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Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017

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Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017

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Bienal Arte Joven Buenos Aires

El 12 de junio se realizó el anuncio oficial de los bienalistas 20171

230 obras y proyectos fueron seleccionados entre más de 6600 postulaciones para participar de la Bienal Arte Joven Buenos Aires.

800 artistas integran los equipos de las obras y proyectos participantes en cinco disciplinas: Artes escénicas, Artes visuales, Artes audiovisuales, Música y Literatura.Grupal Bienalistas 2017 - Foto gentileza prensa Bienal Arte Joven Buenos Aires

SELECCIONADOS EN ARTES VISUALES

Proyecto de artes visuales a desarrollar con tutoría de Patricio Larrambebere, Lara Marmor y Marcela Sinclair. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Ángeles Ascúa – Piel de empedrado corazón de leche y de trigo

Lil Limen y Julián Solís Morales (Grupo Karicia) – Compañía naviera del Litoral S.A.

Santiago Delfino – Simiente

Alfredo Frías – Apuntes visuales para la reconstrucción de una historia negra

Nacha Canvas – Hiel de Buey

Ramiro Quesada Pons – La imagen real

Artistas visuales. Las obras se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta.

Santiago Delfino –El nombre es un arma

Ale Moreyra – Última llave

Franco Basualdo – Al estado más pesado no le flamea la bandera

Beto. – Nuevo orden

Lucía Delfino – La promesa de lo efímero

Santiago Colombo – Percepción

Jimena Mariel Travaglio – Sin título, de la serie “Reliquias”

Antonella Agesta – Deliciosa

Verónica Madanes – l virtuosismo me deprime

Vil Schulman – Asamblea general

Federico Roldan Vukonich – Izemberg

Alfredo Frías – Queso presente

Rocío Englender – Sin título

Mayra Vom – Sin título

Lucas Ardu – Cuerpo Nº2, de la serie “La oscilación de los cuerpos”

Valentina Ansaldi – Gran circo de Moscú

Ariela Bergman – Guardo mercurio suelto

Esteban Martínez – Sin título, de la serie “Ejercicios de supervivencia”

Rodolfo Sousa – Copia Académica

Nani Lamarque – La evaporación del encanto

Ivo Aichenbaum – Diario internacional: la acción de la historia

Julia Padilla – Sin título

Santiago Licata – Cosa portal o la vista tonta

Lucas Federico Tula – Pareja de murciélagos y su primera casa en el conurbano

Micaela Piñero – Lucha

María Candelaria Traverso – Trayectos del MADE IN

Hernán Aguirre García – Ejercicios sobre la autoportancia

Lucas Fiorucci – Sin título

Manuel Aja Espil – Level Up

Camila Carella – Sin título

Nazareno Pereyra –Antihorariodomini

Magdalena Petroni – Sin título

Sasha Emanuel Minovich – Sonda Voyager

Jazmín Giordano – Autogestión del cariño

Andrés Piña – Piel quemada

Celeste Rojas Mugica – Una sombra oscilante

Santiago Hernández – Error: Infinito

Eloy Mengarelli – ¿Y si alguna vez fuimos tan fuertes?

Malcon D’Stefano – Patriota

Ramiro Achiary – El ojo frío que todo lo ve, y el tejido onírico de lo imposible

Leonardo Adán Vallejo – Retablo federal

Manuel Baigorria – Retrato de las hojas

Mara Verena – Un fuerte (contra todo lo que yo misma)

Gonzalo Maciel – Experimentos con cielos

Cindy Mamani – Mímesis total

SELECCIONADOS EN ARTES ESCÉNICAS

Proyecto de obra de teatro, danza o interdisciplina a desarrollar con tutoría de Andrea Servera, Luis Cano y Rubén Szuchmacher. En teatro musical: Pablo Gorlero, Joaquín Bonet y Martín Bianchedi. Se presentarán en los teatros: El extranjero, Elkafka, Beckett, TIMBRe4, Abasto social Club, El Picadero y La Comedia.

Macarena Orueta – Los imitadores (Interdisciplina)

Juan Cruz Forgnone – El canto invisible (Teatro)

Bianca Lerner – Ninfa (Interdisciplina)

Franco Calluso – Ruido blanco hielo (Teatro)

Ezequiel Salinas – Cosas que pasan cuando le hablás a un desconocido en el aeropuerto (Interdisciplina)

Valeria Polonera – Anomalía (Daza)

Andie Say, Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira – Mamá está más chiquita (Teatro musical)

Matías Prieto Peccia, Mariel Velez y Vanesa Butero – No me digas que ya se (Teatro musical)

Artistas escénicos. Se presentarán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Tadeo Pettinari – En la piel

Gastón Guanziroli – Breve relato sobre una mujer que va a la fiesta de cumpleaños de su ex y termina adentro de una botella

Nacho Bartolone – La piel del poema

Nicolás Blandi – Lágrimas de pez

Jorge Dreschler – Madorrán

Lucas Martinetti – Toda historia de amor implica una muerte

Alberto Antonio Romero – Malviaje

Lisandro Outeda – El susurro de los bosques

Leandro Orellano – Mientras muero imagino huevos que se pudren

Pablo Sigal – Polite

Carla Grella – Homealone

Eugenia M. Roces – Destructivo de un desastre irruptivo

Martina Kogan y Lucía Disalvo – Fecha 5

Delfina Thiel – La Montón, Lucía García Pulles – La Montón – Samanta Leder – La Montón – El risco

Abril Lis Varela y Emannuel Palavecino – Las ganas

Martina Schvartz y Violeta Danzinger – Carretera

Marysol Benitez – Posmo

Victoria Delfino – Mostra

Agostina Luz López – Los milagros

Iván Haidar – Lugar monstruo

SELECCIONADOS EN ARTES AUDIOVISUALES

Proyecto de serie web a desarrollar con tutoría de Florencia Clerico, Javier Zevallos y Santiago Melazzini. Los estrenos se realizarán en el Centro Cultural Recoleta y luego estarán disponibles de forma completa en la web de la Bienal.

Cecilia Pisano, Martina López Robol y Iair Said – Emilia Envidia

Nahuel Billoni Ahumada y Maitena Minella – Minga

Ignacio Del Campo Ituregui, Camila Peralta, Ailín Zaninovich, Cecilia Marani y Giselle Fernández – Protagonistas

Directores audiovisuales con un corto terminado y un proyecto en desarrollo. Sus cortos se exhibirán en el Centro Cultural Recoleta durante el Festival.

Juan Renau – Incendio/Rescate

Jerónimo Quevedo – Enfrentar animales salvajes

Santiago Reale – Esta es mi selva

Milton Secchi – Donde no hay nada

Tatiana Mazú González – Hay una foto que no entendí

Micaela Gonzalo –Toda mi alegría

Mariana Sanginetti – Antes de irme

Ramiro Bailarini – No aflojes Miriam

Manque La Banca – Los 7 perdones capitales: 3. El futuro

Melina Gutman – Miscelánea familiar

Cinthia Konopacki – Colonia delicia

Gala Negrello – La isla

Julieta Seco – dónde estás en el futuro?

Pavel Tavares – Alexander

Manuel Embalse – Eliminar videos

Juan Bobbio – La fiebre que espera despertar

Inga Valencic – Pandora

Lautaro García Candela – Carta a Lara

Juan Manuel Ribelli – Huesitos de pollo

Carla Finco – Desquicies

SELECCIONADOS EN LITERATURA

Proyecto de novela breve a desarrollar con tutoría de Marina Mariasch y Hernán Ronsino. La clínica de obra se realizará en el Centro Cultural Recoleta. De entre todos ellos se seleccionará uno que será publicado por la editorial Entropía.

Natalia Rozenblum – Baño de damas

Rodolfo Omar Serio – Los machos se duermen primero (o el día en que Julie Andrews casi se afilia al Partido peronista)

Corina Bistritsky –Arambasic

Nicolás Ferraro – El cielo que se aleja

Agustina Massa – La virgen de los helados

Carolina Romano – Sirio B

Jazmín Carballo – Todos somos vos

Julieta Yanel Salman – Labio partido

Martín Jali – Las luces intransferibles

Tomás Schuliaquer – Una flor que allá no existe

Lucía Rud – Buenos Aires y otros países

Matías Bounfrate – Constantino

Eric Barenboim – Suárez en Kosovo

Nubia Bado – Invasión en el Abasto

Santiago Pérez Izquierdo – Yisuerí

Valentina González Nucci – Fallecimiento presunto

Escritores con cuento o poesía. Se publicarán dos antologías, una de cuento por Eterna cadencia y otra de poesía por Editorial Mansalva.

