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Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2018

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Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2018

Timbre4 se prepara para recibir a la 6ta edición del TABA

7 países, 37 funciones, 11 espectáculos y 1700 entradas a la venta

Azucena Ester Joffe

El jueves 7 del presente mes se presentó en el bar de Timbre4 la programación detallada de la próxima edición de TABA 2018, a realizarse del 1 al 11 de Febrero. En una amena y distendida merienda la presentación estuvo a cargo del equipo de Timbre4 / TABA. Como ya es habitual contará también con el clásico Torneo de dramaturgia, entre otras actividades. Las entradas1 se pueden adquirir vía la web: www.timbre4.com

Claudio Tolcachir, con unas breves palabras, nos dio la bienvenida a todos los medios presentes y comentó sobre la búsqueda para hallar la mejor forma de festejar los 15 años del teatro: seguir apostando a realizar cosas distintas, generando nuevos proyectos y abriendo el espacio para todos aquellos que quieran participar. Nada más oportuno que comenzar el año con esta 6ta edición, con nuevos cruces en la participación de los diferentes países que originan, a su vez, los talleres.

El equipo recordó que Temporada Alta comenzó con obras catalanas y luego se fueron incorporando otras regiones a lo largo de las ediciones. El punto de contacto entre las propuestas escénicas es compartir el mismo espíritu que tiene Timbre4 en la forma de producir y difundir teatro a partir de la multiculturalidad. Las obras programadas viajarán por cuatro ciudades –Girona, Lima, Montevideo y Buenos Aires; será un recorrido atrayente para todos los elencos pues el itinerario se basa en las relaciones humanas establecidas en esos sitios. Un circuito que comenzó a partir del vínculo entre el Festival de Temporada Alta y Timbre4 y que, dentro de las mismas producciones, contiene dos líneas curatoriales: la del equipo catalán y la del argentino. Este último lleva a cabo la búsqueda de una sólida programación sólida latinoamericana, con el objetivo de armar una red de espacios con proyectos lúcidos desde una mirada contemporánea. El Torneo de dramaturgia transatlántico, como en años anteriores, es el cruce entre autores y actores, catalanes y argentinos, que deberán leer un texto de formato breve ante el público presente, con la particularidad que sólo tendrán dos horas para preparar el correspondiente round. Luego, mediante la votación popular, se determinará el campeón y subcampeón, promoviendo de esta forma el contacto entre dramaturgos de diversas culturas. Realizar este Festival en febrero no desalienta a sus organizadores sino que, por el contrario, para ellos es la mejor forma de ubicarse como equipo de hacedores teatrales en un lugar especial, dentro del mapa teatral porteño, para contar algo distinto como es TABA. Un intercambio artístico en pleno verano argentino que se viene realizando con muy buena recepción, aunque el año pasado disminulevemente debido a la coyuntura de nuestro país, pero la apuesta actual es ir por el 100%. Un acontecimiento escénico que se realiza de forma independiente y cuenta con el esfuerzo de todos los que intervienen. El equipo a cargo del Festival también comentó que en el 2018 se podrá participar de los tres workshops, además se suma un espacio de conversación e intercambio post-función y que ya cuentan con un afiche de difusión que unifica a las ciudades participantes.

Programación TABA 2018

Ramón no es nombre para un gato blanco (España / Badajoz) Una historia de contrasentidos grotescos

Interpretación y dramaturgia: José Antonio Lucia. Dirección: Pedro Luis López Bellot. Foto y video: Félix Méndez. Producción: Murática Teatro. Duración: 70’.

Cosas que se olvidan fácilmente (España / Cataluña) Un juego de cartas convertido en un montaje teatral para cinco espectadores

Creación, dirección e interpretación: Xavier Bobés. Vestuario: Antonio Rodríguez. Producción: Xavier Bobés y el Festival TNT- Terrassa Noves Tendències. Colaboración: L’Animal a l’Esquena. Duración: 90’.

PLUJA (España / Cataluña) Música, títeres, gesto y teatro visual. Un espectáculo íntimo y cercano

Intérpretes: Guillem Albà – Clara Peya. Creación: Marc Angelet, Andreu Martínez, Clara Peya – Guillem Albà. Dirección: Guillem Albà. Dirección musical: Clara Peya. Dramaturgia: Marc Angelet. Coreografía: Ariadna Peya. Duración: 40’.

Psicosis de las 4.48 (España / Cataluña) Anna Alarcón, Mejor actriz Premio BBVA de teatro 2016

Autora: Sarah Kane. Traducción: Anna Soler Horta. Actriz: Anna Alarcón. Dirección: Moisès Maicas. Producción: The Three Keatons. Duración: 80’.

Solo una actriz de teatro (Uruguay) Estela Medina, discípula de Margarita Xirgu

Texto: Gabriel Calderón. Dirección: Levón. Intérprete: Estela Medina. Escenografía y luces: Claudia Sánchez. Vestuario: Soledad Capurro. Banda Sonora: Fernando Condon. Dirección adjunta: Homero González Torterolo. Dirección técnica: Claudia Sánchez. Producción artística, dramaturgismo: Laura Pouso. Producción general: Laura Pouso. Duración: 70’.

Savia (Perú) Explotación, pueblos indígenas, tortura y capitalismo

Elenco: Leonardo Torres Vilar, Patricia Barreto, Cindy Díaz, Evelyn Allauca, Alejandra Bouroncle, Fiorella De Ferrari, Ricardo Velásquez, Luis Sandoval, Antonieta Pari. Dramaturgia: Luis Alberto León. Versión y dirección: Chela De Ferrari.

Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar (México) Versión a partir de Las Criadas de Genet

Intérpretes: Diana Magallón García – Mari Carmen Ruiz. Dirección: Damián Cervantes. Compañía: Vaca 35, Teatro en grupo. Duración: 50’.

Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar (México) Creación teatral desde Tres Hermanas de Chejov

Creación colectiva: Vaca 35 Teatro en Grupo. Dirección: Damián Cervantes. Producción ejecutiva: Sergio Ecatl. Producción: Vaca 35 Teatro en Grupo. Intérpretes: Mari Carmen Ruiz, Damián Cervantes, Gabriela Ambriz, Diana Magallón, José Rafael Flóres, Héctor Hugo de la Peña. Duración: 60’.

Pompeya (Chile) Marginación, migrantes y discriminación

Dirección e idea original: Rodrigo Soto. Dramaturgia: Gerardo Oettinger. Elenco: Guilherme Sepúlveda, Rodrigo Pérez, Gabriel Urzúa, Gastón Salgado. Diseño sonoro: Daniel Marabolí. Diseño integral: Gabriela Torrejón. Producción: Alessandra Massardo. Duración: 90’.

El Cruce (Argentina) Adaptación del cuento homónimo de Sebastián Borkoski y relatos de Horacio Quiroga

Actúan: Juan Kohner, Toño López, Andrés Main. Dirige: Gabriela Trevisani. Dramaturgista: Valeria Folini. Luthierías y objetos: Jani Toscano. Asistencia coreográfica: Juancho Capurro. Diseño de luces: Teatro del Bardo. Vestuario: Laly Mainardi. Fotografía: Felipe Toscano. Diseño gráfico: Eva Cabrera. Duración: 50’.

Reparar a los vivos / Réparer les vivants (Francia) Adaptación de la novela de: Malas de Kerangal

Adaptación, puesta en escena e interpretación: Emmanuel Noblet. Producción: Centro Dramático. Nacional de Normandie – Rouen. Duración: 90’.

A partir de este interesante encuentro teatral comienza la temporada de Timbre4 con una completa programación que incluye veintitrés obras durante el 2018. Estrenos y reposiciones, incluyendo algunas producciones propias, con una clara propuesta de generar nuevos públicos y de encontrar novedosas formas de difusión para llegar a todos los sectores. Porque “el teatro hace bien” y, en especial, en los difíciles momentos que estamos atravesando como sociedad.

Timbre4 es una casa y la casa es una escuela y la escuela es un teatro. Y cumplir 15 años es una Fiesta2

Marisol Cambre: prensa@marisolcambre.com.ar

Información y redes

Web: http://www.timbre4.com

Facebook: /teatrotimbre4

Instagram: teatrotimbre4

Twitter: @TeatroTimbre4

Hashtag: #disfruTABA

1Preventa: todas las obras a $200.- hasta el 31/12/2017 [según el material entregado de Prensa]

2Idem

 

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Todo tendría sentido si no existiera la muerte de Mariano Tenconi Blanco

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Todo tendría sentido si no existiera la muerte de Mariano Tenconi Blanco

