Archivo de la categoría: Danza Teatro

Acróstico de Diego Rosental

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Ciclo Ópera Primas

Acróstico de Diego Rosental

Artificio literario y artificio escénico, desandar el pasado para leer o crear un presente distinto

agenda_acrosticoAzucena Ester Joffe

Acróstico es un biodrama performático que fue seleccionado dentro del marco de Óperas Primas 2017, y que se repuso en el mes de octubre. Es la obra que Diego Rosental se inventa cuando despliega el papel con las letras de su nombre que, desde 1984, guarda en el cajón de su mesa de luz”1.

Al ingresar a la sala Cancha, el intérprete nos saluda a medida que ocupamos nuestros sitios en las gradas, la iluminación es tenue pero nos involucra en un relato casi confesional, como una noche con amigos. Rosental nos introduce en su niñez mientras circulan entre nuestras manos su boletín de la primaria, el souvenir de alguna carpa de circo con la pequeña foto de él junto a su padre,… Próximo a nosotros, los elementos necesarios para dar cuenta de esa infancia y preadolescencia que tuvo un importante punto de quiebre, la “palabra oculta”. La única foto que conserva de su madre, la carta de su abuela, el video de su Bar Mitzvah,… Durante esta primera parte, es a través del discurso a nivel verbal que el actor y bailarín, hasta con cierto pudor, comparte esos años atravesados por dos realidades paralelas que descubrirá después de mucho andar.

En la segunda parte, el discurso a nivel corporal se hace dueño de la escena y en el espacio despojado, junto a María Kuhmichel, se conjugan de manera impecable la danza contemporánea y la danza tradicional israelí, el rikudim. Un baile alegre, social, que genera un contacto, un punto de unión especial con ese otro. En otros momentos, son dos cuerpos que se acercan y se repelen, que se aman y se rechazan en una relación difícil de explicar. Rosental no juzga a su madre sólo intenta comprender determinadas situaciones que le han dejado cicatrices en el alma y que por medio de la danza logra “exorcizar” o como cuando ejecuta la “batería virtual”. Una narrativa coreográfica potente, donde ambos bailarines crea un mundo intenso en el cual cada movimiento tiene la textura perfecta para relatar más allá de las palabras. La música y la iluminación de manera precisa terminan por construir el clima necesario entre el espacio íntimo y el público. La imagen final, como en un tercer espacio, condensa la particular relación madre-hijo, y si bien se destejieron “los hilos del recuerdo” el nuevo entramado es más que prometedor.

 

Ficha técnica: Acróstico de Diego Rosental. Interpretación: María Kuhmichel y Diego Rosental. Creación: Jimena Pérez Salerno, Roberta Blazquez Caló, Andrés Molina, Diego Rosental. Diseño de iluminación: Sebastián Francia. Diseño gráfico: Leandro Ibarra. Música: Daniel Bugallo. Dramaturgista: Aldana Cal. Colaboración artística: Eugenia Foguel. Asistencia general: Sofía Etcheverry. Asistencia de dirección: Andrés Molina, Roberta Blazquez Caló. Idea y Dirección General: Diego Rosental. C C R R Rojas: Cancha. Reestreno: octubre 2018. Funciones: martes 21 hs.

Óperas Primas es un espacio para arrancar y animarse y es por eso que es indispensable que se sostenga su programación año a año incentivando la aparición de nuevos nombres dentro de las artes escénicas. http://www.rojas.uba.ar/

1Según programa de mano

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Lo que no querés ver (las princesas no cagan). Idea y dirección de Victoria Mazari

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Lo que no querés ver (las princesas no cagan). Idea y dirección de Victoria Mazari

¿Por qué? ¿Para qué? ¿Para quién?1

1extAzucena Ester Joffe

La joven coreógrafa y bailarina, Victoria Mazari, quien presenta una amplia trayectoria en distintas disciplinas, crea la Compañía Danseur de danza-teatro, en el 2013, integrada por bailarines/as de danza clásica y contemporánea, como también actores/ actrices. En esta oportunidad, Lo que no querés ver, nos propone una obra meta-dancística, a modo de un entramado donde, por momentos, vemos el derecho y, en otros, el revés de ese universo que parece onírico pero que es real. Todos sabemos que el ballet requiere un duro entrenamiento desde muy temprana edad aunque casi de eso no se habla. Todos esperamos, como espectadores, suspender nuestra razón y ver a las bailarinas, en especial, como seres livianos, etéreos y sin resistencia a la gravedad.

El inicio de la obra es un pseudo reportaje a una “famosa” bailarina que, por una lado, mantiene una postura artificial pero, por otro, deja entrever ciertas falacias que están naturalizadas. Sin bien, esta rigurosa disciplina artística se ha modificado a través de dos siglos aún conserva algunos mecanismos difíciles de sortear: pas de deux o adagio, solos o variaciones,… Mazari construye un prisma donde nosotros, a modo de voyeur, contemplamos a esa profesora que exige a las jóvenes lograr la perfección en cada movimiento, en cada postura,… Lo cual también suele ser la mirada del imaginario social. Mientras observamos a las intérpretes -unificadas por el color beige del vestuario- que sufren, quizá sin saberlo, del trastorno obsesivo-compulsivo (TOC), obsesionadas porque su peinado esté perfecto, por lucir sin las redondeces naturales de cualquier cuerpo humano, por entrenar hasta que el dolor sea insoportable y las puntas de los pies sangren.

