Archivo de la categoría: Artes Escénicas

3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia [IV]

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia 

del 2 al 17 de junio de 2018

FestivalAzucena Ester Joffe

Dramaturgia para una exhibición descentralizada: El director del festival, Matías Umpierrez, comentó a propósito de este espacio en el cual se presentó parte de la obra de Nacho Iasparra, artista y fotógrafo argentino: “nos interesaba ver cómo su obra está atravesando todo el festival como así además el proyecto curatorial. Visualmente el trabajo de Nacho, con sus ‘estados emocionales’, construye distintas realidades y lo que proponemos es hacer una exhibición pero con dispositivos que usualmente no se piensan para tal fin. ¿Qué es ir a una exhibición? Si estamos en plena era virtual ¿por qué no hacemos con todos esos espacios virtuales un espacio de exhibición? Entonces, difinitivamente queremos que esa sección, sin lugar, sin territorialidad, y, a la vez, llena de espacios virtuales y físicos, termine de construir el marco central para presentar este festival”1.

Una propuesta por demás interesante donde cada programa de mano tiene un sentido autónomo. Imágenes que narran por sí solas, espacios de luz y sombras que generan en cada observador un punto de encuentro. Cada instante atrapado tiene una plasticidad poco habitual, el movimiento se genera en el cruce entre lo perceptivo y lo visual, cada fotografía contiene una energía casi invisible que con fuerza centrífuga excede los límites del soporte papel. La representación de “estados emocionales” a partir de la observación, una de las líneas de trabajo de Iasparra, quizá contiene cierta abstracción pero, indudablemente, la luz construye posibles sentidos. 6. FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia para una exhibición descentralizada

La 3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia concluyó con éxito, al igual que las dos ediciones anteriores, convocatoria que fue una invitación a cada espectador para que se atreviese a completar las diferentes experiencias más allá de cada disciplina. Un recorrido atravesado de manera acertada por el hecho artístico y la reflexión. En una sociedad donde las redes sociales imponen una relación diferente con nuestros afectos y nuestra cotidianidad, donde todo parece medirse a partir de la cantidad de “me gusta”, este festival a partir del lema “estados emocionales” ha sido muy atrayente. Artistas de distintos países (Alemania, Argentina, Brasil, Croacia, España, Finlandia, Francia, India, Líbano, Perú, Uruguay) fueron convocados para construir un entramado de diferentes realidades pero con un claro objetivo a partir de las expresiones artísticas.

Finalizado el festival, seguirán en nuestra cartelera porteña por doce semanas más las obras de teatro y por cuatro semanas más las de danza; pues la idea, desde la 1ra edición, es que los artistas puedan tener una presencia real en nuestra ciudad.

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Director & Curador: Matías Umpierrez. Producción general: Malena Schnitzer. Producción ejecutiva: Melisa Santoro. Producción intervenciones site specific: Florencia Orlando. Meritorios producción: Ezequiel Paredes, Cecilia Santos, Cintia Zaccolo. Prensa: Marisol Cambre. Redes: Berenjena Producciones. Diseño: Sergio Calvo. Programación Web: El Dodo

Más información: http://www.festivaldramaturgia.com.ar/

Facebook: Festival Internacional de Dramaturgia

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Instagram: @festdramaturgia

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia

Curaduría y dirección de Matías Umpierrez y presentado por Plataforma Fluorescente

del 2 al 17 de junio de 2018

Artistas de diferentes procedencias y disciplinas se sumergirán, junto con el público, en experiencias que desplazan las ideas de cuerpo-territorio-frontera-discurso-escenario, creando nuevos territorios, mundos paralelos… o, tal vez, simplemente, el mejor de los mundos posibles.1 (M. Umpierrez)

FestivalAzucena Ester Joffe

El jueves 24 de mayo se realizó en el Nün Teatro-Bar la presentación de esta nueva edición del festival. Un desayuno por demás interesante donde Matías Umpierrez de manera precisa nos comunicó, a los medios presentes, sobre la convocatoria y la programación a partir de las cinco secciones “que dialogan con el lema ‘estados emocionales’ y el proyecto curatorial”.

Matías comentó, en un brevísimo racconto, que las dos primeras ediciones, 2014/2016, estuvieron principalmente centradas en la dramaturgia latinoamericana y europea, en una reflexión escénica y teatral. Desde el comienzo:

Nuestro festival se funda en una frontera que sucede entre discusiones locales pero también en las instituciones internacionales. Nos interesaba, originalmente, que los teatros independientes pudieran ser los espacios que presentan y producen teatro. Y que las instituciones internacionales encuentren estos espacios reales de gestión, que más allá de cualquier crisis siguen resistiendo. Entonces nos pareció que era un foco de identidad real donde cooproductores internacionales pudieran coproducir y además darles identidad a los teatros independientes.

Pero hoy que nos movemos en un mundo globalizado y atravesado por la inmediatez de las redes sociales la puesta en marcha de esta 3ra edición implica un desafío y un compromiso mayor. Este año el Festival Internacional de Dramaturgia es más interdisciplinario. Según su director, en primer lugar, porque es el espacio que él sostiene como artista y, en segundo, porque cree que esta impronta ha comenzado a despertar preguntas en nuestra ciudad. Por lo tanto, será un lugar de encuentro y de reflexión para cuestionar qué es la dramaturgia en nuestros días y para pensar las narrativas en la contemporaneidad sin importar su disciplina.

Me interesa pensar muchísimo el teatro como ritual que incide en otras artes. Es increíble este movimiento transdicisplinar que está sucediendo y tiene que ver difinitivamente con un gesto de la época: la constante profanación. Creo que los artistas, en ese aspecto, movemos las paredes de los lugares donde estamos, trabajando para crear nuevos universos. Era importante para nosotros reflejarlo desde el festival. En ese sentido, primero construimos para esta edición un clarísimo proyecto curatorial que va a armar una línea que conecta, de alguna manera, todas las secciones y todos los proyectos. Y que, a su vez, construyen un orden y proponen a los espectadores/as a acercarse difinitivamente a una experiencia que sostengo desde todo punto de vista. En plena era virtual me parece que lo más importante es la construcción de una experiencia donde sucedan distintos paisajes de cómo podría ser la dramaturgia y que también les de la posibilidad a los concurrentes de sentir que se diluye la idea que tienen, por ejemplo, de qué es el teatro en este momento.

El lema que articula toda la programación, “estados emocionales”, tiene que ver con la idea de “un montón de hilos que se desmembran justamente en la palabra estados”. Interesante reflexión que aborda tanto al estado privado como al público junto al pensamiento de que de “alguna manera está presente la dramaturgia para empujar esos estados que pueden pensar que existió una historia o no”. Por eso este festival es “un espacio de resistencia, es nuestro encuentro con lo político desde el hacer”.

También estuvo presente la Plataforma Fluorescente, Malena Schnitzer y Melisa Santoro, como un espacio de gestión, de frontera que construye, a su vez, territorialidad. Y se anunció que será un dispositivo de “creación global con creadores/as, pensadores/ras, de distintos sitios del mundo, que entrarán en diálogo con artistas de Buenos Aires”.

