Archivo de la categoría: Encuentros / Festivales

Abracadabra. Festival de Teatro Infantil de Buenos Aires

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Abracadabra
Festival de Teatro Infantil de Buenos Aires del 14 al 28 de julio
Vacaciones con teatro comprometido con el otro

AFICHE OK FINAL PARA IMPRESION-01Azucena Ester Joffe, María de los Angeles Sanz

En el Auditorio Belgrano con la presencia de su madrina Marcela Morelos y el anfitrión del evento Julián Weich, se realizó la presentación del Festival que se desarrollará en las semanas de vacaciones de invierno. La primera cantó dos canciones de su conocido repertorio a capella, y logró conectarse con su público, el formado por los niños, y por sus padres que siguieron con su voz los temas formando un improvisado coro. Un Encuentro que tiene como característica la presentación de tres obras por día, y que parte de la recaudación, el 20 % va a ser destinada a UNICEF. De los niños para los niños, sería la consigna válida para la concreción de los trabajos que se llevarán adelante

¿Dónde está el final feliz? formó parte de la inauguración del Festival. Una historia donde el final es abierto al espectador para que éste construya su propio final feliz; y donde además se rescatan valores como la amistad y la solidaridad. Como los organizadores afirman:

Abracadabra es una antigua palabra que significa “hablar es crear”. Queremos que este Festival sea un gran espacio de encuentro para toda la familia, para que puedan crear, jugar, emocionarse, compartir y reflexionar. Queremos que este Festival sea una oportunidad para conectarnos con la imaginación y que todos puedan animarse a descubrir el inmenso valor creador y transformador que tiene cada uno y su palabra.1

Abracadabra es entonces un acontecimiento que cumple dos funciones, las dos sociales dedicadas a un espectador niño, y a uno adulto que lo acompaña: entretenimiento y solidaridad.unnamed

Programación diaria:

11 hs. ¿Dónde está el final feliz?

15hs. La Batuta Mágica

17hs. Superheroes vs Zombies

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1Según programa de mano

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia [IV]

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia 

del 2 al 17 de junio de 2018

FestivalAzucena Ester Joffe

Dramaturgia para una exhibición descentralizada: El director del festival, Matías Umpierrez, comentó a propósito de este espacio en el cual se presentó parte de la obra de Nacho Iasparra, artista y fotógrafo argentino: “nos interesaba ver cómo su obra está atravesando todo el festival como así además el proyecto curatorial. Visualmente el trabajo de Nacho, con sus ‘estados emocionales’, construye distintas realidades y lo que proponemos es hacer una exhibición pero con dispositivos que usualmente no se piensan para tal fin. ¿Qué es ir a una exhibición? Si estamos en plena era virtual ¿por qué no hacemos con todos esos espacios virtuales un espacio de exhibición? Entonces, difinitivamente queremos que esa sección, sin lugar, sin territorialidad, y, a la vez, llena de espacios virtuales y físicos, termine de construir el marco central para presentar este festival”1.

Una propuesta por demás interesante donde cada programa de mano tiene un sentido autónomo. Imágenes que narran por sí solas, espacios de luz y sombras que generan en cada observador un punto de encuentro. Cada instante atrapado tiene una plasticidad poco habitual, el movimiento se genera en el cruce entre lo perceptivo y lo visual, cada fotografía contiene una energía casi invisible que con fuerza centrífuga excede los límites del soporte papel. La representación de “estados emocionales” a partir de la observación, una de las líneas de trabajo de Iasparra, quizá contiene cierta abstracción pero, indudablemente, la luz construye posibles sentidos. 6. FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia para una exhibición descentralizada

La 3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia concluyó con éxito, al igual que las dos ediciones anteriores, convocatoria que fue una invitación a cada espectador para que se atreviese a completar las diferentes experiencias más allá de cada disciplina. Un recorrido atravesado de manera acertada por el hecho artístico y la reflexión. En una sociedad donde las redes sociales imponen una relación diferente con nuestros afectos y nuestra cotidianidad, donde todo parece medirse a partir de la cantidad de “me gusta”, este festival a partir del lema “estados emocionales” ha sido muy atrayente. Artistas de distintos países (Alemania, Argentina, Brasil, Croacia, España, Finlandia, Francia, India, Líbano, Perú, Uruguay) fueron convocados para construir un entramado de diferentes realidades pero con un claro objetivo a partir de las expresiones artísticas.

Finalizado el festival, seguirán en nuestra cartelera porteña por doce semanas más las obras de teatro y por cuatro semanas más las de danza; pues la idea, desde la 1ra edición, es que los artistas puedan tener una presencia real en nuestra ciudad.

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Director & Curador: Matías Umpierrez. Producción general: Malena Schnitzer. Producción ejecutiva: Melisa Santoro. Producción intervenciones site specific: Florencia Orlando. Meritorios producción: Ezequiel Paredes, Cecilia Santos, Cintia Zaccolo. Prensa: Marisol Cambre. Redes: Berenjena Producciones. Diseño: Sergio Calvo. Programación Web: El Dodo

Más información: http://www.festivaldramaturgia.com.ar/

Facebook: Festival Internacional de Dramaturgia

Twitter: @festdramaturgia

Instagram: @festdramaturgia

El fantasma de la normalidad de Saara Turunen

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El fantasma de la normalidad de Saara Turunen (Finlandia)Festival

Vivir es quemar la vida, quemar esa vida cárcel que me sigue a donde quiera que vaya. Quemar la vida es vivir por y para una idea. Esa idea es muy concreta: hacer del querer vivir un desafío. Y eso se consigue utilizando el no – futuro como palanca, haciendo la experiencia de un nosotros, abriendo un mundo. Cuando estas condiciones no existen, el intento de desafío rompe nuestra vida. Una vida rota se rompe desde adentro, cuando nos hacemos imposible vivir. (…) una vida rota es aquélla que –porque no posee ningún proyecto propio – deja de funcionar para la movilización global y por eso no encaja en la realidad. Una vida rota, en tanto que es en ella misma un acto de sabotaje, es capaz de encender la noche. (Lòpez Petit, 2015, 122/23)

