Archivo de la categoría: Encuentros / Festivales

Festival Temporada Alta 2018

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20180119141302-festival-temporada-alta-2018-tabaFestival Temporada Alta 2018 [III]

Sexta edición en Timbre4 (1 al 11 de febrero)

María de los Ángeles Sanz

Reparer Les Vivants / Reparar a los vivos Adaptación de la novela de Malas de Kerangal. Francia.

Un espacio despojado, una gran tela que será pantalla oportunamente según transcurra el relato, dos sillas multifunción, de reposo a camilla de operaciones; un hombre que será: narrador, el joven, el médico; voces en off que llenaran la historia con su aporte fragmentado. Una lengua otra para el espectador, traducida en la pantalla, un cuerpo que a pesar de hablar en un idioma diferente se expresa en gestos, movimientos y desplazamientos de una manera cabal, que dará cuerpo desde su muy buena actuación al rompecabezas de una trama que nos lleva a una polémica o a dos: cuando una persona está verdaderamente muerta, y la donación de órganos, un tema urticante, que no siempre está bien entendido. Los pormenores de un accidente, la reacción de los padres, la profesionalidad fría por momentos de los médicos que llevan adelante la operación, la manera sencilla y cálida de quien debe pedir en el peor de los momentos que aquello que ya no funcionará en un cuerpo puede ser vital en otro. Un joven, y una mujer a la espera de vivir, pero de manera un tanto otra, diferente. Porque la fantasía es que ese corazón que se traslada tiene por siempre los latidos, los sueños, la ilusión y el amor de aquel a quien pertenecía. El discurso por momentos se convierte en documento científico y nos explica con detalles los pormenores de la muerte y de la transformación. Por momentos es un informe sociológico, sobre casos y estadísticas. También es un debate sobre la ética que debe atravesar todo avance de la ciencia, y sobre todo la libertad de elección más a allá de lo que cada uno pueda opinar sobre el particular. Yo de hecho estoy de acuerdo con ser donante de órganos, y creo en la necesidad de que la posibilidad exista. El cuerpo del actor lleva adelante una interesante performance atravesando el espacio y el tiempo, ganando hacia la platea una sintonía que quiebra la cuarta pared, desde ese monólogo, cuasi diálogo que entabla con el público. La textualidad dramática es una adaptación de Emmanuel Noblet de la novela de Malas de Kerangal, quien es también su intérprete y el responsable de la puesta en escena. Una performance interesante en un teatro europeo que una vez màs apuesta a la palabra, al discurso para hacernos llegar una problemática que desde allí plantea la posibilidad de repensar aquello que habitualmente no nos atrevemos a decir en voz alta. Francia 4 Réparer les vivants (Reparar a los vivos) ph Aglaé Bory

Ficha técnica: Reparar les vivants / Reparar a los vivos adaptación Malas de Kerangel de textos de la novela de Emmanuel Noblet. Intérprete y puesta en escena: Malas de Kerangel. 90 minutos. Sala México.

Yo maté a Pinochet de Cristian Flores Rebolledo

Un hombre solo, su bicicleta y su pequeño grabador ingresan a un espacio despojado donde los espectadores a partir del sugestivo título de la pieza estamos esperando una revelación sorprendente. Lo que ocurre es una sintonía con el personaje en esa metáfora perfecta de las revoluciones truncas que asolaron a América Latina a partir de la década del setenta. Una revolución que tuvo protagonistas, verdugos, víctimas, pero sobre todo soñadores, románticos que creyeron en ella y en sí mismos, en la posibilidad de hacer verdad sus contenidos, de alcanzar por fin la utopía. En el Chile de esos años una figura es el fantasma de los todos los terrores para quienes pensaban en la solidaridad, y la igualdad: el General Pinochet. Quien no soñó entonces con detenerlo de alguna manera, de ese lado y de este de la cordillera. Lautaro siente en su viaje al pasado, en el rescate doloroso de su memoria, que tiene una deuda enorme porque pudo y no pudo tomar el destino en sus manos. Pero eso lo sabremos hacia el final del relato. Cuando su voz revele los hechos desde la dura verdad. Mientras tanto, y acompañado por la música: tango, cuecas, y el himno al Che, van cautivando a un auditorio atento, que sigue no sólo sus palabras sino el manejo de su voz, los tempos de sus silencios, que atisba su dolor y su frustración en cada gesto, en cada fragmento que nos acerca. La bicicleta tiene la goma pinchada, y hay que repararla para poder seguir el camino que gracias a ese acontecer fortuito se ha detenido en ese lugar y ese tiempo. Metáfora de un ideal detenido por un camino que también se encontró sin aire, que perdió el aire para continuar. El trabajo del actor lo deja todo en escena; sus motivaciones, sus pérdidas, sus deseos, el amor irrecuperable, y sobre todo el sentir de una época que a pesar de las tragedias se extraña en su epicidad. Sentido a la vida parece decirnos el personaje, eso encontraban los que luchaban desde un abajo que los iba constituyendo en subjetividades para la revolución, a puro sentimiento, por convicción, aprendiendo en el hacer. Cristian Flores Rebolledo nos deja las instantáneas de un tiempo que el presente relativiza, aunque las circunstancias que lo produjeron no hallan muerto: la injusticia, la desigualdad, la violencia de arriba, la usurpación del poder, la impunidad del dinero y la clase, todos ingredientes que siguen vivos y coleando. Como afirmaba Andrés Rivera: “La revolución es un sueño eterno”, que en nuestros castigados países no descansa, sólo se toma un prudente descanso. 000171770 Yo matè

Ficha técnica: Yo maté a Pinochet de Cristian Flores Rebolledo. Intérprete: Cristian Flores Rebolledo. Dirección: Alfredo Basaure Espinoza y Cristian Flores Rebolledo. 65 minutos. Sala Boedo.

Pompeya de Gerardo Oettinger

Pompeya es un lugar, un espacio físico donde hace siglos la lava de un volcán devastó la ciudad, Pompeya es también una virgen, una figura de yeso que en un pequeño altar improvisado guarda, protege o hace la ilusión de hacerlo a cuatro criaturas que las une el desamparo y la marginalidad. Susu en su carácter de madre sustituta, construye entre las paredes de su casa un refugio, para Leyla, Jenny, para ella misma, y para todo aquel que tenga en una sociedad donde la democracia también está travestida, un peligro siempre latente entre la línea que separa su profesión y su elección de género de lo que el imaginario social construye como la normalidad. Cuatro actores impresionantes que llevan adelante sus personajes y que con el recurso de acotar hacia el espectador logran metérselo en el bolsillo, e implicarlo para que comparta sus penurias y se ría con sus desmesuras. Una heladera multifuncional, que además de contener alimentos, es altar y perchero, una mesa y unas sillas, es la escenografía que acompaña las acciones, espacio recortado por una alfombra roja que logra que éste no se disperse demasiado, aunque fuera de esos límites cada uno de ellos interpele al público cuando necesite, respuestas o complicidad. La dramaturgia de Oettinger aborda una temática difícil, la situación de las travestis y además la cruza con otra también de alta conflictividad: la inmigración. Un recorrido que poco se ve en los escenarios porteños a pesar de que contamos con una fuerte presencia de inmigrantes de varias nacionalidades, una vez más: senegaleses, chinos, colombianos, peruanos, bolivianos; algunas colectividades con muchos años en nuestro territorio y que no han encontrado el dramaturgo que los incorpore de forma natural como si se hizo con la anterior corriente inmigratoria con el sainete y el grotesco criollo. Nos la debemos. Los personajes están dicotómicos definidos a partir de esta situación, entre quienes desean la integración y quienes harían cualquier cosa para que desaparecieran de suelo chileno. El detonante, la ausencia de Kena, que suponen muerta, y de cuya desaparición Leyla culpa a las negras colombianas. En el medio, la actitud de Susu conciliadora, y el recuerdo de un Pinochet, nunca ausente, en un presente que no puede ni debe perder la memoria. Pompeya es un trabajo necesario, un teatro de cámara, íntimo, que si bien logra reducir el espacio, con el recorte de escenario, y con la inclusión de platea a los costados del mismo, presenta la dificultad de la audición que en la rapidez y los giros lingüísticos propios del país, hizo que algunas frases quedaran truncas; sin embargo, la fuerza de los cuerpos, mantuvo al espectador expectante hasta el final, atento a los desplazamientos, y las posturas, y a una gestualidad que torno comprensible cualquier ausencia de la palabra. Una puesta imperdible, que sería bueno extendiera sus presentaciones más allá del Festival. Chile 1 Pompeya Ph Jorge Sánchez

Ficha técnica: Pompeya de Gerardo Oettinger. Actúan: Rodrigo Pérez, Gastón Salgado, Guilherme Sepúlveda, Gabriel Urzùa. Diseño sonoro: Daniel Marabolí. Producción: Alessandra Massardo. Dirección: Rodrigo Soto. 90 minutos. Sala México.