Mariana Komiseroff – Ladrillos impares

Nahuel Repetto – Carta de mamá

Micaela Gonzalo – La casa de Cristina

Miguel Bruno – Como una rata

Guido Gamba – El distinto

Blas Rivadeneira – Taller literario

Martín Gonzalo Borches – Polígono

Juan Pablo Castro Brunal – Tres hermanas

Martín Sporleder – El canto de la tierra

Santiago Clément – El manicomio

María Florencia Scaia – Enroscada

Franco Calluso – Los jabalíes

Santiago Molina Cueli – Criatura la

Mariel Leite Escobar – Laundry

Juan Agustín Otero – Después del penúltimo cigarrillo

Juan Ignacio Sapia – La experiencia Tracketk

Vanesa Pagani – Lo electrodoméstico

José Mariano Pulfer – Encuentros cercanos

Martín Jali – La nieve de los cuerpos

Juan Gabriel Miño – Leandra

Josefina Salazar – Ciudad Pampa

Gabriela Clara Pignataro – El lapacho es la imagen de la furia

Laura Junowicz – Demolición.

Paula Andrea Galindez – Mater

Rita Chiabo – que lo sepa

Fernanda Mugica – El núcleo duro

Florencia Palacios – La memoria

Delfina Uriburu – Altar

Larisa Cumin – Lelo

Sofía LeBlanc – poemas

Diego de Angeli – poesía

Nicolás Ghigonetto – Gabriel Leivas

Alex Piperno – Los estándares de belleza en los pastizales

Juan Manuel Artero – Seudónimo Papaíto Piernaslargas

Micaela Piñero – En el río

Triana Leborans – leboransbienal

Joaquín María Zuaniche – Normal uno

Julián Berenguel – Barrio

Antonella Romano – Expansión

Julieta Troielli – La tierra que necesita una familia

Gustavo Yuste – Olor a sol

SELECCIONADOS EN MÚSICA

Bandas o solistas con tutoría de Matías Cella, Pablo Tevez Oliveti, y Mariano Esain. Las presentaciones se realizarán en el Centro Cultural Recoleta.

Ragazzas

La Femme D’Argent

Candelaria Zamar

Trostrigo

Nahuel Briones

Fenna Frei

Anamoli

Billy Zabaleta

QOME

Pandelindio

Las sombras

Translucido

Juan Izkierdo Grupo

EMEVE

Aleph, Fitzca, Camadour,

Pablo Enelotromundo

Gaby Améndola Trío

Polandria

Loto

Ankamora

Solentina

Galácticas Mareas

El Zar

Nidos

Agustín Donati

 SELECCIONADOS PEDALÚDICO

Convocatoria a artistas de todas las disciplinas para participar de una residencia de creación e investigación en la cual se desarrollarán una o varias obras que utilizarán el sistema de bicicletas de proyecto PedaLúdico.

Joan Benito Britez

Erika Ortiz Díaz

Aldana Olivello

Lucía Pedrón

Marcos Martínez

Santiago Colombo

Carolina Casquil

Martín Aranda

W:buenosaires.gob.ar/labienal

Fb: /LaBienalBA

Tw: @LaBienalBA

In: /labienalba

Más información, pedido de notas y material para prensa: prensalabienal@buenosaires.gob.ar

Marisol Cambre | Antonela Santecchia | Valeria Marcovecchio

1Según gacetilla de Prensa

Festival Temporada Alta 2017

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Festival Temporada Alta 2017 [IV]

unnameden Timbre 4 (4 al 16 de Febrero)

Chile-Argentina / Argentina

Azucena Ester Joffe

Esto se iba a llamar proyecto Chejov (Work Sin Progress) de Felipe Rubio (Chile-Argentina)

La originalidad consiste en volver al origen (A. Gaudi)

El director y actor chileno radicado en nuestro país, Felipe Rubio, presentó en Timbre 4 una obra cuyo principio constructivo es lo autobiográfico y que él denomina “obra fallida”. Éste es su “primer trabajo completamente en solitario”, un relato de vida que rompe con la cuarta pared y en el cual los límites entre lo real y la ficción, entre la persona y el personaje, son difusos. El espacio escénico apenas iluminando de la sala Boedo es el marco perfecto para que el performer y autor relate su vida haciendo referencia a su pasado y en especial a la figura de su padre, a su presente en Buenos Aires y a los proyectos en un futuro cercano. La narración vívida tiene variantes en cada función y nos convierte en yoverista desde su inicio. Una intimidad ajena con puntos de encuentro con nuestra historia personal que nos moviliza, más allá de la teatralidad del monólogo. Las frases y los documentos proyectados sobre las paredes, la música, el video del padre realizando una comida mientras escuchamos algunas de sus vivencias, …, todo confluye de manera amena. Dando cuenta de la investigación de años y en soledad sobre sus orígenes -Irlanda, Estados Unidos, Chile y Argentina, a la cual se le van suman nuevos datos. Rubio se toma ciertas licencias y, por momentos, parece ser sólo el niño o el adolescente que nos introduce en sus recuerdos de manera espontánea y fresca. En otros, es el joven actor que cuestiona el anonimato de la sociedad globalizada y la forma en que algunos “espectadores” opinan en ciertos espacios en la web destruyendo un hecho creativo, sólo porque no supieron comprender cuál era el código y el material propuesto. Pero dónde quedan nuestras raíces, sueños e ideales y nuestros verdaderos amigos ahora que nuestra cotidianidad está mediada por la “realidad virtual”. Esta obra es el resultado de la residencia que realizó en el Espacio Granate, y más allá de las relaciones familiares, es “el intento desesperado de volver a algún origen para poder continuar… ¿Continuar con qué? ¿Cómo continuar? ¿Cómo continuar el deseo creativo? ¿Se acabaron las ideas?… ¿Cuánto hay de ficción en nuestras vidas?”1 Una performance emotiva, sin golpes bajos, que “actualiza” la necesidad innata de todo mortal de estar vivo, de tener el sentido de pertenencia y de sentirse amado.Chile - Esto se iba a llamar Proyecto Chejov

Ficha técnica: Esto se iba a llamar proyecto Chejov (Work Sin Progress) de y por Felipe Rubio. En video: Rodolfo Rubio. Audiovisuales: Lucas García. Fotografía: Ana Luccia Chiarello, Enrico Piccirillo, Felipe Rubio. Asistencia técnica: Victoria Bello, Emilia Rebottaro. Producción: Teatro The Naidens Compañy, Espacio Granate, Plataforma Lodo. Colaboración general: Victoria Bello, Emilia Rebottaro. Supervisión: Paula Herrera Nóbile. Dirección: Felipe Rubio. Sala Boedo. Duración: 60′.

Rey Lear de Rodrigo García (Argentina)

Cocinar acusaciones. Cultivar lamentos. Sazonar crímenes. Mechar rencores.

Degustar traiciones. Asar delitos. Aromatizar denuncias…

La multiplicidad de sentidos en las puestas en escena de Emilio García Wehbi es constitutiva de su particular estilo, donde se fusionan la creación y el acto político. Rey Lear es una propuesta performática que nos interpela desde su inicio para transformarnos, sin previo aviso, en sujeto espectador. La dupla García / Wehbi es por demás explosiva, a nuestro entender, pues ambos comparten esa búsqueda constante entre la experimentación crítica y el cuestionamiento a lo establecido, legitimado, en el quehacer teatral y en la sociedad. La escritura dramática y la escritura escénica parecen ser producto de un oráculo contemporáneo, cuyo enigma plantea la ambigüedad y lo siniestro en ciertas relaciones humanas -como el mandato paterno y la herencia, el desprecio por la vejez, la soledad, la locura del poder y la ambición desmedida, … Es difícil definir esta propuesta escénica, quizá podríamos pensar en una performance de acciones, necesaria para exorcizar los demonios producidos por la sociedad globalizada.