Más allá del festival, sus organizadores despliegan un atrayente abanico que abarca diferentes áreas de las artes escénicas para tensionar y “abrir a lo transdisciplinar y, en especial, a todo lo que despierta la palabra ‘trans’. En esta idea, que pareciera ser un gesto de la época, está la necesidad constante de entender y de clasificar. Entonces, ese gesto es completamente fundacional para la Plataforma Fluorescente.”

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En cada una de las cinco secciones que se desarrollarán del 2 y al 17 de junio de 2018 está desplazada la idea de qué es esa zona en particular. En todos los casos será el espectador quien complete la experiencia.

Dramaturgia de los mundos paralelos: A partir de cinco obras teatrales de Uruguay, Finlandia, Croacia, Perú, Brasil y Argentina, “se emplazan en la escena a territorios saturados”. Desde el proyecto curatorial se pensó cómo los teatros y la construcción teatral pueden construir mundos paralelos: “teorizamos sobre cinco posibles mundos o cinco mundos que están presentes o cinco mundos que podrían llegar a ser posibles”.2.0 FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia de los mundos paralelos (Teatro)

Dramaturgia de una urbanidad desconocida: La emblemática Quinta Trabucco será la sede para la construcción (India, Libano y Argentina) de “estados emocionales”. Intervenciones que incitarán a otros mundos posibles: “estamos contentos por presentar un proyecto con productores locales. Un lugar específico para que se pueda construir una historia paralela que niega a ese lugar pero que dice ser real”. Los artistas construirán una experiencia en la que de algún modo se relaciona con esta cuestión de qué forma se niega lo histórico. Por un lado, será una performance y, por otro, será una instalación.5.FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia de una urbanidad desconocida (Intervención Site Specific) Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli (ARG) y Sofía Medici y Laura Kalauz

Dramaturgia en movimiento: Dos obras de danza, compuestas por una coreógrafa alemana y un coreógrafo francés, serán reinterpretadas por dos artistas argentinos. Un programa compartido que surge a partir de la idea de que los “estados emocionales” también “construyen un pensamiento sobre la emigración. Pues antes de que se muevan los cuerpos se mueven los discursos. Y la danza de alguna manera es el pensamiento del desplazamiento, por eso nos pareció que así podría pensarse esta cuestión”.4.0. FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia en movimiento (Danza) - Programa compartido_ Colaboraciones entre Paula Rosolen (Alemania) y Leticia Mazur (Arg); y David Wampach (Franci

Dramaturgia para una conferencia: El invitado para esta sección es Paul B. Preciado (España – Francia), “quien desmaterializa la idea de género, porque somos más allá de nuestro aparato reproductor, somos personas que se identifican con lo masculino y lo femenino”. El activista y filósofo creó el particular manual y, a partir de esta serie de instrucciones escritas a distancia, los tres conferencistas locales brindarán una lectura distinta según la impronta de cada uno.

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 Dramaturgia para una exhibición descentralizada: Se exhibirá parte de la obra del artista y fotógrafo Nacho Iasparra, en diferentes soportes. “Nos interesaba ver cómo su obra está atravesando todo el festival como así además el proyecto curatorial. Visualmente el trabajo de Nacho, con sus ‘estados emocionales’, construye distintas realidades y lo que proponemos es hacer una exhibición pero con dispositivos que usualmente no se piensan para tal fin. ¿Qué es ir a una exhibición? Si estamos en plena era virtual ¿por qué no hacemos con todos esos espacios virtuales un espacio de exhibición? Entonces, difinitivamente queremos que esa sección, sin lugar, sin territorialidad, y, a la vez, llena de espacios virtuales y físicos, termine de construir el marco central para presentar este festival”.6. FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia para una exhibición descentralizada

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La 3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia será una oportunidad creativa, en formato distinto, de atreverse a completar las distintas experiencias más allá de cada disciplina. Un espacio para la reflexión que claramente promete ser interesante a partir del lemaestados emocionales”.

Por último, sólo tendrán un costo promocional las entradas para las obras de teatro y de danza, en tanto el resto de la programación será gratuita pero con inscripción previa. Además, después de finalizado el festival, seguirán en nuestra cartelera por doce semanas más las obras de teatro y por cuatro semanas más las de danza. Pues la idea desde la 1ra edición es que los artistas puedan tener una presencia real en nuestra ciudad.

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Director & Curador: Matías Umpierrez. Producción general: Malena Schnitzer. Producción ejecutiva: Melisa Santoro. Producción intervenciones site specific: Florencia Orlando. Meritorios producción: Ezequiel Paredes, Cecilia Santos, Cintia Zaccolo. Prensa: Marisol Cambre. Redes: Berenjena Producciones. Diseño: Sergio Calvo. Programación Web: El Dodo

Más información: http://www.festivaldramaturgia.com.ar/

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1Según gacetilla de Prensa

 

2666 de Roberto Bolaño

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2666 de Roberto Bolaño

Adaptación de Julien Gosselin

Un oasis de horror en medio de un desierto de aburrimiento (Charles Baudelaire)1

fiba simon_gosselinAzucena Ester Joffe

La megapuesta en escena de 2666, bajo la dirección Julien Gosselin, fue el cierre perfecto para la 11va edición del FIBA. El Festival se desarrolló entre el 5 y el 21 de octubre, pudimos disfrutar de obras internacionales y nacionales junto a talleres, charlas con los creadores, ciclo de cine, presentaciones de work in progress, también de libros y otras actividades gratuitas de teatro, danza, música y artes visuales.

2666 es una obra que despertó mucha expectativa por su duración (once horas y media), y fue “apostar a la experiencia en sí misma”2. Es la impactante y perfecta adaptación de la novela homónima de Roberto Bolaño. El joven director francés viene cosechando aplausos desde su presentación en el Festival de Avignon 2016, junto a los intérpretes de la compañía Si Vous Pouviez Léchez Mon Cœur (Si pudieras lamer mi corazón). Por otro lado, es indiscutible el reconocimiento al escritor chileno, considerado por muchos como uno de los grandes autores hispanoamericanos del siglo XX. La decisión de Julien Gosselin fue respetar los cincos libros de la novela póstuma separados por cuatro intervalos. Realmente todo un desafío para cualquier espectador:

Parte de los críticos”: cuatro críticos de diferentes nacionalidades inician una relación de amistad por su objeto de estudio: la obra del escritor alemán Benno von Archimboldi. Esta pasión los lleva a Santa Teresa, México, donde hay indicios de que podría encontrar aún con vida al autor.

Parte de Amalfitano”: Oscar Amalfitano es un profesor de filosofía que llega a la Universidad de Santa Teresa con su hija, pero comienza a sufrir ciertos síntomas de trastornos mentales mientras su hija mantiene una relación amorosa con un ser despreciable de esa localidad.

La parte de Fate”: una periodista afroestadounidense es enviada, no de forma azarosa, para cubrir supuestamente una pelea de boxeo cuando en realidad debe realizar una entrevista en la cárcel de máxima seguridad. El temor que la joven siente la lleva a relacionarse con un periodista deportivo mexicano.

Parte de los Crímenes”: son los datos duros de los asesinatos según la investigación de un policía, presentados de forma cronológica. Anotaciones precisas de cada víctima: el nombre y la edad cuando se pudo reconocer el cuerpo, los resultados de la autopsia, el lugar y cómo fue hallada esa mujer, casos en los que nadie reclamo el cuerpo,…

Parte de Archimboldi”: retomando la búsqueda inicial del escritor alemán, quien en realidad se llamaba Hans Reiter, recorremos parte de su carrera militar en el Frente Oriental durante la Segunda Guerra Mundial.