Una narrativa coreográfica que indaga sobre la danza misma, en la cual se van intercalando distintas secuencias que forman un todo dinámico e interesante. El buen desempeño de las bailarinas, cuerpos entrenados y cotidianos, construye una perfecta textualidad dramática donde no es necesaria la palabra, pues el elenco posee un lenguaje corporal por demás elocuente. Un relato a partir de una mirada interior y exterior al mundo dancístico, con humor y auto-crítica pero unido a la pasión por la danza que se siente a flor de piel.Lo que no querés ver.face

Ficha artística: Lo que no querés ver (las princesas no cagan). Idea y dirección de Victoria Mazari. Textos: Victoria Mazari, Carolina Matsumoto. Coreografía: Victoria Mazari. Intérpretes: Marlene Asulay, Paloma Abeledo, María Eugenia González, Milena Barrios, Catalina Jure, Jennifer Franzot, Nayla Otaran, Victoria Mazari y la participación especial de Pachi Portas. Dirección y coreografía: Victoria Mazari. Asistente de dirección: Carolina Matsumoto. Asistente actoral: Marlene Asulay. Asistente de puesta en escena: Pachi Portas. Sonido: Christian Sibili. Multimedia: Carolina Matsumoto. Iluminación: Lourdes Alonso. Fotografía: Sabrina Burgos. Prensa y difusión: Simkin & Franco. Música: Radiohead, Olafur Arnalds, Jean Jacques Lemetre, Fläskkvartetten, BalanescuQuartet. Duración: 50’. Reestreno: 05/10/2018. Funciones: viernes 23 hs en Espacio Cultural Urbano; sábados 3 y 10 de noviembre, 21 hs, en La Fábrica, Espacio de Arte.

1Programa de mano

Mi Fiesta de Bonard/ Casella

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Mi Fiesta de Bonard/ Casella

El cuerpo es lo único que se ve, atrapado en su dimensión táctil, explorando los materiales, transitando los pasajes entre la elevación de la gracia y la disrupción disonante. (Mairal)1

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

WhatsApp-Image-2018-07-05-at-5.41.00-PMUn espacio delimitado por vasos de vidrio, un espacio vacío de humanidad hasta que el cuerpo de la mujer/ danzante ingresa desde la platea, un espacio que va tomando espesor, volumen a través de la música y el cuerpo que ingresa en ese cuadrilátero de lucha, donde la narración, el relato nos llevará a conocer una historia de sumisión sexual de una niña, de la violación de la subjetividad femenina en todos sus matices; desde la fuerza, hasta el uso -abuso de la palabra hecha ley en el psicoanálisis. Mayra Bonard mantiene en tensión su cuerpo -objeto de los otros, de la mirada y el prejuicio masculino, y nos brinda con profesionalismo el dominio de esa herramienta física en el trabajo con la contención o expansión de la energía. A partir de la música heterogénea que la acompaña, va dirigiendo su cuerpo en constante desequilibrio por el espacio, logrando sin embargo, mantenerse en los límites propuestos, con el dominio exacto de su energía corporal. Los vasos son la frontera entre el adentro y el afuera, y desde el movimiento de la danzante pasan a ser los vehículos de transporte de un cuerpo que busca encontrar su redención en la mirada del otro, pero que sólo la hallará cuando ella se haga cargo del dolor sufrido y lo exprese en él, con toda la violencia en una metafórica secuencia, donde el cuerpo es forzado y violado. Fiesta es un significante oximonórico con lo que sucede en escena; no hay fiesta porque la adolescente narrada desde sus trece años cuando relata su experiencia sexual, nos habla del deseo del otro y de la satisfacción del cuerpo masculino, a partir de una relación asimétrica entre los cuerpos y las situaciones en las que la sociedad ubica a ambos géneros. mi fiesta credito Pablo Bordenabe 2

La pregnancia escénica de Mayra Bonard nos atraviesa desde ese mismo momento en que sólo la vemos caminar de espalda. Con su andar pausado y firme, luego se convertirá en un texto-cuerpo resignificándose, constantemente, según la propia experiencia del espectador. Los elemento que utiliza son de uso cotidiano -una soga, el papel film, un cuchillo, las frutas,…- pero la intensidad, seguridad y organicidad de sus movimientos dan cuenta de una territorialidad adquirida. La precisa iluminación, oculta y devela, subraya las diferentes texturas y ritmos, las acciones y las pausas. Así en cada escena se generan fuerzas en el encuentro entre la intérprete y cada uno de nosotros. Una narrativa coreografía que se expande con la vulnerabilidad de lo vivido y, a su vez, rompe los límites, nos atrae y nos repele, nos provoca y nos sensibiliza. Una mirada inteligente y profusa que nos devuelve la “voz” de la corporeidad femenina. Bonard/ Casella/ Mairal son como las caras de un prisma que no sólo reflejan la luz sino que la dispersan en este devenir de un “cuerpo abierto” que se construye in situ a partir de nuestra memoria individual y colectiva.

Ficha técnica: Mi Fiesta sobre relatos de Mayra Bonard. Idea Inicial/ Performer: Mayra Bonard. Dirección: Carlos Casella. Textos: Pedro Mairal. Música: Diego Vainer. Luz: Matías Sendón. Espacio: Bonard, Casella, Sendón. Vestuario: Cecilia Allassia. Producción ejecutiva: Marlene Nordlinger. Asistencia de dirección: Cintia Dattoli y Agustina Annan. Diseño de imagen gráfica: Pablo Bordenabe. Fotos: Robert Bonomo. Dirección artística: Mayra Bonard y Carlos Casella. El Cultural San Martín: sala 3. Estreno: 13/07/2018. Duración: 60’. Funciones: viernes y sábados 21hs, domingos 19 hs (viernes día popular).

1 Según programa de mano

Mamita! de Sol Gilgorri

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Mamita! de Sol Gilgorri

Danza teatro

MAMITA! Soy yo, y mi mama. Y las hijas que aún no tuve. Son mis amigas. Y tus hermanas. Puede ser tu madre, o la mujer que alguna vez amaste. Al fin y al cabo (o al principio) todos fuimos gestados en un vientre de mujer”1