Al ingresar a la sala la obra nos deglute; en el amplio espacio lúdico todo está exhibido y satura nuestra mirada: el elenco con el vestuario adecuado para convocar el clásico shakesperiano que rápidamente será descartado, además observamos instrumentos musicales y micrófonos, una gran mesa o tarima, … Y lo más llamativo es que a ambos laterales están terminando de cocinar y decorar distintos platos, como si en alguna “escena” hubiese un brindis o un festejo, mientras se van lavando los utensilios empleados. Nada más alejado a la instancia creadora:

El espacio escénico será el de una comilona, en donde se desatará una especie de “guerra de y por los alimentos”. De modo fuertemente paródico, utilizando la metáfora alimenticia como modo de narrar las relaciones humanas (sanguíneas, afectivas, sociales y políticas) se desarrollará la tragicomedia.2

Una obra profusa, compleja, provocadora y que incomoda al espectador desprevenido o aquel que intente encontrar y comprender la historia. Los performers de manera perfecta nos presentan a unos seres que son dichos por la fuerza y la violencia de las palabras. De esta solidez actoral destacamos la pregnancia de Maricel Alvarez, tanto en el plano físico como verbal / musical. De este modo, la acción performática hace estallar los límites del espacio y del tiempo por la potencia de los monólogos, de cada frase, que tienen el sello de la desmesura. El rey Lear, sus hijas -Cordelia, Regan y Goneril- y el bufón shakesperiano alternan entre lo existencial y lo político, la humillación de los débiles y la soberbia de los poderosos, …, provocando en este relato un grito violento -que nos recuerda a El grito de Edvard Munch- un grito desesperado producto de la “angustia existencial del hombre” del siglo XXI. Nuestra percepción queda aturdida y las butacas parecen no contenernos, pues al romper la cuarta pared desde el inicio de forma vertiginosa, nos sentimos como en diferentes sitios de esta incontrolable tempestad. Para nuestro respiro, el humor sarcástico y la expresión sensible también están presentes como las proyecciones en una de las paredes y las frases que son escritas en la pizarra, mientras los aromas culinarios confunden nuestros sentidos. Lo perfomático, corrosivo y devastador, nos produce un punzante e inteligente distanciamiento. Es una metáfora culinaria con sabor apocalíptico que plantea, en una dimensión cultural-ritual, la violencia sistemática ejercida sobre el cuerpo social.Argentina - Rey Lear

Ficha técnica: Rey Lear de Rodrigo García. Actúan: Maricel Alvarez, Anita Balduini, Cecilia Blanco, Camila Carreira, Mateo De Urquiza, Vanesa Del Barco, Federico Figueroa, Emilio García Wehbi, Pablo Seijo, Amalia Tercelán, Paula Trinanes. Vestuario: Belén Parra. Escenografía: Julieta Potenze. Iluminación: Agnese Lozupone.Video: Santiago Brunatti. Música y Sonido: Marcelo Martinez. Fotografía: Nora Lezano. Diseño gráfico: Leandro Ibarra. Asistencia artística y Producción ejecutiva: Julieta Potenze. Asistencia musical: Vanesa Del Barco. Asistencia de dirección: Paula Baró. Arreglos musicales: Marcelo Martinez. Coreografía: Marina Sarmiento. Dirección: Emilio García Wehbi. Sala México. Duración: 90′.

Participantes Torneo de dramaturgia 2017El jueves 16 de febrero finalizó la 5ta edición Festival Temporada Alta con una programación nacional e internacional que permitió disfrutar de distintas propuestas y realidades. Tanto las obras de Latinoamérica como las de España nos dejaron la agradable experiencia de disfrutar del buen teatro, a partir de la perfecta conjunción de todos los integrantes del quehacer teatral. En las dos semanas que compartimos en Timbre 4 no faltaron los eventos especiales, con entrada libre y gratuita:

* Torneo de Dramaturgia -Cataluña vs Argentina;

* Altos Workshops -de “Acciones físicas en el unipersonal” y de “Búsqueda y creación artística”;

* Ciclo Altas Mesas de conversación -“Nuevas orientaciones de la dramaturgia en el mundo; contemporáneo”, “Modelos de producción para las artes escénicas” y “El teatro independiente hoy”.

Este evento cuenta con el apoyo de: Institut Ramon Llull – Illenc – Acción Cultural Española (AC/E) – Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) – Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) – Embajada de España – Embajada de Chile – Centro Cultural Matta – Alternativa teatral. Festival declarado de Interés Cultural por el Régimen de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires

Prensa: Marisol Cambre

1Según el material entregado como programa de mano

Festival Temporada Alta 2017

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Festival Temporada Alta 2017 [III]

unnameden Timbre 4 (4 al 16 de Febrero)

Cataluña / Chile-Argentina / Perú

Azucena Ester Joffe

Acorar de Toni Gomila (Cataluña)

Cómo mueren los pueblos cuando mueren las palabras…

Podemos decir, sin miedo a equivocarnos, que Gomila es mallorquín “de pura cepa”; una expresión muy nuestra que quizá no existe en las ricas variantes dialectales de las Islas Baleares. Pero el unipersonal de color local, con sus modismos, involucra la memoria privada de cada espectador y la necesaria reflexión colectiva sobre nuestro futuro próximo.

En el centro del amplio espacio escénico, un gran lienzo -entre el color de la tierra y de la arena, que en otro momento será de color rojo como es la sangre- donde se proyecta la imagen de una picadora de carne que pareciera “escupir” los trozos que ha triturado. El personaje con su mameluco de matarife como listo para iniciar la jornada de matanzas, nos recuerda el simple “arte” de silbar, algo tan particular que utilizaba un hombre para avisar que había llegado a su casa, hoy nos resulta algo extraño cuando escuchamos a alguien silbando en la calle. ¿Qué significa este verbo catalán? El término acorar tiene varias acepciones1 pero aquí el hilo conductor tiene que ver con la habilidad innata de un oficio que se ha transmitido de generación en generación: el golpe certero, preciso, en el ritual que se lleva acabo y donde hay un punto de encuentro entre ese animal, un cerdo, y su “Judas” que lo ha cambiado por unas cuantas monedas. Una mirada y el dolor a flor de piel de quien lo ha cuidado y alimentado hasta ese momento. Luego, un segundo ritual donde participan los parientes, amigos y vecinos: la elaboración de la sobrassada. Este tradicional producto de las Islas parece dividir al mundo en dos partes: “Mallorca y fuera de Mallorca. Y fuera, cuatro partes más: la Península (Barcelona), París, Buenos Aires y tierra de moros. El resto es oscuridad, misterio, miedo: el infierno”.

La pregnancia escénica de Toni Gomila puebla a ese espacio lúdico despojado con una polifonía casi ancestral, con sus tonos y ritmo, con la gestualidad de su rostro y su mirada penetrante nos sumerge en un relato que oscila entre ficción y realidad, humor y emoción. No es un relato con sabor a nostalgia sino un homenaje a nuestros abuelos, a nuestros padres, que sabían distinguir las cosas importantes del día a día -entre los árboles o entre un búho y una lechuza- y no los datos superfluos -como las pequeñas diferencias entre un iPhone 3GS o un iPhone 4- de la sociedad globalizada que nos lleva, inevitablemente, al anonimato. Es un llamado de atención sobre ese mundo que todos estamos viendo desvanecer y sin reparar en lo importante que es para nuestra identidad, para nuestro sentido de pertenencia. Una escritura dramática desde la pasión y el amor por su lugar de origen que nos lleva por un recorrido intenso, hacia un pasado rico en sentidos y también hacia un futuro mediado por la tecnología y lo efímero. Una escritura escénica vívida con un ritmo interno preciso; cada escena nos interpela, atraviesa y conmueve de tal modo que Acorar será un hecho teatral difícil de olvidar. Una poética y una dura metáfora de nuestra contradictoria sociedad.Baleares - Acorar 2

Ficha técnica: Acorar de y por Toni Gomila. Vestuario: Rafael Lladó. Iluminación: Rafel Febrero. Máscaras: Toni Gomila. Margalida Munar. Espacio escénico: Rafael Lladó. Sonido: Rafel Febrero. Artista plástico: Pere Terrassa. Fotografía: Francesc Meseguer. Asistencia de dirección: Antónia Jaume. Producción ejecutiva: Cristina Bugallo, Fátima Riera. Producción general: Produccions De Ferro. Dirección: Rafael Durán. Sala México. Duración: 60′.

Migrantes, Teatro para un espectador del grupo Monomujer (Chile-Argentina)

¡Negra! / Negra soy / De hoy en adelante no quiero / laciar mi cabello / No quiero / Y voy a reírme de aquellos, / que por evitar -según ellos- / que por evitarnos algún sinsabor / Llaman a los negros gente de color / ¡Y de qué color!2

Esta interesante propuesta teatral, en pequeño formato: teatro para un espectador, tuvo su primera presentación allá por el 2013 y también en Timbre 4. Las tres obras breves que integran Migrantes,… dan cuentan del excelente trabajo del grupo Monomujer. Nada más actual que el desafío universal que significa ser un migrante, en especial, en nuestra sociedad globalizada donde los derechos humanos están desapareciendo en la era Trump.

El recorrido se inicia con Conventillo e ingresamos al gabinete al cual hemos sido conducidos amablemente. La historia relata de qué modo conviven cuatro jóvenes latinoamericanos (paraguaya, colombiana, chileno y mexicano) que intentan festejar Navidad alejados de sus afectos. Hacinados y asediados por el calor, los cortes de luz y la mala relación con el locatario, intentan afrontar la cotidianidad mientras un amigo en común pasea por Venecia, gracias a la ayuda económica del grupo. El elenco de forma acabada le da textura a estos personajes con cierto aire adolescente, en un clima de armonía más allá de la hostilidad del entorno. Mientras el espectador disfruta de cierta pasividad por ese límite ficcional que construye la cuarta pared.