No es la intención de esta nota abarcar esta descomunal obra, sólo intentaremos resaltar algunos de los principales recursos o elementos escénicos que captaron nuestra atenta mirada a lo largo de su desarrollo.2666

El inicio, mediante la utilización de la voz over, nos ubica en la ciudad Santa Teresa (en alusión a Ciudad Juárez), y no por casualidad en el limite con los Estados Unidos, donde los brutales femicidios no cesan. Es la puesta en escena de la extrema violencia constitutiva de una sociedad sumida en la droga y el alcohol. Si bien todos conocemos el núcleo duro de la historia, una realidad atroz que parece estar naturalizada por los gobiernos a ambos lados de la frontera, es imposible no sentir cierta opresión ante la intensidad visual y auditiva del relato. En la primer Parte, en el espacio amplio escénico observamos solo a cuatro académicos entre los elegantes sillones Le Corbusier, pero luego los momentos muy bien logrados de suspenso desembocan necesariamente en el horror y en la interpelación al espectador en tanto sujeto social que somos. Y de este modo hacernos recuperar nuestra memoria social. Manteniendo la estructura y el hilo narrativo de la novela, la escritura escénica genera una impresionante experiencia cinematograficamente teatral con una clara decisión estética la excelente iluminación con elementos expresionista, claro oscuro / luces y sombras remarcando los excesos; encuadres minuciosamente estudiados, grandes pantallas, primeros planos y movimientos de cámara en mano hiperlentos; la duplicación de algunas escenas en el espacio escénico con las proyecciones de forma simultánea; la impactante música electrónica en vivo que va in crescendo, con una intensa función dramática que genera cierta atmósfera amenazante; el impecable vestuario y accesorios a lo largo de la obra; …

El dispositivo escénico grandilocuente” se desplaza constantemente y puede cambiar, transformar el espacio lúdico de tal forma que parece deglutirnos -Santa Teresa, Londres, Barcelona,… Espacios privados y públicos, una prisión o un hotel, no importa porque más allá del artificio -como los considerables receptáculos transparente que por momentos ocultan parcialmente su contenido los distintos espacios se multiplican en medio de un clima asfixiante, de presencias y ausencias.

Un sólido elenco que representa a varios personajes, le otorga a cada uno la intensidad particular que requiere la situación dramática. Con cada intervención o desplazamiento, con la gestualidad o las inflexiones de la voz, construyen una corporalidad violenta que habita el espacio. Todos los sistemas significantes encastran perfectamente en un hecho escénico sin fisura y que logra atrapar al espectador a lo largo de casi 12 horas. Un acontecimiento teatral de larga duración donde las potentes imágenes visuales y auditivas tienen una dinámica de fuerza centrípeta poco habitual. Esta energía escénica deja instalada la pregunta desde su inicio: ¿qué es real y qué es ficción? La violencia, institucional y doméstica, junto al miedo que devora las entrañas de las jóvenes obreras/maquilladoras, por un lado, y la impunidad de un machismo incomprensible y exacerbado, por el otro, constituyen las dos caras de la misma sociedad en nuestro actual siglo XXI. Quizá el título cuenta del doble horror por todos conocido: primero el 2 -Auschwitz y Ciudad Juárez- y sus tres últimos dígitos, 666, el número que relacionamos con el diablo, con la bestia. Podríamos pensar que 2666 es una experiencia visceralmente violenta, que no le permite al público aburrirse y, a su vez, le hace sentir a flor de piel la fragilidad que produce la desmesura de la violencia contemporánea.fiba simon_gosselin_0

Ficha técnica: 2666 de Roberto Bolaño. Compañía: Si Vous Pouviez Lécher Mon Coeur. Adaptación y dirección: Julien Gosselin. Elenco: Rémi Alexandre, Guillaume Bachelé, Adama Diop, Joseph Drouet, Denis Eyriey, Antoine Ferron, Noémie Gantier, Carine Goron, Alexandre Lecroc-Lecerf, Frédéric Leidgens, Caroline Mounier, Victoria Quesnel y Tiphaine Raffier. Creación y dirección musical: Rémi Alexandre y Guillaume Bachelé. [Diseño de escenografía: Hubert Colas] Diseño de iluminación: Niko Joubert. Diseño de sonido: Julien Feryn. Diseño de video: Jérémie Bernaert y Pierre Martin. Diseño de vestuario: Caroline Tavernier. Teatro San Martín: sala Martín Coronado. FIBA: 20 y 21 de octubre de 2017.

1Epígrafe al comienzo de la novela.

2El director del FIBA, Francisco Irazábal declaró a la Nación que “no quería sólo obras en salas y sí apostar a la experiencia en sí misma”. http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com.ar/2017/10/fiba-2017-modo-de-analisis.html [30/10/2017]

Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017

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Bienal Arte Joven Buenos Aires

El 12 de junio se realizó el anuncio oficial de los bienalistas 20171

230 obras y proyectos fueron seleccionados entre más de 6600 postulaciones para participar de la Bienal Arte Joven Buenos Aires.

800 artistas integran los equipos de las obras y proyectos participantes en cinco disciplinas: Artes escénicas, Artes visuales, Artes audiovisuales, Música y Literatura.Grupal Bienalistas 2017 - Foto gentileza prensa Bienal Arte Joven Buenos Aires

SELECCIONADOS EN ARTES VISUALES

Proyecto de artes visuales a desarrollar con tutoría de Patricio Larrambebere, Lara Marmor y Marcela Sinclair. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Ángeles Ascúa – Piel de empedrado corazón de leche y de trigo

Lil Limen y Julián Solís Morales (Grupo Karicia) – Compañía naviera del Litoral S.A.

Santiago Delfino – Simiente

Alfredo Frías – Apuntes visuales para la reconstrucción de una historia negra

Nacha Canvas – Hiel de Buey

Ramiro Quesada Pons – La imagen real

Artistas visuales. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Santiago Delfino –El nombre es un arma

Ale Moreyra – Última llave

Franco Basualdo – Al estado más pesado no le flamea la bandera

Beto. – Nuevo orden

Lucía Delfino – La promesa de lo efímero

Santiago Colombo – Percepción

Jimena Mariel Travaglio – Sin título, de la serie “Reliquias”

Antonella Agesta – Deliciosa

Verónica Madanes – l virtuosismo me deprime

Vil Schulman – Asamblea general

Federico Roldan Vukonich – Izemberg

Alfredo Frías – Queso presente

Rocío Englender – Sin título

Mayra Vom – Sin título

Lucas Ardu – Cuerpo Nº2, de la serie “La oscilación de los cuerpos”

Valentina Ansaldi – Gran circo de Moscú

Ariela Bergman – Guardo mercurio suelto

Esteban Martínez – Sin título, de la serie “Ejercicios de supervivencia”

Rodolfo Sousa – Copia Académica

Nani Lamarque – La evaporación del encanto

Ivo Aichenbaum – Diario internacional: la acción de la historia

Julia Padilla – Sin título

Santiago Licata – Cosa portal o la vista tonta

Lucas Federico Tula – Pareja de murciélagos y su primera casa en el conurbano

Micaela Piñero – Lucha

María Candelaria Traverso – Trayectos del MADE IN

Hernán Aguirre García – Ejercicios sobre la autoportancia

Lucas Fiorucci – Sin título

Manuel Aja Espil – Level Up

Camila Carella – Sin título

Nazareno Pereyra –Antihorariodomini

Magdalena Petroni – Sin título

Sasha Emanuel Minovich – Sonda Voyager

Jazmín Giordano – Autogestión del cariño

Andrés Piña – Piel quemada

Celeste Rojas Mugica – Una sombra oscilante

Santiago Hernández – Error: Infinito

Eloy Mengarelli – ¿Y si alguna vez fuimos tan fuertes?