000180902Azucena Ester Joffe, María de los Angeles Sanz

Mujeres, cuerpos de mujeres que relatan una situación social que las mantiene en un statu quo, sostenido desde la ley y desde la ficción; los cuentos de hadas y su final feliz que se casaron y fueron felices; un relato que aparece fisurado por una lucha que cada vez tiene mas fuerza, que cada vez tiene mas voces para definirse a sí misma, y definir a las integrantes que toman la decisión de oponerse a la cosificación de su subjetividad. La danza y el teatro unen sus lenguajes, los entrecruzan y los potencian para producir una puesta feroz y bella, que produce una ola de sensaciones, que sostenemos hasta el final, cuando se abre la posibilidad de explotarlas y dejar que corran y nos atraviesen. Veintidós bailarinas se mueven por el espacio de El Galpón de Guevara, y a través de diferentes cuadros nos van llevando de la mano de los “deberes ser” impuestos, al límite del despojamiento de esa segunda naturaleza que nos impone la sociedad, y que no nos define, sino que nos provoca un enmascaramiento. Desde la figura de la Mujer Maravilla, con su atuendo tradicional pero sin su brillo, nos aparece la metáfora de la exigencia sobre el cuerpo y la mente de la mujer, para que rinda sin darse tregua: dar, dar, la gran dadora, de vida, de amor, de tiempo. Tiempo es lo que nos constituye, somos en la vida un espacio de tiempo entre el nacer y el morir, y las mujeres no somos dueñas de el, porque nos debemos a las obligaciones impuestas, y a los deseos programados, no a nuestra propia idea de realización y placer. Una trampa que nos convierte en víctimas y victimarios de nosotras mismas. Cuadros como el de la mujer ama de casa, o de aquella que sueña con el vestido blanco de novia, hasta la que tiene su hijo en la relación sororizada con sus compañeras de ruta. 23380104_243983872799658_6738327189299352995_n

Mamita! le pone el cuerpo a un recorrido inteligente que construye en escena la corporalidad femenina y, a la vez, da cuenta que la danza tiene un lenguaje propio que relata más allá de las palabras. El despojado espacio escénico es el marco perfecto para las intérpretes, no es necesario más para crear el clima acorde a cada narrativa coreográfica. Una puesta en escena con la precisión creativa para sostener el intenso ritmo desde el inicio, sin ser caótica dada la cantidad de bailarinas-actrices. Los otros sistemas significante -la iluminación, el vestuario y la música- son acordes a lo dicho anteriormente, porque construyen la densidad visual y auditiva que se amalgaman en la sucesión de escenas de manera orgánica. En esta 2da temporada, El Galpón de Guevara explota, literalmente, de un público ávido por una experiencia distinta y necesaria que aborde temas que nos atraviesan en un fluir dinámico por el profesionalismo de todos los integrantes -artistas y equipo técnico. 000168096

Ficha técnica: Mamita! de Sol Gilgorri. Intérpretes: Ana Azcurra, Ana Zanelli, Emilia Tiemroth, Sabrina Cejas, Martina Liendo, Emilia Reinhold, Agustina Galinsky, Camila Di Nardo, Catalina Pilotto, Pamela Frank, Lara Escolar, Sofía Sivo Reuntemann, Francisca Zabala, Florencia Sardo, Sofía Bovino, Rebeca Dunkler, Cintia Torres Garcia, Luz Comissoli, Flavia Siutti, Magalí Zato, Antonela Simone, Karina Novelino. Guión, Coreografía y Dirección: Sol Gilgorri. Asistente de Dirección: Emilia Reinhold. Asistente Coreográfica: Sofía Bovino. Vestuario: Sabrina Cejas – Sol Gilgorri. Fotografía: Alejandro Carmona. Diseño Escenográfico: Lucila Rojo. Stage Manager: Vicky Plaza. Asistente de Escenario: Majo Romero. Diseño de Luces: Leandro Fretes. Operador de Luces: Carolina Rabenstein. Edición Musical: Emilia Reinhold. Mastering de Audio: Abel Zamudio. Operador de Sonido: Diego Rassati. Diseño Gráfico: Ignacio Igounet – Vicky Plaza. Prensa: BMZ Comunicaciones. Producción Ejecutiva: Oh!-Tero Producciones. Produccion General: Sol Gilgorri. El Galpón de Guevara. Segunda temporada. Duración: 70’. Funciones: sábados 20:30 hs.

Según programa de mano

Inside Tango – Viaje interior por La Compañía de Leonardo Cuello

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Inside Tango – Viaje interior por
La Compañía de Leonardo Cuello

000181728 Inside tangoMaría de los Ángeles Sanz

Un viaje es siempre una metáfora de vida, es por eso que el recorrido que hace La Compañía de Leonardo Cuello es un viaje sobre la vida de cinco de las mujeres más significativas relacionadas con la música porteña y con la Historia de nuestro país, desde el lenguaje de los cuerpos en la comunión entre los danzantes y la música. Una puesta donde la luz también es protagonista, cálida desde abajo, luz blanca arriba. Las cinco parejas, van desgranando en sus movimientos lo que las pequeñas historias que surgen de los tangos y de la voz en off narran, en un suceder de pequeñas secuencias, interrumpidas por los tiempos de un ballet que nos atrapa con su lenguaje de figuras en escena. Un espacio donde cuatro mesas de metal, se refuncionalizan para dar lugar al movimiento incesante entre ellas, sobre ellas, desde ellas, hacia el abismo de los brazos de la pareja masculina, donde todo deviene en relato, en narración. Un muy buen vestuario, negro para las mujeres y los hombres, de rigurosa camisa blanca que acompaña con su diferencia los protagonismos de los sujetos referidos: Ada Falcón, Sabina Olmos, Gricel Viganò, Tita Merello, Eva Duarte. Sus voces acompañan el recorrido de los cuerpos; trajes y smokings negros para ellos, salvo para el partenaire de Eva que lleva adelante su performance desde la mítica figura del descamisado. Los típicos zapatos de taco aguja se transforman en los pies descalzos de Eva, su rodete único, su color de pelo y tras esos pequeños signos, toda una épica aparece más allá de las palabras. El color negro y el blanco, la suma de todos los colores, y la ausencia del mismo, fundantes de una afirmación: la vida con sus claros y sus oscuros, con sus luces y sus sombras, es también una película en blanco y negro, que resume todo: la suma de los sucesos que contiene, y las ausencias, la nostalgia de lo perdido. Virtuosismo en los giros, los cortes y quebradas, cuadro tras cuadro se suceden los aplausos de un público que sigue con atención y en silencio el abrazo de la música envolviendo los cuerpos de los bailarines. Los cuerpos a ras del piso se elevan, vuelan en los acordes de los tangos conocidos: Grisel, La cumparsita, Llamarada entre otros, y con precisión realizan la maravilla de hacernos sentir su presente levedad. Siguiendo sus palabras Cuello como coreógrafo y director de la puesta busca:

(…) Una composición donde uno se abre paso a través del otro. Una creación de trazo libre en la cual enfrento mi debate interior y le permito que se convierta en obra. (…) Un espacio que me permite viajar más allá de donde se supone reside el Tango…creando un mundo para mí, mis emociones y las criaturas que invaden mis sueños. Dedicado a mi amada madre, ella me acompañó a la danza. (Programa de mano)DSC_1771 (1)

Leonardo Cuello tiene una trayectoria que va desde Tangos al filo de la noche en el 2005, hasta este año en que inauguró con su trabajo sobre Osvaldo Pugliese, Juan D’Arienzo y Astor Piazzolla el Festival Iberoamericano de Teatro en Bogotá, Colombia.