Luego, y siempre acompañados, cambiamos de Sala para poder ingresar al segundo gabinete, mientras una joven nos susurra un poema. La Cautiva nos retrotrae a la década del ’40, a los suburbios, al bar de tango La Cautiva. Dos parejas, por un lado, el bailarín de tango con una dama española de la alta sociedad y, por el otro, el malevo italiano con la prostituta polaca. Estos últimos, personajes orilleros, irrumpen desde el espacio exterior. Como único espectador, nos sentimos involucrados en la tensión dramática al compartir, como si estuvieramos en la barra, el reducido espacio escénico.

Por último, después de pasar por un breve “interrogatorio” de rutina somos acompañados al último gabinete para ver y sentir en la piel a Negra. Un “monólogo musical” con datos autobiográficos realizado por la actriz chaqueña, Olave Mendoza, y la intérprete chilena, Camila Vivanco. El reducido espacio cubierto de hojas secas, como cualquier callecita en otoño, la potencia de los tonos y del rostro de Olave nos hace parte de un relato que nos atraviesa sin previo aviso. Mientras el ritmo del cajón peruano parece adueñarse de nuestra respiración, contrayendo y dilatando el espacio más allá de los límites reales del cubículo. Un relato por demás intenso que logra en apenas unos minutos una perfecta comunión con el espectador. Es difícil poner en palabras la experiencia, seguramente será distinta en cada receptor, en nuestro caso la ficción nos “devoró” con su torbellino.

Tres pequeñas historias sobre la migración en Buenos Aires, tres microespacios que nos entregan tres breves experiencias disímiles e irrepetibles. 20170119075041-

Ficha técnica: Migrantes, Teatro para un espectador. Idea general del ciclo y de las puestas en cada gabinete es del equipo de Monomujer:  Virginia Curet, Micaela García, Jimena García Conde, Luz Moreira. Vestuario y Escenografía: Estefanía Bonessa, María Vilas. Diseño Gráfico: Lolog. Producción: Julia Sánchez. Dirección General: Luz Moreira. Sala México / Boedo. Duración: 35′

Conventillo de Felipe Rubio y Luz Moreira. Actúan: Morena Giudice, Stefano Sanguinetti, Agustín Calderone, Mercedes Najman. Dirección: Felipe Rubio y Luz Moreira.

La Cautiva de Gonzalo Iglesias. Actúan: Daniel Begino / Hernán Staiger, Emilia Rebottaro, Matias López Barrios, Pamela Perez Adomaitis. Dirección: Micaela García, Virginia Curet.

Negra de Jimena García Conde. Actúan: Olave Mendoza, Camila Vivanco. Dirección: Jimena García Conde.

Los regalos de Federico Abril y Fernando Castro (Perú)

Cómo contar una tierna historia sin palabras

La Compañia de Teatro Físico fue creada en el 2013. Su fundador y director Fernando Castro recordó que fue en Argentina donde, a partir de su búsqueda personal, entró en contacto con la técnica del teatro físico de Jacques Lecoq. Una historia simple, íntima, de hombres de familia -el padre y sus dos hijos. Donde la figura materna parece haber desaparecido en el pasado cercano. Por lo tanto, las pequeñas tareas domésticas son un desafío para los tres, las travesuras de los pequeños y la responsabilidad del adulto. Y los breves momentos de ternura cuando el machismo se desvanece dejando al descubierto que también los hombres necesitan afecto, más allá de cierta violencia que responde a la idea de “cosas de hombres. En algún lugar alejado, donde la pobreza esta naturalizada, los hermanos van creciendo entre juegos y peleas, hasta que llega el momento de que el hermano mayor deberá realizar un viaje, por trabajo o por estudio, y la inevitable partida llega anunciada por un regalo: un par de zapatos. Un accesorio para nosotros, un elemento importantísimo para estos tres seres que intentan comunicarse, acercarse, aunque comparten el silencio y la soledad del entorno.

El espacio escénico contiene muy pocos elementos, sólo lo neceseario para cobijar a los integrantes del grupo familiar. El color que organiza el relato es el color de la tierra, de la tierra árida, quizá como una forma para recordar las raíces y evitar el mundo exterior. Un interesante relato donde el principio constructivo es el cuerpo del actor, un cuerpo que se hace lenguaje en la particular dinámica de sus movimientos. El lenguaje expresivo está construido por las acertadas máscaras, por las acrobacias y la gestualidad del clown que por momentos nos hace reír y en otros nos hace reflexionar sobre la fugacidad de la vida. Esa expresividad corporal del elenco le otorga textura a cada personaje de forma acabada, y deja claro que se puede contar una historia íntima, tierna, cotidiana sin la dependencia del discurso verbal. Perú - Los regalos 3

Ficha técnica: Los regalos de Federico Abril, Fernando Castro. Idea: Diego Cabello, Fernando Castro. Elenco: Diego Cabello, Eduardo Cardozo, Miquel De la Rocha. Vestuario: Alonso Núñez. Realización de máscaras: Ana Cecilia Chung. Asistencia artística: Alonso Núñez. Dirección de arte: Ana Cecilia Chung. Dirección General: Fernando Castro. Sala México. Duración: 60′.

1 La primera definición de acorar en el diccionario de la real academia de la lengua española es afligir, acongojar. Otro significado de acorar en el diccionario es rematar, descabellar, atronar. Acorar es también dicho de una planta: Enfermar, desmedrarse por algún accidente atmosférico. http://lexicoon.org/es/acorar [13/02/2017]

Según programa de mano: “El de acorar era un trabajo reservado al más experto, porque no es nada sencillo de hacer, y hoy en día muy pocos saben”.

2 Del poema Me gritaron negra de la compositora afroperuana Victoria Santa Cruz.

Festival Temporada Alta 2017

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Festival Temporada Alta 2017 [II]

unnameden Timbre 4 (al 16 de Febrero)

Alacrán o la ceremonia y Acceso

Dos piezas de intensa fuerza actoral

María de los Ángeles Sanz

Una figura vestida de impecable traje blanco, y murmurando por lo bajo, desciende por las escaleras hasta llegar a escena, es Alacrán, un personaje que busca narrar una historia, la suya, y la de aquellos que conformaron su continente en un tiempo que sólo cabe en su relato personal: la Cangrejo, el Paquito, y el gato. El baile, los bajos fondos, los artistas que van de pueblo en pueblo, de escenario en escenario, deambulando su destino. El cante jondo y el flamenco, se dan presencia en el cuerpo de José Antonio Lucía, bajo la dirección de Rodolfo Podolsky. Un cuerpo que se luce en su flexibilidad, y su dominio de movimientos, que se expone para ser admirado, una búsqueda de autoestima, en la necesidad del personaje de hacerse valer, en el escenario, en el mundo, que es cruel con sus criaturas. El arte de narrar con gracia y estilo se hace presente en esa voz que dice, mientras el cuerpo teje otro lenguaje para ir construyendo una trama inquietante, que no deja ni un momento de impactar al espectador. La transformación del cuerpo en otro se va produciendo en escena, lentamente, la pintura de las uñas, en solo aquellos dedos que conserva la Cangrejo, y que le dan carnadura a su apodo, el taconear de unos zapatos de baile sobre la mesa, y por último el vestido que sustituye al traje, y conforma por fin el personaje buscado. Todo es magia en escena, como la de Paquito, que se devela hacia el final, porque la gente quiere saber la verdad, y la verdad no siempre necesita ser transparente; por eso el relato nos ha ido llevando sinuosamente por las intricadas calles de la peregrinación de los desposeídos, de los que conforman una corte de los milagros, que resisten y son resistidos por aquellos que viven en un territorio ordenado y prolijo. La excelencia con la cual Lucía transcurre su performance en escena logra que la expectación tenga una intensidad de principio a fin, por una densidad dramática que no tiene vacíos, y que se nutre a sí misma con la música y el humor, oscuro por momentos pero que nos arranca una sonrisa sin que nos demos cuenta. Un teatro ritual, como una religión necesaria para exorcizar los demonios que nos habitan y explorar el territorio del arte y la vida con sus espiraladas temporalidades. España - Alacrán o la ceremonia