María de los Ángeles Sanz

La normalidad es el concepto de lo cotidiano, del consenso, es lo que la mayoría asume como el mito constituyente de su colectivo social. Es una singularidad aprobada por una pluralidad, que conforman subjetividades, y que señala el límite entre el bien y el mal, lo correcto y lo incorrecto, el deber ser y la marginalidad, y deja afuera la imaginación, la irracionalidad, el deseo. Vivir acechado por lo normal es una obsesión, una carga para aquellos que sueñan con el vuelo de los pájaros, y una forma de control para los que sienten el miedo a la diferencia, al otro que no sólo no es como nosotros sino que se atreve a demostrarlo. La pieza surrealista, que nos trae la dramaturgia de Saara Turunen desde Finlandia, apelando más a la imagen, y al cuerpo que a la palabra, nos ofrece una continuidad de cuadros que desmitifican los lugares comunes de una sociedad constituida a partir de la naturalización de las convenciones que la integran como tal. En un espacio homogéneo desde el color beige, en el piso, las paredes y el vestuario, la diferencia la marcan la música que surge del piso, una pantalla de televisor que transita el espacio, con imágenes de pájaros en bandada, en familia, o en soledad, el color verde del pino de Navidad, en el vestido de uno de los personajes, en la cabeza de loro que señala la diferencia. 2.1 FOTO NACHO IASPARRA - Teatro - El fantasma de la normalidad - Sebastián Kalt - FinlandiaLa sexualidad, en el matrimonio, o fuera de él, en la figura del lobo que acecha como lo prohibido, o en el deseo que se cumple en la individualidad de cada uno, y el rechazo por aquello que trasgrede los límites, son formas que existen, conforman la vida a pesar de la norma y de la manera de invisibilizaciòn presente. Las actuaciones mantienen una actitud distante entre sí, en su proxemia fría y en relación con un espectador que encuentra por momentos difícil acceder al código propuesto. La música propone un momento de distensión donde los cuerpos finalmente pueden salir de su corsé social y entregarse a un movimiento que les permite un halo de libertad posible. Los objetos se transforman funcionalmente, los jarrones son copas de champagne, el televisor es mesa, el mantel es velo de novia. Las máscaras son también no sólo ocultamiento de una identidad, sino cosificación y homogeneización de unos frente al distinto. Todo transcurre a través de una vida marcada por las secuencias de una vida programada desde el nacimiento hasta la muerte. La escena final, casi con el mismo sin sentido que todo lo demás, si se vive, se muere, y el dolor y el vacío que dejan los cuerpos ausentes es una jornada más en el encadenamiento de la vida. Hacia ese fin esperado, el reproche, las palabras no dichas, el amor escondido, o la ternura negada, se hace presente tarde cuando el destinatario ya no está. El fantasma de la normalidad, es una puesta en abismo de lo cotidiano, de nuestra propia existencia, a través de la geografía de los lugares comunes, de la simpleza de las cosas en las que creemos a partir de una reiteración que les da una lógica temporal, inestable, movediza y escurridiza pero que la sociedad sostiene con el avatar de sus cuerpos.

Bibliografía:

López Petit, 2015. Breve tratado para atacar la realidad. Buenos Aires: Tinta Limón. Colección Nociones Comunes.

Ficha técnica: El fantasma de la normalidad de Saara Turunen. Traducción: Luisa Gutiérrez Ruiz. Elenco: Josefina Boscaroli, Bautista Duarte, Benjamín Lahitte, Jorgelina Pérez, Guillermo Weiss. Escenografía: Sebastián Kalt. Video: Juan Pedro Yelpo. Asesoramiento técnico: Ariel Silvestre. Iluminación: Jorge Ferro. Vestuario: Lara Sol Gaudini. Asistencia de vestuario: Gabriela Muñoz. Realización de máscaras: Axel Caponi. Fotografía en gráfica: Nacho Iasparra. Dirección: Sebastián Kalt. Coproducción: Festival Internacional de Dramaturgia, TINFO, Nordic Drama Corner, Instituto Iberoamericano de Finlandia, El Cultural San Martín, Plataforma Fluorescente. Sala Alberdi.

 

Abnegación de Alexandre Dal Farra

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Abnegación de Alexandre Dal Farra

FestivalMaría de los Ángeles Sanz

Están en la calle, en el hall del Estudio Los vidrios, vestidos de negro, hombres y mujeres, nos esperan, de pronto tres tocan instrumentos y el resto compone un coro, una canción que habla de la sociedad y de nosotros o de ellos y nosotros. En la entrada un televisor nos recuerda luchas de obreros y estudiantes en las calles, proclamas y alegatos, una ayuda memoria para los presentes. Nos hacen pasar, y la sala está distribuida alrededor de una pequeña carpa de campamento. Las sillas, son ocupadas por una mixtura de espectadores ansiosos por saber que pasará y por los personajes en una dispersión que les permita ver y ser vistos, dialogar entre sí, ser escuchados y observados por todos. Una moderadora en una silla alta, va aportando un orden desde el interior de la puesta. La pieza viene de la mano del dramaturgo brasilero, Alexandre Dal Farra, la dirección es de Lisandro Rodríguez, el dueño de casa. Los personajes en una composición no convencional que rompe con el concepto al que estamos acostumbrados, entre la ficción y el documento. Como así están fragmentados el tiempo y el espacio. Los relatos se suceden, son íntimos pero en realidad son una metáfora de un todo, de un tiempo y una época que nos atraviesa, la era de la globalización, más allá de la modernidad, de la posmodernidad y el binarismo que representaban:

La época global, al ponernos frente al hecho de que “sólo hay un mundo solo”, acentúa más, si cabe, nuestra impotencia. La imposibilidad de hacer intervenir otro mundo hace muy difícil la crítica de este mundo. (López Petit, 2015, 30)2.3 FOTO NACHO IASPARRA - Teatro - Abnegación 3, de Alexandre Dal Farra (Brasil), dirigida por Lisandro Rodríguez