Tiempo de revancha

todo tendría sentido1Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La puesta de textualidad y dirección de Mariano Tenconi Blanco Todo tendría sentido si no existiera la muerte, nos lleva desde la mejor teatralidad a comprobar como los temas que nos atraviesan profundamente pueden ser elaborados desde lo artístico sin olvidar el humor, y la propia absurdidad que la vida posee. El sentido de la vida, que es la otra cara de por qué y para qué debemos morir, es el núcleo duro de su propuesta, el otro es el azar, lo imprevisto. La muerte, si bien es la única certeza que nos acompaña desde que nacemos, encierra dentro sí el enigma del cuándo y el cómo lo inevitable sucederá. Un pueblo, una familia, madre, hija y tía, una amiga peculiar que ingresa a la vida de la primera en el momento exacto de la necesidad de abrir el campo de mirada y darle a su rutina una nueva epifanía; el deseo atravesándolo todo, pero no por lo sexual solamente, sino por el cumplir un sueño que parece imposible, antes de que ya no se pueda desear nada más; el hombre que lo hará posible, y la complicidad de todos para darle a ese último tiempo la ilusión de no esperar sin revancha el camino final. La metáfora de la filmación de una película porno pero diferente, porque contiene un relato romántico, también nos habla del proceso curativo del arte para el alma, mediante la búsqueda de una creación que nos produzca un mundo distinto, siendo nosotros los hacedores del mismo, como pequeños demiurgos que se oponen al otro libreto, ese que no podemos modificar. 000167975

Con una estructura que parece una comedia de enredos, donde las confusiones esconden los miedos, la intriga se va desarrollando en la extensión temporal de tres horas, dividas en dos partes con un pequeño intervalo que nos prepara al cambio de clima que va a sucederse tras la pendiente del final. Una segunda parte que tal vez debería concentrar la tensión, o que tal vez no lo haga, para ir dejándonos ir hacia lo seguro, pero con la caricia de un tiempo de preparación. Todo sucede en un solo espacio, el comedor de una casa de clase media, decorada en blanco y verde, no es casual, el verde es la vida, y es el color de la esperanza que nunca se abandona, cuando se tiene un contexto contenedor como el amor y la amistad. Porque también la puesta es un canto a la amistad; todos los personajes conforman finalmente, en el acto de ese deseo que no es de todos, pero que todos quieren cumplir para…una cofradía dispuesta a las acciones más disparatadas para lograrlo. En ese espacio único, se produce el torbellino de la vida, metáfora de que no es el contexto el que debe modificarse, sino nuestra forma de relacionarnos con él lo que va a marcar la diferencia. Las actuaciones son excelentes, en ese tempo medio que nos lleva de la mano de la tragedia sin melodrama, sin golpes bajos, sin dramaticidad sino con la lógica común de la vida que cíclicamente se sucede entre el nacer y el morir. Como decía Beckett en Esperando a Godot: “A caballo entre una tumba y un parto difícil” (2003: 104).

Esta obra se estrenó marco de la 11va edición del FIBA en el Centro Cultura R. R. Rojas, el 6 de octubre.todo tendría sentido2

Ficha técnica: Todo tendría sentido si no existiera la muerte de Mariano Tenconi Blanco. Con: Lorena Vega, Maruja Bustamante, Andrea Nussembaum, Juana Rozas, Bruno Giganti y Agustín Rittano. Escenografía: Oria Puppo. Vestuario: Cecilia Bello Godoy y Johanna Bresque. Iluminación: Matías Sendón. Coreografía: Jazmín Titiunik. Musicalización: Mariano Tenconi Blanco. Música original compuesta por Ian Shifres e interpretada por Francisco Garat (guitarra), Arístides Prando (saxo) e Ian Shifres (teclados). Fotografía: Sebastián Freire. Arte en fotografía: Mume Boskovich. Diseño Gráfico: Gabriel Jofré. Prensa: Luciana Zylberberg / [El Cultural San Martín. Coordinación de montaje: Mariana Mitre. Producción general: Carolina Castro. Asistencia de escenografía: Florencia Tutusaus. Asistencia de vestuario: Elisa D’Agustini. Asistencia de iluminación: Sebastián Francia. Asistencia de producción: Eugenia Tobal. Meritoria de dirección: Ana Schimelman. Asistencia de dirección: Maxi Muti. Dirección: Mariano Tenconi Blanco. El Cultural San Martín: sala Muiño. Duración: 180’ con intervalo.

Centro El Cultural San Martín, CABA: domingo, viernes y sábado – 20:00 hs -del 20/10/2017 al 12/11/2017.

Comedia de la Provincia, La Plata: viernes y sábado – 20:00 hs -del 17/11/2017 al 09/12/2017.

Bibliografía:

Beckett, Samuel, 2003. Esperando a Godot. Buenos Aires: Editorial Sol90. Colección Premios Nobel.

2666 de Roberto Bolaño

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2666 de Roberto Bolaño

Adaptación de Julien Gosselin

Un oasis de horror en medio de un desierto de aburrimiento (Charles Baudelaire)1

fiba simon_gosselinAzucena Ester Joffe

La megapuesta en escena de 2666, bajo la dirección Julien Gosselin, fue el cierre perfecto para la 11va edición del FIBA. El Festival se desarrolló entre el 5 y el 21 de octubre, pudimos disfrutar de obras internacionales y nacionales junto a talleres, charlas con los creadores, ciclo de cine, presentaciones de work in progress, también de libros y otras actividades gratuitas de teatro, danza, música y artes visuales.

2666 es una obra que despertó mucha expectativa por su duración (once horas y media), y fue “apostar a la experiencia en sí misma”2. Es la impactante y perfecta adaptación de la novela homónima de Roberto Bolaño. El joven director francés viene cosechando aplausos desde su presentación en el Festival de Avignon 2016, junto a los intérpretes de la compañía Si Vous Pouviez Léchez Mon Cœur (Si pudieras lamer mi corazón). Por otro lado, es indiscutible el reconocimiento al escritor chileno, considerado por muchos como uno de los grandes autores hispanoamericanos del siglo XX. La decisión de Julien Gosselin fue respetar los cincos libros de la novela póstuma separados por cuatro intervalos. Realmente todo un desafío para cualquier espectador:

Parte de los críticos”: cuatro críticos de diferentes nacionalidades inician una relación de amistad por su objeto de estudio: la obra del escritor alemán Benno von Archimboldi. Esta pasión los lleva a Santa Teresa, México, donde hay indicios de que podría encontrar aún con vida al autor.

Parte de Amalfitano”: Oscar Amalfitano es un profesor de filosofía que llega a la Universidad de Santa Teresa con su hija, pero comienza a sufrir ciertos síntomas de trastornos mentales mientras su hija mantiene una relación amorosa con un ser despreciable de esa localidad.

La parte de Fate”: una periodista afroestadounidense es enviada, no de forma azarosa, para cubrir supuestamente una pelea de boxeo cuando en realidad debe realizar una entrevista en la cárcel de máxima seguridad. El temor que la joven siente la lleva a relacionarse con un periodista deportivo mexicano.

Parte de los Crímenes”: son los datos duros de los asesinatos según la investigación de un policía, presentados de forma cronológica. Anotaciones precisas de cada víctima: el nombre y la edad cuando se pudo reconocer el cuerpo, los resultados de la autopsia, el lugar y cómo fue hallada esa mujer, casos en los que nadie reclamo el cuerpo,…

Parte de Archimboldi”: retomando la búsqueda inicial del escritor alemán, quien en realidad se llamaba Hans Reiter, recorremos parte de su carrera militar en el Frente Oriental durante la Segunda Guerra Mundial.

No es la intención de esta nota abarcar esta descomunal obra, sólo intentaremos resaltar algunos de los principales recursos o elementos escénicos que captaron nuestra atenta mirada a lo largo de su desarrollo.2666

El inicio, mediante la utilización de la voz over, nos ubica en la ciudad Santa Teresa (en alusión a Ciudad Juárez), y no por casualidad en el limite con los Estados Unidos, donde los brutales femicidios no cesan. Es la puesta en escena de la extrema violencia constitutiva de una sociedad sumida en la droga y el alcohol. Si bien todos conocemos el núcleo duro de la historia, una realidad atroz que parece estar naturalizada por los gobiernos a ambos lados de la frontera, es imposible no sentir cierta opresión ante la intensidad visual y auditiva del relato. En la primer Parte, en el espacio amplio escénico observamos solo a cuatro académicos entre los elegantes sillones Le Corbusier, pero luego los momentos muy bien logrados de suspenso desembocan necesariamente en el horror y en la interpelación al espectador en tanto sujeto social que somos. Y de este modo hacernos recuperar nuestra memoria social. Manteniendo la estructura y el hilo narrativo de la novela, la escritura escénica genera una impresionante experiencia cinematograficamente teatral con una clara decisión estética la excelente iluminación con elementos expresionista, claro oscuro / luces y sombras remarcando los excesos; encuadres minuciosamente estudiados, grandes pantallas, primeros planos y movimientos de cámara en mano hiperlentos; la duplicación de algunas escenas en el espacio escénico con las proyecciones de forma simultánea; la impactante música electrónica en vivo que va in crescendo, con una intensa función dramática que genera cierta atmósfera amenazante; el impecable vestuario y accesorios a lo largo de la obra; …

El dispositivo escénico grandilocuente” se desplaza constantemente y puede cambiar, transformar el espacio lúdico de tal forma que parece deglutirnos -Santa Teresa, Londres, Barcelona,… Espacios privados y públicos, una prisión o un hotel, no importa porque más allá del artificio -como los considerables receptáculos transparente que por momentos ocultan parcialmente su contenido los distintos espacios se multiplican en medio de un clima asfixiante, de presencias y ausencias.