Desde Chile llega el actor Roberto Farías para darle carnadura a Sandokán el personaje de Acceso, construido por el conocido cineasta chileno Larraín, cuya dramaturgia cuenta con la colaboración del actor. La puesta en escena es del propio Pablo Larraín, y narra con crudeza y un lenguaje rudo plagado de los términos coloquiales del sector marginado de ese país, una historia que es el drama de muchos de nuestros países: la desprotección y el abuso de los menores de edad en situación de calle, o que no tienen una familia que los contenga. El personaje es un vendedor callejero, que ofrece una variedad de objetos desde libros hasta peines, pero que en realidad busca encontrar una escucha en el otro, y develar una realidad horrorosa, que muchos desean no conocer. En un registro alto, siempre arriba entre exabruptos, y rompiendo la cuarta pared, el relato va tejiendo los caminos de su infancia, entre los sectores de poder que dicen ayudarlo pero que solo lo utilizan como objeto sexual, para propios y ajenos. El sexo, la droga, y el hambre son un cóctel explosivo que produce la alienación del personaje, que termina pensando que sus abusadores son los únicos que le han ofrecido amor, cariño y comida, a cambio de su cuerpo, y que esa transacción es justa: ¿él acaso no ofrece objetos por dinero? El como un objeto más se vende por un pedazo de pizza, un beso, una caricia, que es mejor según su manera de ver las cosas, que el desinterés de los demás. Su interpelación a los posibles clientes de su venta diaria, es siempre agresiva, violenta, con una furia escondida en las palabras que escupe como balas sobre todos. Actor y autor, construyen una crítica ácida, dolorosa sobre el estatus quo, sobre los poderes: políticos, religiosos, sobre la policía, y sus estamentos, y sobre la psiquiatría y su manera de controlar y corregir el problema, cambiando una droga por otra, para mantener al paciente en estado de aceptación de un sistema podrido desde sus bases. Sin embargo, el mensaje puede para el no prevenido quedar en su literalidad, y pensar que es una defensa de aquellos que comenten el delito, ante la reiterada afirmación de amor que el personaje siente de manos de sus abusadores. El síndrome de Estocolmo, en acción. Una puesta potente, con un texto de vocabulario explícito, degrado y desgarrador, una actuación de exasperada violencia, y un espectador que no tiene aliento en los sesenta minutos que dura la puesta.Chile - Acceso 1

Ficha técnica:

Alacrán o la ceremonia de José Antonio Lucía. Interpretación: José Antonio Lucía. Prensa: Marisol Cambre. Producción: Murática Teatro, Sandra Commisso Dirección: Román Podolsky. (España) 50 minutos.

Acceso Dramaturgia de Pablo Larraín y Roberto Farías. Intérprete: Roberto Farías. Iluminación: Sergio Amstrong. Operación técnica: Catalina Olea. Asistente de producción: Josefina Dagorret. Asistencia de dirección: Josefina Dagorret. Puesta en escena: Pablo Larraín. (Chile) 60 minutos.

Bienal Arte Joven Buenos Aires

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bienal-arte-jovenSe inicia una nueva edición de la Bienal Arte Joven Buenos Aires

Con una convocatoria abierta a artistas jóvenes de 5 disciplinas, se inicia una nueva edición de la Bienal Arte Joven Buenos Aires, plataforma de promoción del arte joven. Hasta el 10 de marzo estarán abiertas las inscripciones en 9 convocatorias, destinadas a artistas que podrán postularse a través de una obra o con un proyecto a desarrollar en: artes escénicas, artes audiovisuales, artes visuales, música y literatura, la gran incorporación de esta nueva edición.

La inscripción, para artistas de 18 a 32 años de edad, se realiza online en https://bienal.buenosaires.gob.ar/convocatorias, en donde se pueden consultar también las bases y condiciones.

Los objetivos centrales de La Bienal son promover la formación práctica y teórica de los artistas y creadores; promover circuitos de encuentro e intercambio que den origen a nuevas creaciones y sean motor de pensamiento crítico, apoyar el desarrollo de nuevas producciones y la circulación de ellas y sus artistas (dentro y fuera del país) acercar nuevos públicos a las distintas manifestaciones del arte contemporáneo.Se trata de una iniciativa de la Subsecretaría de Políticas Culturales y Nuevas Audiencias que depende del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

La nueva edición de La Bienal incentiva y apoya la participación de artistas de todo el país. Entre el 2 y el 4 de febrero pasados, 100 artistas jóvenes de diferentes lugares de Argentina tuvieron la oportunidad de compartir un espacio de encuentro, intercambio y formación con más de 20 actividades a cargo de 25 referentes del campo artístico en la Residencia Enciende Bienal.

Por otra parte, desde el 31 de enero se está desarrollando el Programa intensivo de creación dramatúrgica y composición de teatro musical en el que 10 equipos de artistas jóvenes desarrollarán una obra desde el germen hasta su libro final. Esta es la segunda edición, y es el único programa de su tipo en Argentina. Dos equipos contarán además con el acompañamiento de La Bienal para la realización de sus proyectos. El primer premio consistirá en un apoyo económico de $200.000, y el segundo, de $140.000. Ambos contarán con un programa de tutorías que acompañará el proceso de producción hasta su estreno en el Teatro Picadero y el Teatro La Comedia, durante el Festival de la Bienal. En su edición 2015 el proyecto ganador fue la multipremiada y destacada obra Los monstruos, de Emiliano Dionisi y Martín Rodríguez, aún en cartel en el Teatro Picadero.ph-1-estrella-herrera-bienal-arte-joven-buenos-aires

Otro de los proyectos con el que se inicia esta nueva edición es Antihomenaje DADÁ (101 años del Cabaret Voltaire) ideado por Emilio García Wehbi y Ricardo Ibarlucía donde 20 propuestas de jóvenes artistas van tomando forma para ser exhibidas en forma simultánea en el Centro Cultural Recoleta en el marco de la Bienal de Performance 2017, entre el 13 y 16 de mayo de 2017.

En el mes de mayo se realizará el anuncio de quiénes serán los bienalistas de esta nueva edición, que serán seleccionados por referentes de cada disciplina, entre ellos: Leticia Mazur, Juan Coulasso, Analía Couceyro, Laura Figueras, Santiago Gobernori, Patricio Larrambebere, Lara Marmor, Marcela Sinclair, Fernando Brizuela, José Luis Landet, Rodolfo Marqués, Julia Marvernat y Geraldine Schwindt, Florencia Clerico, Javier Zevallos, Santiago Melazzini, Paola Buontempo, Iván Fund, Nele Wohlatz, Tomás Dotta, Hernán Rosselli, Florencia Mauro, Mariano Godoy, Javier Caso, Gabo Ferro, Eduardo Sluszarzuk, Gabriela Cabezón Cámara y Fabián Casas.2-foto-prensa-visuales-bienal-arte-joven-buenos-aires

Entre junio y septiembre llegará la etapa de desarrollo de proyectos. Este año La Bienal acompañará la producción de 8 proyectos escénicos (2 de ellos de teatro musical), 6 proyectos en artes visuales, 3 series web, y una novela breve.

Entre Julio y Agosto se llevará adelante el Campus Bienal, la instancia de formación interdisciplinaria con más de 50 propuestas para todos los artistas seleccionados. Este año habrá una residencia internacional en el marco del Campus. 11 artistas provenientes de diferentes países se sumarán a vivir la experiencia Campus con los más de 800 artistas seleccionados en Bienal.

El Festival de la Bienal, el gran espacio de exhibición en el que los artistas seleccionados compartirán sus creaciones con toda la Ciudad, será del 25 de septiembre al 1 de octubre y esta vez durará 7 días, un día más que en las ediciones anteriores. En esta nueva edición el Festival tendrá su sede central en el Centro Cultural Recoleta, que fuera la sede de la primera Bienal de Arte Joven que tuvo la Ciudad en 1989.

Algunas de las becas y residencias de las que participarán los bienalistas ganadores de las Convocatorias para Artistas de esta edición de La Bienal son: Hangar (Barcelona), Casa tomada (San Pablo), Casa Tres Patios (Medellín), Urra (Buenos Aires), Mundo Dios (Mar del Plata), Curadora (Santa Fe), Talents Buenos Aires, Flaherty (NY)  Residencia INAE (Montevideo), Director’s Lab (NY), Sala Beckett (Barcelona), ImPulsTanz (Viena), entre otros.

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Marisol Cambre | 15.5850.6261

Antonela Santecchia | 15.3174.6908

Equipo de prensa Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017

Festival Temporada Alta 2017

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Festival Temporada Alta 2017 [I]

unnameden Timbre 4 (4 al 16 de Febrero)

María de los Ángeles Sanz

Timbre 4 es sede desde hace cinco años de un encuentro en formato Festival de teatristas y espectadores disímiles que ofrecen unos a otros el talento de su arte y una mirada entre crítica y asombrada ante las poéticas presentadas y las temáticas que se incluyen en el proceso. Desde el teatro para un espectador, hasta las micropoéticas, la escena se hace presente una vez más a pesar del contexto difícil que nos rodea, sobre todo en lo relativo a la cultura. Un dato más para valorar la empresa que se lleva adelante en el espacio de Claudio Tolcachir.