La crítica de las acciones de los otros no nos ayudan más que a comprender el estado de soledad en el que nos encontramos cuando nos damos cuenta que los conceptos que regían nuestro imaginario se hacen añicos, se diluyen, dejan de tener sentido, porque el mundo ya no es el mismo, nuestro sueño se convierte en pesadilla, la carroza en calabaza, y la presión y la violencia sobre los cuerpos es también la que acusan las palabras que registran en su desmesura nuestra desesperación. Los relatos modernos que conformaban el mito que nos involucraba por afirmación o negación, caídos en la posmodernidad: la historia, la política, la religión, el psicoanálisis, conforman todos uno que no se explica sino aceptamos su invalidez, su falta de eficacia. En la puesta sentimos estar asistiendo a los últimos estertores de una realidad que muere, sin saber todavía que otra tomara su lugar; por eso, el estado de incertidumbre sobrevuela el espacio y nos pide un extinto tiempo de comprensión. “La sociedad es cada vez más un simple nombre que cobija una multiplicidad de comportamientos sociales, de itinerarios y destinos individuales.” (López Petit, 2015, 31)

Los grupos están divididos por clases sociales, y las mismas están señaladas en los chalecos que portan: diferentes colores, diferentes leyendas, sobre la ropa negra que si bien es diferente, el color uniforma la totalidad. El negro como nuestra calidad de humanos no hacen a todos iguales, el chaleco marca las diferencias sociales, que son además superadas por el vacío de las acciones y las palabras, significantes huecos, con significados múltiples.

La iluminación en la pieza tiene un peso diferente dentro del universo creado, ya que está destinada a aumentar el sentimiento desestabilizador, en su presencia – ausencia, mientras las voces siguen narrando historias.

Bibliografía:

López Petit, Santiago, 2015. Breve tratado para atacar la realidad. Buenos Aires: Tinta Limón.

Ficha técnica: Abnegación de Alexandre Del Farra. Traducción: Gabriel Ruman. Elenco: Juanchi Rojas, Paco Gorriz, Nansú Biesa, Marcela Burcaizea, Pablo Dos Santos, Verónica Litvin, Nahuel Martínez Cantó, Marcos Videla, Cristina Sallesses, Sofía Cobas Ale, Zoilo Garcés, Ariel Levenberg, Adrián Sotelo, Anabela Brogioli, Alejandra Fauquie, Dolores Cano, Carla Petrillo, Amalia Tercelàn, Emilce Olguìn Ramírez, Juan Carlos Antón, Facundo René Torres, Santiago Para Baldi, Alan Swiszcz, Mario Sala, Florencia Esteves, Carlos Losada, César Arakaki. Diseño espacial, lumínico y vestuario: Norberto Laino, Sofía Cobas Alè y Lisandro Rodríguez. Fotografía en gráfica: Nacha Iasparra. Producción: Carla Petrillo y Estudio Los vidrios. Director asistente: Nery Mucci. Dirección: Lisandro Rodríguez. Coproducción: Festival Internacional de Dramaturgia, OFF Producoes Culturals, Estudio Los Vidrios y Plataforma Fluorescente.

Lo salvaje de Mariana Silva

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Lo salvaje de Mariana Silva

FestivalMaría de los Ángeles Sanz

La utopía de un mundo mejor y alejado de la corriente del dinero que atraviesa la ciudad en el imaginario de una pareja, que sin embargo, necesita producirlo para mantener deseos cotidianos: vivir del arte, mantener una familia, hacer feliz a una niña; es el centro de una temática que apunta a una etapa donde la globalización hiere a las personas en sus zonas más íntimas. Una familia ensamblada, la hija es de él solamente, que sobrelleva la lucha cotidiana y se atreve a soñar con un mundo mejor. En un locus despojado, cuyos límites en el piso de la escena son unas líneas de luces, que van modificando su intensidad a medida que se desarrollan las acciones, los tres personajes, narran secuencias que van del presente al pasado, y de allí a la ilusión de un futuro posible. Entre el mundo que se desmorona, la lucha incansable de una mujer que se ve a sí misma como el punto de apoyo de todos, de los presentes y de los que evoca el recuerdo, en un estado de ensoñación, de enfermedad del alma. La presencia de una niña actriz en escena le da un toque diferente a la intriga, porque además es una excelente promesa en la actuación. Podemos afirmar que los tres actores tienen muy buena performance. Ella es el vínculo de relación que pervive luego de la desilusión, y el desamparo de una relación rota. Luces y sombras, que la iluminación ilustra más allá de ese piso que es la metáfora de como todo a veces brilla o se desvanece a nuestros pies. 2.2 FOTO NACHO IASPARRA - Teatro - Lo salvaje, de Mariana Silva (Perú), dirigida por Nacho CiattiUna mirada femenina sobre las relaciones de pareja, que ve como punto de intersección para sostenerlas a la mujer, y a su modo casi natural de adaptación a los vaivenes de la misma. Incapaz de poner límites, como los que el camino de luces le marcan, se siente avasallada y perdida en la selva de un deseo que no se cumple, en la disto pía que surge de lo otro, y de la responsabilidad de un sentimiento el maternal, que nace de la casualidad, y que cuando puede concretarse en su cuerpo, es un problema a discernir. En esa inestable ecuación entre los géneros el personaje femenino tiene la doble obligación de ser responsable de su vida y de la de la niña La mirada de los niños, propios o ajenos, en el momento de nuestro accionar es precisa; son testigos mudos pero jueces implacables de los hechos que nos tienen como protagonistas. Nuestro ejemplo en negativo o positivo los incita a una posibilidad de ser. El vestuario marca las diferencias temporales, ya que ella, Sofía como centro de la historia, viste siempre la ropa de cama desde el inicio, mientras que los dos personajes restantes, van modificando su indumentaria a medida del relato. Cambios que se efectúan a los costados de la escena específica, y que no interfieren en la acción. Una acción que se dilata en el tiempo, tal vez demasiado, en una sucesión de secuencias que están en función de construir los personajes y su devenir, ya que el cuerpo femenino, va sin producir cambios físicos modificando su energía en paralelo a los acontecimientos. Lo salvaje propone la puesta en escena de una subjetividad, la femenina, y los pliegues que lo social y lo personal atravesado por lo social, producen en ella, hasta la enfermedad.

Ficha técnica: Lo salvaje de Mariana Silva Irigoyen (Perú) Elenco: Martina Iglesias, Laila Duschatzky y Francisco Donovan. Escenografía e iluminación: Santiago Badillo. Vestuario: Gisela Mancuso. Asistencia de vestuario: Carolina Boverini. Música y diseño sonoro: Patricia Casares. Asistencia de dirección: Florencia Zothner Ciatti. Fotografía en gráfica: Nacho Iasparra. Dirección: Nacho Ciatti. Coproducción: Festival Internacional de Dramaturgia, Teatro Plaza, Espacio Callejón, Plataforma Fluorescente.