Malcon D’Stefano – Patriota

Ramiro Achiary – El ojo frío que todo lo ve, y el tejido onírico de lo imposible

Leonardo Adán Vallejo – Retablo federal

Manuel Baigorria – Retrato de las hojas

Mara Verena – Un fuerte (contra todo lo que yo misma)

Gonzalo Maciel – Experimentos con cielos

Cindy Mamani – Mímesis total

SELECCIONADOS EN ARTES ESCÉNICAS

Proyecto de obra de teatro, danza o interdisciplina a desarrollar con tutoría de Andrea Servera, Luis Cano y Rubén Szuchmacher. En teatro musical: Pablo Gorlero, Joaquín Bonet y Martín Bianchedi. Se presentarán en los teatros: El extranjero, Elkafka, Beckett, TIMBRe4, Abasto social Club, El Picadero y La Comedia.

Macarena Orueta – Los imitadores (Interdisciplina)

Juan Cruz Forgnone – El canto invisible (Teatro)

Bianca Lerner – Ninfa (Interdisciplina)

Franco Calluso – Ruido blanco hielo (Teatro)

Ezequiel Salinas – Cosas que pasan cuando le hablás a un desconocido en el aeropuerto (Interdisciplina)

Valeria Polonera – Anomalía (Daza)

Andie Say, Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira – Mamá está más chiquita (Teatro musical)

Matías Prieto Peccia, Mariel Velez y Vanesa Butero – No me digas que ya se (Teatro musical)

Artistas escénicos. Se presentarán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Tadeo Pettinari – En la piel

Gastón Guanziroli – Breve relato sobre una mujer que va a la fiesta de cumpleaños de su ex y termina adentro de una botella

Nacho Bartolone – La piel del poema

Nicolás Blandi – Lágrimas de pez

Jorge Dreschler – Madorrán

Lucas Martinetti – Toda historia de amor implica una muerte

Alberto Antonio Romero – Malviaje

Lisandro Outeda – El susurro de los bosques

Leandro Orellano – Mientras muero imagino huevos que se pudren

Pablo Sigal – Polite

Carla Grella – Homealone

Eugenia M. Roces – Destructivo de un desastre irruptivo

Martina Kogan y Lucía Disalvo – Fecha 5

Delfina Thiel – La Montón, Lucía García Pulles – La Montón – Samanta Leder – La Montón – El risco

Abril Lis Varela y Emannuel Palavecino – Las ganas

Martina Schvartz y Violeta Danzinger – Carretera

Marysol Benitez – Posmo

Victoria Delfino – Mostra

Agostina Luz López – Los milagros

Iván Haidar – Lugar monstruo

SELECCIONADOS EN ARTES AUDIOVISUALES

Proyecto de serie web a desarrollar con tutoría de Florencia Clerico, Javier Zevallos y Santiago Melazzini. Los estrenos se realizarán en el Centro Cultural Recoleta y luego estarán disponibles de forma completa en la web de la Bienal.

Cecilia Pisano, Martina López Robol y Iair Said – Emilia Envidia

Nahuel Billoni Ahumada y Maitena Minella – Minga

Ignacio Del Campo Ituregui, Camila Peralta, Ailín Zaninovich, Cecilia Marani y Giselle Fernández – Protagonistas

Directores audiovisuales con un corto terminado y un proyecto en desarrollo. Sus cortos se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Juan Renau – Incendio/Rescate

Jerónimo Quevedo – Enfrentar animales salvajes

Santiago Reale – Esta es mi selva

Milton Secchi – Donde no hay nada

Tatiana Mazú González – Hay una foto que no entendí

Micaela Gonzalo –Toda mi alegría

Mariana Sanginetti – Antes de irme

Ramiro Bailarini – No aflojes Miriam

Manque La Banca – Los 7 perdones capitales: 3. El futuro

Melina Gutman – Miscelánea familiar

Cinthia Konopacki – Colonia delicia

Gala Negrello – La isla

Julieta Seco – dónde estás en el futuro?

Pavel Tavares – Alexander

Manuel Embalse – Eliminar videos

Juan Bobbio – La fiebre que espera despertar

Inga Valencic – Pandora

Lautaro García Candela – Carta a Lara

Juan Manuel Ribelli – Huesitos de pollo

Carla Finco – Desquicies

SELECCIONADOS EN LITERATURA

Proyecto de novela breve a desarrollar con tutoría de Marina Mariasch y Hernán Ronsino. La clínica de obra se realizará en el Centro Cultural Recoleta. De entre todos ellos se seleccionará uno que será publicado por la editorial Entropía.

Natalia Rozenblum – Baño de damas

Rodolfo Omar Serio – Los machos se duermen primero (o el día en que Julie Andrews casi se afilia al Partido peronista)

Corina Bistritsky –Arambasic

Nicolás Ferraro – El cielo que se aleja

Agustina Massa – La virgen de los helados

Carolina Romano – Sirio B

Jazmín Carballo – Todos somos vos

Julieta Yanel Salman – Labio partido

Martín Jali – Las luces intransferibles

Tomás Schuliaquer – Una flor que allá no existe

Lucía Rud – Buenos Aires y otros países

Matías Bounfrate – Constantino

Eric Barenboim – Suárez en Kosovo

Nubia Bado – Invasión en el Abasto

Santiago Pérez Izquierdo – Yisuerí

Valentina González Nucci – Fallecimiento presunto

Escritores con cuento o poesía. Se publicarán dos antologías, una de cuento por Eterna cadencia y otra de poesía por Editorial Mansalva.

Mariana Komiseroff – Ladrillos impares

Nahuel Repetto – Carta de mamá

Micaela Gonzalo – La casa de Cristina

Miguel Bruno – Como una rata

Guido Gamba – El distinto

Blas Rivadeneira – Taller literario

Martín Gonzalo Borches – Polígono

Juan Pablo Castro Brunal – Tres hermanas

Martín Sporleder – El canto de la tierra

Santiago Clément – El manicomio

María Florencia Scaia – Enroscada

Franco Calluso – Los jabalíes

Santiago Molina Cueli – Criatura la

Mariel Leite Escobar – Laundry

Juan Agustín Otero – Después del penúltimo cigarrillo

Juan Ignacio Sapia – La experiencia Tracketk

Vanesa Pagani – Lo electrodoméstico

José Mariano Pulfer – Encuentros cercanos

Martín Jali – La nieve de los cuerpos

Juan Gabriel Miño – Leandra

Josefina Salazar – Ciudad Pampa

Gabriela Clara Pignataro – El lapacho es la imagen de la furia

Laura Junowicz – Demolición.