(…) Donde todo te dice que abandones, nos encontramos con más ganas que nunca de hacer. Y más grandes: Chile, Perú y Uruguay, se suman a esta aventura de traer teatro del mundo a un espacio pequeño e independiente y explotar de alegría. Hermanos de pasión y de criterio, deseamos ser más los que nos sumamos a esta locura que pareciera imposible pero que cada vez se vuelve más fuerte y real. Amor al teatro y a construir encuentro. Y disfrutar profundamente de hacerlo a nuestro modo. (C. Tolcachir, programa de mano)

Una de las piezas es África por el grupo “Los últimos” bajo la dirección de Moisés Mato López; la textualidad dramática trabaja sobre un continente desconocido, oscuro, invisibilizado, olvidado salvo por aquellos que cometen el delito de colonización y expoliación, desde hace siglos: hombres, diamantes, naturaleza toda, es el botín que no para de dejar réditos y produce en los pueblos africanos una sangría infame. El relato fragmentado en pequeñas escenas, donde lo objetual tiene una función primordial, ya que no solo ilustra sino que da vida a las secuencias al igual que los cuerpos de las actrices. Un comienzo donde la vida produce su eterno caminar en el nacimiento de un niño y la canción que lo identificará por siempre, es una voz de aquello que es, pero que siendo no se lo considera lo fundamental. La forma que se producen las ayudas de occidente, los inmigrantes clandestinos que mueren en las aguas del Mediterráneo, el robo sistemático de los imperios, las luchas fratricidas que éstos provocan, pobres contra pobres ante el fantasma vivo del hambre que no se detiene. África es un espejo para mirarnos los latinoamericanos, aún más profundo en su ignominia, pero que no debemos olvidar, sobre todo porque nuestras raíces tienen de ese continente una parte muy importante en nuestra historia política y cultural. Negros en nuestras guerras de independencia, negros en el origen de nuestra música popular. Un hecho que se repite a lo largo de toda Hispanoamérica y de la lusitana. El trabajo con la iluminación es el ideal para dar cuenta de nuestro trayecto por los distintos escenarios que se nos ofrecen como espectadores, y a donde nos vamos desplazando con pequeñas luces de linterna, o velas. Una semipenumbra nos acompaña, el vestuario de las actrices, Maru Méndez, Daiana Silver y Chusa Pérez de Vallejo, también es negro, ya que el instrumento que más utilizan es la voz, entonaciones, palabras de origen africano, gemidos, llantos guturales, y la cara siniestra de la codicia; las manos que manejan los objetos, y el cuerpo como recipiente y base de lo que narra. Una puesta necesaria, una temática cruel que nos empeñamos en desconocer o que sólo registramos desde la catástrofe. España - Africa, una mirada a través del microteatro

De Uruguay llega una puesta con muchos puntos a destacar bajo la dirección de Jimena Márquez, de quien también es la textualidad dramática, Litost, la frustración. Una escenografía que se extiende hacia el vestuario, en blanco, negro y rayas; un triángulo que carece de la figura paterna, una interesante manera de dar cuenta como el arte puede ser la voz de aquellos que presos de su circunstancia, buscan en el baile o en la literatura la forma de envolverse para no dejar escapar al monstruo que los habita. Una madre asistemática que rompe con todos la mitología rioplatense de la madrecita buena y abnegada, una cruella de vil, que tiene en sus hijos la fuente de sus ingresos y sostén a la mejor tradición del grotesco criollo, pero donde la cabeza de la expoliación es el personaje que en el género era antes solo pasividad y aceptación; aires de época, tal vez, el teatro antes del grotesco ya había construido madres perversas y abusivas. Contraponiendo el mito urbano a la realidad cotidiana. Una puesta que rompe la cuarta pared, y desde el comienzo desarrolla una coreografía que señala ese triángulo escaleno. El bailarín no actor, Santiago Duarte, realiza una excelente performance desde el hip- hop, en un dueto con su madre, Gabriela Iribarren, y su hermana, Jimena Vázquez; la buscadora de palabras que exorcicen, la que narra a partir del hipérbaton en una barroca forma de construir relato. El tiempo fragmentado trabaja con tres versiones de los hechos, y nos deja la oportunidad de elegir el final que más se acerque a nuestra idiosincrasia. Los tres personajes que se desdoblan en ellos mismos, construyen un trabajo de excelencia que el público agradecido aplaude de pie. Desde la sede de México de Timbre 4 hasta la Boedo, todos en peregrinación munidos de pin que nos identifiquen, un pin que reza: mama vuelve, nos dirigimos hacia una cortada donde alguien nos interpela a viva voz, y nos pida que nos quedemos con él; un marginal, un inmigrante, un asaltado, un otro. Uruguay - Lítost, la frustración 2En La noche justo antes de los bosques, el actor Oscar Muñoz realiza con excelencia una performance que nos involucra no sólo como espectadores sino como posibles actores de una situación parecida, donde la pregunta que todos nos hacemos es que pasaría si fuera verdad, y no un acto ficcionado. La impronta de sus relatos que encierran un discurso de alta politicidad en contra de un mundo globalizado e individual, de un mundo que se desentiende de las personas en favor de los poderes invisibles, nos lleva a interiorizar un sinfín de reflexiones que siguen su camino aún terminada la experiencia, y de eso se trata precisamente. El personaje que construye Bernard- Marie Cortés y que dirige Roberto Romei, nos invita a hacernos cargo de la soledad del prójimo al mismo tiempo de que nos demos cuenta de por qué se produce su desolación, que bien podría ser la nuestra en un futuro no tan lejano. Sus ropas, su aspecto poco convencional, la manera efusiva de tratarnos es una barrera para la confianza que se irá ganando cuando todo lo exterior desaparezca y sea el alma en carne viva lo que podamos ver con los ojos, y sentir en todo el cuerpo. Su vida nos interpela, nos provoca, nos intimida y nos compromete con la vida de todos, y nos lleva hacia el fondo de nosotros mismos. La performance es excelente porque logra todo lo que se propone y lo hace con recursos genuinos. Sin cruzar el límite, deteniendo el relato en el momento justo para comenzar con otro cortando un clima que se puede tornar demasiado inquietante para los participantes. Todo termina en Boedo, con una reunión de pares que comparten juntos la ceremonia del encuentro.Cataluña - La noche justo antes de los bosques 2 La historia del señor Sommer, es la historia de un relato que sucede en un espacio dividido como un tríptico donde en el centro se ubica un sillón de orejas, como define el personaje, a sus lados dos mesas con sillas, y luces, un banco alto, una guitarra que oportunamente el actor tocará para acompañarse en la interpretación de una canción conocida, de la bossa nova brasilera. La música del comienzo, la conocida canción Alfonsina y el mar, cuya densidad semántica comprenderemos hacia el final, funciona como refuerzo de un sentido, mientras que la otra logra el efecto de un separador de tiempos narrativos. La historia es como una liviana masa de hojaldre, cada capa nos va llevando a otra, y todas tienen un sabor especial. Sommer es el pretexto para que el autor nos hablé de sí, de sus experiencias de niño y adolescente, y de la forma diferente que el tiempo hace que recordemos o vivenciemos los hechos. Todo gira a su alrededor, porque de él es el gesto final, el más teatral de todos los narrados, el que a pesar de su invisibilidad para el resto, es la causa de esa entropía necesaria. El silencio que necesita ser exorcizado, las palabras son la herramienta para cerrar una herida cuanto menos comunicada más profunda. El relator, niño – hombre apela al humor, la nariz del clown en un momento lo ayuda frente a un espectador atento, con quien mantiene un tímido diálogo. El cuerpo – herramienta que se mueve, gesticula, construye espacio ayudando a la palabra para hacer presente un tiempo ido, y un lugar perdido en él. El suspenso es un procedimiento que instaura un ritmo, y hace que la muy buena actuación de Pep Tosar nos mantenga expectantes para la próxima anécdota que por momentos parece ajena al punto central del tema, pero que luego sin darnos cuenta comprendemos que todo termina en ese personaje enigmático cuyas rarezas serán siempre un misterio. Cataluña - La historia del señor Sommer 10

Fichas técnicas:

Africa, una mirada a través del microteatro de y por: Maura Méndez, Daiana Silver, Chusa Pérez de Vallejo. Escenografía: Jesús Escobar, Clara María Herrán Luna, Marina Muñoz Garrido, Eric Sanz De Bremond Arnulf. Dirección: Moisés Mato López. (España) 70 minutos

Litost (La frustración) de Jimena Márquez. Actúan: madre y Gabriela, Gabriela Iribarren; Jimena Vázquez y Santiago Duarte. Vestuario y Escenografía: Gerardo Egea. Iluminación: Inés Iglesias. Diseño gráfico: Virginia Cabrera. Producción ejecutiva: Carolina Escajal. Producción general: Medio Mundo Gestión Cultural. Dirección: Jimena Márquez. (Uruguay) 60 minutos

La noche justo antes de los bosques de Bernard-Marie Koltés. Actor: Oscar Muñoz. Vestuario y Espacio escénico: Roger Orra. Visuales: Lydia Cazorla. Asistencia de dirección: Joan Albinyana. Producción ejecutiva: Joan Albinyana, Oscar muñoz, Roberto Romei. Dirección: Roberto Romei. (Cataluña) 70 minutos.