Ficha técnica: Inside – Tango Viaje interior Bailarines: Milagros Rolandelli y Lisandro Eberle; Nuria Lazo y Federico Ibañez; Ayelèn Àlvarez Miño e Iván Romero; Laura Zaracho y Juan Del Greco; Marilú Leopardi y Esteban Simón. Diseño de banda sonora: Martín Jurado. Diseño de iluminación: Magali Perel. Diseño de vestuario y escenografía: Nora Churquina. Fotografía: Pablo Luque. Diseño gráfico: Billy Petrone. Prensa: Tehagolaprensa. Comunicación visual CCC: Claudio Medan. Producción ejecutiva: Laura Abal. Coreografía y dirección: Leonardo Cuello. Centro Cultural de la Cooperación: Sala Solidaridad. Duración: 60 minutos.DSC_1929

3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia [III]

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia

del 2 al 17 de junio de 2018

FestivalAzucena Ester Joffe

Dramaturgia en movimiento: En esta sección se presentan en el C C Recoleta dos obras de danza, compuestas por una coreógrafa alemana y un coreógrafo francés, y que son reinterpretadas por dos artistas argentinos. Un programa compartido que surge a partir de la idea de que los “estados emocionales” también “construyen un pensamiento sobre la emigración. Pues antes de que se muevan los cuerpos se mueven los discursos. Y la danza de alguna manera es el pensamiento del desplazamiento”, así lo afirmó su director y curador, Matías Umpierrez. ¿Acaso los movimientos sin cuerpos pueden emigrar e inmigrar?1

Ambas obras, narrativas coreográficas de un desarraigo, se presentarán dentro del marco del Festival también el próximo miércoles (13 de junio).4.0. FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia en movimiento (Danza) - Programa compartido_ Colaboraciones entre Paula Rosolen (Alemania) y Leticia Mazur (Arg); y David Wampach (Franci

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Aura… (o Topía) en colaboración de Paula Rosolén y Leticia Mazur

(Alemania – Argentina)

En el amplio espacio escénico de la sala Capilla se entrecruza la pregunta que le hiciera la coreógrafa alemana “a través de Topía qué sería de la danza sin migración. ¿Se puede rastrear los movimientos que aportan, generación a generación, los cuerpos que migraron?” Leticia Manzur, bailarina, actriz, directora y docente, en Aura, construye en escena una narrativa coreográfica y actoral difícil de asir, en un intento de atrapar lo invisible”. Un cuerpo con un lenguaje propio sumergido en la oscuridad, donde sólo la precisa iluminación a la vez que muestra, oculta. Una figura imprecisa de un blanco que se modifica ante nuestra mirada, por los efectos lumínicos, por momentos, con movimientos lentos y en tensión y, en otros, fragmentados. Cómo es pensar un tema que se invisibliza constantemente, cómo dar cuenta de una realidad que se oculta. No contamos con una historia previa, sólo con una textualidad coreográfica diferente que nos convoca. Una puesta en abismo que nos interpela desde el mismo proceso de creación; dependerá de cada espectador según su sensibilidad y experiencia dejarse abordar por una espacialidad y temporalidad donde la plasticidad de las imágenes tienen su peso específico.

Ficha técnica: Aura… (o Topía) en colaboración de Paula Rosolén y Leticia Mazur. Intérprete: Leticia Mazur. Vestuario: Esteta Studio. Diseño de luces: Matías Sendón. Diseño sonoro: Patricio Lisandro Ortiz. Texto Coreográfico: Paula Rosolén. Fotografía: Nacho Iasparra. Asistencia de dirección: Gianluca Zonzini. Producción: Gianluca Zonzini. Coreografía: Leticia Mazur. Dirección: Leticia Mazur. C C Recoleta. Funciones: 6 y 13 de junio, 21 hs. Continuará su temporada durante cuatro semanas más.

Co-producción: Festival Internacional De Dramaturgia, Goethe-institut, Centro Cultural Recoleta, Plataforma Fluoerescente

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Yo. Soy. Ella… (o Joyjoiefeliz) en colaboración de David Wampach y Luis Biasotto

(Francia – Argentina)

Una propuesta diferente a partir de un documento que enviara el coreógrafo francés a su par argentino. Joyjoiefeliz es una especie de “fotonovela con elementos que describen tres partes, tres círculos, tres duraciones, con movimientos en espiral, que dan lugar a la transformación, …”. La dupla creativa, Biasotto / Acuña, quienes crearon la compañía Krapp en 1998, construye su obra, Yo. Soy. Ella…, con un lenguaje propio que los identifica. La intérprete es, a la vez, “un sujeto y objeto imposible de atrapar”. En el espacio lúdico la iluminación no crea climas, sólo ella con un enterito a rayas, sus movimientos son casi cotidianos pero sus desplazamientos tienen una dinámica especial. No hay límites en el relato, todo puede ser o no, como en una cinta de moebius, sin un punto de referencia, la imaginación nos permite atrapar cada secuencia. Podría suceder en un mundo paralelo donde “los estados emocionales” tomarían cuerpo o simple roles. El movimiento anterior a la palabra para construir posibles sentidos, el artificio en primer plano, será el espectador quien complete o no esa pérdida: la desterritorialización que hemos naturalizado.

Ficha técnica: Yo. Soy. Ella… (o Joyjoiefeliz) en colaboración de David Wampach y Luis Biasotto. Intérprete: Luciana Acuña. Texto Coreográfico: David Wampach. Fotografía: Nacho Iasparra. Coreografía: Luis Biasotto. Dirección: Luis Biasotto. C C Recoleta. Funciones: 6 y 13 de junio, 21 hs. Continuará su temporada durante cuatro semanas más.