Paula Andrea Galindez – Mater

Rita Chiabo – que lo sepa

Fernanda Mugica – El núcleo duro

Florencia Palacios – La memoria

Delfina Uriburu – Altar

Larisa Cumin – Lelo

Sofía LeBlanc – poemas

Diego de Angeli – poesía

Nicolás Ghigonetto – Gabriel Leivas

Alex Piperno – Los estándares de belleza en los pastizales

Juan Manuel Artero – Seudónimo Papaíto Piernaslargas

Micaela Piñero – En el río

Triana Leborans – leboransbienal

Joaquín María Zuaniche – Normal uno

Julián Berenguel – Barrio

Antonella Romano – Expansión

Julieta Troielli – La tierra que necesita una familia

Gustavo Yuste – Olor a sol

SELECCIONADOS EN MÚSICA

Bandas o solistas con tutoría de Matías Cella, Pablo Tevez Oliveti, y Mariano Esain. Las presentaciones se realizarán en el Centro Cultural Recoleta.

Ragazzas

La Femme D’Argent

Candelaria Zamar

Trostrigo

Nahuel Briones

Fenna Frei

Anamoli

Billy Zabaleta

QOME

Pandelindio

Las sombras

Translucido

Juan Izkierdo Grupo

EMEVE

Aleph, Fitzca, Camadour,

Pablo Enelotromundo

Gaby Améndola Trío

Polandria

Loto

Ankamora

Solentina

Galácticas Mareas

El Zar

Nidos

Agustín Donati

 SELECCIONADOS PEDALÚDICO

Convocatoria a artistas de todas las disciplinas para participar de una residencia de creación e investigación en la cual se desarrollarán una o varias obras que utilizarán el sistema de bicicletas de proyecto PedaLúdico.

Joan Benito Britez

Erika Ortiz Díaz

Aldana Olivello

Lucía Pedrón

Marcos Martínez

Santiago Colombo

Carolina Casquil

Martín Aranda

W:buenosaires.gob.ar/labienal

Fb: /LaBienalBA

Tw: @LaBienalBA

In: /labienalba

Más información, pedido de notas y material para prensa: prensalabienal@buenosaires.gob.ar

Marisol Cambre | Antonela Santecchia | Valeria Marcovecchio

1Según gacetilla de Prensa

Bailá, Vení, Volá de Hugo Mastrolorenzo

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Bailá, Vení, Volá de Hugo Mastrolorenzo

000139884¡Niebla del Riachuelo!..
Amarrado al recuerdo
yo sigo esperando…
¡Niebla del Riachuelo!…
De ese amor, para siempre,
me vas alejando…
Nunca más volvió,
nunca más la vi,
nunca más su voz nombró mi nombre junto a mí…
esa misma voz que dijo: “¡Adiós!”
1

Azucena Ester Joffe

La sólida escritura poética de Hugo Mastrolorenzo, en dramaturgia y coreografía, se estructura en dos soportes distintos. Por un lado, las imágenes proyectadas en la pantalla que, por otro lado, se van intercalando con las seis escenas coreográficas formando un todo perfecto. Dos espacio-tiempos que se cruzan, que dialogan ante nuestra atenta mirada. El presente se proyecta como el resabio del amor y de la locura, un tiempo en el que sólo quedan los tristes recuerdos de la precariedad del entorno y de la propia vida. Una historia, el ayer y el hoy, que se hilvana a partir de fragmentos de la memoria y se actualiza como en una noche de vigilia cuando un desafortunado hombre ingresa por una ventana sigilosamente mientras lo observamos, en la pantalla, en ese espacio íntimo, abandonado, sin rastro de felicidad. El peso específico del silencio se apodera de este personaje (Hugo Daniel Gomez) y a partir de su rostro, de su penetrante mirada, sentimos su desolación y perturbación. Por momentos, su discurso verbal, sin la posibilidad del ansiado intercambio, se estructura con breves fragmentos de letras de tangos como el lamento por el amor perdido. Tal vez si éstas secuencias fueran algo más breve ganaría el ritmo interno de la obra en intensidad dramática. Por otro parte, el pasado es como una ilusión que se materializa de forma contundente ante la perfección de las coreografías, con expresividad y técnica, llevadas adelante por Hugo Mastrolorenzo2 y Agustina Vignau3.

En esta particular poética tanguera se fusionan diferentes estilos, por momentos, es sutil y sensual y, en otros, es fuerte y con cierta violencia. Las acciones físicas son el revés de las formas coreográficas pero no son opuestos sino complementarios de una narrativa del movimiento que nos transmiten los distintos sentimientos por los que atravisan estos personajes. Por último, la energía propia de cada uno de los intérpretes, dos personalidades distintas, se amalgaman formando un solo cuerpo para permitir que la danza tango sea el medio expresivo del intenso relato. Es muy interesante la incorporación en ciertas coreografías de elementos que tienen una fuerte presencia en la historia -las rosas, la soga, la jaula y el reloj. Estos objetos son como una prolongación de los cuerpos de los bailarines que se metamorfosean antes nuestra absorta mirada. La selección de los temas termina por construir el relato de forma magistral, algunos con la técnica mash up -una mezcla, una combinación musical libre. El cuidado vestuario cierra el clima onírico y lúdico, en el cual que nos ha surmergido Bailá, Vení, Volá. Desde el título, en imperativo, la obra impulsa una clara invitación a nuestros sentidos y desde el espacio escénico la historia singular se acrecienta a partir de los movimientos dancísticos, que forman imágenes visuales con una plasticidad poco habitual gracias a la pasión y a la energía interior que transmiten Mastrolorenzo / Vignau.

Bailá, vení, volá- 4Ficha técnica: Bailá, Vení, Volá de Hugo Mastrolorenzo. Intérpretes: Hugo Mastrolorenzo, Agustina Vignau, Hugo Daniel Gómez. Realización audiovisual: Javier Alitto. Fotografía: Mihoko Sakata. Edición musical: Osky WaVemaster. Asistente: Debora Mastrolorenzo. Locación corto: “Lo Rafael”. Vestuario: Gloria Bermudez / Miguel Mancera. Prensa: Laura Castillo. Producción general: Hugo Mastrolorenzo, Agustina Vignau. Coreografía y Dirección: Hugo Mastrolorenzo. El Galpón de Guevarra. Estreno: 21/07/2016.Bailá, vení, volá-3

1 Niebla del Riachuelo (1937), música: Juan Carlos Cobián y letra: Enrique Cadícamo. http://www.todotango.com/musica/tema/54/Niebla-del-Riachuelo/ [08/08/2106]

2 Bailarín, profesor y coreógrafo, su primer libro “En busca del método que nunca fue”, ha sido publicado en idioma español, ingles, japonés y alemán. Su segundo libro “Tango Danza El origen de la especie (2012) http://hugomastrolorenzo.wixsite.com/bailavenivola [08/08/2106]

3 Bailarina y docente. Estudió actuación en la Escuela de Arte Dramático de la Ciudad de Buenos Aires (EMAD) y en la escuela de teatro de Buenos Aires de Raul Serrano. http://hugomastrolorenzo.wixsite.com/bailavenivola [08/08/2106]