3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia [III]

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia

del 2 al 17 de junio de 2018

FestivalAzucena Ester Joffe

Dramaturgia en movimiento: En esta sección se presentan en el C C Recoleta dos obras de danza, compuestas por una coreógrafa alemana y un coreógrafo francés, y que son reinterpretadas por dos artistas argentinos. Un programa compartido que surge a partir de la idea de que los “estados emocionales” también “construyen un pensamiento sobre la emigración. Pues antes de que se muevan los cuerpos se mueven los discursos. Y la danza de alguna manera es el pensamiento del desplazamiento”, así lo afirmó su director y curador, Matías Umpierrez. ¿Acaso los movimientos sin cuerpos pueden emigrar e inmigrar?1

Ambas obras, narrativas coreográficas de un desarraigo, se presentarán dentro del marco del Festival también el próximo miércoles (13 de junio).4.0. FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia en movimiento (Danza) - Programa compartido_ Colaboraciones entre Paula Rosolen (Alemania) y Leticia Mazur (Arg); y David Wampach (Franci

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Aura… (o Topía) en colaboración de Paula Rosolén y Leticia Mazur

(Alemania – Argentina)

En el amplio espacio escénico de la sala Capilla se entrecruza la pregunta que le hiciera la coreógrafa alemana “a través de Topía qué sería de la danza sin migración. ¿Se puede rastrear los movimientos que aportan, generación a generación, los cuerpos que migraron?” Leticia Manzur, bailarina, actriz, directora y docente, en Aura, construye en escena una narrativa coreográfica y actoral difícil de asir, en un intento de atrapar lo invisible”. Un cuerpo con un lenguaje propio sumergido en la oscuridad, donde sólo la precisa iluminación a la vez que muestra, oculta. Una figura imprecisa de un blanco que se modifica ante nuestra mirada, por los efectos lumínicos, por momentos, con movimientos lentos y en tensión y, en otros, fragmentados. Cómo es pensar un tema que se invisibliza constantemente, cómo dar cuenta de una realidad que se oculta. No contamos con una historia previa, sólo con una textualidad coreográfica diferente que nos convoca. Una puesta en abismo que nos interpela desde el mismo proceso de creación; dependerá de cada espectador según su sensibilidad y experiencia dejarse abordar por una espacialidad y temporalidad donde la plasticidad de las imágenes tienen su peso específico.

Ficha técnica: Aura… (o Topía) en colaboración de Paula Rosolén y Leticia Mazur. Intérprete: Leticia Mazur. Vestuario: Esteta Studio. Diseño de luces: Matías Sendón. Diseño sonoro: Patricio Lisandro Ortiz. Texto Coreográfico: Paula Rosolén. Fotografía: Nacho Iasparra. Asistencia de dirección: Gianluca Zonzini. Producción: Gianluca Zonzini. Coreografía: Leticia Mazur. Dirección: Leticia Mazur. C C Recoleta. Funciones: 6 y 13 de junio, 21 hs. Continuará su temporada durante cuatro semanas más.

Co-producción: Festival Internacional De Dramaturgia, Goethe-institut, Centro Cultural Recoleta, Plataforma Fluoerescente

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Yo. Soy. Ella… (o Joyjoiefeliz) en colaboración de David Wampach y Luis Biasotto

(Francia – Argentina)

Una propuesta diferente a partir de un documento que enviara el coreógrafo francés a su par argentino. Joyjoiefeliz es una especie de “fotonovela con elementos que describen tres partes, tres círculos, tres duraciones, con movimientos en espiral, que dan lugar a la transformación, …”. La dupla creativa, Biasotto / Acuña, quienes crearon la compañía Krapp en 1998, construye su obra, Yo. Soy. Ella…, con un lenguaje propio que los identifica. La intérprete es, a la vez, “un sujeto y objeto imposible de atrapar”. En el espacio lúdico la iluminación no crea climas, sólo ella con un enterito a rayas, sus movimientos son casi cotidianos pero sus desplazamientos tienen una dinámica especial. No hay límites en el relato, todo puede ser o no, como en una cinta de moebius, sin un punto de referencia, la imaginación nos permite atrapar cada secuencia. Podría suceder en un mundo paralelo donde “los estados emocionales” tomarían cuerpo o simple roles. El movimiento anterior a la palabra para construir posibles sentidos, el artificio en primer plano, será el espectador quien complete o no esa pérdida: la desterritorialización que hemos naturalizado.

Ficha técnica: Yo. Soy. Ella… (o Joyjoiefeliz) en colaboración de David Wampach y Luis Biasotto. Intérprete: Luciana Acuña. Texto Coreográfico: David Wampach. Fotografía: Nacho Iasparra. Coreografía: Luis Biasotto. Dirección: Luis Biasotto. C C Recoleta. Funciones: 6 y 13 de junio, 21 hs. Continuará su temporada durante cuatro semanas más.

Co-producción: Plataforma Fluoerescente, Centro Cultural Recoleta, Alianza Francesa, Festival Internacional De Dramaturgia

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Dramaturgia para una conferencia: El invitado para esta sección fue Paul B. Preciado (España – Francia). Umpierrez comentó que Preciado es: “quien desmaterializa la idea de género, porque somos más allá de nuestro aparato reproductor, somos personas que se identifican con lo masculino y lo femenino”2. El activista y filósofo creó el particular manual y, a partir de esta serie de instrucciones escritas a distancia, los tres conferencistas locales brindarán una lectura distinta según la impronta de cada uno.