Co-producción: Plataforma Fluoerescente, Centro Cultural Recoleta, Alianza Francesa, Festival Internacional De Dramaturgia

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Dramaturgia para una conferencia: El invitado para esta sección fue Paul B. Preciado (España – Francia). Umpierrez comentó que Preciado es: “quien desmaterializa la idea de género, porque somos más allá de nuestro aparato reproductor, somos personas que se identifican con lo masculino y lo femenino”2. El activista y filósofo creó el particular manual y, a partir de esta serie de instrucciones escritas a distancia, los tres conferencistas locales brindarán una lectura distinta según la impronta de cada uno.

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Conferencia a cargo de Roberto Jacoby o Berta Jacobs (Argentina)

El primero de estos encuentros estuvo a cargo de Berta Jacobs, ya que Roberto Jacoby no pudo asistir, lamentablemente, por sus “chocheras”. Berta lo conoce muy bien y lleva adelante un evento performático con diferentes matices. Al comienzo realiza una breve introducción sobre el edificio que pasó de ser un hospital para los afectados por la fiebre amarilla, “una fiebre que nos está atacando actualmente”, a un asilo de mendigos y ahora a un Centro Cultural. Su comentario es que pareciera que no hubo muchos cambios. Psicopedagoga de profesión y curadora de artistas de vocación, realiza la exposición de los experimentos auditivos y visuales del artista sobre cuestiones de género, del lenguaje heterosexista, etc… ¿Qué pasa cuando una persona no se identifica con los pronombres femeninos y/o másculinos? Desde el humor simple de “pueden aplaudir” hasta la cruda realidad de nuestra sociedad que discrimina al que no encuentra un punto de referencia en él/ellos y/o ella/ellas. Por lo tanto es interesante pensar en le/les. Con un carisma especial, Berta atrapa la atención del atento auditorio que con un cerrado aplauso aceptó el desafío ante las preguntas instaladas desde su inicio: ¿sería posible introducir variables de cambio? ¿cambia el mundo si yo cambio de género?

Roberto Jacoby, artista conceptual y sociólogo, tiene una interesante trayectoria y “parte de sus trabajos -entre la investigación social- gira alrededor de la desmaterialización del arte y la invención de nuevas formas de vida”.

Conferencia a cargo de Roberto Jacoby o Berta Jacobs. Centro Cultural Recoleta: sala Sum, domingo 10 de junio: 20 hs.

Las próximas disertaciones:España – Francia)

Conferencia a cargo de Juan Onofri Barbato o Juana Onofri Barbata (Argentina); viernes 15 de junio: 20 hs.

Conferencia a cargo de Paloma del Cerro o Palomo del Cerro (Argentina); domingo 17 de junio: 20 hs.

2Idem

El reñidero basada en la obra de Sergio De Cecco

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El reñidero basada en la obra de Sergio De Cecco

Ballet Contemporáneo del Teatro San MartínDXtefwnWAAILl31

Elena: (honda) Todavía queda la tarde y la noche. Tengo que estar atenta, vigilar, impedir que la paz y la calma pongan un pie en esta casa. Yo también sueño con ellas, pero no puedo arriesgarlo todo por un minuto de paz. Para mí el alboroto, para mí la riña, hasta que todo esté resuelto. Orestes es débil, de chico se enfermaba…había que cuidarlo, ahora se ha endurecido por fuera, pero ha vacilado sin embargo. Tengo que llenarlo de odio. (De Cecco, El reñidero)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Sergio De Cecco escribe El reñidero a mediados de la década del sesenta, en 1964, y tuvo desde su dramaturgia una muy buena repercusión que produjo luego un filme un año más tarde dirigido por René Mugica1. La dramaturgia de De Cecco cruza dos poéticas: la tragedia griega, Electra de Sófocles, y la del criollismo, trabajada por autores como Jorge Luis Borges en la literatura. Ubica entonces las acciones en el límite entre la ciudad y el campo, es decir, en un barrio de las afueras, campo de matones y cuchilleros, donde la política tallada a pulsión de muerte, cifraba el destino de unos y de otros2. Alejandro Cervera trabaja con fidelidad la pieza del dramaturgo, y pone en el cuerpo de los bailarines toda la expresión pasional que encierra, no sólo hay excelencia en la técnica desarrollada en la escena, sino el conjuro de las subjetividades que mueven a los personajes, dándole al conjunto una fuerza que hipnotiza. Las tensiones entre el triángulo de Pancho Morales, Nélida y Soriano, son atravesadas por la llegada de Orestes, y la furia contenida de Elena, y su sentimiento amoroso por un padre que lo abarca todo. La sangre de los gallos del reñidero, y la sangre de los hombres que mueren a manos del malevaje, tiñe las palabras, las ropas, las paredes, y el destino de todos. BNdJFECdtkLCAyMLWPwPEl cuerpo de baile del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, lleva adelante de la mano de Cervera, una puesta de clima borgiano, en el contexto de principios de siglo XX. Con un primer cuadro donde la tensión entre los cinco personajes centrales se dibuja en escena como un cuadro en movimiento, con acciones que se reiteran para dejar clara a través de los cuerpos, la sinfonía de un drama que va a desatarse de la muerte hacia la muerte, se inicia un derroche de belleza y talento que hace del tiempo transcurrido una ensoñación. Los intérpretes le otorgan a esta narrativa coreográfica el clima necesario para la tragedia criolla, una riña de gallos donde el único el destino posible es la muerte. Las potentes imágenes visuales tienen una plasticidad imposible de olvidar. El impecable y ligero vestuario acompaña cada movimiento, en general, de color gris y negro, resaltando el rojo furioso, como la sangre, del piso. Otro acierto es la muy buena música en vivo -bandoneonista y percusionista, que en otro nivel, como si fueran semidioses, subrayan e intensifican la acción dramática. Por último, la precisa iluminación envuelve a este hecho coreográfico cuya textualidad nos atraviesa a partir de los cuerpos.1B9TJhWYgvWBoWLAFZoC