The Funamviolistas de Ana Hernández, Lila Horovitz y Mayte Olmedilla

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The Funamviolistas

Creado y producido por Ana Hernández, Lila Horovitz y Mayte Olmedilla

No tenemos nada y no perdemos nada. Decidimos construir

                      urlAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Un espacio a la italiana, pequeño, acostumbrado a la música, al baile, al varieté entre otros géneros, el Maipo Kabaret, recibe este año, 2016, a tres músicas, actrices, humoristas; todas las definiciones les caben, dentro de la construcción de un género distinto, que entretiene, es decir, nos tiene en el entre de su propuesta, casi sin palabras, sino con aquellas que aparecen en las canciones elegidas, por voces que las transitan con habilidad, talento y emoción. Dirigidas por Rafael Ruiz, Sarai Pintado (violín), Mayte Olmedilla (viola) y Lila Horovitz (Contrabajo) componen cuadros a partir de una historia que las reúne: las tres han sido despedidas de sus orquestas, y el destino las va a reunir para llevar adelante la propia. Cuadros y situaciones que abren y cierran con la música de sus instrumentos, atravesados a veces por el humor, otras por la nostalgia o la tristeza, pero que siempre mantienen la mirada atenta a los desplazamientos en el escenario, y el oído presto para seguir los matices que aparecen en las interpretaciones de canciones muy conocidas por la mayoría de los espectadores: desde los clásicos del tango como La Comparsita, los climas construidos por los giros de la porteñeidad con los acordes de Piazzolla, la música de películas como la de Belleville Rendez Vous, o La Pantera Rosa, o la ópera, en el Intermezzo de Carmen de Georges Bizet. The Funamviolistas (3)Todas ellas construyen los episodios, las consecuencias de esa reunión azarosa, que les permite desarrollar, cada una con su personalidad e instrumento, un personaje bien delineado, desde el vestuario y los pequeños objetos que las identifican, un mate, un paragüas, unas medias, las zapatillas de ballet. Las Funamviolistas1, marcan con su denominación la característica de su arte, en la cuerda tensada de la vida, ellas, cada una con su instrumento, dan cuenta de saltos mortales, equilibrios y acrobacias varias para lograr vivir de lo que aman: su música. El grupo que ha sido premiado varias veces en España se constituyó como en el relato teatral:

Ruiz reconoció su talento y supo aprovechar todos estos componentes reales por lo que la obra tiene mucho de autobiográfico: las tres componentes también fueron despedidas, se conocieron y se plantearon formar su propia orquesta o compañía, alejadas de las tantas veces excesiva rigurosidad del Conservatorio –con cierto aire de hartazgo orquestal–, animadas ante la adversidad. Como sus personajes, entendieron que era el momento de arriesgar y se adentraron en la aventura, en la experimentación. (Zambrana, Zara, 2015)

La compañía es relativamente joven, nace en 2013, pero tiene una solidez artística muy difícil de lograr. Podemos decir que es una Obra, con mayúscula, donde las Artes Escénicas tienen un importante hito. También sería delicado definir su género -comedia musical, música-teatro,…- pues cualquier intento resultaría forzado ya que esos límites estallan ante nuestra mirada atenta. The Funamviolistas (2)La historia es simple y común a todos nosotros -el desempleo y elegir entre seguir un sueño con toda la precariedad que ello implica o aceptar la imposición del mercado laboral. Pero el relato tiene el lenguaje escénico, producto de la seguridad en cada técnica, necesario para ponerle el cuerpo a la intensidad y la pasión. Un relato fantástico que narra una situación diaria en estos momentos de brutal crisis económica y que desde su inicio se nos presenta como un hecho sorprendente, poniendo entre paréntesis nuestra cotidianidad. Los tres personajes, tres amigas que el destino las unió en un simple banco de una plaza cualquiera nos llevan por un mundo onírico como si fueran tres Alicias en un solo país de las maravillas: el espacio escénico del Maipo Kabaret. Con pocos elementos permite que cada intérprete genere una energía superlativa. Jóvenes mujeres que parecen ser con su instrumento una cuerda más o bien como si el instrumento fuera una prolongación de su figura. Esa energía propia e interna se expande en un abrir y cerrar de ojos hacia cada uno de los espectadores. Por un lado, un clima a todo ritmo, entre la complicidad de tres amigas que deben limar las asperezas en la convivencia no buscada, y, por otro, un exquisito vestuario mientras la iluminación juega con los diferentes colores y las envuelve de manera sutil. Un todo creativo y singular, un hecho escénico acabado, y una magia que nos atravesó sin previo aviso.The Funamviolistas, foto de David Ruiz (2)

Ficha técnica: The Funamviolistas de Ana Hernández, Lila Horovitz y Mayte Olmedilla. Intérpretes: Sarai Pintado (violín), Mayte Olmedilla (viola), Lila Horvitz (contrabajo). Diseño de vestuario: Maite Agorreta y Natalia Alonso. Diseño de escenografía: Marcos Carazo Acero. Diseño de iluminación: Nuria Henríquez y Miguel Ruz Velasco. Diseño de sonido: Sergio Casanova y Enrique González. Diseño de gráfica: Nuria Henríquez. Fotografía: Noah Shaye y David Ruiz. Director: Rafael Ruiz. Teatro Maipo Kabaret. Estreno: 19/07/2016. Duración: 75′.

Zambrana, Zara, 2015. “The Funamviolistas: un éxito que aúna teatro gestual y comedia musical en Culturamas: la revista de información cultural en Internet. www.culturamas.es/blog/2015/12/18/the funamviolistas-un- exito-que -auna-teatro-gestual-y-comedia-musical.

1 Funámbulo o funambulista se llama al artista que camina sobre una cuerda o alambre tensado. Puede usarse como sinónimo de trapecista, acróbata, equilibrista, saltimbanqui, volatinero y artista circense.

Tigrou de Pablo Pérez

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Tigrou de Pablo Pérez

por la Compañía de acrobacia InnovaCircoimage001

Azucena Ester Joffe

Una historia fantástica que necesariamente tiene la ambigüedad de un espacio temporal “entre dos”. Un “no lugar” entre lo onírico y lo racional. Si tratamos de encontrar el hilo conductor de la historia -según el programa de mano, el pequeño Tigrou se ha perdido en el bosque y como es de noche se ha refugiado en un viejo castillo abandonado- quizá encontremos lagunas argumentales pero si nos entregamos a la magia que tienen los cuentos infantiles nuestro disfrute será mayor. Un mundo fantástico que primero debe actuar en nuestro interior para que sin resistencia podamos descubrir ese universo donde todo es posible, incluso que cuatros jóvenes espectadores puedan realizar su número circense sin dificultad. Obviamente, los niños que se encuentran entre el público no necesitan sortear este límite que nos dan los años.12316242_952628094818782_6667494526836773961_n

La Compañía internacional InnovaCirco, fundada en el 2006 por Pablo David Pérez (argentino) y por Harald H. Krueger (suizo), presenta en Buenos Aires Polo Circo su primera producción artística, Tigrou, su “primer sueño” hecho realidad. El espectáculo desde su estreno en el 2007 ha participado de distintos eventos, giras y festivales. Un obra donde en cada cuadro los diferentes artistas -la mayoría gimnastas y de distintas nacionalidades- dan cuenta del profesionalismo, de la ductilidad expresiva, de la plasticidad corpórea y de un intensivo entrenamiento en las varias disciplinas. A partir de nuestra experiencia espectatorial, el sonido y la iluminación parecieran, seguramente como en todo estreno debido a los imprevistos de último momento, no estar en la misma sintonía, pues en algunas escenas no resultaban funcional al desarrollo, en detrimento del conjunto del espectáculo. Los artistas que integran esta puesta en escena nos sumergen en la emoción espontánea de los niños, con algunos momentos de humor. tela_Final