Un sólido elenco que representa a varios personajes, le otorga a cada uno la intensidad particular que requiere la situación dramática. Con cada intervención o desplazamiento, con la gestualidad o las inflexiones de la voz, construyen una corporalidad violenta que habita el espacio. Todos los sistemas significantes encastran perfectamente en un hecho escénico sin fisura y que logra atrapar al espectador a lo largo de casi 12 horas. Un acontecimiento teatral de larga duración donde las potentes imágenes visuales y auditivas tienen una dinámica de fuerza centrípeta poco habitual. Esta energía escénica deja instalada la pregunta desde su inicio: ¿qué es real y qué es ficción? La violencia, institucional y doméstica, junto al miedo que devora las entrañas de las jóvenes obreras/maquilladoras, por un lado, y la impunidad de un machismo incomprensible y exacerbado, por el otro, constituyen las dos caras de la misma sociedad en nuestro actual siglo XXI. Quizá el título cuenta del doble horror por todos conocido: primero el 2 -Auschwitz y Ciudad Juárez- y sus tres últimos dígitos, 666, el número que relacionamos con el diablo, con la bestia. Podríamos pensar que 2666 es una experiencia visceralmente violenta, que no le permite al público aburrirse y, a su vez, le hace sentir a flor de piel la fragilidad que produce la desmesura de la violencia contemporánea.fiba simon_gosselin_0

Ficha técnica: 2666 de Roberto Bolaño. Compañía: Si Vous Pouviez Lécher Mon Coeur. Adaptación y dirección: Julien Gosselin. Elenco: Rémi Alexandre, Guillaume Bachelé, Adama Diop, Joseph Drouet, Denis Eyriey, Antoine Ferron, Noémie Gantier, Carine Goron, Alexandre Lecroc-Lecerf, Frédéric Leidgens, Caroline Mounier, Victoria Quesnel y Tiphaine Raffier. Creación y dirección musical: Rémi Alexandre y Guillaume Bachelé. [Diseño de escenografía: Hubert Colas] Diseño de iluminación: Niko Joubert. Diseño de sonido: Julien Feryn. Diseño de video: Jérémie Bernaert y Pierre Martin. Diseño de vestuario: Caroline Tavernier. Teatro San Martín: sala Martín Coronado. FIBA: 20 y 21 de octubre de 2017.

1Epígrafe al comienzo de la novela.

2El director del FIBA, Francisco Irazábal declaró a la Nación que “no quería sólo obras en salas y sí apostar a la experiencia en sí misma”. http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com.ar/2017/10/fiba-2017-modo-de-analisis.html [30/10/2017]

Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017

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Bienal Arte Joven Buenos Aires

El 12 de junio se realizó el anuncio oficial de los bienalistas 20171

230 obras y proyectos fueron seleccionados entre más de 6600 postulaciones para participar de la Bienal Arte Joven Buenos Aires.

800 artistas integran los equipos de las obras y proyectos participantes en cinco disciplinas: Artes escénicas, Artes visuales, Artes audiovisuales, Música y Literatura.Grupal Bienalistas 2017 - Foto gentileza prensa Bienal Arte Joven Buenos Aires

SELECCIONADOS EN ARTES VISUALES

Proyecto de artes visuales a desarrollar con tutoría de Patricio Larrambebere, Lara Marmor y Marcela Sinclair. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Ángeles Ascúa – Piel de empedrado corazón de leche y de trigo

Lil Limen y Julián Solís Morales (Grupo Karicia) – Compañía naviera del Litoral S.A.

Santiago Delfino – Simiente

Alfredo Frías – Apuntes visuales para la reconstrucción de una historia negra

Nacha Canvas – Hiel de Buey

Ramiro Quesada Pons – La imagen real

Artistas visuales. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Santiago Delfino –El nombre es un arma

Ale Moreyra – Última llave

Franco Basualdo – Al estado más pesado no le flamea la bandera

Beto. – Nuevo orden

Lucía Delfino – La promesa de lo efímero

Santiago Colombo – Percepción

Jimena Mariel Travaglio – Sin título, de la serie “Reliquias”

Antonella Agesta – Deliciosa

Verónica Madanes – l virtuosismo me deprime

Vil Schulman – Asamblea general

Federico Roldan Vukonich – Izemberg

Alfredo Frías – Queso presente

Rocío Englender – Sin título

Mayra Vom – Sin título

Lucas Ardu – Cuerpo Nº2, de la serie “La oscilación de los cuerpos”

Valentina Ansaldi – Gran circo de Moscú

Ariela Bergman – Guardo mercurio suelto

Esteban Martínez – Sin título, de la serie “Ejercicios de supervivencia”

Rodolfo Sousa – Copia Académica

Nani Lamarque – La evaporación del encanto

Ivo Aichenbaum – Diario internacional: la acción de la historia

Julia Padilla – Sin título

Santiago Licata – Cosa portal o la vista tonta

Lucas Federico Tula – Pareja de murciélagos y su primera casa en el conurbano

Micaela Piñero – Lucha

María Candelaria Traverso – Trayectos del MADE IN

Hernán Aguirre García – Ejercicios sobre la autoportancia

Lucas Fiorucci – Sin título

Manuel Aja Espil – Level Up

Camila Carella – Sin título

Nazareno Pereyra –Antihorariodomini

Magdalena Petroni – Sin título

Sasha Emanuel Minovich – Sonda Voyager

Jazmín Giordano – Autogestión del cariño

Andrés Piña – Piel quemada

Celeste Rojas Mugica – Una sombra oscilante

Santiago Hernández – Error: Infinito

Eloy Mengarelli – ¿Y si alguna vez fuimos tan fuertes?

Malcon D’Stefano – Patriota

Ramiro Achiary – El ojo frío que todo lo ve, y el tejido onírico de lo imposible

Leonardo Adán Vallejo – Retablo federal

Manuel Baigorria – Retrato de las hojas

Mara Verena – Un fuerte (contra todo lo que yo misma)

Gonzalo Maciel – Experimentos con cielos

Cindy Mamani – Mímesis total

SELECCIONADOS EN ARTES ESCÉNICAS

Proyecto de obra de teatro, danza o interdisciplina a desarrollar con tutoría de Andrea Servera, Luis Cano y Rubén Szuchmacher. En teatro musical: Pablo Gorlero, Joaquín Bonet y Martín Bianchedi. Se presentarán en los teatros: El extranjero, Elkafka, Beckett, TIMBRe4, Abasto social Club, El Picadero y La Comedia.

Macarena Orueta – Los imitadores (Interdisciplina)

Juan Cruz Forgnone – El canto invisible (Teatro)

Bianca Lerner – Ninfa (Interdisciplina)

Franco Calluso – Ruido blanco hielo (Teatro)

Ezequiel Salinas – Cosas que pasan cuando le hablás a un desconocido en el aeropuerto (Interdisciplina)

Valeria Polonera – Anomalía (Daza)

Andie Say, Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira – Mamá está más chiquita (Teatro musical)

Matías Prieto Peccia, Mariel Velez y Vanesa Butero – No me digas que ya se (Teatro musical)

Artistas escénicos. Se presentarán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Tadeo Pettinari – En la piel

Gastón Guanziroli – Breve relato sobre una mujer que va a la fiesta de cumpleaños de su ex y termina adentro de una botella

Nacho Bartolone – La piel del poema

Nicolás Blandi – Lágrimas de pez

Jorge Dreschler – Madorrán

Lucas Martinetti – Toda historia de amor implica una muerte

Alberto Antonio Romero – Malviaje

Lisandro Outeda – El susurro de los bosques

Leandro Orellano – Mientras muero imagino huevos que se pudren

Pablo Sigal – Polite

Carla Grella – Homealone

Eugenia M. Roces – Destructivo de un desastre irruptivo

Martina Kogan y Lucía Disalvo – Fecha 5

Delfina Thiel – La Montón, Lucía García Pulles – La Montón – Samanta Leder – La Montón – El risco

Abril Lis Varela y Emannuel Palavecino – Las ganas

Martina Schvartz y Violeta Danzinger – Carretera

Marysol Benitez – Posmo

Victoria Delfino – Mostra

Agostina Luz López – Los milagros

Iván Haidar – Lugar monstruo

SELECCIONADOS EN ARTES AUDIOVISUALES

Proyecto de serie web a desarrollar con tutoría de Florencia Clerico, Javier Zevallos y Santiago Melazzini. Los estrenos se realizarán en el Centro Cultural Recoleta y luego estarán disponibles de forma completa en la web de la Bienal.

Cecilia Pisano, Martina López Robol y Iair Said – Emilia Envidia

Nahuel Billoni Ahumada y Maitena Minella – Minga

Ignacio Del Campo Ituregui, Camila Peralta, Ailín Zaninovich, Cecilia Marani y Giselle Fernández – Protagonistas

Directores audiovisuales con un corto terminado y un proyecto en desarrollo. Sus cortos se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Juan Renau – Incendio/Rescate

Jerónimo Quevedo – Enfrentar animales salvajes

Santiago Reale – Esta es mi selva

Milton Secchi – Donde no hay nada

Tatiana Mazú González – Hay una foto que no entendí

Micaela Gonzalo –Toda mi alegría

Mariana Sanginetti – Antes de irme

Ramiro Bailarini – No aflojes Miriam

Manque La Banca – Los 7 perdones capitales: 3. El futuro

Melina Gutman – Miscelánea familiar

Cinthia Konopacki – Colonia delicia

Gala Negrello – La isla

Julieta Seco – dónde estás en el futuro?