Ficha técnica: El reñidero basada en la obra de Sergio De Cecco. Coreografía y dirección: Alejandro Cervera. Música original: Zypce. Actriz: Dahyana Turkie o Constanza Agüero. Músicos en vivo: Eliseo Tapia, Arauco Yepes. Reparto: Rubén Rodríguez o Matías De Cruz (Pancho Morales), Carolina Capriati o Silvina Pérez (Nélida Morales), Rodrigo Etelechea o Darcio Gonçalez (Orestes Morales), Lucía Bargados o Daniela López (Elena Morales), Boris Pereyra o Lautaro Dolz (Santiago Soriano); Cuatro hombres de guantes: Leandro Bustos – Darío Calabi – Benjamín Parada – Damián Saben; Cuchilleros: Constanza Agüero – Melisa Buchelli – Flavia Dilorenzo – Fiorella Federico – Paula Ferraris Sofía Menteguiaga – Eliana Picallo – Eva Prediger – Sol Rourich – Agostina Scarafia – Federico Amprino – Adriel Ballatore Crosa Leandro Bustos – Dario Calabi – Lautaro Dolz Matías Iaconianni – Alexis Mirenda Benjamín Parada – Michael Requena – Damián Sabán. Segundos repartos: Brenda Arana – David Millán – Andrea Pollini – Ivana Santaella. Selección musical: Alejandro Cervera. Vestuario: Julio Suárez. Asistente de vestuario: Analía Morales. Escenografía: Alejandro Cervera, Laura Copertino. Iluminación: Matías Sendón. Asistencia de coreografía y dirección: Paz Corinaldesi. Meritorio de dirección: Marcela Chiummiento, Eva Rizzonelli. Teatro San Martín: sala Casacuberta. Estreno: 10/03/2018. Duración: 65’. Funciones: de jueves a domingos a las 20.30 hs. Jueves (día popular).

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Dirección: Andrea Chinetti. Codirección: Miguel Ángel Elías.

Bibliografía:

De Cecco, Sergio, 1999. El reñidero / Electra. Buenos Aires: Cántaro Editores.

1 El 13 de mayo de 1965 se estrenó con la participación de Alfredo Alcen y Francisco Petrone

2 La obra teatral había sido estrenada el 11 de enero de 1964 con buena acogida de la crítica y del público y desde entonces ha sido representada en numerosas oportunidades, incluso fuera de Argentina. De Cecco tomó la tragedia de Electra, de Sófocles, como base de su obra y la ubicó en 1905 en el barrio de Palermo de la ciudad de Buenos Aires. El reñidero –la pista de arena donde luchan los gallos de riña para distracción de los hombres– fue utilizado por el autor para graficar la realidad social de los guapos y gauchos de ese lugar, límite entre el mundo rural y la ciudad capital donde, según aparece retratado, la única ley respetada es el culto al coraje, un mundo en el cual, en definitiva, toda disputa se resuelva a punta de cuchillo.

Segunda Jornada El Tango en escena

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Segunda Jornada El Tango en escena

Intervenciones coreográficas en el collage escenográfico” creado por Eduardo Bergara Leumann

Azucena Ester Joffe

En el Museo Escenográfico Botica del Ángel durante dos días, 23 y 24 de noviembre, se llevó a cabo la segunda Jornada sobre nuestra danza ciudadana. Como afirma Andrea Castelli, es un punto de encuentro para “reflexionar sobre la actividad, con el propósito de generar un ámbito de discusión e intercambio de conocimientos y experiencias”1. Coreógrafos, directores, bailarines, docentes, críticos, periodistas,… concurrieron a la cita para debatir sobre distintos ejes: El tango, perspectiva desde la crítica y la difusión”; “Poética de la danza en el cine. Aniceto”,…; “Conversación performática sobre Títeres, Máscaras y objetos”; entre otros.

La Botica del Ángel tiene una fuerza intrínseca que es difícil de poner en palabras, ese mundo exuberante y barroco construido de múltiples historias, de retazos de memoria –privadas y públicas, fue el marco perfecto para el “Recorrido por las diferentes intervenciones coreográficas” que se realizó el viernes a la tarde. Cada breve coreografía tuvo un encanto especial a lo largo de la visita guiada, cada sala del Museo se transformaba en un espacio escénico habitado por los bailarines / performers. Los creadores convocados fueron: Gachi Fernández, Olga Besio, Margarita Fernández, David Señoran, Jose Garófalo y Pablo Fermani, quienes junto a su equipo de trabajo construyeron una narración coreográfica que dialogó con el espacio edilicio y focalizó nuestra atenta mirada. Una experiencia performática entre instalaciones pobladas de fotografías, de escritos, de obras plásticas, de recuerdos de Mi Buenos Querido2 y en la cual cada espectador disfrutó desde distintos puntos de vistas. Luego, llegó el cierre con las conclusiones, donde se expusieron algunos de los objetivos, el proceso creativo con sus singularidades y el aplauso final de todos los presentes.

 

Equipo de producción: Carina Mele – Mónica Berman – Andrea Castelli – Juan Federico Santucho – Natalia Battellini – Gerardo Azar – Sabrina Castaño  – Carlos Vizzoto.

2 La Botica del Ángel es un collage escenográfico creado por Eduardo Bergara Leumann en el museo que fue su casa, donde sorprenden obras de arte de muchos artistas plásticos: Raúl Soldi, Antonio Berni, Luis Felipe Noé, Marta Minujin, Guillermo Roux, Juan Carlos Castagnino, Carlos Gorriarena, Josefina Robirosa, Héctor Borla, Juan Carlos Benitez, Eduardo Pla, Raúl Lozza; manuscritos de Jorge Luis Borges, Ernesto Sábato, Manuel Mujica Lainez. Recuerdos de actores y cantantes, algunos de los cuales debutaron en La Botica como Susana Rinaldi, Marikena Monti, Nacha Guevara, Leonardo Favio, entre otros. En el recorrido por el lugar se encuentran homenajes a compositores de tango y folklore como Astor Piazzolla, Mariano Mores, Homero Expósito, Mercedes Sosa, Ariel Ramírez, María Elena Walsh, entre otros, y también se pueden apreciar las instalaciones armadas con fotografías y objetos históricos de un Buenos Aires que se fue perdiendo. Eduardo Bergara Leumann legó el Museo a la Universidad del Salvador. http://boticadelangel.usal.edu.ar/ [03/12/2017]

Los huesos de Leticia Manzur

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Los huesos de Leticia Manzur