Cada intervención produce imágenes visuales perfectas por su destreza física, por la armonía y el ritmo interno de la obra – la acrobacia aérea, el aro aéreo, la tela acrobática, la cuerda del equilibrista, la rueda alemana, la rueda cyr, los malabares, … Cada integrante de la Cía con sus matices manipula el correspondiente elemento u objeto de tal fomar que para nuestra atenta mirada son como prolongaciones de un cuerpo que es dicho en escena. De este modo, vamos realizando el recorrido por un laberinto guiados por Tigrou, el clown o el duende del relato. Otro acierto es el colorido vestuario y el maquillaje artistico que terminan por cerrar este clima de fantasía de una noche, de un sueño para toda la familia. Un espectáculo para disfrutar donde brilla esta troupe del arte circense por su total dominio del cuerpo en el espacio lúdico, con sus precisos y envolventes movimientos, con sus divertidas coreografías.21

Ficha técnica: Tigrou. Libro y Dirección: Pablo Pérez. Elenco: Protagonista: Franco Meardi. Cantantes: Daniela Floumbaun y Emmanuel Degracia. Cyr Wheel: Martin Samanna. Power Skip: Federico Vogt y Matías Belintende. Aerial Straps: Magali Rosario & Lucas Griffo. Aereal Hoops: Micaela Monzón, Jesica Miramontes, Serena Méndez. Clown & Tire Wire: Ernesto Terri. Pelotas de Rebote: Julieta Oriol. Rueda Alemana: Javier Davis. Trapecio: Máximo Occhipinti. Música original: Sebastián Verea. Dirección musical:  Johanna Sciar. Coreografías: Gustavo Wons. Diseño de números aéreos: Analia Serenelli y Micaela Monzón. Producción: Ariel Galeppi. Asist. de Dirección: Lucas Erdociain. Prensa: Oficina de Difusión de El Cultural San Martín. Buenos Aires Polo Circo. Estreno en C.A.B.A.: 31/03/2016. Duración: 90′.

La casa canta de Isabelle Paez

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La casa canta de Isabelle Paez

La oralitura es escribir a orillas de la oralidad, a orillas del pensamiento de nuestros mayores y, a través de ellos, de nuestros antepasados. Se habla/escribe en primera persona. Así lo viví/escuché, así lo estoy viviendo/escuchando: me digo, me dicen, me están diciendo, me dirán, me dijeron. Todo ello brotando desde una concepción de tiempo circular: somos presente porque somos pasado (tenemos memoria) y por eso somos futuro. La totalidad sin exclusión, la integridad sin fragmentación de la vida y de todo lo viviente. (Elicura Chihuailaf, poeta mapuche)image002

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Un espacio escénico dividido en cuatro, tantos como personajes aparecen en escena, cada espacio un mundo que sólo a veces se cruza desde la voz y los cuerpos. La palabra desde la poesía, con su inagotable abanico de significados, metáforas que se producen en un contacto inusual del roce entre significante y significante; y una manera de decir desde el cuerpo que es un instrumento más junto al acordeón, las guitarras, la batería, y la caja. Tres poetas en escena: Luis Lucchi, Carlos Aldazábal, y Juano Villafañe afirman su presencia, en una puesta que privilegia lo estético desde una escenografía pensada desde lo plástico en el vestuario, y la iluminación, así como de la coreografía de los cuerpos que en la expresividad de cada recorrido de Isabelle Paez logra transmitir con su dulce voz el camino que las palabras han seguido desde la punta de los pies a la cabeza, hasta que la garganta pone en eco aquello que ya fue expresado antes. Las palabras caen en armonía con el movimiento, y los elementos juegan historias diferentes desde una tela, un sombrero, las hojas que simulan ser hojas, el vino y el pan del ritual, y los sonidos que buscan la raíz de la unión de la música y la poesía. La elección de los poetas es una posición estética / política, una ideología que descree de una mirada postmoderna sobre las relaciones de la palabra y su musicalidad.

[…] lo que en Leónidas Lamborghini constituía un ejercicio de musicalidad crítica, en la mayoría de los epígonos postmodernos aparece como prosaísmo afónico, donde el canto oscuro que sobrevive en los ritmos cortados de una prosa maquillada de poema, remite a la gramática kitch del pop, y a todas las banalidades de la cultura masiva ofrecida por el capitalismo en su versión neoliberal. (Aldazábal)

img56af9e784d521El teatro que siempre es un hecho político, utiliza a veces el discurso directo para decirnos aquello que necesitamos o queremos ver y escuchar, y otras veces apela al discurso indirecto, enlazando la voz con el cuerpo con la música, buscando llegar rápidamente a la emoción que desata la profundidad de un verso cuando hace uso de la policromía del lenguaje. Un relato, un “poema vivo”, atemporal construido sobre el discurso visual y auditivo que necesariamente nos involucra a partir de un mundo sensible, donde la poesía puede expresarse a partir de distintos soportes. Cada intérprete tiene una energía que fluye más allá del espacio lúdico -danza, batería y acordeón- aunque, lamentablemente, pareciera que el actor no está en la misma sintonía, en detrimento al ritmo total de la obra. Por otro lado, el vestuario y la iluminación terminan por construir a estos personajes casi oníricos que nos dicen: “Así estoy, // un poco de lo que como // un poco de lo que temo // soy mi ropa y una manera de entender. // Una opinión interrogante // una curiosidad afirmativa”1 Una propuesta escénica distinta, polifónica, que le da la voz a nuestros poetas.

 

Ficha técnica: La casa canta de Isabelle Paez. Intérpretes: Jose Luis Calbiño (actuación), Isabelle Paez (danza y actuación), Fernando Suárez (batería y actuación), Alan Haksten (acordeón y actuación). Dirección y Coreografía: Isabelle Paez. Música original: Fernando Suárez, Alan Haksten. Diseño de luces: Horacio Novelle. Asistente de dirección: Fernando Suárez. Asistente de producción: Walter Alegre. Foto y video para difusión: Lara Seijas, Esteban Bisio. Vestuario: Mariana Del Valle Zeballa. Escenografía: Isabelle Paez, Fernando Suárez. Comunicación Visual – CCC: Claudio Medin. Prensa: Silvina Pizarro. Centro Cultural de la Cooperación: Sala Tuñon. Estreno: 21/02/2016. Duración: 45′.La casa canta_ para imprimir  (62)

Hemeroteca:

Aldazábal Juárez, Carlos, 2015. “El canto oscuro de la poesía postmoderna” en Papeles Latinoamericanos, año XII, diciembre, ómnibus n.51