Pavel Tavares – Alexander

Manuel Embalse – Eliminar videos

Juan Bobbio – La fiebre que espera despertar

Inga Valencic – Pandora

Lautaro García Candela – Carta a Lara

Juan Manuel Ribelli – Huesitos de pollo

Carla Finco – Desquicies

SELECCIONADOS EN LITERATURA

Proyecto de novela breve a desarrollar con tutoría de Marina Mariasch y Hernán Ronsino. La clínica de obra se realizará en el Centro Cultural Recoleta. De entre todos ellos se seleccionará uno que será publicado por la editorial Entropía.

Natalia Rozenblum – Baño de damas

Rodolfo Omar Serio – Los machos se duermen primero (o el día en que Julie Andrews casi se afilia al Partido peronista)

Corina Bistritsky –Arambasic

Nicolás Ferraro – El cielo que se aleja

Agustina Massa – La virgen de los helados

Carolina Romano – Sirio B

Jazmín Carballo – Todos somos vos

Julieta Yanel Salman – Labio partido

Martín Jali – Las luces intransferibles

Tomás Schuliaquer – Una flor que allá no existe

Lucía Rud – Buenos Aires y otros países

Matías Bounfrate – Constantino

Eric Barenboim – Suárez en Kosovo

Nubia Bado – Invasión en el Abasto

Santiago Pérez Izquierdo – Yisuerí

Valentina González Nucci – Fallecimiento presunto

Escritores con cuento o poesía. Se publicarán dos antologías, una de cuento por Eterna cadencia y otra de poesía por Editorial Mansalva.

Mariana Komiseroff – Ladrillos impares

Nahuel Repetto – Carta de mamá

Micaela Gonzalo – La casa de Cristina

Miguel Bruno – Como una rata

Guido Gamba – El distinto

Blas Rivadeneira – Taller literario

Martín Gonzalo Borches – Polígono

Juan Pablo Castro Brunal – Tres hermanas

Martín Sporleder – El canto de la tierra

Santiago Clément – El manicomio

María Florencia Scaia – Enroscada

Franco Calluso – Los jabalíes

Santiago Molina Cueli – Criatura la

Mariel Leite Escobar – Laundry

Juan Agustín Otero – Después del penúltimo cigarrillo

Juan Ignacio Sapia – La experiencia Tracketk

Vanesa Pagani – Lo electrodoméstico

José Mariano Pulfer – Encuentros cercanos

Martín Jali – La nieve de los cuerpos

Juan Gabriel Miño – Leandra

Josefina Salazar – Ciudad Pampa

Gabriela Clara Pignataro – El lapacho es la imagen de la furia

Laura Junowicz – Demolición.

Paula Andrea Galindez – Mater

Rita Chiabo – que lo sepa

Fernanda Mugica – El núcleo duro

Florencia Palacios – La memoria

Delfina Uriburu – Altar

Larisa Cumin – Lelo

Sofía LeBlanc – poemas

Diego de Angeli – poesía

Nicolás Ghigonetto – Gabriel Leivas

Alex Piperno – Los estándares de belleza en los pastizales

Juan Manuel Artero – Seudónimo Papaíto Piernaslargas

Micaela Piñero – En el río

Triana Leborans – leboransbienal

Joaquín María Zuaniche – Normal uno

Julián Berenguel – Barrio

Antonella Romano – Expansión

Julieta Troielli – La tierra que necesita una familia

Gustavo Yuste – Olor a sol

SELECCIONADOS EN MÚSICA

Bandas o solistas con tutoría de Matías Cella, Pablo Tevez Oliveti, y Mariano Esain. Las presentaciones se realizarán en el Centro Cultural Recoleta.

Ragazzas

La Femme D’Argent

Candelaria Zamar

Trostrigo

Nahuel Briones

Fenna Frei

Anamoli

Billy Zabaleta

QOME

Pandelindio

Las sombras

Translucido

Juan Izkierdo Grupo

EMEVE

Aleph, Fitzca, Camadour,

Pablo Enelotromundo

Gaby Améndola Trío

Polandria

Loto

Ankamora

Solentina

Galácticas Mareas

El Zar

Nidos

Agustín Donati

 SELECCIONADOS PEDALÚDICO

Convocatoria a artistas de todas las disciplinas para participar de una residencia de creación e investigación en la cual se desarrollarán una o varias obras que utilizarán el sistema de bicicletas de proyecto PedaLúdico.

Joan Benito Britez

Erika Ortiz Díaz

Aldana Olivello

Lucía Pedrón

Marcos Martínez

Santiago Colombo

Carolina Casquil

Martín Aranda

W:buenosaires.gob.ar/labienal

Fb: /LaBienalBA

Tw: @LaBienalBA

In: /labienalba

Más información, pedido de notas y material para prensa: prensalabienal@buenosaires.gob.ar

Marisol Cambre | Antonela Santecchia | Valeria Marcovecchio

1Según gacetilla de Prensa

Festival Temporada Alta 2017

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Festival Temporada Alta 2017 [IV]

unnameden Timbre 4 (4 al 16 de Febrero)

Chile-Argentina / Argentina

Azucena Ester Joffe

Esto se iba a llamar proyecto Chejov (Work Sin Progress) de Felipe Rubio (Chile-Argentina)

La originalidad consiste en volver al origen (A. Gaudi)

El director y actor chileno radicado en nuestro país, Felipe Rubio, presentó en Timbre 4 una obra cuyo principio constructivo es lo autobiográfico y que él denomina “obra fallida”. Éste es su “primer trabajo completamente en solitario”, un relato de vida que rompe con la cuarta pared y en el cual los límites entre lo real y la ficción, entre la persona y el personaje, son difusos. El espacio escénico apenas iluminando de la sala Boedo es el marco perfecto para que el performer y autor relate su vida haciendo referencia a su pasado y en especial a la figura de su padre, a su presente en Buenos Aires y a los proyectos en un futuro cercano. La narración vívida tiene variantes en cada función y nos convierte en yoverista desde su inicio. Una intimidad ajena con puntos de encuentro con nuestra historia personal que nos moviliza, más allá de la teatralidad del monólogo. Las frases y los documentos proyectados sobre las paredes, la música, el video del padre realizando una comida mientras escuchamos algunas de sus vivencias, …, todo confluye de manera amena. Dando cuenta de la investigación de años y en soledad sobre sus orígenes -Irlanda, Estados Unidos, Chile y Argentina, a la cual se le van suman nuevos datos. Rubio se toma ciertas licencias y, por momentos, parece ser sólo el niño o el adolescente que nos introduce en sus recuerdos de manera espontánea y fresca. En otros, es el joven actor que cuestiona el anonimato de la sociedad globalizada y la forma en que algunos “espectadores” opinan en ciertos espacios en la web destruyendo un hecho creativo, sólo porque no supieron comprender cuál era el código y el material propuesto. Pero dónde quedan nuestras raíces, sueños e ideales y nuestros verdaderos amigos ahora que nuestra cotidianidad está mediada por la “realidad virtual”. Esta obra es el resultado de la residencia que realizó en el Espacio Granate, y más allá de las relaciones familiares, es “el intento desesperado de volver a algún origen para poder continuar… ¿Continuar con qué? ¿Cómo continuar? ¿Cómo continuar el deseo creativo? ¿Se acabaron las ideas?… ¿Cuánto hay de ficción en nuestras vidas?”1 Una performance emotiva, sin golpes bajos, que “actualiza” la necesidad innata de todo mortal de estar vivo, de tener el sentido de pertenencia y de sentirse amado.Chile - Esto se iba a llamar Proyecto Chejov

Ficha técnica: Esto se iba a llamar proyecto Chejov (Work Sin Progress) de y por Felipe Rubio. En video: Rodolfo Rubio. Audiovisuales: Lucas García. Fotografía: Ana Luccia Chiarello, Enrico Piccirillo, Felipe Rubio. Asistencia técnica: Victoria Bello, Emilia Rebottaro. Producción: Teatro The Naidens Compañy, Espacio Granate, Plataforma Lodo. Colaboración general: Victoria Bello, Emilia Rebottaro. Supervisión: Paula Herrera Nóbile. Dirección: Felipe Rubio. Sala Boedo. Duración: 60′.

Rey Lear de Rodrigo García (Argentina)

Cocinar acusaciones. Cultivar lamentos. Sazonar crímenes. Mechar rencores.

Degustar traiciones. Asar delitos. Aromatizar denuncias…

La multiplicidad de sentidos en las puestas en escena de Emilio García Wehbi es constitutiva de su particular estilo, donde se fusionan la creación y el acto político. Rey Lear es una propuesta performática que nos interpela desde su inicio para transformarnos, sin previo aviso, en sujeto espectador. La dupla García / Wehbi es por demás explosiva, a nuestro entender, pues ambos comparten esa búsqueda constante entre la experimentación crítica y el cuestionamiento a lo establecido, legitimado, en el quehacer teatral y en la sociedad. La escritura dramática y la escritura escénica parecen ser producto de un oráculo contemporáneo, cuyo enigma plantea la ambigüedad y lo siniestro en ciertas relaciones humanas -como el mandato paterno y la herencia, el desprecio por la vejez, la soledad, la locura del poder y la ambición desmedida, … Es difícil definir esta propuesta escénica, quizá podríamos pensar en una performance de acciones, necesaria para exorcizar los demonios producidos por la sociedad globalizada.