Los huesos hablan del tiempo, de la especie…

huesosAzucena Ester Joffe

Esta interesante obra propone una corporalidad diferente, en ella podemos observar elementos que devuelven al cuerpo su espesor y su volumen. Antes de ingresar a la sala, el programa de mano nos desconcierta de algún modo, luego comprenderemos que sintetiza de forma perfecta la propuesta escénica -sólo un artefacto lumínico y el título de la misma. La coreógrafa Leticia Manzur respondió ante la pregunta por el título:

Por mucha razones me gusta Los huesos. Es algo que todos tenemos, que no tiene género, están, pero al mismo tiempo no los vemos. Es lo más adentro que uno puede ir. Te morís y los huesos quedan, tienen una obstinación por persistir. Los huesos hablan del tiempo, de la especie y tienen la misma materia que el polvo estelar. Es una unión entre algo que está adentro, con algo infinito, impensable e incalculable del universo. Es un dato científico, a la vez romántico y también insoportable1.

En el amplio y despojado espacio escénico, el color negro de sus paredes y del piso destaca la única fuente lumínica en el centro. Al comienzo, al ras del suelo el artefacto ilumina “tímidamente” a los cuerpos a su alrededor, en penumbras, como si fuera un demiurgo, parece mover los hilos invisibles de la escena. Se eleva o desciende por un brazo mecánico y se desplaza a través de un dispositivo móvil a cargo de los mismos intérpretes; de forma precisa focaliza nuestra mirada debido a la pregnancia visual que, a su vez, genera una particular energía en cada performer. En tanto, la música y los sonidos atraviesan arbitrariamente el espacio sin subordinación. Es difícil poner en palabras la experiencia sensorial y emotiva que transita cada espectador en soledad según su sensibilidad. Una narrativa coreográfica inteligente y provocadora, que hace estallar los límites o las definiciones preestablecidas, pues sólo son convenciones que responden a una coyuntura específica. Cinco cuerpos que, al inicio, como si fuera un ritual rodean a esa luz primogenia que parece estar aún dormida. los huesosLuego iremos reconociendo a esos cuerpos desnudos, totalmente despojados de toda connotación sexual -dos mujeres, una chica trans y dos hombres. Sólo son cuerpos con sus particularidades, que se expresan y se relacionan a través de su gestualidad, al comienzo expectantes, luego, a medida que avanza el relato, los movimientos son más intensos, más orgánicos, se acercan y se rozan. Cada una de las coreografías, solos o grupales, dan cuenta de la solvencia escénica de los performers quienes generan un lenguaje complejo donde las palabras resultan innecesarias. La entrega de cada intérprete a partir de la expresividad de su ser establece una conexión subjetiva con el espectador. No hay una historia previa, ni personajes ni roles, hay una textualidad coreográfica donde el movimiento –como modo de expresión a través de tono, actitud, postura, …– establece un diálogo tónico con los otros cuerpos. Contactos que pueden transmitir placer o no, deseos o no, cuerpos grotescos en contacto con el cosmos o cuerpos mecanizados y anónimos de la sociedad globalizada. Son cuerpos que piensan y hablan, cuerpos que tienen su propio peso específico. Con esta fuerza intrínseca, singular y grupal, podríamos pensar que es la puesta en abismo de un acto de total libertad que nos perturba y, a su vez, nos interpela pero no de manera racional. Para su directora:

El trabajo busca poner en evidencia cómo la cantidad infinita de hábitos en los que estamos envueltos diseñan nuestra noción de identidad, nuestra materialidad, nuestro modo de vincularnos, de imaginar, de desear y nuestra capacidad de experimentar la libertad. Investigamos modos de movimiento, organización espacial y vinculación que no respondan a lógicas descifrables. Como si se tratara de una hipótesis imaginaria de otras formas posibles de ser y estar en el mundo2.

Esta obra se estrenó en el Centro Cultural Recoleta y formó parte del FIBA 2017; ahora está presentando su nueva temporada en El Galpón Guevara. ls huess

Ficha técnica: Los huesos de Leticia Manzur. Con: Lucas Cánepa, Ana D´Orta, María Kuhmichel, Valeria Licciardi y Gianluca Zonzini. Música: Patricio Lisandro Ortiz. Diseño de objeto e iluminación: Matías Sendón. Acompañantes del pensamiento: Fernanda Alarcón y Manuel Hermelo. Fotos: Ariel Feldman. Gráfica y teaser: Ian Kornfeld. Asistente de escenario: Santiago Pra Baldi. Producción y Asistencia de dirección: Laura Santos. Dirección: Leticia Mazur. El Galpón de Guevara. Reestreno: 07/11/2017. Duración: 60’. Función: martes 14, 21 y 28 de noviembre 21 hs.

Según gacetilla de prensa

La esclava de Ayelén Parolín y Lisi Estaràs (Bélgica)

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11 FIBA del 5 a 21 de octubre de 2017 [III]

Festival internacional de Buenos Aires

FIBA2017Azucena Ester Joffe

Hasta el 21 de Octubre, inclusive, se podrá disfrutar de la 11va edición del FIBA, con una interesante programación que incluye obras nacionales e internacionales junto a talleres, charlas con los creadores, ciclo de cine, presentaciones de work in progress, también de libros y otras actividades gratuitas de teatro, danza, música y artes visuales.

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LaEsclava2La esclava de Ayelén Parolín y Lisi Estaràs (Bélgica)

La danza Es, Sucede, es Acción Pura. Queda como un sueño sin haber sido soñada. (Oscar Araiz)

Las coreógrafas argentinas radicadas en Bélgica, Ayelén Parolín / Lisi Estaràs, construyen una breve e interesante obra de danza contemporánea que no clausura posibles sentidos sino que, por el contrario, los multiplican. Una corporalidad, un cavenas de material sensible, creado a partir de fragmentos de vivencias artísticas y personales de ambas artistas. Ya desde su título, como aglutinador sémico, se deja instalada la pregunta ¿esclava de qué o de quién?: “Esclava de ella misma y de su propia historia”.

