales: El Casco Històrico de la Ciudad para el inicio, La Maratòn Abasto con numerosas sedes para el cierre de las jornadas. Dos semanas a puro teatro, dos semanas para extender las fronteras del teatro desde la forma, la temàtica, y la llegada productiva a un espectador no habitual al ejercicio teatral. Una propuesta en verano, que se suma al complejo teatral que permanece en la ciudad, y al Festival Temporada Alta que se desarrollarà en febrero en Timbre 4.

Canìbal de Sebastiàn Suñe

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Canìbal
Un musical Voraz de Sebastiàn Suñe
El hombre lobo del hombre

000215042 Canìbal

Mariàngeles Sanz
sanzm897@yahoo.com

En el verano porteño de un 2020 cargado de esperanza, y de buenos propòsitos, la cartelera teatral comienza con puestas que confirmaron su permanencia en la escena el año anterior. Una de esas propuestas en el Teatro Picadero es Canìbal la creaciòn de dirigida por Corina Fiorillo. En una escena despejada, ocupado el espacio escènico por los mùsicos en una esquina: piano, trompeta, violìn, flauta y violoncello; los tres personajes iràn presentado rompiendo la cuarta pared un relato fragmentado cuya lìnea es el canivalismo ancestral de una humanidad que guarda las apariencias a partir de la cultura.

Desde Freud y el Leviatàn (1), desde el cristianismo y su ritual de comer el cuerpo de dios en la comuniòn de las almas, desde el amor posesivo y fagocitante marcado por la pasiòn, hasta la sociedad de consumo que resume todas y cada una de las formas de devorarnos los unos a los otros, la puesta ensaya con mucho humor y canciones una comunicaciòn con el espectador que le permita decir e interrogarse sobre la ètica y la estètica del mundo.

Los tres personajes, en la carnadura de Sebastiàn Holz, Dolores Ocampo, y Belèn Pasqualini, tienen en escena una excelente performance que va creciendo a medida que la tensiòn de las situaciones lo requieren: bailan, cantan y expresan desde la palabra y desde el cuerpo, sentidos, sentimientos, palpitaciones que van envolviendo una idea para dar cuenta de una animalidad que ocultamos con los buenos modales, o con polìticas de mercado.

Las canciones tienen presencia semàntica en el desarrollo de la puesta, que no llega a ser un relato unìvoco, sino cuadros, anunciados por un tempo numeral, que van aportando cada uno un elemento nuevo a una sentencia inicial. Cita de Freud mediante, es la que enmarca el relato, para luego pasar de la psicologìa, a la religiòn y a la filosofìa hobbeiana, y mostrarnos como somos cuando dejamos caer las màscaras, y ponemos en acto lo que el instinto manda. La canciòn de la niña en el baldìo serìa la metàfora del trabajo.

Un musical minimalista, que sin embargo sin grandes pretensiones, pero con muy buenos trabajos actorales, nos lleva por un humor por momentos escatològico, atravesado por el melodrama, a reirnos de nosotros mismos sin darnos cuenta, que fuimos, somos o seremos alguna vez protagonistas de la desmesura de algunas de sus acciones, de la dependencia hacia un otro o hacia un aparato que nos consume, que tambièn nos fagocita, y nos devora. La tecnologìa no necesita nada màs que hacernos imprescindible lo que no lo es, para tenernos sujetos sin subjetividad posible.

(1) (…) es que un texto esencialmente filosófico se ha enmarcado de tal manera que podría incorporarse a la Biblia. Hobbes también reconoce, por motivos estilísticos y en términos de su contenido filosófico, que Job es un libro de la Biblia relativamente tardío e incluso afirma específicamente que «el escritor debe haber sido del mismo tiempo» o «después» del escritor de «The Historia de la reina Ester … del tiempo del cautiverio. ”En otras palabras, el texto es producto del período de intensa influencia imperial iraní en la formación del judaísmo tal como lo conocemos. El Leviatán es una monstruosa criatura marina o, si es artificial, es una maquinaria submarina de terror titánica. (…) Hobbes imagina un régimen que abarque tanto su poder sobre la vida humana que el Soberano decidiría incluso sobre el significado del lenguaje. (online, newsfront)

Ficha tècnica: Canìbal de Sebastiàn Suñe sobre una idea de Sebastiàn Holz. Elenco: Sebastiàn Holz, Dolores Ocampo, Belèn Pasqualini. Mùsicos: Carlos Britez (piano), Mario del Risco (trompeta, violìn, flauta), Clement Silly (violoncello) Direcciòn: Corina Fiorillo. Asistencia de direcciòn: Pilar Ronnow. Mùsica original, arreglos vocales y director musical: Carlos Britez. Coreografìa: Juan Diego Bros. Diseño de escenografìa y vestuario: Gonzalo Còrdoba Estèvez. Diseño de iluminaciòn: Ricardo Sica. Asistente de iluminaciòn: Diego Becker. Fotografìa: Nacho Lunadei. Diseño gràfico: Romina Juejati. Prensa: Antonella Santecchia y Shirly Potaz. Producciòn ejecutiva: Carla Carrieri. Teatro El Picadero.