Al ingresar a la sala la obra nos deglute; en el amplio espacio lúdico todo está exhibido y satura nuestra mirada: el elenco con el vestuario adecuado para convocar el clásico shakesperiano que rápidamente será descartado, además observamos instrumentos musicales y micrófonos, una gran mesa o tarima, … Y lo más llamativo es que a ambos laterales están terminando de cocinar y decorar distintos platos, como si en alguna “escena” hubiese un brindis o un festejo, mientras se van lavando los utensilios empleados. Nada más alejado a la instancia creadora:

El espacio escénico será el de una comilona, en donde se desatará una especie de “guerra de y por los alimentos”. De modo fuertemente paródico, utilizando la metáfora alimenticia como modo de narrar las relaciones humanas (sanguíneas, afectivas, sociales y políticas) se desarrollará la tragicomedia.2

Una obra profusa, compleja, provocadora y que incomoda al espectador desprevenido o aquel que intente encontrar y comprender la historia. Los performers de manera perfecta nos presentan a unos seres que son dichos por la fuerza y la violencia de las palabras. De esta solidez actoral destacamos la pregnancia de Maricel Alvarez, tanto en el plano físico como verbal / musical. De este modo, la acción performática hace estallar los límites del espacio y del tiempo por la potencia de los monólogos, de cada frase, que tienen el sello de la desmesura. El rey Lear, sus hijas -Cordelia, Regan y Goneril- y el bufón shakesperiano alternan entre lo existencial y lo político, la humillación de los débiles y la soberbia de los poderosos, …, provocando en este relato un grito violento -que nos recuerda a El grito de Edvard Munch- un grito desesperado producto de la “angustia existencial del hombre” del siglo XXI. Nuestra percepción queda aturdida y las butacas parecen no contenernos, pues al romper la cuarta pared desde el inicio de forma vertiginosa, nos sentimos como en diferentes sitios de esta incontrolable tempestad. Para nuestro respiro, el humor sarcástico y la expresión sensible también están presentes como las proyecciones en una de las paredes y las frases que son escritas en la pizarra, mientras los aromas culinarios confunden nuestros sentidos. Lo perfomático, corrosivo y devastador, nos produce un punzante e inteligente distanciamiento. Es una metáfora culinaria con sabor apocalíptico que plantea, en una dimensión cultural-ritual, la violencia sistemática ejercida sobre el cuerpo social.Argentina - Rey Lear

Ficha técnica: Rey Lear de Rodrigo García. Actúan: Maricel Alvarez, Anita Balduini, Cecilia Blanco, Camila Carreira, Mateo De Urquiza, Vanesa Del Barco, Federico Figueroa, Emilio García Wehbi, Pablo Seijo, Amalia Tercelán, Paula Trinanes. Vestuario: Belén Parra. Escenografía: Julieta Potenze. Iluminación: Agnese Lozupone.Video: Santiago Brunatti. Música y Sonido: Marcelo Martinez. Fotografía: Nora Lezano. Diseño gráfico: Leandro Ibarra. Asistencia artística y Producción ejecutiva: Julieta Potenze. Asistencia musical: Vanesa Del Barco. Asistencia de dirección: Paula Baró. Arreglos musicales: Marcelo Martinez. Coreografía: Marina Sarmiento. Dirección: Emilio García Wehbi. Sala México. Duración: 90′.

Participantes Torneo de dramaturgia 2017El jueves 16 de febrero finalizó la 5ta edición Festival Temporada Alta con una programación nacional e internacional que permitió disfrutar de distintas propuestas y realidades. Tanto las obras de Latinoamérica como las de España nos dejaron la agradable experiencia de disfrutar del buen teatro, a partir de la perfecta conjunción de todos los integrantes del quehacer teatral. En las dos semanas que compartimos en Timbre 4 no faltaron los eventos especiales, con entrada libre y gratuita:

* Torneo de Dramaturgia -Cataluña vs Argentina;

* Altos Workshops -de “Acciones físicas en el unipersonal” y de “Búsqueda y creación artística”;

* Ciclo Altas Mesas de conversación -“Nuevas orientaciones de la dramaturgia en el mundo; contemporáneo”, “Modelos de producción para las artes escénicas” y “El teatro independiente hoy”.

Este evento cuenta con el apoyo de: Institut Ramon Llull – Illenc – Acción Cultural Española (AC/E) – Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) – Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) – Embajada de España – Embajada de Chile – Centro Cultural Matta – Alternativa teatral. Festival declarado de Interés Cultural por el Régimen de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires

Prensa: Marisol Cambre

1Según el material entregado como programa de mano

Festival Temporada Alta 2017

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Festival Temporada Alta 2017 [III]

unnameden Timbre 4 (4 al 16 de Febrero)

Cataluña / Chile-Argentina / Perú

Azucena Ester Joffe

Acorar de Toni Gomila (Cataluña)

Cómo mueren los pueblos cuando mueren las palabras…

Podemos decir, sin miedo a equivocarnos, que Gomila es mallorquín “de pura cepa”; una expresión muy nuestra que quizá no existe en las ricas variantes dialectales de las Islas Baleares. Pero el unipersonal de color local, con sus modismos, involucra la memoria privada de cada espectador y la necesaria reflexión colectiva sobre nuestro futuro próximo.

En el centro del amplio espacio escénico, un gran lienzo -entre el color de la tierra y de la arena, que en otro momento será de color rojo como es la sangre- donde se proyecta la imagen de una picadora de carne que pareciera “escupir” los trozos que ha triturado. El personaje con su mameluco de matarife como listo para iniciar la jornada de matanzas, nos recuerda el simple “arte” de silbar, algo tan particular que utilizaba un hombre para avisar que había llegado a su casa, hoy nos resulta algo extraño cuando escuchamos a alguien silbando en la calle. ¿Qué significa este verbo catalán? El término acorar tiene varias acepciones1 pero aquí el hilo conductor tiene que ver con la habilidad innata de un oficio que se ha transmitido de generación en generación: el golpe certero, preciso, en el ritual que se lleva acabo y donde hay un punto de encuentro entre ese animal, un cerdo, y su “Judas” que lo ha cambiado por unas cuantas monedas. Una mirada y el dolor a flor de piel de quien lo ha cuidado y alimentado hasta ese momento. Luego, un segundo ritual donde participan los parientes, amigos y vecinos: la elaboración de la sobrassada. Este tradicional producto de las Islas parece dividir al mundo en dos partes: “Mallorca y fuera de Mallorca. Y fuera, cuatro partes más: la Península (Barcelona), París, Buenos Aires y tierra de moros. El resto es oscuridad, misterio, miedo: el infierno”.

La pregnancia escénica de Toni Gomila puebla a ese espacio lúdico despojado con una polifonía casi ancestral, con sus tonos y ritmo, con la gestualidad de su rostro y su mirada penetrante nos sumerge en un relato que oscila entre ficción y realidad, humor y emoción. No es un relato con sabor a nostalgia sino un homenaje a nuestros abuelos, a nuestros padres, que sabían distinguir las cosas importantes del día a día -entre los árboles o entre un búho y una lechuza- y no los datos superfluos -como las pequeñas diferencias entre un iPhone 3GS o un iPhone 4- de la sociedad globalizada que nos lleva, inevitablemente, al anonimato. Es un llamado de atención sobre ese mundo que todos estamos viendo desvanecer y sin reparar en lo importante que es para nuestra identidad, para nuestro sentido de pertenencia. Una escritura dramática desde la pasión y el amor por su lugar de origen que nos lleva por un recorrido intenso, hacia un pasado rico en sentidos y también hacia un futuro mediado por la tecnología y lo efímero. Una escritura escénica vívida con un ritmo interno preciso; cada escena nos interpela, atraviesa y conmueve de tal modo que Acorar será un hecho teatral difícil de olvidar. Una poética y una dura metáfora de nuestra contradictoria sociedad.Baleares - Acorar 2

Ficha técnica: Acorar de y por Toni Gomila. Vestuario: Rafael Lladó. Iluminación: Rafel Febrero. Máscaras: Toni Gomila. Margalida Munar. Espacio escénico: Rafael Lladó. Sonido: Rafel Febrero. Artista plástico: Pere Terrassa. Fotografía: Francesc Meseguer. Asistencia de dirección: Antónia Jaume. Producción ejecutiva: Cristina Bugallo, Fátima Riera. Producción general: Produccions De Ferro. Dirección: Rafael Durán. Sala México. Duración: 60′.

Migrantes, Teatro para un espectador del grupo Monomujer (Chile-Argentina)

¡Negra! / Negra soy / De hoy en adelante no quiero / laciar mi cabello / No quiero / Y voy a reírme de aquellos, / que por evitar -según ellos- / que por evitarnos algún sinsabor / Llaman a los negros gente de color / ¡Y de qué color!2

Esta interesante propuesta teatral, en pequeño formato: teatro para un espectador, tuvo su primera presentación allá por el 2013 y también en Timbre 4. Las tres obras breves que integran Migrantes,… dan cuentan del excelente trabajo del grupo Monomujer. Nada más actual que el desafío universal que significa ser un migrante, en especial, en nuestra sociedad globalizada donde los derechos humanos están desapareciendo en la era Trump.