A un costado del amplio y despojado espacio escénico, casi inmóvil, observamos a la intérprete (Lisi Estaràs) con un vestuario atemporal. Y como si fuera una prolongación de su cuerpo, un gran elemento/accesorio cumpliendo un importante rol dramático, que parece protegerla naturalmente pero, a su vez, dificulta sus desplazamientos. Podría ser, por ejemplo, una especie de gran ala o también un gran caparazón, eso no importa mucho pues sólo tenemos que dejarnos llevar por la sonoridad de la danza, por el discurso corporal. No es necesario racionalizar esta narrativa en movimiento, pues tiene un ritmo que le es propio y focaliza nuestra atenta mirada. Con acotados movimientos puros comienza un relato lineal, en el aquí y ahora, que es dicho por la energía intrínseca de la bailarina que habita el espacio lúdico, en tanto un sonido marca un tiempo otro como si fueran los latidos del corazón.

Al comienzo, los movimientos son cortos y precisos, con determinado tono muscular pero es la expresividad del rostro y, en especial, la mirada la que nos conecta con las emociones. Luego, los movimientos se vuelven más cotidianos y naturales, con otra energía. Entre ambos, encontramos un claro momento de quiebre en la situación dramática cuando se despoja de esa pieza algo extraña, entre el pasado y el futuro, lo onírico y lo real, la certeza y la duda. ¿Se puede abandonar por completo las estructuras ya conocidas? Al respecto, nos comentó Lisi:

Físicamente hay una evolución de la dificultad del inicio y también de la estructura coreográfica, porque está basada en una “frase”sobre la cual está hecha la obra. Son todas las posibilidades de esa única “frase” a lo largo del relato.

Este grupo de mínimos movimientos se realiza en un determinado instante, fugaz e inaprensible, que quedará suspendido en nuestra memoria. Una historia mínima que se universaliza a través de la danza con la perfecta dupla Parolín / Estaràs, quienes se expresan a través de las cualidades específicas del movimiento, con breves irrupciones de discurso verbal y con la complicidad del público. La esclava es algo más que una danza personal, es una metáfora de nuestra propia inestabilidad y de la constante búsqueda de nuestra identidad.

Con una única función dentro del marco del FIBA, quizá por su apretada agenda, el Festival de teatro Mercosur (Córdoba, 07/10); el Festival El Cruce (Rosario, 13/10); el Cine York (Buenos Aires, Olivos, 14/10); el Festival Internacional Danzalborde (Chile, Valparaiso, 15/10), esperamos que pronto estén nuevamente en la cartelera porteña.

LaEsclava1

Ficha técnica: La esclava de Ayelén Parolín y Lisi Estaràs. Compañía: Ruda. Dirección: Ayelén Parolín y Lisi Estaràs. Interprete: Lisi Estaràs. Dramaturgia: Sara Vanderieck y Olivier Hespel. Dirección musical: Bartold Uyttersprot. Diseño de Iluminación: Carlo Bourguignon. Diseño de Sonido: Matthieu Vergez. Diseño de Escenografía: Nicolas Vladyslav. Diseño de Vestuario: Dorine Demuynck. Producción: Karin Vermeire y Agustina Fitzsimons. C C 25 de Mayo. FIBA 2017: 09/10/2017. Duración: 40’.

Bibliografía

Araiz, Ocar, 2017. “Del hacer una danza” en Creación coreográfica. Buenos Aires: Libros del Rojas: 7-21.

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Después de la función tuvimos la oportunidad de participar de la sesión de Q&A, un momento de intercambio con ambas artistas; la misma fue moderada por el actor y director Gustavo Bendersky.

G B- ¿Cómo fue el proceso de construcción del espectáculo? ¿Cómo se reactualiza el material en el FIBA y en Bs. As.?

A P- Cuando llegué a Bélgica no encontraba trabajo y alguien me sugirió que hiciera un “solo”. En aquel momento tuve grandes problemas de códigos. No entendía nada y sentía que no encajaba en ninguna parte. Entonces pensé: ¿quién soy? y realicé un “solo” muy personal a partir de la fecha de mi nacimiento, 25.06.76. Después, al estar embarazada sentí que no podía seguir realizándolo y empecé a buscar a quién me pudiese reemplazar e interpretar algo tan autobiográfico. Entonces, se lo propuse a Lisi con cierto temor porque ella ya tenía una trayectoria y yo estaba comenzando mi carrera. Luego descubrí que había algo que era mío pero, a la vez, con movimientos de Lisi.

La idea para La esclava fue trabajar con toda la antigüedad que tenemos. Toda esa fuerza y, al mismo tiempo, toda esa fragilidad que nos pertenece. Por otro lado, traer la obra aquí fue poner en evidencia que ese límite se vuelve menos firme.

L E- Es la primera vez que realizo la obra en español y eso tiene otra significación. Porque a pesar de ser mi idioma se volvió bastante difícil, más que en inglés o francés. Pues no tengo la distancia del idioma y los valores son distintos; por ejemplo, el mate es algo más cercano y tenemos la necesidad de compartirlo con ese otro.

G B- Después de que se quita el elemento o accesorio e intenta construir su identidad… ¿Cómo se conciben esos dos momentos?¿Entre la comicidad y lo trágico de la vida?

A P- El espectáculo está construido en base a una ambigüedad y una contradicción constantes. Entonces, este elemento es algo que puede proteger a la protagonista pero, a la vez, no la deja acercarse a las cosas. Podría ser una liberación cuando se lo saca, sin embargo, finalmente, parece no ser la libertad que buscaba. Es como algo que siempre es lo mismo: aunque pase por diferentes etapas no llega a solucionarlo nunca.

L E- Físicamente hay una evolución de la dificultad del inicio y también de la estructura coreográfica, porque está basada en una “frase” sobre la cual está hecha la obra. Son todas las posibilidades de esa única “frase” a lo largo del relato.

G B- El espectáculo tiene rastros de distintas técnicas de la danza y un aporte interpretativo muy fuerte, con visos clownesco…

L E- Tiene vivencias profesionales; hay muchas partes de la obra que tienen que ver con otras. En general, trabajamos mucho con lo personal y cómo se va desarrollando este material a lo largo de los años. También con la lectura de determinados escritores.

A P- Lo que resignifica el producto final. Tiene una cuestión fuertemente interpretativa porque esta criatura va incursionando por distintas formas de moverse y pareciera no estar a gusto en ninguna.