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Conferencia a cargo de Roberto Jacoby o Berta Jacobs (Argentina)

El primero de estos encuentros estuvo a cargo de Berta Jacobs, ya que Roberto Jacoby no pudo asistir, lamentablemente, por sus “chocheras”. Berta lo conoce muy bien y lleva adelante un evento performático con diferentes matices. Al comienzo realiza una breve introducción sobre el edificio que pasó de ser un hospital para los afectados por la fiebre amarilla, “una fiebre que nos está atacando actualmente”, a un asilo de mendigos y ahora a un Centro Cultural. Su comentario es que pareciera que no hubo muchos cambios. Psicopedagoga de profesión y curadora de artistas de vocación, realiza la exposición de los experimentos auditivos y visuales del artista sobre cuestiones de género, del lenguaje heterosexista, etc… ¿Qué pasa cuando una persona no se identifica con los pronombres femeninos y/o másculinos? Desde el humor simple de “pueden aplaudir” hasta la cruda realidad de nuestra sociedad que discrimina al que no encuentra un punto de referencia en él/ellos y/o ella/ellas. Por lo tanto es interesante pensar en le/les. Con un carisma especial, Berta atrapa la atención del atento auditorio que con un cerrado aplauso aceptó el desafío ante las preguntas instaladas desde su inicio: ¿sería posible introducir variables de cambio? ¿cambia el mundo si yo cambio de género?

Roberto Jacoby, artista conceptual y sociólogo, tiene una interesante trayectoria y “parte de sus trabajos -entre la investigación social- gira alrededor de la desmaterialización del arte y la invención de nuevas formas de vida”.

Conferencia a cargo de Roberto Jacoby o Berta Jacobs. Centro Cultural Recoleta: sala Sum, domingo 10 de junio: 20 hs.

Las próximas disertaciones:España – Francia)

Conferencia a cargo de Juan Onofri Barbato o Juana Onofri Barbata (Argentina); viernes 15 de junio: 20 hs.

Conferencia a cargo de Paloma del Cerro o Palomo del Cerro (Argentina); domingo 17 de junio: 20 hs.

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Turma de Vedrana Klepica

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Turma de Vedrana Klepica (Croacia)

De que estábamos hablando… cuando de nosotros hablamos.

Toda tierra es país.

FestivalMaría de los Ángeles Sanz

Turma en croata es arena, un elemento que por su liviandad y la pequeñez de sus componentes, se nos escapa de la mano, pero que unida en su composición es fuerte y resistente. Esa arena, que con los tiempos que corren, revuelta por el viento de la derecha en el mundo, se enfrenta a nosotros, nos ciega y nos impide ver que otra realidad es posible. Los personajes de Turma, aceptan resignados su papel en una sociedad individualista, aferrados a la memoria de una tradición que niega los derechos conseguidos, y encuentra en ese pasado una justificación para mantener un status quo injusto con todos, y sobre todo con los derechos de las mujeres a ejercer la soberanía sobre sí mismas. En un espacio desangelado, donde reina el frio, la nieve, la ventisca y la soledad en compañía, cuatro mujeres se presentan como exiliadas en su propio territorio, alejadas de cualquier sentimiento de sororidad, declarando la necesidad de rebelarse para que no se las considere sólo un objeto de reproducción. Sin embargo, el espacio interior, las casas, los hogares, los sitios de salud, no son un refugio sino la prolongación de ese afuera inhóspito. En un artefacto escénico de metal, dividido en compartimientos estrechos y desolados, las mujeres se mueven y narran relatos fragmentados, donde el tiempo retorna al decir de una frase que se reitera como la situación que vuelve sobre ellas como en círculo infernal. Las relaciones filiales, las matrimoniales son también atravesadas por un entorno de carencia, de recuerdo de la guerra y sus consecuencias, de aquello que debe ser estar presente para no sufrir un destino atroz, y a su vez olvidado para que se sepa del horror de un poder omnipotente y omnipresente. El amor, la religión, la política, el deber, la memoria, el olvido anidan en sus almas y les impiden en la revolución de los contrarios encontrar la paz de espíritu, y la esperanza de un cambio que anhelan. Los movimientos de la escenografía dan cuenta de la dificultad del vivir cotidiano, de la lucha contra los elementos de la naturaleza, y de los hechos que el capitalismo naturaliza para la aceptación resignada. El afuera se presenta en la puesta como una amenaza constante, que de alguna manera disfraza enmascara la que se produce de puertas adentro.

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Las actuaciones tienen buenos momentos donde la tensión dramática se hace presente, pero siempre desde una distancia buscada por la dirección, que produce en el espectador un extrañamiento y a la vez una comprensión no afectada de lo narrado. Con un lenguaje crudo, cruel, sin piedad los diálogos se desarrollan y los personajes nos muestran como han internalizado al enemigo, como se han convertido en sordos y mudos ante el dolor del otro, no hay prójimo, hay un contrario que se opone a nuestra necesidad; y esa es la que cuenta. Keplica da cuenta de una sociedad fragmentada, devastada que vuelve sobre sí misma, para el encuentro con la ferocidad, desde una poética referencial pero que a la vez nos deja ver la absurdidad de los hechos, ante una realidad que no se sostiene con valores sino con el peso de la opresión desde arriba hacia abajo, desde unos a otros, desde el fondo de nosotros mismos. Con el fin de las acciones se abrió junto a la directora y a la dramaturga y el elenco de la puesta un interesante debate con la participación del público, sobre la situación contextual de la construcción de la textualidad dramática, y sobre la situación de los pueblos y sus futuros atravesados por la realidad de un capitalismo naturalizado como la única posibilidad concreta. La generosidad de la autora y de todos los participantes produjo un diálogo enriquecedor y clarificador de la propuesta, dándole continuidad y tensión al sentido desarrollado en las acciones. Una puesta inquietante por una cercanía en los hechos a pesar de la lejanía de la geografía, Croacia – Argentina, y el mundo en camino de una individualidad asesina.

Ficha técnica: Turma de Vedrana Klepica. Traducción: Nikolina Zidek. Elenco: Rocío Muñoz, Laura López Moyano, Ana Garibaldi, Maby Salerno, Mónica Raiola, Mariel Fernández, Marcelo Mariño, Hernán Melazzi. Diseño de iluminación: Santiago Badillo. Diseño de escenografía: Santiago Badillo. Diseño de vestuario: Victoria Nanà. Musicalización: Ariel y Federico Schujman. Fotografía en gráfica: Nacho Iasparra. Asistencia de producción: Agustina Benedetelli. Producción y Asistencia de dirección: Felicitas Luna. Dirección: Azul Lombardía. Coproducciòn: Festival Internacional de Dramaturgia, Centro Croata del ITI, Teatro Anfitrión, Plataforma Fluorescente.