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Festival Temporada Alta 2018

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20180119141302-festival-temporada-alta-2018-tabaFestival Temporada Alta 2018 [II]

Sexta edición en Timbre4 (1 al 11 de febrero)

Uruguay / Brasil / México

Azucena Ester Joffe

Solo una actriz de teatro de Gabriel Calderón (Uruguay)

Un testimonio artístico”

Estela Medina, discípula de Margarita Xirgu, es presencia y ausencia de dos mitos que confluyen de manera espontánea, con la rigurosidad artística y la trayectoria de ambas mujeres. La pregnancia escénica de Medina nos envuelve en primera persona con un relato de vida. Solo una actriz de teatro es un tejido artesanal que se fue armando, entre Medina y Levón, a partir de recuerdos, anécdotas y breves fragmentos de determinadas obras. Un proyecto que comenzó en el 2016 y se estrenó en España en marzo de 2017. Y en este “viaje a la memoria” se entrecruzan dos caminos. Por un lado, Margarita Xirgu sufr el exilio forzoso durante el Franquismo y, durante sus últimos años, en Montevideo, dirig la Escuela de Arte Dramático. Por otro, Estela Medina pertenece a la primera generación de sus discípulos y, a lo largo de su trayectoria, ha mantenido las enseñanzas y la admiración por Xirgu.

En el amplio espacio escénico de la sala México observamos pocos elementos y algunas sillas que serán ocupadas por los poetas –Lope, Hernández, Lorca, Baudelaire, Borges- quienes irán surgiendo del relato que habita ese espacio y se transforma en un devenir vivencial a través de la excelente intérprete. La actriz uruguaya le dará voz a cada uno y también a algunos de los personajes convocados. El punto de encuentro que compartimos es el tiempo de formación artística, cuando una niña quedó deslumbrada ante la figura potente de la actriz española. En lo alto, una pantalla que sólo reflejará una luna, no serán necesarias otras imágenes que acompañen esta cita, pues la pasión por el pasado y por el presente está a flor de piel. Al inicio, con calidez, la protagonista, elegantemente vestida, se dirige al público ya que es la oficiante de escena mientras ultima los detalles antes de la llegada de la artista invitada -nada menos que Estela Medina quien daría una conferencia sobre Xirgu. Desde ese preciso instante se borran los límites entre la realidad y la ficción. Luego, con una vitalidad arrolladora, Medina nos atrapa de tal la forma que el silencio en la sala es más que elocuente. Con el prolongado aplauso el público agradeció a esta importante dupla de la escena de ambas Orillas, Xirgu-Medina. Aunque algunos misterios o confidencias seguirán vedados para el común de los mortales pero el secreto compartido entre la maestra y su discípula -la vida dedicada al teatro- fue dicho a medio voz, por lo bajo, y nunca lo olvidaremos.

Uruguay 1 Solo una actriz de teatro Ph Gustavo Castagnello

Ficha técnica: Solo una actriz de teatro de Gabriel Calderón. Dirección: Levón. Intérprete: Estela Medina. Escenografía y luces: Claudia Sánchez. Vestuario: Soledad Capurro. Banda Sonora: Fernando Condon. Dirección adjunta: Homero González Torterolo. Dirección técnica: Claudia Sánchez. Producción artística, dramaturgismo: Laura Pouso. Producción general: Laura Pouso. Timbre4: sala México. TABA 2018. Función: 01 y 02 de febrero. Duración: 70′.

Celebración de la realidad / Celebração de Realidade

de Isis Madi y Sandra Pestana (Brasil)

Con un ojo en el microscopio y otro en el telecospio, pues según Galeano

es en las pequeñas cosas que se alimenta la grandeza del universo”

La propuesta brasileña hurga en nuestra memoria colectiva y también en la personal. Las breves escenas están inspiradas en El libro de los abrazos del escritor uruguayo Eduardo Galeano. El clima íntimo de la sala Boedo permite que, más allá del recorrido sinuoso por los momentos de humor, nos involucremos en un relato que atraviesa los distintos temas que plantea el texto primero -política, sociedad, cultura, amor, violencia, guerra, paz,… En el juego escénico, con solvencia Isis Madi y Bruno Garcia le van otorgando una carnadura diferente a cada uno de los personajes que fueron invitados al encuentro. A través de la gestualidad corporal, las constantes miradas cómplices al público y de los diferentes registros, junto a los mínimos cambios en sus vestuarios o incorporando un simple accesorio. Un devenir de mirada fresca, con el aporte de anécdotas y testimonios en algunas escenas atravesadas por criaturas de nuestra absurda cotidianidad -como la historia final que es un cierre perfecto. Sin embargo hay otras escenas que quizás nos dejan un cierto sabor incomprensible -como el relato de los aborígenes y de los desaparecidos, temas tan caros y dolorosos para nuestra memoria latinoamericana. En cuanto a la música y a los dos dispositivos en el espacio escénico -donde cada intérprete tiene todo lo necesario para sus transiciones- le otorgan un clima festivo a la obra.

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Ficha técnica: Celebración de la realidad / Celebração da Realidade de Isis Madi y Sandra Pestana. Dirección y escenificación: John Mowat. Elenco: Isis Madi y Bruno Garcia. Producción ejecutiva: Gustavo Valezi. Director de producción: Pedro de Freitas. Producción: Périplo Produções. Timbre4: sala Boedo. TABA 2018. Función: 05 y 06 de febrero. Duración: 65’.

Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar de Vaca 35 Teatro en Grupo (México)

Creación teatral desde Tres Hermanas de Chejov

Una propuesta escénica provocadora que como fuerzas opuestas atrae y rechaza al espectador. La sala 2 de Boedo es el marco perfecto para su desarrollo porque nos ubica en el sitio algo incómodo entre cómplices y voyeuristas. En un lugar cualquiera, con algunas sillas, un reflector en el piso que permite su desplazamiento, la música que se escucha a través de un celular y una mesa llena de bebidas, una tostadora de pan y algo para untar, seis personas se juntan para ensayar. Cada una irá leyendo su pequeño fragmento de la obra chejoviana, pero dudan al intentar construir su criatura. Por fuera de este encuentro, están solas y se sienten frustradas. Una extraña relación de amistad que tolera tanto el halago como la agresión. Podríamos pensar que la obra deja al descubierto el tedio cotidiano y las miserias humanas cuando los afectos no están y el dolor de cada historia personal los va consumiendo.

Los intérpretes con solvencia crean a estos personajes que buscan su lugar en el arte y en la vida en un clima que, por momentos, parece asfixiarlos y encuentran quizá en el alcohol la única posible salida. Un clima enrarecido que nos envuelve de manera incisiva y sin previo aviso. Con naturalidad y, a su vez, de manera contundente el elenco pasa de la risa al llanto, de la contención al exceso,…, forzando los límites de lo tolerable. El discurso verbal de lo cotidiano pasa a lo escatológico, mientras el discurso corporal de la cordialidad se torna hacia la violencia e humillación. ¿Un reservorio humano? ¿Una caja de Pandora? La respuesta quedará flotando en el aire y cada espectador le dará un sentido según su sensibilidad y experiencia. Sin embargo, cabe reflexionar, si la violencia, lamentablemente, es constitutiva de nuestra actual sociedad por qué reproducirla de forma tan vívida. México 4 Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar Ph Cecilia Sapién

Ficha técnica: Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar de Vaca 35 Teatro en Grupo. Dirección: Damián Cervantes. Producción ejecutiva: Sergio Ecatl. Producción: Vaca 35 Teatro en Grupo. Intérpretes: Mari Carmen Ruiz, Damián Cervantes, Gabriela Ambriz, Diana Magallón, José Rafael Flóres, Héctor Hugo de la Peña. Timbre4: sala Boedo. TABA 2018. Función: 05 y 06 de febrero. Duración: 60’.

Festival Temporada Alta 2018

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Festival Temporada Alta 2018 [I]

Sexta edición en Timbre4 (1 al 11 de febrero)

20180119141302-festival-temporada-alta-2018-tabaMaría de los Ángeles Sanz

Seis años consecutivos de un Festival Internacional es un logro que merece ser destacado, en un campo teatral tan atravesado por las dificultades, sobre todo estos dos últimos años. Claudio Tolcachir y el grupo que integra Timbre 4, llevan adelante el evento todos los febreros, como una cita obligada para los que disfrutamos de encontrarnos con el cruce de un teatro que propone en la mayoría de los casos identidades y conflictos parecidos pero diferentes de acuerdo a un contexto donde la geografía física y cultural hace lo suyo. La llegada de elencos de México, España, Perú, Chile, Brasil, Uruguay, Francia y Argentina, conforman un mapa de propuestas que nos van marcando un recorrido de poéticas, tipos de actuación, temáticas, y juegos escénicos que comprenden un panorama sino exhaustivo, al menos indicativo del movimiento teatral de los países participantes, sus inquietudes, su búsqueda de nuevas formas de diálogo con un espectador, avezado o interesado en la producción teatral.

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Pluja de Marc Ángeles, Andreu Martínez, Clara Peys, Guillem Alba.