1 Según gacetilla de Prensa, fragmento del poema “Momento Poético”, de Luis Luchi

Negro Animal Tristeza de Anja Hilling

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Negro Animal Tristeza

de Anja Hilling

La cosificación de la naturaleza000132538

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La banalidad de los hechos en un encuentro buscado, un picnic en un bosque, una salida programada donde se desatan las pasiones pero con la liviandad de los tiempos. Las relaciones personales y la trivialidad de los sentimientos en el medio de ese animal vivo que es la naturaleza; que parece sólo paisaje, espacio funcional, un decorado para la acción, una cosa, una pintura, que se ve con los ojos que miran una pantalla de cine o televisión, sin emoción primaria, sin instinto atávico. La acción, los pies que horadan y violan la tierra; las manos de la inconsciencia que prenden fuego para una parrillada. El fuego y su naturaleza, el fuego y la naturaleza que se cobran la osadía. Imprudencia, desprecio; la mirada humana que objetiva, cosifica, y se apodera con la pisada del conquistador. La naturaleza herida que cosifica los cuerpos que arden por la negligencia humana, y que a su vez también serán cosificados luego por la cultura. 12572953_969440326465140_9015737163025334678_nLa puesta de la pieza de Anja Hilling1 pone el punto de vista, en el doble registro de las palabras y los cuerpos al centro de una intriga que se estructura a través de las voces protagonistas del relato, banal al comienzo, brutal y cruel hacia el final. La palabra disociada del cuerpo. Los personajes narran con una actuación declamada sus experiencias de vida, pero luego, todo se convierte de una hoguera simbólica de pasiones y vanidades reprimidas en una realidad que el fuego convierte en una pesadilla de cenizas. Las imágenes entonces, guardan en el espacio una asimetría interesante y un juego inquietante con la funcionalidad de los cubos; así golpean en el espectador en el doble sonido de la música y de la palabra. Hilling es una joven dramaturga alemana que ha participado en varios Festivales Internacionales donde obtuvo amplio reconocimiento, sobre todo por su pieza Mi joven idiota corazón (2005) La muerte siempre está presente en sus obras como en Monsún (2006)2 y la temática de la maternidad y la paternidad también es concurrente en sus trabajos. En esta pieza que hoy presenciamos, la actitud del hombre en relación a su compromiso con la hija se ve diluida en la falta de deseo de su paternidad, y en la aparente dejadez de una mujer ante su bebé que se transforma luego en una instancia de lealtad, a su hija o a su propia voluntad de ser madre. 12741899_977317365677436_3512650786653656159_nLas circunstancias en que la muerte aparece son de carácter azaroso, un accidente, donde la inconsistencia de la conciencia de los personajes, puestos a un punto límite de sus relaciones produce que lo indeseado ocurra. Pero la trama no se queda sólo ahí, sino que también describe la diferencia entre la ciudad y el campo; la diferencia en la mirada sobre el mismo acontecimiento está presente en los personajes campesinos que ven las consecuencias del incendio desde la óptica de sus propios intereses, y no desde las pérdidas humanas, porque en realidad ven su presencia como una irrupción no querida de los citadinos en su territorio. Es interesante de que modo el dispositivo escénico y lumínico construye el clima necesario para la situación dramática. En el espacio lúdico los tres bloques de aglomerado –círculos, cuadrados,…- de pequeñas partículas de madera, tal vez porque así es la fragilidad de cualquier ser vivo ante la fuerza desmedida del fuego. Mientras la precisa iluminación recorta y envuelve a esos seres presagiando el final. Una historia que parece dividirse en tres momentos. El primero, la salida planificada, quizá ganaría el total de la obra si fuera algo más breve, pues el espectador se pierde entre los seis personajes vaciados de toda interioridad. Pero, en el segundo, cuando el incendio devora todo lo que encuentra, el ritmo interno se ha tensando y nos sumerge en un devenir donde los personajes parecen haber desaparecido.12717638_979259748816531_2522715226739503354_nEscuchamos fragmentos, cuasi monólogos, como “ánimas” que observan la tragedia. El último momento, es el después cuando todo vuelve a la calma y quedan las marcas en el cuerpo y en el alma, cuando se realiza el esfuerzo solitario de volver a la cotidianidad. La particular escritura escénica de Carla Llopis -docente, coreógrafa, bailarina, cantante y directora de teatro danza- nos entrega un hecho teatral sin fisura, donde los actores tiene solidez necesaria para llevar adelante esa disociación antes mencionada. Donde cada tono de la voz, cada gesto esta mediado por algo inquietante e incluso en cada movimiento coreográfico. Nada más alejado de una puesta en escena realista pero nunca olvidaremos la fuerte imagen visual del final.

Ficha técnica: Negro Animal Tristeza de Anja Hilling. Actores: Carlos Donigian (Oskar), Esteban Lamarque (Martin), Pablo Martínez (Flynn), Yanina Martino (Miranda), Jorgelina Pérez (Jennifer), Javier Torres Dowdall (Paul). Diseño y Realización de Vestuario: María Emilia Serrano. Diseño Escenográfico: Magalí Acha. Realización Escenográfica: Jean Pierre Guevara. Diseño Lumínico: José Binetti. Composición Musical: Juan Pablo Martini. Fotografía: Maxi Bort. Diseño Gráfico: Bárbara Delfino. Trailer: Soledad Guerrero. Prensa: Correydile. Producción: Yanina Martino. Asistente de Dirección: Romina Tischelman. Dirección y Puesta en Escena: Carla Llopis. ElKafka Espacio Teatral. Estreno: 12/02/2016. Duración: 80′.

1 Anja Hilling, nacida en 1975, culminó con éxito estudios de escritura escénica en la Universität der Künste, Berlín, donde estudió de 2002 a 2006 luego de diplomarse en ciencias del teatro y filología alemana en Múnich y Berlín. En Berlín escribió también su primera pieza teatral, con la que fue invitada al concurso Stückemarkt de las jornadas teatrales Berliner Theatertreffen 2003. Allí fue distinguida con el Premio Dresdner Bank para jóvenes autores dramáticos. En septiembre de 2007 es llevada a escena en francés y alemán su obra “Sinn” (“Sentido”), que Anja Hilling escribió para una coproducción de la Comédie de St. Etienne y el Thalia Theater, de Hamburgo. En octubre de 2007 es estrenada la obra “Schwarzes Tier Traurigkeit” (“Animal negro tristeza”), que escribió por encargo para el teatro Schauspiel Hannover, donde fue estrenada bajo la dirección de Ingo Berk.

2Monsún narra la relación de una pareja de lesbianas Coco y Melanie que intenta desesperadamente acceder a un niño. Ese deseo finalmente las separa. Cuando Melanie reflexiona en su automóvil acerca de cuáles van a ser sus palabras de despedida, arrolla a Zippo, hijo de Bruno y Paula. La irrupción de la muerte en un contexto moderno y ordenado empuja a los personajes a desarrollar nuevas relaciones y los saca de las dimensiones de la telenovela. La muerte es real. De un día para el otro huyen al campo, a Vietnam. Todos reaccionan con impotencia a sus experiencias. Bruno comienza a escribir un nuevo guión, pero uno realmente bueno, ya no tonterías. Las carencias se manifiestan en el recuerdo del niño muerto, en la reconstrucción de la propia historia, en el reordenamiento de las relaciones: ¿quién desempeña qué papel?, ¿quién recuerda qué cosa?”(Página web sobre nuevas obras alemanas de Goethe Institut)