3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia [II]

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia del 2 al 17 de junio de 2018

Festival

El gato de Schrödinger de Santiago Sanguinetti

María de los Ángeles Sanz

De Uruguay viene esta pieza que se presenta en Timbre 4 dentro del marco del Festival Internacional de Dramaturgia en el mes de junio de este año, de la mano de la dirección de Pablo Seijo, argentino. Ambas orillas del Río de la Plata conjugadas en una obra que habla de mundos paralelos, como una metáfora de nosotros mismos, en el ámbito de un escenario caro para ambos países, el futbol. La propuesta del Festival era la búsqueda de una dramaturgia que encarara el tema de la posibilidad de un mundo a la par del conocido desde cinco diferentes miradas:

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Cinco piezas de teatro reflejan cinco mundos paralelos, quizás posibles o no, de algún sistema emocional que existe o podría existir…así sea en la ficción. En la sección Teatro del III Festival Internacional de Dramaturgia se emplazarán en la escena territorios saturados, guerras en cosmografías insospechadas, realidades duplicadas, y un pasado, un presente, y un futuro inciertos. (Curador Matías Umpierrez, programa de mano)

Uruguay, Finlandia, Croacia, Perú, Brasil y Argentina, son los territorios de escritura que serán abordados en el correr del tiempo del evento. Sanguinetti propone desde su alma charrúa un escenario: el vestuario de un club no demasiado importante, que está si jugando un partido fundamental, y que de pronto se encuentra con que su mejor jugador, decide dejar el campo porque prefiere esquivar la mirada al resultado, con la certeza de que la incertidumbre, vaya el oxímoron, es mejor que lo real concreto, ya que desde allí las posibilidades se multiplican. Desde esa declaración que encierra su reciente conocimiento sobre la física cuántica, y el experimento del gato de Schrödinger, la intriga más desopilante y bizarra se presenta ante los ojos del espectador, que ve como lo no pensado se va desarrollando, como todo va tomando caminos que se bifurcan, con la ayuda del humor y de un lenguaje escatológico, que encierra la necesidad de afecto y de refugio de los personajes, en un mundo saturado por la necesidad de éxito, de una sexualidad que sea algo más que la satisfacción primaria de los cuerpos, y del miedo que produce no saber cómo puede ser ese futuro, del que sentimos que no tenemos el control. La anarquía entonces es la respuesta a un mundo que de por sí presenta un orden ficticio, porque bien podría ser otro, y donde todo es representación tras una representación donde el origen no sabemos cuál es y dónde está. Los actores mantienen un buen ritmo durante casi todo el tiempo de la escena, que se extiende demasiado hacia el final en el medio de una escenografía que recrea el vestuario de un club de fútbol, con dos grandes armarios que sirven además como biombos para la entrada y salida de los personajes, un banco, un pizarrón, y el resto un locus que da la oportunidad de movimientos y acciones de íntima proxemia. Dos de los personajes son dos mascotas con cabeza de gato, que producen una extraña sensación, pero que también logran con sus diálogos y situaciones la risa del espectador. Los efectos de sonido, nos acompañan desde la entrada a la sala, y mantienen como la iluminación el clima necesario para el relato en escena. Una dramaturgia atravesada por la ciencia – ficción como género, y que produce una mixtura para la interrogación sobre un mundo que cada vez se nos presenta como menos comprensible para el común de las personas.

Ficha técnica: El gato de Schrödinger de Santiago Sanguinetti. Elenco: Juan Isola, Guido Losantos, Facundo Aquinos, Pablo Cura, Horacio Acosta, Mauro Malaespina y Emanuel Parga. Vestuario: Marga Banach. Asistencia de vestuario: Luciana Hernández. Realización de disfraces y mascotas: Ricardo Rosas. Escenografía: Ariel Vaccaro. Iluminación: Matías Pendón. Diseño sonoro: Zypce. Producción: Poppy Murray. Fotografía en gráfica: Nacho Iasparra. Asistencia de dirección: Arturo Alonso. Dirección: Pablo Seijo. Coproducción: Festival Internacional de Dramaturgia, Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE), Timbre 4 y Plataforma Fluorescente. Sala México Timbre 4.

3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia [I]

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia del 2 al 17 de junio de 2018

Festival

Línea histórica de Sofía Medici y Laura Kalauz / Método Inanna de Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli

Azucena Ester Joffe

Dramaturgia de una urbanidad desconocida: La emblemática Quinta Trabucco es sede para la construcción de “estados emocionales”. El lema que articula toda la programación del Festival, y ambas intervenciones incitan a la creación de otros mundos posibles. Matías Umpierrez comentó: 5.FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia de una urbanidad desconocida (Intervención Site Specific) Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli (ARG) y Sofía Medici y Laura Kalauz“estamos contentos por presentar un proyecto con productores locales. Un lugar específico para que se pueda construir una historia paralela que niega a ese lugar pero que dice ser real”. Los seis artistas (India, Libano y Argentina) despliegan dos experiencias distintas en la que de algún modo se relacionan con la cuestión de cómo se niega lo histórico. Por un lado, es una performance y, por otro, es una instalación1.

En esta sección, “Intervenciones Site Specific”, se presentan dos acciones que dialogan con el relieve propio de la Casona. Interesantes y disímiles entre sí, nos conducen por senderos de una realidad paralela. Con la posibilidad de llevarnos el texto primero, una vez finalizada cada intervención. A ambas experiencias se podrá asistir también el próximo fin de semana (9 y 10 de junio).