Pluja lluvia en catalán, propone eso mismo, una lluvia de sensaciones donde la imagen y el sonido tienen una mayor presencia que la palabra y desde allí los personajes nos llevan un imaginario viaje donde la perspectiva de nuestra dimensión humana en relación al otro, humano o no, es una constante que provoca desde la presencia de sus cuerpos y de la manipulación con títeres de mano, marionetas, y máscaras en escena. ¿Qué somos en relación con el universo? ¿Cómo nos veríamos si pudiéramos salirnos y desde un vértice, observar nuestras presencias y nuestros movimientos? La pequeñez de lo humano en el concierto del mundo, y sin embargo, su permanente estar y hacerse sentir, son el subtexto que sostiene las rutinas que se desarrollan en poco menos de una hora, y que cargadas de subjetividad nos conmueven, nos hacen reír y reflexionar. Tanto Clara Peys como Guillem Alba tienen cuidado hasta el mínimo detalle para que todo surja naturalmente, fluidamente. En un espacio distribuido entre un enorme baúl rojo, que ofrecerá más de un uso, y un piano beige claro donde Clara se expresará a partir de una música de su composición. El agua, elemento fundamental para la vida, también tiene su protagonismo, desde un pequeño espacio que la contiene, un medio mundo propicio para el juego de los pequeños personajes; necesaria para aliviar los pensamientos. La iluminación que duplica la imagen del hombre y sus criaturas, la música que acompaña acciones, construyen una relación con el espectador que siente que no necesita de las palabras para disfrutar de lo que se le ofrece. Todo es funcional al trabajo desde el vestuario que no es simplemente ilustrativo sino que tiene también su necesario estado para lograr la interrelación de lo presente. Recursos sencillos en apariencia, llevados adelante con precisión y belleza. Un muy buen trabajo, que nos dejó un dulce sabor en la boca y una caricia en el corazón. Cataluña 15 PLUJA Ph Kiku Piñol, Estudi Carmel

Ficha técnica: Pluja de Marc Ángeles, Andreu Martínez. Clara Peys, Guillem Alba. Intérpretes: Clara Peys y Guillem Alba. Dirección: Guillem Alba. Dirección musical: Clara Peys. Imagen gráfica: Javier Mariscal. Dramaturgia: Marc Ángeles. Dirección de gesto y títeres: Andreu Martínez. Asistente de movimiento: Ariadna Peys. Diseño de iluminación y técnicos: Ignasi Solé y Oriol Ibáñez. Vestuario: Irene (Nene) Fernández. Construcción títeres y Atrezzo. L’Estaquirot Teatre y Alfred Casas. Diseño y construcción de gradas: Efímera. Fotografía y video: Kiku Piñol (Estudi Carmel) Ayudante de producción: Aina Pociello. Dirección de Producción, Regiduría y Management: Blai Rodríguez. Producción: Guillem Alba.

Lo único que necesita una gran actriz, es una gran obra y las ganas de triunfar Creación colectiva basada en Las criadas de G. Genet.

De México nos llega esta dramaturgia y su concreción teatral con el grupo Vaca 35i. Dos mujeres que son físicamente antitéticas y complementarias, una muy delgada, la otra obesa, pero que comparten el mismo espacio físico y la misma voluntad de hacer realidad un deseo, triunfar como actrices. Un espacio donde la carencia es su signo de identificación, allí, es donde Genet aparece, y con él sus criaturas: las criadas de su obra más conocida y reconocida. Representación dentro de la representación, porque los personajes de Genet representan una acción donde una de ella es la patrona, y las actrices dirigidas por Damián Cervantes son ellas y a la vez los personajes que nos devuelven una imagen en un espejo cóncavo. Con un ritmo intenso y en un nivel de alta energía las dos mujeres tejen a su manera la relación de amor y odio de Clara y Solange, y al mismo tiempo su propia forma de relación en la sordidez de su vida. Una pileta para lavar la ropa, un fuente donde bañarse, la luz de las velas a la imagen de la virgen, el espacio reducido para la cocina, un farolito chino que nos amortigüe la desnudez, son el recorrido por un momento de la vida de las dos, hacia el final donde el descanso es anticipado por una vez el relato ajeno y el cuento de hadas de alguien que es tocado por la varita mágica, para salir de una realidad áspera y cruda hacia un mundo dorado de felicidad. Sueños que viven tanto despiertas como en sueños y que son la fantasía que les permiten no sentir hasta el ahogo la realidad que las acerca trágicamente a los personajes delineados por el dramaturgo francés. Cuerpos desnudos, cuerpos cubiertos en su mínima expresión, que hablan más allá de las palabras de carencias no sólo materiales, sino de afectividad; seres en peligro que a pesar de las diferencias sienten una por otra un apego necesario para sobrevivir a la hostilidad en la que se encuentran. La dirección maneja los tempos, de la exaltación a la pausa necesaria para poder como espectador, como actor seguir el proceso: la limpieza, el baile, la comida, espacios que detienen y al mismo tiempo son el preámbulo de una nueva tormenta. Podríamos afirmar con Siqueiros, presente desde el programa de mano, que la puesta logra conformar un mural de sesenta minutos: “En ninguna de mis pinturas encontrarás esa objetividad que resulta de un naturalismo o de un realismo primitivo. Todo cuanto he hecho revela necesidad de ritmo, de simbolismo y de composición”.México 2 Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar Ph Paula Prieto

Ficha técnica: Lo único que necesita una gran actriz, es una gran obra y las ganas de triunfar, creación colectiva basada en Las criadas de G. Genet. Actúan: Diana Magullón García y Mari Carmen Ruiz Benjumeda. Dirección: Damián Cervantes. Producción ejecutiva: José Rafael Flores. Producción: Vaca 35 Teatro en Grupo.

Savia de Luis Alberto León

Las tierras latinoamericanas tienen un pasado doloroso y compartido en cuanto al despojo de riquezas, el abuso sobre los pueblos originarios, el desprecio al otro, al diferente, y la idea imperante de una supremacía blanca y europea sobre la cultura nativa. La pieza de Luis Alberto León nos propone una lectura sobre el Perú de principios del siglo XX y el hoy, el origen y el legado de horror que la expoliación del Amazonas y del caucho produjo en las tierras peruanas. La necesidad de una memoria que reconstruya la justicia, que permita la voz de los desclasados, de los negados, de los que lo han perdido todo, incluso la vida, es imperativa en todos nuestros suelos. La historia de León vuelve sobre esa necesidad y nos presenta en un tiempo fragmentado, que va del presente de la enunciación a un pasado que se teje entre el sueño y la vigilia de un personaje que guarda en sí toda la idiosincrasia de una oligarquía blanca que busca con los medios más salvajes construir una raza que según su perspectiva mejore al Perú que sueñan: blanco, occidental y cristiano. Cualquier similitud con nuestro presente y nuestro pasado no es solo coincidencia. En un espacio delimitado por unas telas que permiten la entrada de los personajes que buscan encontrarse finalmente con su origen, un hombre, viejo y enfermo, delira y va dejando caer las huellas de los recuerdos de su niñez y el terror de sus acciones, hasta finalmente llegar a una confesión que permitirá por fin un dejo de justicia. La escenografía funcional y despojada, está atravesada por los sonidos de las canciones, por la voz del personaje narrador, un negro testigo de los hechos, que acompaña al hombre en su camino a los infiernos merecidos; y por una pantalla que agrega el condimento documental sobre el relato de la ficción que se nos muestra en la escena. El vestuario y el maquillaje nos presentan un bello y perfecto trabajo de reconstrucción, y aporta con su presencia a marcar las diferencias de clases, las funciones o roles, como el traje de la enfermera o el del personaje que narra, o la vestimenta de la madre y del médico, del mismo enfermo una vez que vuelve al instante de la tragedia, conformando un fresco, un mosaico que habla por sí mismo. Las actuaciones son muy buenas, excelentes por momentos, que nos mantienen como espectadores en una expectación continúa, sin altibajos, y que manejan muy bien los tiempos del lenguaje y el cruce de lenguas. Una lengua recuperada hacia el final cuando los cuerpos torturados y desechados por fin se encuentran completos y pueden así volverse sobre sí mismos y hablar desde su ausencia con su verdad que busca expresarse en el medio de tanto ocultamiento. Savia, es una declaración de principios desde una poética que apela para ello a todos los recursos que el teatro le permite: el uso de máscaras, las telas que cubren los rostros, el juego temporal, la música, la coreografía con que los personajes se mueven y son movidos en el espacio, la palabra, su diversidad y su función encubridora y develadora, hasta el humor, cínico, perverso, pero presente en el juego dialéctico entre el enfermo y la enfermera. Como tantos otros Jesús se presenta a sí mismo como víctima del tiempo transcurrido y de una enfermedad que le va restando minutos de respiración para luego convertirse en el ser que realmente es, al mostrarnos su cara más oscura, su sombra esa que lo persigue, y que el justifica por una educación que lo constituyó en lo que es. La vida que roba de los pechos de la india no logró convertirlo en alguien que pudiera comprender la humanidad que a todos nos cabe, sino por el contrario peso más la clase y el poder. “Yo te di la savia, que hiciste con ella” es la pregunta que Rosa le hace en el último instante y que ya no puede responder. Perú 1 Savia Ph Giuseppe Falla

Ficha técnica: Savia de Luis Alberto León, versión y dirección de Chela de Ferrari. Elenco: Leonardo Torres Vilar, Evelyn Allauca, Cindy Díaz, Alejandra Bouroncle, Patricia Barreto, Fiorella de Ferrari, Ricardo Velázquez, Luis Sandoval. Asistente de dirección: Leonor Estrada. Diseño de escenografía: Luis Alberto León y Chela de Ferrari. Propuesta documental: José Balado. Música original y diseño de sonido: Santiago Pillado. Diseño de vestuario: Gustavo Valdez. Utilería y máscaras: Trudy Macha. Maquillaje y caracterización: Laura Quijandrìa. Diseño de iluminación: Jesús Reyes. Producción de montaje: Renato Costa La Cruz.

i Vaca 35 es una agrupación teatral independiente, que tiene su creencia en el diálogo directo con el espectador, en base a la creación de espectáculos escénicos, que dialoguen con nuestro entorno, y que propongan una forma de pensamiento, así como de reflexión profunda, en la escena, en el actor y en la vida que puede representar lo teatral.