El recorrido se inicia con Conventillo e ingresamos al gabinete al cual hemos sido conducidos amablemente. La historia relata de qué modo conviven cuatro jóvenes latinoamericanos (paraguaya, colombiana, chileno y mexicano) que intentan festejar Navidad alejados de sus afectos. Hacinados y asediados por el calor, los cortes de luz y la mala relación con el locatario, intentan afrontar la cotidianidad mientras un amigo en común pasea por Venecia, gracias a la ayuda económica del grupo. El elenco de forma acabada le da textura a estos personajes con cierto aire adolescente, en un clima de armonía más allá de la hostilidad del entorno. Mientras el espectador disfruta de cierta pasividad por ese límite ficcional que construye la cuarta pared.

Luego, y siempre acompañados, cambiamos de Sala para poder ingresar al segundo gabinete, mientras una joven nos susurra un poema. La Cautiva nos retrotrae a la década del ’40, a los suburbios, al bar de tango La Cautiva. Dos parejas, por un lado, el bailarín de tango con una dama española de la alta sociedad y, por el otro, el malevo italiano con la prostituta polaca. Estos últimos, personajes orilleros, irrumpen desde el espacio exterior. Como único espectador, nos sentimos involucrados en la tensión dramática al compartir, como si estuvieramos en la barra, el reducido espacio escénico.

Por último, después de pasar por un breve “interrogatorio” de rutina somos acompañados al último gabinete para ver y sentir en la piel a Negra. Un “monólogo musical” con datos autobiográficos realizado por la actriz chaqueña, Olave Mendoza, y la intérprete chilena, Camila Vivanco. El reducido espacio cubierto de hojas secas, como cualquier callecita en otoño, la potencia de los tonos y del rostro de Olave nos hace parte de un relato que nos atraviesa sin previo aviso. Mientras el ritmo del cajón peruano parece adueñarse de nuestra respiración, contrayendo y dilatando el espacio más allá de los límites reales del cubículo. Un relato por demás intenso que logra en apenas unos minutos una perfecta comunión con el espectador. Es difícil poner en palabras la experiencia, seguramente será distinta en cada receptor, en nuestro caso la ficción nos “devoró” con su torbellino.

Tres pequeñas historias sobre la migración en Buenos Aires, tres microespacios que nos entregan tres breves experiencias disímiles e irrepetibles. 20170119075041-

Ficha técnica: Migrantes, Teatro para un espectador. Idea general del ciclo y de las puestas en cada gabinete es del equipo de Monomujer:  Virginia Curet, Micaela García, Jimena García Conde, Luz Moreira. Vestuario y Escenografía: Estefanía Bonessa, María Vilas. Diseño Gráfico: Lolog. Producción: Julia Sánchez. Dirección General: Luz Moreira. Sala México / Boedo. Duración: 35′

Conventillo de Felipe Rubio y Luz Moreira. Actúan: Morena Giudice, Stefano Sanguinetti, Agustín Calderone, Mercedes Najman. Dirección: Felipe Rubio y Luz Moreira.

La Cautiva de Gonzalo Iglesias. Actúan: Daniel Begino / Hernán Staiger, Emilia Rebottaro, Matias López Barrios, Pamela Perez Adomaitis. Dirección: Micaela García, Virginia Curet.

Negra de Jimena García Conde. Actúan: Olave Mendoza, Camila Vivanco. Dirección: Jimena García Conde.

Los regalos de Federico Abril y Fernando Castro (Perú)

Cómo contar una tierna historia sin palabras

La Compañia de Teatro Físico fue creada en el 2013. Su fundador y director Fernando Castro recordó que fue en Argentina donde, a partir de su búsqueda personal, entró en contacto con la técnica del teatro físico de Jacques Lecoq. Una historia simple, íntima, de hombres de familia -el padre y sus dos hijos. Donde la figura materna parece haber desaparecido en el pasado cercano. Por lo tanto, las pequeñas tareas domésticas son un desafío para los tres, las travesuras de los pequeños y la responsabilidad del adulto. Y los breves momentos de ternura cuando el machismo se desvanece dejando al descubierto que también los hombres necesitan afecto, más allá de cierta violencia que responde a la idea de “cosas de hombres. En algún lugar alejado, donde la pobreza esta naturalizada, los hermanos van creciendo entre juegos y peleas, hasta que llega el momento de que el hermano mayor deberá realizar un viaje, por trabajo o por estudio, y la inevitable partida llega anunciada por un regalo: un par de zapatos. Un accesorio para nosotros, un elemento importantísimo para estos tres seres que intentan comunicarse, acercarse, aunque comparten el silencio y la soledad del entorno.

El espacio escénico contiene muy pocos elementos, sólo lo neceseario para cobijar a los integrantes del grupo familiar. El color que organiza el relato es el color de la tierra, de la tierra árida, quizá como una forma para recordar las raíces y evitar el mundo exterior. Un interesante relato donde el principio constructivo es el cuerpo del actor, un cuerpo que se hace lenguaje en la particular dinámica de sus movimientos. El lenguaje expresivo está construido por las acertadas máscaras, por las acrobacias y la gestualidad del clown que por momentos nos hace reír y en otros nos hace reflexionar sobre la fugacidad de la vida. Esa expresividad corporal del elenco le otorga textura a cada personaje de forma acabada, y deja claro que se puede contar una historia íntima, tierna, cotidiana sin la dependencia del discurso verbal. Perú - Los regalos 3

Ficha técnica: Los regalos de Federico Abril, Fernando Castro. Idea: Diego Cabello, Fernando Castro. Elenco: Diego Cabello, Eduardo Cardozo, Miquel De la Rocha. Vestuario: Alonso Núñez. Realización de máscaras: Ana Cecilia Chung. Asistencia artística: Alonso Núñez. Dirección de arte: Ana Cecilia Chung. Dirección General: Fernando Castro. Sala México. Duración: 60′.

1 La primera definición de acorar en el diccionario de la real academia de la lengua española es afligir, acongojar. Otro significado de acorar en el diccionario es rematar, descabellar, atronar. Acorar es también dicho de una planta: Enfermar, desmedrarse por algún accidente atmosférico. http://lexicoon.org/es/acorar [13/02/2017]

Según programa de mano: “El de acorar era un trabajo reservado al más experto, porque no es nada sencillo de hacer, y hoy en día muy pocos saben”.

2 Del poema Me gritaron negra de la compositora afroperuana Victoria Santa Cruz.

Festival Temporada Alta 2017

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Festival Temporada Alta 2017 [II]

unnameden Timbre 4 (al 16 de Febrero)

Alacrán o la ceremonia y Acceso

Dos piezas de intensa fuerza actoral

María de los Ángeles Sanz

Una figura vestida de impecable traje blanco, y murmurando por lo bajo, desciende por las escaleras hasta llegar a escena, es Alacrán, un personaje que busca narrar una historia, la suya, y la de aquellos que conformaron su continente en un tiempo que sólo cabe en su relato personal: la Cangrejo, el Paquito, y el gato. El baile, los bajos fondos, los artistas que van de pueblo en pueblo, de escenario en escenario, deambulando su destino. El cante jondo y el flamenco, se dan presencia en el cuerpo de José Antonio Lucía, bajo la dirección de Rodolfo Podolsky. Un cuerpo que se luce en su flexibilidad, y su dominio de movimientos, que se expone para ser admirado, una búsqueda de autoestima, en la necesidad del personaje de hacerse valer, en el escenario, en el mundo, que es cruel con sus criaturas. El arte de narrar con gracia y estilo se hace presente en esa voz que dice, mientras el cuerpo teje otro lenguaje para ir construyendo una trama inquietante, que no deja ni un momento de impactar al espectador. La transformación del cuerpo en otro se va produciendo en escena, lentamente, la pintura de las uñas, en solo aquellos dedos que conserva la Cangrejo, y que le dan carnadura a su apodo, el taconear de unos zapatos de baile sobre la mesa, y por último el vestido que sustituye al traje, y conforma por fin el personaje buscado. Todo es magia en escena, como la de Paquito, que se devela hacia el final, porque la gente quiere saber la verdad, y la verdad no siempre necesita ser transparente; por eso el relato nos ha ido llevando sinuosamente por las intricadas calles de la peregrinación de los desposeídos, de los que conforman una corte de los milagros, que resisten y son resistidos por aquellos que viven en un territorio ordenado y prolijo. La excelencia con la cual Lucía transcurre su performance en escena logra que la expectación tenga una intensidad de principio a fin, por una densidad dramática que no tiene vacíos, y que se nutre a sí misma con la música y el humor, oscuro por momentos pero que nos arranca una sonrisa sin que nos demos cuenta. Un teatro ritual, como una religión necesaria para exorcizar los demonios que nos habitan y explorar el territorio del arte y la vida con sus espiraladas temporalidades. España - Alacrán o la ceremonia