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Línea histórica de Sofía Medici y Laura Kalauz (Argentina)

Sobre el texto Profeta de Abhishek Majumdar (India)

Una propuesta donde se conjuga perfectamente el texto del dramaturgo, escenógrafo y director Abhishek Majumdar con la escritura de Sofía Medici y Laura Kalauz, quienes realizan una topografía de ciertos espacios públicos, teniendo en cuenta que el punto cero del relato podría ser a fines del siglo XXI. Una futurista visita guiada por el interior y los jardines de la Casona que da cuenta, en especial, de tres revoluciones -en 2031, 2068 y 2080- y de las consignas de los revolucionarios en cada una de ellas. Leandra Hidalgo de manera perfecta le otorga la carnadura a la Guía de este itinerario, a partir de los detalles que se desprenden del texto Profeta: “Ella no era joven, no era vieja, ni de mediana edad […] Contaba historias del futuro como si todo hubiera ocurrido antes […] No tenía secretos, ella era el secreto”. La actriz, a partir de una corporalidad “artificial”, con su mirada ocultando cualquier interioridad, con sus gestos carentes de tono muscular y los silencios que responden a otra “realidad”, nos conduce por un recorrido que teje un relato a partir de elementos de la propia historia del espacio de la Quinta. Así visitaremos una “reproducción” de aquella pared que fue el símbolo de una de las revoluciones; aquellos vestigios de la civilización anterior; las ruinas de las antiguas mazmorras con un fin específico,… Una visita guiada que nos devuelve una mirada incisiva sobre nuestro presente y futuro mediato, con temas como la revolución y la contrarevolución, la nuevas tecnologías, la inteligencia y/o telepatía artificial y la creación de un pensamiento único que debería atemorizarnos. Una actividad que concluye en el patio del Museo, quizá metáfora de nuestra sociedad y la construcción de una historia que invisibilizó a la otra historia. En esta oportunidad, para Línea histórica fueron cinco las fuentes que dan cuenta de las versiones de un futuro no tan lejano como quisiéramos creer.

Ficha técnica: Línea histórica sobre el texto Profeta de Abhishek Majumdar. Concepto, texto, dirección y realización: Laura Kalauz y Sofia Medici . Producción: Imanol López. Guía: Leandra Hidalgo. Con la colaboración de: Florencia Monfort, Soledad Barruti, Nicolás Cohen, Diego Golombek, Marcelo Valko. Quinta Trabucco (Vicente López). Entrada gratuita con reserva anticipada. Sábado 2 y 9 de junio. Horario: 18, 19 y 20 hs.

Una coproducción entre el Festival Internacional de Dramaturgia, la Secretaría de Cultura de Vicente Lopéz y Plataforma Fluorescente. Con el apoyo de Dramaturgias Cruzadas + Xixicas + Nada Especial Tanz.

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                Método Inanna de Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli (Argentina)
                                 Sobre el texto Los dominios de Inanna de Maya Zbib (Líbano)
Una experiencia que hace explícita otra forma de comunicarnos, en la cual sólo es necesario entregarnos al recorrido donde la palabra no tiene lugar. Somos conducidos a través de los jardines de la Casona con algunos indicios e intentamos apropiarnos de cada sitio. Distintas sensaciones a partir de los sentidos que nos involucran en un relato que nos resulta mítico, ancestral. Un ritual urbano, un dejarse llevar por la propuesta, sin preguntarnos, sin racionalizar, adentrándonos en una textualidad que completará cada integrante del reducido grupo. Portando una máscara diferente pero que nos une en la experiencia. Es como recuperar una cierta ilusión lúdica o fantasmática más allá del texto primero, Los dominios de Inanna, de la directora de teatro, performer y escritora libanesa Maya Zbib. Éste nos ancla en un espacio temporal preciso -la Guerra Civil Libanesa que comenzó en 1975- y los “daños colaterales” de la misma. A diferencia del texto primero, Método Inanna nos transforma en integrantes de “una colectividad utópica” que se adueña de la historia privada y pública de la Quinta Trabucco, tal vez desde la figura de Inanna, deidad de la antigua Mesopotamia, la diosa del amor y de la guerra, de la sexsualidad.
Ficha técnica: Método Inanna de Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli sobre el texto Los dominios de Inanna de Maya Zbib. Quinta Trabucco (Vicente López). Entrada gratuita con reserva anticipada. Domingo 3 y 10 de junio. Horario: 18, 19 y 20 hs.

Una coproducción entre el Festival Internacional de Dramaturgia, la Secretaría de Cultura de Vicente Lopéz y Plataforma Fluorescente.

3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia

Curaduría y dirección de Matías Umpierrez y presentado por Plataforma Fluorescente

del 2 al 17 de junio de 2018

Artistas de diferentes procedencias y disciplinas se sumergirán, junto con el público, en experiencias que desplazan las ideas de cuerpo-territorio-frontera-discurso-escenario, creando nuevos territorios, mundos paralelos… o, tal vez, simplemente, el mejor de los mundos posibles.1 (M. Umpierrez)

FestivalAzucena Ester Joffe

El jueves 24 de mayo se realizó en el Nün Teatro-Bar la presentación de esta nueva edición del festival. Un desayuno por demás interesante donde Matías Umpierrez de manera precisa nos comunicó, a los medios presentes, sobre la convocatoria y la programación a partir de las cinco secciones “que dialogan con el lema ‘estados emocionales’ y el proyecto curatorial”.

Matías comentó, en un brevísimo racconto, que las dos primeras ediciones, 2014/2016, estuvieron principalmente centradas en la dramaturgia latinoamericana y europea, en una reflexión escénica y teatral. Desde el comienzo:

Nuestro festival se funda en una frontera que sucede entre discusiones locales pero también en las instituciones internacionales. Nos interesaba, originalmente, que los teatros independientes pudieran ser los espacios que presentan y producen teatro. Y que las instituciones internacionales encuentren estos espacios reales de gestión, que más allá de cualquier crisis siguen resistiendo. Entonces nos pareció que era un foco de identidad real donde cooproductores internacionales pudieran coproducir y además darles identidad a los teatros independientes.

Pero hoy que nos movemos en un mundo globalizado y atravesado por la inmediatez de las redes sociales la puesta en marcha de esta 3ra edición implica un desafío y un compromiso mayor. Este año el Festival Internacional de Dramaturgia es más interdisciplinario. Según su director, en primer lugar, porque es el espacio que él sostiene como artista y, en segundo, porque cree que esta impronta ha comenzado a despertar preguntas en nuestra ciudad. Por lo tanto, será un lugar de encuentro y de reflexión para cuestionar qué es la dramaturgia en nuestros días y para pensar las narrativas en la contemporaneidad sin importar su disciplina.