4to Encuentro de Dramaturgia Internacional Emergente

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4to Encuentro de Dramaturgia Internacional Emergente

Tres Dramaturgos Latinoamericanos. Tres Espectáculos. Tres Directoras Argentinas.

Flyer general EDIEAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Organizado por el Corredor Latinoamericano de Teatro se llevó adelante el 8 y el 9 de diciembre el 4to Encuentro de Dramaturgia Internacional Emergente en el espacio teatral El Extranjero. El evento promueve el conocimiento y la divulgación de un teatro que no tiene en el público un acercamiento asiduo sino es por la realización de estos encuentros, que ponen en contacto a dramaturgos, actores y directores de los diferentes países, para así dar a conocer, estéticas, poéticas y problemáticas que se abordan desde lo teatral en nuestros países de la Patria Grande. Con entrada libre y gratuita, y como se dice, salida a la gorra, el programa presenta en esta oportunidad, tres países intervinientes con sus dramaturgias: Chile, México y Brasil con la dirección de tres mujeres argentinas. Las tres obras fueron:

La fuerza del corazón de Javina Mendoza Ceverino (Chile) y dirección de Micaela Picarelli (Argentina)06 - EDIE 2017 - Argentina

Yo era ese niño, ese monstruo que los adultos fabrican con sus penas” (J. P. Sartre)

La dramaturga chilena pone en palabras y acto una situación íntima sobre la relación de una madre y sus hijos, que es el detonante de toda una línea de clase social estigmatizada e invisibilizada por el resto de la sociedad, y por el campo teatral. La mujer sobrevive del despojos de los otros, los que tienen una vida organizada por un sistema que los esclaviza y los convierte en sordos y mudos ante el dolor ajeno. Agentes sociales que solo se acercan cuando conviene a la maquinaria: publicidad, trabajo esclavo, globos de colores para la ilusión de pegar el salto que los saque de una miseria que está pegada a sus cuerpos como una doble piel. Una escena cargada de latas, botellas vacías, trapos viejos, desechos, una escenografía construida desde el desecho; una casilla que apenas alberga, una silla que sirve para soñar con lo diferente. Y toda la carga de prejuicio con que aliviamos nuestra conciencia: la promiscuidad, la violencia, el alcohol, la droga. Una infancia sin infancia, una maternidad sin sentimientos convencionales, que se expresa con desgano o con fiereza, que repite tal vez la propia. Las actuaciones logran involucrarnos en el presente de esos seres despojados, y hacernos sentir su dolor, y su frustración.

El corazón de la galaxia de Alfredo Macías Rubio y Kenia Abril Lara Ramírez (México) y dirección de Melina Milone (Argentina)11 - EDIE 2017 - Argentina

El EDIE presentó en esta edición una obra para toda la familia, y la misma contó con la aprobación del público. La historia presenta a un grupo de niñas y niños que comienzan un viaje muy especial para poder encontrar el corazón de la galaxia. Un viaje atravesado por aventuras y dificultades, entre estas últimas una supuesta realidad que intenta limitar a su imaginación.

Aquí hay faltas de Pedro Caroca y Wilker França  (Brasil) y dirección de María Laura Laspiur (Argentina)67 - EDIE 2017 - Argentina

Mayra Mucci le da carnadura a la joven que agobiada por las pérdidas que está sufriendo comienza a llenar los inevitables silencios con palabras a los pocos muebles que le quedan. Ausencias de lo material y de lo afectivo. Cómo seguir cuándo algo de la propia historia familiar también se va perdiendo, o mejor dicho se vende para poder afrontar un poco la crisis. El azar o el destino parecen jugarle una mala pasada pues la ha dejado en el limbo de la soledad. La actriz lleva adelante un monólogo donde a través de un problema íntimo, personal, de un relato donde la subjetividad está por sobre la objetividad de las acciones narradas, presenta de manera tangencial, una problemática que involucra a muchas jóvenes de su generación, que ven como lo cotidiana, la sobrevivencia por la vida de forma independiente, se ve acorralada por un sistema donde la precariedad del trabajo, nos lleva a la pérdida no sólo de objetos sino también de los sujetos que podrían contenernos, y de nuestra propia identidad que se va con ellos. En un escenario que se va despojando de a poco, el vaciamiento de sentido de una vida queda entre bambalinas, cubierto por mantas o telas que van produciendo la invisibilizaciòn de lo que junto a los sentimientos conforman nuestra propia personalidad.

El CLT Argentina, con el esfuerzo de sus miembros1 -reconocidos profesionales del quehacer teatral- que le ponen “el cuerpo”, lleva adelante un productivo intercambio con varios países latinoamericanos. En la confluencia de una perspectiva regional que se construye a partir de precisas líneas de acción2:

Circulación: enfocada en el intercambio permanente de obras y creaciones teatrales, mediante el desarrollo de circuitos, giras, encuentros, y festivales que permiten y estimulan la circulación de obras teatrales latinoamericanas en el continente.

Investigación y Formación: enfocada en el intercambio permanente de conocimientos y experiencias de los teatristas latinoamericanos, a través de actividades como talleres, seminarios, ponencias, mesas de conversación, entre otros. 

Integración: del arte teatral y sus profesionales con la sociedad y sus diversas áreas. Su modo de acción consiste en la vinculación con organizaciones sociales que ven en el teatro una herramienta capaz de aportar en el desarrollo integral de sus proyectos. 

La mejor forma de visibilizar la actividad de autores y directores emergentes de nuestra querida región. Las obras nacionales que se estrenaron en Brasil, Chile y México fueron: Espiritismo de Tobías Cortés; Canavero de Judit Anabela Gutiérrez y Ugó, breve tragedia futurista de Paula Santamaría.

Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2018

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Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2018

Timbre4 se prepara para recibir a la 6ta edición del TABA

7 países, 37 funciones, 11 espectáculos y 1700 entradas a la venta

Azucena Ester Joffe

El jueves 7 del presente mes se presentó en el bar de Timbre4 la programación detallada de la próxima edición de TABA 2018, a realizarse del 1 al 11 de Febrero. En una amena y distendida merienda la presentación estuvo a cargo del equipo de Timbre4 / TABA. Como ya es habitual contará también con el clásico Torneo de dramaturgia, entre otras actividades. Las entradas1 se pueden adquirir vía la web: www.timbre4.com

Claudio Tolcachir, con unas breves palabras, nos dio la bienvenida a todos los medios presentes y comentó sobre la búsqueda para hallar la mejor forma de festejar los 15 años del teatro: seguir apostando a realizar cosas distintas, generando nuevos proyectos y abriendo el espacio para todos aquellos que quieran participar. Nada más oportuno que comenzar el año con esta 6ta edición, con nuevos cruces en la participación de los diferentes países que originan, a su vez, los talleres.

El equipo recordó que Temporada Alta comenzó con obras catalanas y luego se fueron incorporando otras regiones a lo largo de las ediciones. El punto de contacto entre las propuestas escénicas es compartir el mismo espíritu que tiene Timbre4 en la forma de producir y difundir teatro a partir de la multiculturalidad. Las obras programadas viajarán por cuatro ciudades –Girona, Lima, Montevideo y Buenos Aires; será un recorrido atrayente para todos los elencos pues el itinerario se basa en las relaciones humanas establecidas en esos sitios. Un circuito que comenzó a partir del vínculo entre el Festival de Temporada Alta y Timbre4 y que, dentro de las mismas producciones, contiene dos líneas curatoriales: la del equipo catalán y la del argentino. Este último lleva a cabo la búsqueda de una sólida programación sólida latinoamericana, con el objetivo de armar una red de espacios con proyectos lúcidos desde una mirada contemporánea. El Torneo de dramaturgia transatlántico, como en años anteriores, es el cruce entre autores y actores, catalanes y argentinos, que deberán leer un texto de formato breve ante el público presente, con la particularidad que sólo tendrán dos horas para preparar el correspondiente round. Luego, mediante la votación popular, se determinará el campeón y subcampeón, promoviendo de esta forma el contacto entre dramaturgos de diversas culturas. Realizar este Festival en febrero no desalienta a sus organizadores sino que, por el contrario, para ellos es la mejor forma de ubicarse como equipo de hacedores teatrales en un lugar especial, dentro del mapa teatral porteño, para contar algo distinto como es TABA. Un intercambio artístico en pleno verano argentino que se viene realizando con muy buena recepción, aunque el año pasado disminulevemente debido a la coyuntura de nuestro país, pero la apuesta actual es ir por el 100%. Un acontecimiento escénico que se realiza de forma independiente y cuenta con el esfuerzo de todos los que intervienen. El equipo a cargo del Festival también comentó que en el 2018 se podrá participar de los tres workshops, además se suma un espacio de conversación e intercambio post-función y que ya cuentan con un afiche de difusión que unifica a las ciudades participantes.

Programación TABA 2018

Ramón no es nombre para un gato blanco (España / Badajoz) Una historia de contrasentidos grotescos

Interpretación y dramaturgia: José Antonio Lucia. Dirección: Pedro Luis López Bellot. Foto y video: Félix Méndez. Producción: Murática Teatro. Duración: 70’.

Cosas que se olvidan fácilmente (España / Cataluña) Un juego de cartas convertido en un montaje teatral para cinco espectadores

Creación, dirección e interpretación: Xavier Bobés. Vestuario: Antonio Rodríguez. Producción: Xavier Bobés y el Festival TNT- Terrassa Noves Tendències. Colaboración: L’Animal a l’Esquena. Duración: 90’.