Desde Chile llega el actor Roberto Farías para darle carnadura a Sandokán el personaje de Acceso, construido por el conocido cineasta chileno Larraín, cuya dramaturgia cuenta con la colaboración del actor. La puesta en escena es del propio Pablo Larraín, y narra con crudeza y un lenguaje rudo plagado de los términos coloquiales del sector marginado de ese país, una historia que es el drama de muchos de nuestros países: la desprotección y el abuso de los menores de edad en situación de calle, o que no tienen una familia que los contenga. El personaje es un vendedor callejero, que ofrece una variedad de objetos desde libros hasta peines, pero que en realidad busca encontrar una escucha en el otro, y develar una realidad horrorosa, que muchos desean no conocer. En un registro alto, siempre arriba entre exabruptos, y rompiendo la cuarta pared, el relato va tejiendo los caminos de su infancia, entre los sectores de poder que dicen ayudarlo pero que solo lo utilizan como objeto sexual, para propios y ajenos. El sexo, la droga, y el hambre son un cóctel explosivo que produce la alienación del personaje, que termina pensando que sus abusadores son los únicos que le han ofrecido amor, cariño y comida, a cambio de su cuerpo, y que esa transacción es justa: ¿él acaso no ofrece objetos por dinero? El como un objeto más se vende por un pedazo de pizza, un beso, una caricia, que es mejor según su manera de ver las cosas, que el desinterés de los demás. Su interpelación a los posibles clientes de su venta diaria, es siempre agresiva, violenta, con una furia escondida en las palabras que escupe como balas sobre todos. Actor y autor, construyen una crítica ácida, dolorosa sobre el estatus quo, sobre los poderes: políticos, religiosos, sobre la policía, y sus estamentos, y sobre la psiquiatría y su manera de controlar y corregir el problema, cambiando una droga por otra, para mantener al paciente en estado de aceptación de un sistema podrido desde sus bases. Sin embargo, el mensaje puede para el no prevenido quedar en su literalidad, y pensar que es una defensa de aquellos que comenten el delito, ante la reiterada afirmación de amor que el personaje siente de manos de sus abusadores. El síndrome de Estocolmo, en acción. Una puesta potente, con un texto de vocabulario explícito, degrado y desgarrador, una actuación de exasperada violencia, y un espectador que no tiene aliento en los sesenta minutos que dura la puesta.Chile - Acceso 1

Ficha técnica:

Alacrán o la ceremonia de José Antonio Lucía. Interpretación: José Antonio Lucía. Prensa: Marisol Cambre. Producción: Murática Teatro, Sandra Commisso Dirección: Román Podolsky. (España) 50 minutos.

Acceso Dramaturgia de Pablo Larraín y Roberto Farías. Intérprete: Roberto Farías. Iluminación: Sergio Amstrong. Operación técnica: Catalina Olea. Asistente de producción: Josefina Dagorret. Asistencia de dirección: Josefina Dagorret. Puesta en escena: Pablo Larraín. (Chile) 60 minutos.

Bienal Arte Joven Buenos Aires

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bienal-arte-jovenSe inicia una nueva edición de la Bienal Arte Joven Buenos Aires

Con una convocatoria abierta a artistas jóvenes de 5 disciplinas, se inicia una nueva edición de la Bienal Arte Joven Buenos Aires, plataforma de promoción del arte joven. Hasta el 10 de marzo estarán abiertas las inscripciones en 9 convocatorias, destinadas a artistas que podrán postularse a través de una obra o con un proyecto a desarrollar en: artes escénicas, artes audiovisuales, artes visuales, música y literatura, la gran incorporación de esta nueva edición.

La inscripción, para artistas de 18 a 32 años de edad, se realiza online en https://bienal.buenosaires.gob.ar/convocatorias, en donde se pueden consultar también las bases y condiciones.

Los objetivos centrales de La Bienal son promover la formación práctica y teórica de los artistas y creadores; promover circuitos de encuentro e intercambio que den origen a nuevas creaciones y sean motor de pensamiento crítico, apoyar el desarrollo de nuevas producciones y la circulación de ellas y sus artistas (dentro y fuera del país) acercar nuevos públicos a las distintas manifestaciones del arte contemporáneo.Se trata de una iniciativa de la Subsecretaría de Políticas Culturales y Nuevas Audiencias que depende del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

La nueva edición de La Bienal incentiva y apoya la participación de artistas de todo el país. Entre el 2 y el 4 de febrero pasados, 100 artistas jóvenes de diferentes lugares de Argentina tuvieron la oportunidad de compartir un espacio de encuentro, intercambio y formación con más de 20 actividades a cargo de 25 referentes del campo artístico en la Residencia Enciende Bienal.

Por otra parte, desde el 31 de enero se está desarrollando el Programa intensivo de creación dramatúrgica y composición de teatro musical en el que 10 equipos de artistas jóvenes desarrollarán una obra desde el germen hasta su libro final. Esta es la segunda edición, y es el único programa de su tipo en Argentina. Dos equipos contarán además con el acompañamiento de La Bienal para la realización de sus proyectos. El primer premio consistirá en un apoyo económico de $200.000, y el segundo, de $140.000. Ambos contarán con un programa de tutorías que acompañará el proceso de producción hasta su estreno en el Teatro Picadero y el Teatro La Comedia, durante el Festival de la Bienal. En su edición 2015 el proyecto ganador fue la multipremiada y destacada obra Los monstruos, de Emiliano Dionisi y Martín Rodríguez, aún en cartel en el Teatro Picadero.ph-1-estrella-herrera-bienal-arte-joven-buenos-aires

Otro de los proyectos con el que se inicia esta nueva edición es Antihomenaje DADÁ (101 años del Cabaret Voltaire) ideado por Emilio García Wehbi y Ricardo Ibarlucía donde 20 propuestas de jóvenes artistas van tomando forma para ser exhibidas en forma simultánea en el Centro Cultural Recoleta en el marco de la Bienal de Performance 2017, entre el 13 y 16 de mayo de 2017.

En el mes de mayo se realizará el anuncio de quiénes serán los bienalistas de esta nueva edición, que serán seleccionados por referentes de cada disciplina, entre ellos: Leticia Mazur, Juan Coulasso, Analía Couceyro, Laura Figueras, Santiago Gobernori, Patricio Larrambebere, Lara Marmor, Marcela Sinclair, Fernando Brizuela, José Luis Landet, Rodolfo Marqués, Julia Marvernat y Geraldine Schwindt, Florencia Clerico, Javier Zevallos, Santiago Melazzini, Paola Buontempo, Iván Fund, Nele Wohlatz, Tomás Dotta, Hernán Rosselli, Florencia Mauro, Mariano Godoy, Javier Caso, Gabo Ferro, Eduardo Sluszarzuk, Gabriela Cabezón Cámara y Fabián Casas.2-foto-prensa-visuales-bienal-arte-joven-buenos-aires

Entre junio y septiembre llegará la etapa de desarrollo de proyectos. Este año La Bienal acompañará la producción de 8 proyectos escénicos (2 de ellos de teatro musical), 6 proyectos en artes visuales, 3 series web, y una novela breve.

Entre Julio y Agosto se llevará adelante el Campus Bienal, la instancia de formación interdisciplinaria con más de 50 propuestas para todos los artistas seleccionados. Este año habrá una residencia internacional en el marco del Campus. 11 artistas provenientes de diferentes países se sumarán a vivir la experiencia Campus con los más de 800 artistas seleccionados en Bienal.

El Festival de la Bienal, el gran espacio de exhibición en el que los artistas seleccionados compartirán sus creaciones con toda la Ciudad, será del 25 de septiembre al 1 de octubre y esta vez durará 7 días, un día más que en las ediciones anteriores. En esta nueva edición el Festival tendrá su sede central en el Centro Cultural Recoleta, que fuera la sede de la primera Bienal de Arte Joven que tuvo la Ciudad en 1989.

Algunas de las becas y residencias de las que participarán los bienalistas ganadores de las Convocatorias para Artistas de esta edición de La Bienal son: Hangar (Barcelona), Casa tomada (San Pablo), Casa Tres Patios (Medellín), Urra (Buenos Aires), Mundo Dios (Mar del Plata), Curadora (Santa Fe), Talents Buenos Aires, Flaherty (NY)  Residencia INAE (Montevideo), Director’s Lab (NY), Sala Beckett (Barcelona), ImPulsTanz (Viena), entre otros.

W: buenosaires.gob.ar/labienal

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In: /labienalba

Más información, pedido de notas y material para prensa: prensalabienal@buenosaires.gob.ar

Marisol Cambre | 15.5850.6261

Antonela Santecchia | 15.3174.6908

Equipo de prensa Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017

Festival Temporada Alta 2017

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Festival Temporada Alta 2017 [I]

unnameden Timbre 4 (4 al 16 de Febrero)

María de los Ángeles Sanz

Timbre 4 es sede desde hace cinco años de un encuentro en formato Festival de teatristas y espectadores disímiles que ofrecen unos a otros el talento de su arte y una mirada entre crítica y asombrada ante las poéticas presentadas y las temáticas que se incluyen en el proceso. Desde el teatro para un espectador, hasta las micropoéticas, la escena se hace presente una vez más a pesar del contexto difícil que nos rodea, sobre todo en lo relativo a la cultura. Un dato más para valorar la empresa que se lleva adelante en el espacio de Claudio Tolcachir.