Me interesa pensar muchísimo el teatro como ritual que incide en otras artes. Es increíble este movimiento transdicisplinar que está sucediendo y tiene que ver difinitivamente con un gesto de la época: la constante profanación. Creo que los artistas, en ese aspecto, movemos las paredes de los lugares donde estamos, trabajando para crear nuevos universos. Era importante para nosotros reflejarlo desde el festival. En ese sentido, primero construimos para esta edición un clarísimo proyecto curatorial que va a armar una línea que conecta, de alguna manera, todas las secciones y todos los proyectos. Y que, a su vez, construyen un orden y proponen a los espectadores/as a acercarse difinitivamente a una experiencia que sostengo desde todo punto de vista. En plena era virtual me parece que lo más importante es la construcción de una experiencia donde sucedan distintos paisajes de cómo podría ser la dramaturgia y que también les de la posibilidad a los concurrentes de sentir que se diluye la idea que tienen, por ejemplo, de qué es el teatro en este momento.

El lema que articula toda la programación, “estados emocionales”, tiene que ver con la idea de “un montón de hilos que se desmembran justamente en la palabra estados”. Interesante reflexión que aborda tanto al estado privado como al público junto al pensamiento de que de “alguna manera está presente la dramaturgia para empujar esos estados que pueden pensar que existió una historia o no”. Por eso este festival es “un espacio de resistencia, es nuestro encuentro con lo político desde el hacer”.

También estuvo presente la Plataforma Fluorescente, Malena Schnitzer y Melisa Santoro, como un espacio de gestión, de frontera que construye, a su vez, territorialidad. Y se anunció que será un dispositivo de “creación global con creadores/as, pensadores/ras, de distintos sitios del mundo, que entrarán en diálogo con artistas de Buenos Aires”.

Más allá del festival, sus organizadores despliegan un atrayente abanico que abarca diferentes áreas de las artes escénicas para tensionar y “abrir a lo transdisciplinar y, en especial, a todo lo que despierta la palabra ‘trans’. En esta idea, que pareciera ser un gesto de la época, está la necesidad constante de entender y de clasificar. Entonces, ese gesto es completamente fundacional para la Plataforma Fluorescente.”

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En cada una de las cinco secciones que se desarrollarán del 2 y al 17 de junio de 2018 está desplazada la idea de qué es esa zona en particular. En todos los casos será el espectador quien complete la experiencia.

Dramaturgia de los mundos paralelos: A partir de cinco obras teatrales de Uruguay, Finlandia, Croacia, Perú, Brasil y Argentina, “se emplazan en la escena a territorios saturados”. Desde el proyecto curatorial se pensó cómo los teatros y la construcción teatral pueden construir mundos paralelos: “teorizamos sobre cinco posibles mundos o cinco mundos que están presentes o cinco mundos que podrían llegar a ser posibles”.2.0 FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia de los mundos paralelos (Teatro)

Dramaturgia de una urbanidad desconocida: La emblemática Quinta Trabucco será la sede para la construcción (India, Libano y Argentina) de “estados emocionales”. Intervenciones que incitarán a otros mundos posibles: “estamos contentos por presentar un proyecto con productores locales. Un lugar específico para que se pueda construir una historia paralela que niega a ese lugar pero que dice ser real”. Los artistas construirán una experiencia en la que de algún modo se relaciona con esta cuestión de qué forma se niega lo histórico. Por un lado, será una performance y, por otro, será una instalación.5.FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia de una urbanidad desconocida (Intervención Site Specific) Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli (ARG) y Sofía Medici y Laura Kalauz

Dramaturgia en movimiento: Dos obras de danza, compuestas por una coreógrafa alemana y un coreógrafo francés, serán reinterpretadas por dos artistas argentinos. Un programa compartido que surge a partir de la idea de que los “estados emocionales” también “construyen un pensamiento sobre la emigración. Pues antes de que se muevan los cuerpos se mueven los discursos. Y la danza de alguna manera es el pensamiento del desplazamiento, por eso nos pareció que así podría pensarse esta cuestión”.4.0. FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia en movimiento (Danza) - Programa compartido_ Colaboraciones entre Paula Rosolen (Alemania) y Leticia Mazur (Arg); y David Wampach (Franci

Dramaturgia para una conferencia: El invitado para esta sección es Paul B. Preciado (España – Francia), “quien desmaterializa la idea de género, porque somos más allá de nuestro aparato reproductor, somos personas que se identifican con lo masculino y lo femenino”. El activista y filósofo creó el particular manual y, a partir de esta serie de instrucciones escritas a distancia, los tres conferencistas locales brindarán una lectura distinta según la impronta de cada uno.

proyeccion obra 001

 Dramaturgia para una exhibición descentralizada: Se exhibirá parte de la obra del artista y fotógrafo Nacho Iasparra, en diferentes soportes. “Nos interesaba ver cómo su obra está atravesando todo el festival como así además el proyecto curatorial. Visualmente el trabajo de Nacho, con sus ‘estados emocionales’, construye distintas realidades y lo que proponemos es hacer una exhibición pero con dispositivos que usualmente no se piensan para tal fin. ¿Qué es ir a una exhibición? Si estamos en plena era virtual ¿por qué no hacemos con todos esos espacios virtuales un espacio de exhibición? Entonces, difinitivamente queremos que esa sección, sin lugar, sin territorialidad, y, a la vez, llena de espacios virtuales y físicos, termine de construir el marco central para presentar este festival”.6. FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia para una exhibición descentralizada

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La 3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia será una oportunidad creativa, en formato distinto, de atreverse a completar las distintas experiencias más allá de cada disciplina. Un espacio para la reflexión que claramente promete ser interesante a partir del lemaestados emocionales”.

Por último, sólo tendrán un costo promocional las entradas para las obras de teatro y de danza, en tanto el resto de la programación será gratuita pero con inscripción previa. Además, después de finalizado el festival, seguirán en nuestra cartelera por doce semanas más las obras de teatro y por cuatro semanas más las de danza. Pues la idea desde la 1ra edición es que los artistas puedan tener una presencia real en nuestra ciudad.

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Director & Curador: Matías Umpierrez. Producción general: Malena Schnitzer. Producción ejecutiva: Melisa Santoro. Producción intervenciones site specific: Florencia Orlando. Meritorios producción: Ezequiel Paredes, Cecilia Santos, Cintia Zaccolo. Prensa: Marisol Cambre. Redes: Berenjena Producciones. Diseño: Sergio Calvo. Programación Web: El Dodo

Más información: http://www.festivaldramaturgia.com.ar/

Facebook: Festival Internacional de Dramaturgia

Twitter: @festdramaturgia

Instagram: @festdramaturgia

1Según gacetilla de Prensa