PLUJA (España / Cataluña) Música, títeres, gesto y teatro visual. Un espectáculo íntimo y cercano

Intérpretes: Guillem Albà – Clara Peya. Creación: Marc Angelet, Andreu Martínez, Clara Peya – Guillem Albà. Dirección: Guillem Albà. Dirección musical: Clara Peya. Dramaturgia: Marc Angelet. Coreografía: Ariadna Peya. Duración: 40’.

Psicosis de las 4.48 (España / Cataluña) Anna Alarcón, Mejor actriz Premio BBVA de teatro 2016

Autora: Sarah Kane. Traducción: Anna Soler Horta. Actriz: Anna Alarcón. Dirección: Moisès Maicas. Producción: The Three Keatons. Duración: 80’.

Solo una actriz de teatro (Uruguay) Estela Medina, discípula de Margarita Xirgu

Texto: Gabriel Calderón. Dirección: Levón. Intérprete: Estela Medina. Escenografía y luces: Claudia Sánchez. Vestuario: Soledad Capurro. Banda Sonora: Fernando Condon. Dirección adjunta: Homero González Torterolo. Dirección técnica: Claudia Sánchez. Producción artística, dramaturgismo: Laura Pouso. Producción general: Laura Pouso. Duración: 70’.

Savia (Perú) Explotación, pueblos indígenas, tortura y capitalismo

Elenco: Leonardo Torres Vilar, Patricia Barreto, Cindy Díaz, Evelyn Allauca, Alejandra Bouroncle, Fiorella De Ferrari, Ricardo Velásquez, Luis Sandoval, Antonieta Pari. Dramaturgia: Luis Alberto León. Versión y dirección: Chela De Ferrari.

Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar (México) Versión a partir de Las Criadas de Genet

Intérpretes: Diana Magallón García – Mari Carmen Ruiz. Dirección: Damián Cervantes. Compañía: Vaca 35, Teatro en grupo. Duración: 50’.

Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar (México) Creación teatral desde Tres Hermanas de Chejov

Creación colectiva: Vaca 35 Teatro en Grupo. Dirección: Damián Cervantes. Producción ejecutiva: Sergio Ecatl. Producción: Vaca 35 Teatro en Grupo. Intérpretes: Mari Carmen Ruiz, Damián Cervantes, Gabriela Ambriz, Diana Magallón, José Rafael Flóres, Héctor Hugo de la Peña. Duración: 60’.

Pompeya (Chile) Marginación, migrantes y discriminación

Dirección e idea original: Rodrigo Soto. Dramaturgia: Gerardo Oettinger. Elenco: Guilherme Sepúlveda, Rodrigo Pérez, Gabriel Urzúa, Gastón Salgado. Diseño sonoro: Daniel Marabolí. Diseño integral: Gabriela Torrejón. Producción: Alessandra Massardo. Duración: 90’.

El Cruce (Argentina) Adaptación del cuento homónimo de Sebastián Borkoski y relatos de Horacio Quiroga

Actúan: Juan Kohner, Toño López, Andrés Main. Dirige: Gabriela Trevisani. Dramaturgista: Valeria Folini. Luthierías y objetos: Jani Toscano. Asistencia coreográfica: Juancho Capurro. Diseño de luces: Teatro del Bardo. Vestuario: Laly Mainardi. Fotografía: Felipe Toscano. Diseño gráfico: Eva Cabrera. Duración: 50’.

Reparar a los vivos / Réparer les vivants (Francia) Adaptación de la novela de: Malas de Kerangal

Adaptación, puesta en escena e interpretación: Emmanuel Noblet. Producción: Centro Dramático. Nacional de Normandie – Rouen. Duración: 90’.

A partir de este interesante encuentro teatral comienza la temporada de Timbre4 con una completa programación que incluye veintitrés obras durante el 2018. Estrenos y reposiciones, incluyendo algunas producciones propias, con una clara propuesta de generar nuevos públicos y de encontrar novedosas formas de difusión para llegar a todos los sectores. Porque “el teatro hace bien” y, en especial, en los difíciles momentos que estamos atravesando como sociedad.

Timbre4 es una casa y la casa es una escuela y la escuela es un teatro. Y cumplir 15 años es una Fiesta2

Marisol Cambre: prensa@marisolcambre.com.ar

Información y redes

Web: http://www.timbre4.com

Facebook: /teatrotimbre4

Instagram: teatrotimbre4

Twitter: @TeatroTimbre4

Hashtag: #disfruTABA

1Preventa: todas las obras a $200.- hasta el 31/12/2017 [según el material entregado de Prensa]

2Idem

 

Todo tendría sentido si no existiera la muerte de Mariano Tenconi Blanco

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Todo tendría sentido si no existiera la muerte de Mariano Tenconi Blanco

Tiempo de revancha

todo tendría sentido1Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La puesta de textualidad y dirección de Mariano Tenconi Blanco Todo tendría sentido si no existiera la muerte, nos lleva desde la mejor teatralidad a comprobar como los temas que nos atraviesan profundamente pueden ser elaborados desde lo artístico sin olvidar el humor, y la propia absurdidad que la vida posee. El sentido de la vida, que es la otra cara de por qué y para qué debemos morir, es el núcleo duro de su propuesta, el otro es el azar, lo imprevisto. La muerte, si bien es la única certeza que nos acompaña desde que nacemos, encierra dentro sí el enigma del cuándo y el cómo lo inevitable sucederá. Un pueblo, una familia, madre, hija y tía, una amiga peculiar que ingresa a la vida de la primera en el momento exacto de la necesidad de abrir el campo de mirada y darle a su rutina una nueva epifanía; el deseo atravesándolo todo, pero no por lo sexual solamente, sino por el cumplir un sueño que parece imposible, antes de que ya no se pueda desear nada más; el hombre que lo hará posible, y la complicidad de todos para darle a ese último tiempo la ilusión de no esperar sin revancha el camino final. La metáfora de la filmación de una película porno pero diferente, porque contiene un relato romántico, también nos habla del proceso curativo del arte para el alma, mediante la búsqueda de una creación que nos produzca un mundo distinto, siendo nosotros los hacedores del mismo, como pequeños demiurgos que se oponen al otro libreto, ese que no podemos modificar. 000167975

Con una estructura que parece una comedia de enredos, donde las confusiones esconden los miedos, la intriga se va desarrollando en la extensión temporal de tres horas, dividas en dos partes con un pequeño intervalo que nos prepara al cambio de clima que va a sucederse tras la pendiente del final. Una segunda parte que tal vez debería concentrar la tensión, o que tal vez no lo haga, para ir dejándonos ir hacia lo seguro, pero con la caricia de un tiempo de preparación. Todo sucede en un solo espacio, el comedor de una casa de clase media, decorada en blanco y verde, no es casual, el verde es la vida, y es el color de la esperanza que nunca se abandona, cuando se tiene un contexto contenedor como el amor y la amistad. Porque también la puesta es un canto a la amistad; todos los personajes conforman finalmente, en el acto de ese deseo que no es de todos, pero que todos quieren cumplir para…una cofradía dispuesta a las acciones más disparatadas para lograrlo. En ese espacio único, se produce el torbellino de la vida, metáfora de que no es el contexto el que debe modificarse, sino nuestra forma de relacionarnos con él lo que va a marcar la diferencia. Las actuaciones son excelentes, en ese tempo medio que nos lleva de la mano de la tragedia sin melodrama, sin golpes bajos, sin dramaticidad sino con la lógica común de la vida que cíclicamente se sucede entre el nacer y el morir. Como decía Beckett en Esperando a Godot: “A caballo entre una tumba y un parto difícil” (2003: 104).

Esta obra se estrenó marco de la 11va edición del FIBA en el Centro Cultura R. R. Rojas, el 6 de octubre.todo tendría sentido2

Ficha técnica: Todo tendría sentido si no existiera la muerte de Mariano Tenconi Blanco. Con: Lorena Vega, Maruja Bustamante, Andrea Nussembaum, Juana Rozas, Bruno Giganti y Agustín Rittano. Escenografía: Oria Puppo. Vestuario: Cecilia Bello Godoy y Johanna Bresque. Iluminación: Matías Sendón. Coreografía: Jazmín Titiunik. Musicalización: Mariano Tenconi Blanco. Música original compuesta por Ian Shifres e interpretada por Francisco Garat (guitarra), Arístides Prando (saxo) e Ian Shifres (teclados). Fotografía: Sebastián Freire. Arte en fotografía: Mume Boskovich. Diseño Gráfico: Gabriel Jofré. Prensa: Luciana Zylberberg / [El Cultural San Martín. Coordinación de montaje: Mariana Mitre. Producción general: Carolina Castro. Asistencia de escenografía: Florencia Tutusaus. Asistencia de vestuario: Elisa D’Agustini. Asistencia de iluminación: Sebastián Francia. Asistencia de producción: Eugenia Tobal. Meritoria de dirección: Ana Schimelman. Asistencia de dirección: Maxi Muti. Dirección: Mariano Tenconi Blanco. El Cultural San Martín: sala Muiño. Duración: 180’ con intervalo.

Centro El Cultural San Martín, CABA: domingo, viernes y sábado – 20:00 hs -del 20/10/2017 al 12/11/2017.

Comedia de la Provincia, La Plata: viernes y sábado – 20:00 hs -del 17/11/2017 al 09/12/2017.

Bibliografía:

Beckett, Samuel, 2003. Esperando a Godot. Buenos Aires: Editorial Sol90. Colección Premios Nobel.