(…) Donde todo te dice que abandones, nos encontramos con más ganas que nunca de hacer. Y más grandes: Chile, Perú y Uruguay, se suman a esta aventura de traer teatro del mundo a un espacio pequeño e independiente y explotar de alegría. Hermanos de pasión y de criterio, deseamos ser más los que nos sumamos a esta locura que pareciera imposible pero que cada vez se vuelve más fuerte y real. Amor al teatro y a construir encuentro. Y disfrutar profundamente de hacerlo a nuestro modo. (C. Tolcachir, programa de mano)

Una de las piezas es África por el grupo “Los últimos” bajo la dirección de Moisés Mato López; la textualidad dramática trabaja sobre un continente desconocido, oscuro, invisibilizado, olvidado salvo por aquellos que cometen el delito de colonización y expoliación, desde hace siglos: hombres, diamantes, naturaleza toda, es el botín que no para de dejar réditos y produce en los pueblos africanos una sangría infame. El relato fragmentado en pequeñas escenas, donde lo objetual tiene una función primordial, ya que no solo ilustra sino que da vida a las secuencias al igual que los cuerpos de las actrices. Un comienzo donde la vida produce su eterno caminar en el nacimiento de un niño y la canción que lo identificará por siempre, es una voz de aquello que es, pero que siendo no se lo considera lo fundamental. La forma que se producen las ayudas de occidente, los inmigrantes clandestinos que mueren en las aguas del Mediterráneo, el robo sistemático de los imperios, las luchas fratricidas que éstos provocan, pobres contra pobres ante el fantasma vivo del hambre que no se detiene. África es un espejo para mirarnos los latinoamericanos, aún más profundo en su ignominia, pero que no debemos olvidar, sobre todo porque nuestras raíces tienen de ese continente una parte muy importante en nuestra historia política y cultural. Negros en nuestras guerras de independencia, negros en el origen de nuestra música popular. Un hecho que se repite a lo largo de toda Hispanoamérica y de la lusitana. El trabajo con la iluminación es el ideal para dar cuenta de nuestro trayecto por los distintos escenarios que se nos ofrecen como espectadores, y a donde nos vamos desplazando con pequeñas luces de linterna, o velas. Una semipenumbra nos acompaña, el vestuario de las actrices, Maru Méndez, Daiana Silver y Chusa Pérez de Vallejo, también es negro, ya que el instrumento que más utilizan es la voz, entonaciones, palabras de origen africano, gemidos, llantos guturales, y la cara siniestra de la codicia; las manos que manejan los objetos, y el cuerpo como recipiente y base de lo que narra. Una puesta necesaria, una temática cruel que nos empeñamos en desconocer o que sólo registramos desde la catástrofe. España - Africa, una mirada a través del microteatro

De Uruguay llega una puesta con muchos puntos a destacar bajo la dirección de Jimena Márquez, de quien también es la textualidad dramática, Litost, la frustración. Una escenografía que se extiende hacia el vestuario, en blanco, negro y rayas; un triángulo que carece de la figura paterna, una interesante manera de dar cuenta como el arte puede ser la voz de aquellos que presos de su circunstancia, buscan en el baile o en la literatura la forma de envolverse para no dejar escapar al monstruo que los habita. Una madre asistemática que rompe con todos la mitología rioplatense de la madrecita buena y abnegada, una cruella de vil, que tiene en sus hijos la fuente de sus ingresos y sostén a la mejor tradición del grotesco criollo, pero donde la cabeza de la expoliación es el personaje que en el género era antes solo pasividad y aceptación; aires de época, tal vez, el teatro antes del grotesco ya había construido madres perversas y abusivas. Contraponiendo el mito urbano a la realidad cotidiana. Una puesta que rompe la cuarta pared, y desde el comienzo desarrolla una coreografía que señala ese triángulo escaleno. El bailarín no actor, Santiago Duarte, realiza una excelente performance desde el hip- hop, en un dueto con su madre, Gabriela Iribarren, y su hermana, Jimena Vázquez; la buscadora de palabras que exorcicen, la que narra a partir del hipérbaton en una barroca forma de construir relato. El tiempo fragmentado trabaja con tres versiones de los hechos, y nos deja la oportunidad de elegir el final que más se acerque a nuestra idiosincrasia. Los tres personajes que se desdoblan en ellos mismos, construyen un trabajo de excelencia que el público agradecido aplaude de pie. Desde la sede de México de Timbre 4 hasta la Boedo, todos en peregrinación munidos de pin que nos identifiquen, un pin que reza: mama vuelve, nos dirigimos hacia una cortada donde alguien nos interpela a viva voz, y nos pida que nos quedemos con él; un marginal, un inmigrante, un asaltado, un otro. Uruguay - Lítost, la frustración 2En La noche justo antes de los bosques, el actor Oscar Muñoz realiza con excelencia una performance que nos involucra no sólo como espectadores sino como posibles actores de una situación parecida, donde la pregunta que todos nos hacemos es que pasaría si fuera verdad, y no un acto ficcionado. La impronta de sus relatos que encierran un discurso de alta politicidad en contra de un mundo globalizado e individual, de un mundo que se desentiende de las personas en favor de los poderes invisibles, nos lleva a interiorizar un sinfín de reflexiones que siguen su camino aún terminada la experiencia, y de eso se trata precisamente. El personaje que construye Bernard- Marie Cortés y que dirige Roberto Romei, nos invita a hacernos cargo de la soledad del prójimo al mismo tiempo de que nos demos cuenta de por qué se produce su desolación, que bien podría ser la nuestra en un futuro no tan lejano. Sus ropas, su aspecto poco convencional, la manera efusiva de tratarnos es una barrera para la confianza que se irá ganando cuando todo lo exterior desaparezca y sea el alma en carne viva lo que podamos ver con los ojos, y sentir en todo el cuerpo. Su vida nos interpela, nos provoca, nos intimida y nos compromete con la vida de todos, y nos lleva hacia el fondo de nosotros mismos. La performance es excelente porque logra todo lo que se propone y lo hace con recursos genuinos. Sin cruzar el límite, deteniendo el relato en el momento justo para comenzar con otro cortando un clima que se puede tornar demasiado inquietante para los participantes. Todo termina en Boedo, con una reunión de pares que comparten juntos la ceremonia del encuentro.Cataluña - La noche justo antes de los bosques 2 La historia del señor Sommer, es la historia de un relato que sucede en un espacio dividido como un tríptico donde en el centro se ubica un sillón de orejas, como define el personaje, a sus lados dos mesas con sillas, y luces, un banco alto, una guitarra que oportunamente el actor tocará para acompañarse en la interpretación de una canción conocida, de la bossa nova brasilera. La música del comienzo, la conocida canción Alfonsina y el mar, cuya densidad semántica comprenderemos hacia el final, funciona como refuerzo de un sentido, mientras que la otra logra el efecto de un separador de tiempos narrativos. La historia es como una liviana masa de hojaldre, cada capa nos va llevando a otra, y todas tienen un sabor especial. Sommer es el pretexto para que el autor nos hablé de sí, de sus experiencias de niño y adolescente, y de la forma diferente que el tiempo hace que recordemos o vivenciemos los hechos. Todo gira a su alrededor, porque de él es el gesto final, el más teatral de todos los narrados, el que a pesar de su invisibilidad para el resto, es la causa de esa entropía necesaria. El silencio que necesita ser exorcizado, las palabras son la herramienta para cerrar una herida cuanto menos comunicada más profunda. El relator, niño – hombre apela al humor, la nariz del clown en un momento lo ayuda frente a un espectador atento, con quien mantiene un tímido diálogo. El cuerpo – herramienta que se mueve, gesticula, construye espacio ayudando a la palabra para hacer presente un tiempo ido, y un lugar perdido en él. El suspenso es un procedimiento que instaura un ritmo, y hace que la muy buena actuación de Pep Tosar nos mantenga expectantes para la próxima anécdota que por momentos parece ajena al punto central del tema, pero que luego sin darnos cuenta comprendemos que todo termina en ese personaje enigmático cuyas rarezas serán siempre un misterio. Cataluña - La historia del señor Sommer 10

Fichas técnicas:

Africa, una mirada a través del microteatro de y por: Maura Méndez, Daiana Silver, Chusa Pérez de Vallejo. Escenografía: Jesús Escobar, Clara María Herrán Luna, Marina Muñoz Garrido, Eric Sanz De Bremond Arnulf. Dirección: Moisés Mato López. (España) 70 minutos

Litost (La frustración) de Jimena Márquez. Actúan: madre y Gabriela, Gabriela Iribarren; Jimena Vázquez y Santiago Duarte. Vestuario y Escenografía: Gerardo Egea. Iluminación: Inés Iglesias. Diseño gráfico: Virginia Cabrera. Producción ejecutiva: Carolina Escajal. Producción general: Medio Mundo Gestión Cultural. Dirección: Jimena Márquez. (Uruguay) 60 minutos

La noche justo antes de los bosques de Bernard-Marie Koltés. Actor: Oscar Muñoz. Vestuario y Espacio escénico: Roger Orra. Visuales: Lydia Cazorla. Asistencia de dirección: Joan Albinyana. Producción ejecutiva: Joan Albinyana, Oscar muñoz, Roberto Romei. Dirección: Roberto Romei. (Cataluña) 70 minutos.

La historia del señor Sommer adaptación del cuento de Patrick Süskind. Dramaturgia: Pep Tosar. Xicu Masó y Lluis Massanet. Traducción: Ana María De La Fuente. Actúan: Pep Tosar. Escenografía: Nura Teixidor. Iluminación: Xavier Clot. Dirección: Xicu Masó. 90 minutos