2666 de Roberto Bolaño

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2666 de Roberto Bolaño

Adaptación de Julien Gosselin

Un oasis de horror en medio de un desierto de aburrimiento (Charles Baudelaire)1

fiba simon_gosselinAzucena Ester Joffe

La megapuesta en escena de 2666, bajo la dirección Julien Gosselin, fue el cierre perfecto para la 11va edición del FIBA. El Festival se desarrolló entre el 5 y el 21 de octubre, pudimos disfrutar de obras internacionales y nacionales junto a talleres, charlas con los creadores, ciclo de cine, presentaciones de work in progress, también de libros y otras actividades gratuitas de teatro, danza, música y artes visuales.

2666 es una obra que despertó mucha expectativa por su duración (once horas y media), y fue “apostar a la experiencia en sí misma”2. Es la impactante y perfecta adaptación de la novela homónima de Roberto Bolaño. El joven director francés viene cosechando aplausos desde su presentación en el Festival de Avignon 2016, junto a los intérpretes de la compañía Si Vous Pouviez Léchez Mon Cœur (Si pudieras lamer mi corazón). Por otro lado, es indiscutible el reconocimiento al escritor chileno, considerado por muchos como uno de los grandes autores hispanoamericanos del siglo XX. La decisión de Julien Gosselin fue respetar los cincos libros de la novela póstuma separados por cuatro intervalos. Realmente todo un desafío para cualquier espectador:

Parte de los críticos”: cuatro críticos de diferentes nacionalidades inician una relación de amistad por su objeto de estudio: la obra del escritor alemán Benno von Archimboldi. Esta pasión los lleva a Santa Teresa, México, donde hay indicios de que podría encontrar aún con vida al autor.

Parte de Amalfitano”: Oscar Amalfitano es un profesor de filosofía que llega a la Universidad de Santa Teresa con su hija, pero comienza a sufrir ciertos síntomas de trastornos mentales mientras su hija mantiene una relación amorosa con un ser despreciable de esa localidad.

La parte de Fate”: una periodista afroestadounidense es enviada, no de forma azarosa, para cubrir supuestamente una pelea de boxeo cuando en realidad debe realizar una entrevista en la cárcel de máxima seguridad. El temor que la joven siente la lleva a relacionarse con un periodista deportivo mexicano.

Parte de los Crímenes”: son los datos duros de los asesinatos según la investigación de un policía, presentados de forma cronológica. Anotaciones precisas de cada víctima: el nombre y la edad cuando se pudo reconocer el cuerpo, los resultados de la autopsia, el lugar y cómo fue hallada esa mujer, casos en los que nadie reclamo el cuerpo,…

Parte de Archimboldi”: retomando la búsqueda inicial del escritor alemán, quien en realidad se llamaba Hans Reiter, recorremos parte de su carrera militar en el Frente Oriental durante la Segunda Guerra Mundial.

No es la intención de esta nota abarcar esta descomunal obra, sólo intentaremos resaltar algunos de los principales recursos o elementos escénicos que captaron nuestra atenta mirada a lo largo de su desarrollo.2666

El inicio, mediante la utilización de la voz over, nos ubica en la ciudad Santa Teresa (en alusión a Ciudad Juárez), y no por casualidad en el limite con los Estados Unidos, donde los brutales femicidios no cesan. Es la puesta en escena de la extrema violencia constitutiva de una sociedad sumida en la droga y el alcohol. Si bien todos conocemos el núcleo duro de la historia, una realidad atroz que parece estar naturalizada por los gobiernos a ambos lados de la frontera, es imposible no sentir cierta opresión ante la intensidad visual y auditiva del relato. En la primer Parte, en el espacio amplio escénico observamos solo a cuatro académicos entre los elegantes sillones Le Corbusier, pero luego los momentos muy bien logrados de suspenso desembocan necesariamente en el horror y en la interpelación al espectador en tanto sujeto social que somos. Y de este modo hacernos recuperar nuestra memoria social. Manteniendo la estructura y el hilo narrativo de la novela, la escritura escénica genera una impresionante experiencia cinematograficamente teatral con una clara decisión estética la excelente iluminación con elementos expresionista, claro oscuro / luces y sombras remarcando los excesos; encuadres minuciosamente estudiados, grandes pantallas, primeros planos y movimientos de cámara en mano hiperlentos; la duplicación de algunas escenas en el espacio escénico con las proyecciones de forma simultánea; la impactante música electrónica en vivo que va in crescendo, con una intensa función dramática que genera cierta atmósfera amenazante; el impecable vestuario y accesorios a lo largo de la obra; …

El dispositivo escénico grandilocuente” se desplaza constantemente y puede cambiar, transformar el espacio lúdico de tal forma que parece deglutirnos -Santa Teresa, Londres, Barcelona,… Espacios privados y públicos, una prisión o un hotel, no importa porque más allá del artificio -como los considerables receptáculos transparente que por momentos ocultan parcialmente su contenido los distintos espacios se multiplican en medio de un clima asfixiante, de presencias y ausencias.

Un sólido elenco que representa a varios personajes, le otorga a cada uno la intensidad particular que requiere la situación dramática. Con cada intervención o desplazamiento, con la gestualidad o las inflexiones de la voz, construyen una corporalidad violenta que habita el espacio. Todos los sistemas significantes encastran perfectamente en un hecho escénico sin fisura y que logra atrapar al espectador a lo largo de casi 12 horas. Un acontecimiento teatral de larga duración donde las potentes imágenes visuales y auditivas tienen una dinámica de fuerza centrípeta poco habitual. Esta energía escénica deja instalada la pregunta desde su inicio: ¿qué es real y qué es ficción? La violencia, institucional y doméstica, junto al miedo que devora las entrañas de las jóvenes obreras/maquilladoras, por un lado, y la impunidad de un machismo incomprensible y exacerbado, por el otro, constituyen las dos caras de la misma sociedad en nuestro actual siglo XXI. Quizá el título cuenta del doble horror por todos conocido: primero el 2 -Auschwitz y Ciudad Juárez- y sus tres últimos dígitos, 666, el número que relacionamos con el diablo, con la bestia. Podríamos pensar que 2666 es una experiencia visceralmente violenta, que no le permite al público aburrirse y, a su vez, le hace sentir a flor de piel la fragilidad que produce la desmesura de la violencia contemporánea.fiba simon_gosselin_0

Ficha técnica: 2666 de Roberto Bolaño. Compañía: Si Vous Pouviez Lécher Mon Coeur. Adaptación y dirección: Julien Gosselin. Elenco: Rémi Alexandre, Guillaume Bachelé, Adama Diop, Joseph Drouet, Denis Eyriey, Antoine Ferron, Noémie Gantier, Carine Goron, Alexandre Lecroc-Lecerf, Frédéric Leidgens, Caroline Mounier, Victoria Quesnel y Tiphaine Raffier. Creación y dirección musical: Rémi Alexandre y Guillaume Bachelé. [Diseño de escenografía: Hubert Colas] Diseño de iluminación: Niko Joubert. Diseño de sonido: Julien Feryn. Diseño de video: Jérémie Bernaert y Pierre Martin. Diseño de vestuario: Caroline Tavernier. Teatro San Martín: sala Martín Coronado. FIBA: 20 y 21 de octubre de 2017.

1Epígrafe al comienzo de la novela.

2El director del FIBA, Francisco Irazábal declaró a la Nación que “no quería sólo obras en salas y sí apostar a la experiencia en sí misma”. http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com.ar/2017/10/fiba-2017-modo-de-analisis.html [30/10/2017]

Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017

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Bienal Arte Joven Buenos Aires

El 12 de junio se realizó el anuncio oficial de los bienalistas 20171

230 obras y proyectos fueron seleccionados entre más de 6600 postulaciones para participar de la Bienal Arte Joven Buenos Aires.

800 artistas integran los equipos de las obras y proyectos participantes en cinco disciplinas: Artes escénicas, Artes visuales, Artes audiovisuales, Música y Literatura.Grupal Bienalistas 2017 - Foto gentileza prensa Bienal Arte Joven Buenos Aires

SELECCIONADOS EN ARTES VISUALES

Proyecto de artes visuales a desarrollar con tutoría de Patricio Larrambebere, Lara Marmor y Marcela Sinclair. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Ángeles Ascúa – Piel de empedrado corazón de leche y de trigo

Lil Limen y Julián Solís Morales (Grupo Karicia) – Compañía naviera del Litoral S.A.

Santiago Delfino – Simiente

Alfredo Frías – Apuntes visuales para la reconstrucción de una historia negra

Nacha Canvas – Hiel de Buey

Ramiro Quesada Pons – La imagen real

Artistas visuales. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Santiago Delfino –El nombre es un arma

Ale Moreyra – Última llave

Franco Basualdo – Al estado más pesado no le flamea la bandera

Beto. – Nuevo orden

Lucía Delfino – La promesa de lo efímero

Santiago Colombo – Percepción

Jimena Mariel Travaglio – Sin título, de la serie “Reliquias”

Antonella Agesta – Deliciosa

Verónica Madanes – l virtuosismo me deprime

Vil Schulman – Asamblea general

Federico Roldan Vukonich – Izemberg

Alfredo Frías – Queso presente

Rocío Englender – Sin título

Mayra Vom – Sin título

Lucas Ardu – Cuerpo Nº2, de la serie “La oscilación de los cuerpos”

Valentina Ansaldi – Gran circo de Moscú

Ariela Bergman – Guardo mercurio suelto

Esteban Martínez – Sin título, de la serie “Ejercicios de supervivencia”

Rodolfo Sousa – Copia Académica

Nani Lamarque – La evaporación del encanto

Ivo Aichenbaum – Diario internacional: la acción de la historia

Julia Padilla – Sin título

Santiago Licata – Cosa portal o la vista tonta

Lucas Federico Tula – Pareja de murciélagos y su primera casa en el conurbano

Micaela Piñero – Lucha

María Candelaria Traverso – Trayectos del MADE IN

Hernán Aguirre García – Ejercicios sobre la autoportancia

Lucas Fiorucci – Sin título

Manuel Aja Espil – Level Up

Camila Carella – Sin título

Nazareno Pereyra –Antihorariodomini

Magdalena Petroni – Sin título

Sasha Emanuel Minovich – Sonda Voyager

Jazmín Giordano – Autogestión del cariño

Andrés Piña – Piel quemada

Celeste Rojas Mugica – Una sombra oscilante

Santiago Hernández – Error: Infinito

Eloy Mengarelli – ¿Y si alguna vez fuimos tan fuertes?

Malcon D’Stefano – Patriota

Ramiro Achiary – El ojo frío que todo lo ve, y el tejido onírico de lo imposible

Leonardo Adán Vallejo – Retablo federal

Manuel Baigorria – Retrato de las hojas

Mara Verena – Un fuerte (contra todo lo que yo misma)

Gonzalo Maciel – Experimentos con cielos

Cindy Mamani – Mímesis total

SELECCIONADOS EN ARTES ESCÉNICAS

Proyecto de obra de teatro, danza o interdisciplina a desarrollar con tutoría de Andrea Servera, Luis Cano y Rubén Szuchmacher. En teatro musical: Pablo Gorlero, Joaquín Bonet y Martín Bianchedi. Se presentarán en los teatros: El extranjero, Elkafka, Beckett, TIMBRe4, Abasto social Club, El Picadero y La Comedia.

Macarena Orueta – Los imitadores (Interdisciplina)

Juan Cruz Forgnone – El canto invisible (Teatro)

Bianca Lerner – Ninfa (Interdisciplina)

Franco Calluso – Ruido blanco hielo (Teatro)

Ezequiel Salinas – Cosas que pasan cuando le hablás a un desconocido en el aeropuerto (Interdisciplina)

Valeria Polonera – Anomalía (Daza)

Andie Say, Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira – Mamá está más chiquita (Teatro musical)

Matías Prieto Peccia, Mariel Velez y Vanesa Butero – No me digas que ya se (Teatro musical)

Artistas escénicos. Se presentarán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Tadeo Pettinari – En la piel

Gastón Guanziroli – Breve relato sobre una mujer que va a la fiesta de cumpleaños de su ex y termina adentro de una botella

Nacho Bartolone – La piel del poema

Nicolás Blandi – Lágrimas de pez

Jorge Dreschler – Madorrán

Lucas Martinetti – Toda historia de amor implica una muerte

Alberto Antonio Romero – Malviaje

Lisandro Outeda – El susurro de los bosques

Leandro Orellano – Mientras muero imagino huevos que se pudren

Pablo Sigal – Polite

Carla Grella – Homealone

Eugenia M. Roces – Destructivo de un desastre irruptivo

Martina Kogan y Lucía Disalvo – Fecha 5

Delfina Thiel – La Montón, Lucía García Pulles – La Montón – Samanta Leder – La Montón – El risco

Abril Lis Varela y Emannuel Palavecino – Las ganas

Martina Schvartz y Violeta Danzinger – Carretera

Marysol Benitez – Posmo

Victoria Delfino – Mostra

Agostina Luz López – Los milagros

Iván Haidar – Lugar monstruo

SELECCIONADOS EN ARTES AUDIOVISUALES

Proyecto de serie web a desarrollar con tutoría de Florencia Clerico, Javier Zevallos y Santiago Melazzini. Los estrenos se realizarán en el Centro Cultural Recoleta y luego estarán disponibles de forma completa en la web de la Bienal.

Cecilia Pisano, Martina López Robol y Iair Said – Emilia Envidia

Nahuel Billoni Ahumada y Maitena Minella – Minga

Ignacio Del Campo Ituregui, Camila Peralta, Ailín Zaninovich, Cecilia Marani y Giselle Fernández – Protagonistas

Directores audiovisuales con un corto terminado y un proyecto en desarrollo. Sus cortos se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Juan Renau – Incendio/Rescate

Jerónimo Quevedo – Enfrentar animales salvajes

Santiago Reale – Esta es mi selva

Milton Secchi – Donde no hay nada

Tatiana Mazú González – Hay una foto que no entendí

Micaela Gonzalo –Toda mi alegría

Mariana Sanginetti – Antes de irme

Ramiro Bailarini – No aflojes Miriam

Manque La Banca – Los 7 perdones capitales: 3. El futuro

Melina Gutman – Miscelánea familiar

Cinthia Konopacki – Colonia delicia

Gala Negrello – La isla

Julieta Seco – dónde estás en el futuro?

Pavel Tavares – Alexander

Manuel Embalse – Eliminar videos

Juan Bobbio – La fiebre que espera despertar

Inga Valencic – Pandora

Lautaro García Candela – Carta a Lara

Juan Manuel Ribelli – Huesitos de pollo

Carla Finco – Desquicies

SELECCIONADOS EN LITERATURA

Proyecto de novela breve a desarrollar con tutoría de Marina Mariasch y Hernán Ronsino. La clínica de obra se realizará en el Centro Cultural Recoleta. De entre todos ellos se seleccionará uno que será publicado por la editorial Entropía.

Natalia Rozenblum – Baño de damas

Rodolfo Omar Serio – Los machos se duermen primero (o el día en que Julie Andrews casi se afilia al Partido peronista)

Corina Bistritsky –Arambasic

Nicolás Ferraro – El cielo que se aleja

Agustina Massa – La virgen de los helados

Carolina Romano – Sirio B

Jazmín Carballo – Todos somos vos

Julieta Yanel Salman – Labio partido

Martín Jali – Las luces intransferibles

Tomás Schuliaquer – Una flor que allá no existe

Lucía Rud – Buenos Aires y otros países

Matías Bounfrate – Constantino

Eric Barenboim – Suárez en Kosovo

Nubia Bado – Invasión en el Abasto

Santiago Pérez Izquierdo – Yisuerí

Valentina González Nucci – Fallecimiento presunto

Escritores con cuento o poesía. Se publicarán dos antologías, una de cuento por Eterna cadencia y otra de poesía por Editorial Mansalva.

Mariana Komiseroff – Ladrillos impares

Nahuel Repetto – Carta de mamá

Micaela Gonzalo – La casa de Cristina

Miguel Bruno – Como una rata

Guido Gamba – El distinto

Blas Rivadeneira – Taller literario

Martín Gonzalo Borches – Polígono

Juan Pablo Castro Brunal – Tres hermanas

Martín Sporleder – El canto de la tierra

Santiago Clément – El manicomio

María Florencia Scaia – Enroscada

Franco Calluso – Los jabalíes

Santiago Molina Cueli – Criatura la

Mariel Leite Escobar – Laundry

Juan Agustín Otero – Después del penúltimo cigarrillo

Juan Ignacio Sapia – La experiencia Tracketk

Vanesa Pagani – Lo electrodoméstico

José Mariano Pulfer – Encuentros cercanos

Martín Jali – La nieve de los cuerpos

Juan Gabriel Miño – Leandra

Josefina Salazar – Ciudad Pampa

Gabriela Clara Pignataro – El lapacho es la imagen de la furia

Laura Junowicz – Demolición.

Paula Andrea Galindez – Mater

Rita Chiabo – que lo sepa

Fernanda Mugica – El núcleo duro

Florencia Palacios – La memoria

Delfina Uriburu – Altar

Larisa Cumin – Lelo

Sofía LeBlanc – poemas

Diego de Angeli – poesía

Nicolás Ghigonetto – Gabriel Leivas

Alex Piperno – Los estándares de belleza en los pastizales

Juan Manuel Artero – Seudónimo Papaíto Piernaslargas

Micaela Piñero – En el río

Triana Leborans – leboransbienal

Joaquín María Zuaniche – Normal uno

Julián Berenguel – Barrio

Antonella Romano – Expansión

Julieta Troielli – La tierra que necesita una familia

Gustavo Yuste – Olor a sol

SELECCIONADOS EN MÚSICA

Bandas o solistas con tutoría de Matías Cella, Pablo Tevez Oliveti, y Mariano Esain. Las presentaciones se realizarán en el Centro Cultural Recoleta.

Ragazzas

La Femme D’Argent

Candelaria Zamar

Trostrigo

Nahuel Briones

Fenna Frei

Anamoli

Billy Zabaleta

QOME

Pandelindio

Las sombras

Translucido

Juan Izkierdo Grupo

EMEVE

Aleph, Fitzca, Camadour,

Pablo Enelotromundo

Gaby Améndola Trío

Polandria

Loto

Ankamora

Solentina

Galácticas Mareas

El Zar

Nidos

Agustín Donati

 SELECCIONADOS PEDALÚDICO

Convocatoria a artistas de todas las disciplinas para participar de una residencia de creación e investigación en la cual se desarrollarán una o varias obras que utilizarán el sistema de bicicletas de proyecto PedaLúdico.

Joan Benito Britez

Erika Ortiz Díaz

Aldana Olivello

Lucía Pedrón

Marcos Martínez

Santiago Colombo

Carolina Casquil

Martín Aranda

W:buenosaires.gob.ar/labienal

Fb: /LaBienalBA

Tw: @LaBienalBA

In: /labienalba

Más información, pedido de notas y material para prensa: prensalabienal@buenosaires.gob.ar

Marisol Cambre | Antonela Santecchia | Valeria Marcovecchio

1Según gacetilla de Prensa

Festival Temporada Alta 2017

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Festival Temporada Alta 2017 [IV]

unnameden Timbre 4 (4 al 16 de Febrero)

Chile-Argentina / Argentina

Azucena Ester Joffe

Esto se iba a llamar proyecto Chejov (Work Sin Progress) de Felipe Rubio (Chile-Argentina)

La originalidad consiste en volver al origen (A. Gaudi)

El director y actor chileno radicado en nuestro país, Felipe Rubio, presentó en Timbre 4 una obra cuyo principio constructivo es lo autobiográfico y que él denomina “obra fallida”. Éste es su “primer trabajo completamente en solitario”, un relato de vida que rompe con la cuarta pared y en el cual los límites entre lo real y la ficción, entre la persona y el personaje, son difusos. El espacio escénico apenas iluminando de la sala Boedo es el marco perfecto para que el performer y autor relate su vida haciendo referencia a su pasado y en especial a la figura de su padre, a su presente en Buenos Aires y a los proyectos en un futuro cercano. La narración vívida tiene variantes en cada función y nos convierte en yoverista desde su inicio. Una intimidad ajena con puntos de encuentro con nuestra historia personal que nos moviliza, más allá de la teatralidad del monólogo. Las frases y los documentos proyectados sobre las paredes, la música, el video del padre realizando una comida mientras escuchamos algunas de sus vivencias, …, todo confluye de manera amena. Dando cuenta de la investigación de años y en soledad sobre sus orígenes -Irlanda, Estados Unidos, Chile y Argentina, a la cual se le van suman nuevos datos. Rubio se toma ciertas licencias y, por momentos, parece ser sólo el niño o el adolescente que nos introduce en sus recuerdos de manera espontánea y fresca. En otros, es el joven actor que cuestiona el anonimato de la sociedad globalizada y la forma en que algunos “espectadores” opinan en ciertos espacios en la web destruyendo un hecho creativo, sólo porque no supieron comprender cuál era el código y el material propuesto. Pero dónde quedan nuestras raíces, sueños e ideales y nuestros verdaderos amigos ahora que nuestra cotidianidad está mediada por la “realidad virtual”. Esta obra es el resultado de la residencia que realizó en el Espacio Granate, y más allá de las relaciones familiares, es “el intento desesperado de volver a algún origen para poder continuar… ¿Continuar con qué? ¿Cómo continuar? ¿Cómo continuar el deseo creativo? ¿Se acabaron las ideas?… ¿Cuánto hay de ficción en nuestras vidas?”1 Una performance emotiva, sin golpes bajos, que “actualiza” la necesidad innata de todo mortal de estar vivo, de tener el sentido de pertenencia y de sentirse amado.Chile - Esto se iba a llamar Proyecto Chejov

Ficha técnica: Esto se iba a llamar proyecto Chejov (Work Sin Progress) de y por Felipe Rubio. En video: Rodolfo Rubio. Audiovisuales: Lucas García. Fotografía: Ana Luccia Chiarello, Enrico Piccirillo, Felipe Rubio. Asistencia técnica: Victoria Bello, Emilia Rebottaro. Producción: Teatro The Naidens Compañy, Espacio Granate, Plataforma Lodo. Colaboración general: Victoria Bello, Emilia Rebottaro. Supervisión: Paula Herrera Nóbile. Dirección: Felipe Rubio. Sala Boedo. Duración: 60′.

Rey Lear de Rodrigo García (Argentina)

Cocinar acusaciones. Cultivar lamentos. Sazonar crímenes. Mechar rencores.

Degustar traiciones. Asar delitos. Aromatizar denuncias…

La multiplicidad de sentidos en las puestas en escena de Emilio García Wehbi es constitutiva de su particular estilo, donde se fusionan la creación y el acto político. Rey Lear es una propuesta performática que nos interpela desde su inicio para transformarnos, sin previo aviso, en sujeto espectador. La dupla García / Wehbi es por demás explosiva, a nuestro entender, pues ambos comparten esa búsqueda constante entre la experimentación crítica y el cuestionamiento a lo establecido, legitimado, en el quehacer teatral y en la sociedad. La escritura dramática y la escritura escénica parecen ser producto de un oráculo contemporáneo, cuyo enigma plantea la ambigüedad y lo siniestro en ciertas relaciones humanas -como el mandato paterno y la herencia, el desprecio por la vejez, la soledad, la locura del poder y la ambición desmedida, … Es difícil definir esta propuesta escénica, quizá podríamos pensar en una performance de acciones, necesaria para exorcizar los demonios producidos por la sociedad globalizada.

Al ingresar a la sala la obra nos deglute; en el amplio espacio lúdico todo está exhibido y satura nuestra mirada: el elenco con el vestuario adecuado para convocar el clásico shakesperiano que rápidamente será descartado, además observamos instrumentos musicales y micrófonos, una gran mesa o tarima, … Y lo más llamativo es que a ambos laterales están terminando de cocinar y decorar distintos platos, como si en alguna “escena” hubiese un brindis o un festejo, mientras se van lavando los utensilios empleados. Nada más alejado a la instancia creadora:

El espacio escénico será el de una comilona, en donde se desatará una especie de “guerra de y por los alimentos”. De modo fuertemente paródico, utilizando la metáfora alimenticia como modo de narrar las relaciones humanas (sanguíneas, afectivas, sociales y políticas) se desarrollará la tragicomedia.2

Una obra profusa, compleja, provocadora y que incomoda al espectador desprevenido o aquel que intente encontrar y comprender la historia. Los performers de manera perfecta nos presentan a unos seres que son dichos por la fuerza y la violencia de las palabras. De esta solidez actoral destacamos la pregnancia de Maricel Alvarez, tanto en el plano físico como verbal / musical. De este modo, la acción performática hace estallar los límites del espacio y del tiempo por la potencia de los monólogos, de cada frase, que tienen el sello de la desmesura. El rey Lear, sus hijas -Cordelia, Regan y Goneril- y el bufón shakesperiano alternan entre lo existencial y lo político, la humillación de los débiles y la soberbia de los poderosos, …, provocando en este relato un grito violento -que nos recuerda a El grito de Edvard Munch- un grito desesperado producto de la “angustia existencial del hombre” del siglo XXI. Nuestra percepción queda aturdida y las butacas parecen no contenernos, pues al romper la cuarta pared desde el inicio de forma vertiginosa, nos sentimos como en diferentes sitios de esta incontrolable tempestad. Para nuestro respiro, el humor sarcástico y la expresión sensible también están presentes como las proyecciones en una de las paredes y las frases que son escritas en la pizarra, mientras los aromas culinarios confunden nuestros sentidos. Lo perfomático, corrosivo y devastador, nos produce un punzante e inteligente distanciamiento. Es una metáfora culinaria con sabor apocalíptico que plantea, en una dimensión cultural-ritual, la violencia sistemática ejercida sobre el cuerpo social.Argentina - Rey Lear

Ficha técnica: Rey Lear de Rodrigo García. Actúan: Maricel Alvarez, Anita Balduini, Cecilia Blanco, Camila Carreira, Mateo De Urquiza, Vanesa Del Barco, Federico Figueroa, Emilio García Wehbi, Pablo Seijo, Amalia Tercelán, Paula Trinanes. Vestuario: Belén Parra. Escenografía: Julieta Potenze. Iluminación: Agnese Lozupone.Video: Santiago Brunatti. Música y Sonido: Marcelo Martinez. Fotografía: Nora Lezano. Diseño gráfico: Leandro Ibarra. Asistencia artística y Producción ejecutiva: Julieta Potenze. Asistencia musical: Vanesa Del Barco. Asistencia de dirección: Paula Baró. Arreglos musicales: Marcelo Martinez. Coreografía: Marina Sarmiento. Dirección: Emilio García Wehbi. Sala México. Duración: 90′.

Participantes Torneo de dramaturgia 2017El jueves 16 de febrero finalizó la 5ta edición Festival Temporada Alta con una programación nacional e internacional que permitió disfrutar de distintas propuestas y realidades. Tanto las obras de Latinoamérica como las de España nos dejaron la agradable experiencia de disfrutar del buen teatro, a partir de la perfecta conjunción de todos los integrantes del quehacer teatral. En las dos semanas que compartimos en Timbre 4 no faltaron los eventos especiales, con entrada libre y gratuita:

* Torneo de Dramaturgia -Cataluña vs Argentina;

* Altos Workshops -de “Acciones físicas en el unipersonal” y de “Búsqueda y creación artística”;

* Ciclo Altas Mesas de conversación -“Nuevas orientaciones de la dramaturgia en el mundo; contemporáneo”, “Modelos de producción para las artes escénicas” y “El teatro independiente hoy”.

Este evento cuenta con el apoyo de: Institut Ramon Llull – Illenc – Acción Cultural Española (AC/E) – Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) – Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) – Embajada de España – Embajada de Chile – Centro Cultural Matta – Alternativa teatral. Festival declarado de Interés Cultural por el Régimen de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires

Prensa: Marisol Cambre

1Según el material entregado como programa de mano