La historia del señor Sommer adaptación del cuento de Patrick Süskind. Dramaturgia: Pep Tosar. Xicu Masó y Lluis Massanet. Traducción: Ana María De La Fuente. Actúan: Pep Tosar. Escenografía: Nura Teixidor. Iluminación: Xavier Clot. Dirección: Xicu Masó. 90 minutos

Mesa Arte y Política en La escuela de Teatro Político

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Presentación en la Mesa Arte y Política en

La escuela de Teatro Político

Pueden quemar la Biblioteca de Alejandría. Por encima y fuera de los papiros hay fuerzas, nos quitarán por algún tiempo la facultad de encontrar otra vez esas fuerzas, pero no suprimirán su energía y conviene que las facilidades demasiado grandes desaparezcan y que las formas caigan en el olvido; la cultura sin espacio ni tiempo, limitada sólo a nuestra capacidad nerviosa, reaparecerá con energía acrecentada. (A. Artaud)

1468041068-1María de los Ángeles Sanz

Muchas veces vemos como los conceptos de arte y política son definidos como compartimientos estancos. Como si el ejercer la función artística, en cualquiera de sus disciplinas, no tuviera a su vez una postura política o no implicara una definida toma de posición. El arte y su torre de marfil, como quería la estética modernista, la búsqueda de experimentación en los procedimientos técnicos formales que estarían desligados de un contexto social, que serian con simplismo el resultado de un proyecto creador que se opone al anterior, o que busca modificar los problemas de una estética epigonal, son exhibidos como un arte neutral, apolítico, que busca en sí mismo su necesidad y el autor. Años atrás, en el 2007, en el campo del teatro, uno de los mayores representantes de la dramaturgia de la década del ’90, Rafael Spregelburd, veía con agrado que el teatro por fin había dejado de lado “decir lo importante” para construir un teatro lúdico, innecesario. Afirmaba en una entrevista a Alejandra Ballester para la revista Ñ, del 14 de abril de 2007: “Nuestra generación ha logrado recuperar una situación gozosa del teatro, liberado del imperativo de decir ‘lo importante’ de los ’80.”Afirmación que provocó la rápida respuesta de una dramaturga comprometida desde el comienzo de su trabajo con el contexto socio político, aunque en un principio su dramaturgia no fuera comprendido así, ya que se expresaba a través de la poética del absurdo, metáfora de una realidad que agobiaba a la sociedad y que ella dejaba atravesar en sus textos.

El teatro es muchas cosas entre ellas ideológico, aunque Spregelburd use la palabra, supongo refiriéndose a ese teatro donde las ideas son un peso moroso en la ficción. Sin embargo, en términos generales, ficción e ideología vienen juntas, y aún el tema menos comprometido con la ideología descubre la del autor, y por consecuencia la de las obras en su lectura y puesta en escena con la misma claridad que el denostado “teatro de ideas”. La ideología no precisa expresarse con una serie de declaraciones: ficción, estructura, lenguaje, intencionalidad, la revelan, tanto como la economía revela la ideología del poder. (Gambaro, página 35, 5/5/ 2007)

En el polo opuesto está un arte que se llamó comprometido en un tiempo no muy lejano pero que con otras definiciones se ubica dentro del conflicto social que le toca vivir y sin eufemismos se asume como político. El movimiento Arte Urgente, Debates y Contrapuntos de Ideas Visuales, tuvo este año dos presentaciones una en julio, cuyo tema fue la independencia, y otro en noviembre donde el punto de reflexión son los acontecimientos de 2001 y su relación con el presente, ya que se proponen como un colectivo que busca rescatar la memoria histórica y los saberes colectivos:

Arte Urgente no calla su deseo de romper con el modelo dominante de acumulación de capital (real y simbólico) que determina todo lo que sucede hoy en día y que el arte reproduce y normaliza con notoria naturalidad. Arte Urgente procura hacer pensar sobre la alternativa misma para poder empezar a construirla. Arte Urgente propone: 2001, es nuestra Odisea del presente. (Hernán Cardinale y Juan Pablo Pérez) Afiche de la muestra en el Centro Cultural de la Cooperación.

El teatro tampoco escapa a esta mirada, y muchas veces nos encontramos con la disyuntiva de si el teatro tiene o no que tener una función social a la hora de desarrollar su poética. Podemos afirmar que el teatro es juego, búsqueda de reconocimiento de parte del espectador, una profesión pero también puede además de ser todo lo expuesto una expresión de una situación social, de un malestar que culturalmente aparece a la superficie a través de una puesta teatral, o de un movimiento que quiere legitimarse a sí mismo a partir de la integración con el espectador.

Me gustaría hablar de esa relación hoy, en un campo minado como el campo cultural que atravesado por un nuevo paradigma político y económico busca las formas de seguir produciendo arte sin olvidarse de dar cuenta de una situación cada vez más preocupante. La relación teatro y política, como arte y política, en los tiempos que corren, está en el hacer. No bajar los brazos, buscar lo alternativo, insistir en el deseo, es un acto político, como lo fue en 1981 y lo fue en el 2001, por dar sólo algunos ejemplos. Cuando el contexto nos muestra su cara más amarga, levantarse e imaginarse andando, es un imperativo categórico, es un acto político. Por eso, el teatro hoy busca, lejos de la discusión de las poéticas, las formas, los espacios, las temáticas que llevan a hacer de su quehacer una respuesta política a los problemas que atraviesan a toda la sociedad. Voy a hablar de algunos trabajos que me parecen representativos de esto que estoy afirmando:

Relato Situado de Martín Seijo, las Performances de los cuervos, con el evento “Esto huele mal”, la de las actrices que vestidas como promotoras, están en las puertas de los más importantes shoppings, para dar cuenta de la necesidad de una ley de aborto; Los pompas un grupo de talentosos actores que toman la plaza de Parque Patricio para informar a todos de la historia del barrio, al igual que Villurqueros hacen en Villa Urquiza y el recuerdo de la tragedia de la fábrica Grafa en los tiempos de la dictadura cívico –militar de 1976 y por último para esta reseña, el Festival de Teatro Urgente (Lo más seguro es que sea el primero y el último) dirigido y producido por Lisandro Rodríguez en el espacio Elefante Club, que en un horario continuado desde las once de la mañana hasta las once de la noche ofrece obras teatrales de tiempo y poéticas diversas a un precio reducido, que intenta paliar la crisis económica que atraviesa al campo y también captar un público diferente:

Invitamos a personas que puedan y quieran y deseen abrir su cabeza y que no piensen que hay un solo modo de pensar el teatro o la escena o la actuación. Personas que no limiten el juego y que consideren solo un punto de vista y crean que el actor /actriz es o puede ser un mero interprete o muñeco manipulable que dice o calla o que crea que impone las “verdades” del otro. (…) Sólo me interesa abrir espacios expresivos de compromiso, no superficiales, si de mucho trabajo, estudio e intercambio, amables en ese andar, que profundicen en lo que nos inquieta del mundo de la forma que cada uno pueda y quiera. (Manifiesto del Festival)

También es teatro político, sin que se lo propongan como tal, los últimos trabajos de teatro para niños que encaran la problemática de diversidad de género como El vestido de mamá de Gustavo Tarrío. Voy a desarrollar sintéticamente dos de las propuestas enunciadas: Relato Situado, y “Esto huele mal”. El trabajo de Seijo en Relato Situado, tiene dos instancias la que ocurre en octubre y noviembre de 2015, Acción de memoria urbana, frente al edificio donde se encuentra la figura de Eva Perón, trabajo realizado con la dupla de artistas visuales: Virginia Corda y María Paula Doberti; y el que se realizó luego en 2016 en el barrio de Almagro, Una topografía de la memoria, en colaboración con las mismas artistas visuales, que tuvo además una función especial dentro del marco 1 Simposio sobre Teatro Contemporáneo, Política y Sociedad en América Latina. Recuperar la memoria de un barrio a partir de posters pegados en sus paredes para informar lo que seguramente sus habitantes desconocen, o seguir como espectadores el recorrido de las baldosas de los militantes desaparecidos es una propuesta que nos habla de una teatralidad que busca como comunicar un hecho político y que se busca a sí misma para lograrlo. El barrio de Almagro cuenta con 147 personas desaparecidas, algunas ya tienen su placa o su baldosa recordatoria, para que nadie olvide o pueda decir que nunca supo porque nadie lo dijo. En ese contexto, y desde el espacio Umbral, dentro del barrio, partimos en el marco del Simposio del Proyecto: Manifestar la Historia, a recorrer algunas de las cuadras que guardan los pedazos de un relato fragmentado que necesita ser reconstituido. Con un mapa y un marcador en mano, actores y espectadores en comunión, compartiendo un mate, integrantes de varios países latinoamericanos: argentinos, los anfitriones, peruanos, chilenos, mexicanos, para ser parte y arte de un proceso artístico, de una performance, que nos puso de cara a nosotros mismos a través de la historia de los otros. El nombre del espacio1, El Umbral, es por definición una apuesta a una ideología, una manera de pensar la teatralidad. Como afirma Lorena Verzero:

La distinción entre artistas y pueblo se disuelve y se refuerza en el acto mismo de trasladar la experiencia artística. El espacio común construido en el momento de la representación licua las distinciones sociales y, al mismo tiempo, las expone. El espacio construido es un espacio de umbral, que conecta y divide a la vez. (L. Verzero, 2013, 270)

La FACC (Fuerza Artística de Choque Comunicativo) cuyo lema de grupo encierra en pocas palabras el sentido de la propuesta: “En la inacción somos cómplices; en la acción, compañeros”, nació cuando un grupo de artistas, a partir del cambio de gobierno nacional, sintió que les urgía poner el cuerpo fuera de sus teatros. Si bien sus encuentros comienzan a partir del triunfo de Cambiemos, los artistas que conforman la FACC aclaran que no son un colectivo antigobierno, sino que “quieren instalar una simbología en la calle que hable de un grado de resistencia y que explicite que una parte de la sociedad está enojada y en pie de protesta”. La chispa que encendió la primera acción fue la llegada de Obama a la Argentina y su presencia el 24 de marzo en el país. Los integrantes de la FACC dicen que sintieron la necesidad de salir hacia los espacios públicos por una combinación de motivos políticos y sociales, que van desde del constante atropello a los espacios culturales hasta la violencia social general. ‘Frente a un Estado policial que reprime el arte, la respuesta que encontramos fue salir a hacer lo que sabemos hacer. No nos interesa el teatro panfletario. No es nuestra estética, ni nuestra búsqueda poética, por eso seguimos en la investigación para ser claros con el mensaje, prepararnos y aprender a ponerle el cuerpo a la calle’. Utilizan las técnicas de la creación teatral para realizar sus acciones. “Tenemos esa herramienta. Somos artistas escénicos, artistas performáticos, gestores culturales, y tenemos los espacios. Todo eso ahora lo queremos poner en función de lo que pasa”. La FACC2 lleva 15 acciones en pocos meses de trabajo intenso, entre ellas:

Una pila de cuerpos desnudos que simbolizó, entre otras cosas, la violencia estatal argentina y estadounidense sobre los cuerpos de la sociedad. Fue la acción que marcó el nacimiento de la FACC y se hizo, primero, para publicar en la revista MU. Luego, se realizó en el espacio público tres veces. “

El teatro militante, se propone hoy como ayer transgredir los límites de lo teatral, para producir un evento que interpele no al espectador cautivo sino aquél que sin ser protagonista del suceso, sea testigo involuntario pero testigo al fin de lo que la teatralidad les ofrece en ese espacio que se expande hacia la calle, y busca su otredad.

Bibliografía:

Verzero, Lorena, 2013. Teatro militante. Radicalización artística y política en los años 70. Buenos Aires: Editorial Biblos / Artes y Medios.

Hemeroteca:

Revista Lavaca Mu, 2016. FACC, arte y política. Cuando el cuerpo habla. Noviembre, 15.

Revista Ñ, 2007. Gambaro responde a Spregelburd. Mayo, 5. Página 35

1Bordieu en 1997 introduce la noción de “distinción”, de esta manera el concepto de espacio se fundamenta en la idea de diferencia. El espacio es el: “conjunto de posiciones distintas y coexistentes, externas unas a otras, definidas en relación una de otras por su exterioridad mutua y por relaciones de proximidad, de vencidad o de alejamiento y asimismo por relaciones de orden, como por encima, por debajo y entre” (Verzero, 2013, 267)

2 El lunes 7 comenzaron a desplegar esta nueva acción poética; que se hilvanó a partir de la presencia de un mismo signo, que llamaron “pájaros de mal agüero”: personas con largos picos, traje y guantes negros. Pocos adivinaron que la mayor parte de esos pájaros eran mujeres. Ese lunes se plantaron frente al ministerio de Cultura de la Nación. Al día siguiente, la performance implicó dos acciones: por un lado, Promotoras se instaló en el Congreso de la Nación a la hora que debería reunirse la comisión legislativa encargada de impulsar el tratamiento de la Ley de Interrupción Voluntaria del Embarazo. Las promotoras repartieron impecables sonrisas y una postal: “Queremos Abortar”. La polémica consigna refleja el espíritu de esta propuesta artística: “No hacemos publicidad, hacemos arte. Y si el arte no interpela, no es arte”. Luego, a la hora de la caída del sol, otro grupo se plantó frente al ministerio de Energía: fue la única intervención interrumpida por la policía, lo cual dejó en claro que ese sigue siendo considerado el punto más álgido en la actual coyuntura política, tarifazos mediante. (Revista Lavaca Mu, 15/11/2016)

3er Encuentro de Dramaturgia Internacional Estudiantil

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image001CORREDOR LATINOAMERICANO DE TEATRO

Presenta:

3er Encuentro de Dramaturgia Internacional Estudiantil
EDIE 2016

El Encuentro de Dramaturgia Internacional Estudiantil (EDIE), es uno de sus proyectos más relevantes del Corredor Latinoamericano de Teatro, logrando integrar las diversas redes con las que trabaja y sus respectivas coordinaciones internacionales o antenas en los países Latinoamericanos.
En este caso esta actividad se viene desarrollando de manera articulada entre Argentina, Brasil, Colombia y Chile y luego de haberse realizado en Septiembre en Colombia y en Octubre en Chile en esta oportunidad es el turno de Argentina.

EL Tercer Encuentro de Dramaturgia Internacional Estudiantil (EDIE) se realizará el 3 de Diciembre 2016, en Argentina, en Crisol Teatro Av. Scalabrini Ortiz 657 a partir de las 20hs generando un cruce con Brasil, Colombia y Chile participando realizadores y dramaturgos de los países involucrados. 

El Cruce multicultural del evento, es sin duda un factor diferenciador frente al resto de otros encuentros teatrales. Este carácter da la posibilidad de integrar la diversidad de experiencias que se desprenden de la realización de un mismo evento en distintos contextos, enriqueciendo las reflexiones emanadas del encuentro y fortaleciendo a su vez las redes construidas en el mismo.image002

Sábado 3 de Diciembre, a partir de las 20 hs en El Crisol Teatro -Av. Scalabrini Ortiz 657- Entrada (por obra): $ 60.-

 QUANDO UM SUICIDA PULA DE UMA JANELA, UM AVIAO NUMA NUVEM

Texto: Vicente Antunes Ramos -BRASIL-

Dirección: Paula Banfi – ARGENTINA-

Duración de la Obra: 50 min.

  • LAS OCTAVAS DE SIMONE

Texto: Nicolás Lange – CHILE-

Dirección: Román Caracciolo – ARGENTINA-

Duración de la Obra: 45 min.

 …

  • UNA MADRE

Texto: Katerine Pombo Jimenez – COLOMBIA-

Dirección: Charlee Espinosa – ARGENTINA-

Duración de la Obra: 55 min

SOBRE EL CORREDOR LATINOAMERICANO DE TEATRO

El Corredor Latinoamericano de Teatro Asociación Civil es una plataforma de intercambio internacional sin fines de lucro, entre realizadores, espacios, festivales y centros 1de formación teatral del continente. Su misión es fomentar el intercambio permanente de creaciones y reflexiones teatrales latinoamericanas, contribuyendo al desarrollo de una identidad teatral y por tanto cultural, de la región y hacia el resto del mundo.
El Corredor Latinoamericano de Teatro que ha expandido sus acciones de intercambio entre los países de Latinoamérica

La plataforma del CLT lleva a cabo sus proyectos gracias a una lógica asociativa de interacción entre las cuatro redes principales que articula: Realizadores (más de 600 creadores y gestores teatrales en Latinoamérica), Espacios y Festivales (más de 30 espacios de circulación vinculados en Latinoamérica y el mundo) colaborando en su difusión, gestión y programación. Formación e Investigación (más de 20 instituciones formativas vinculados en Latinoamérica) Integración Teatro y Sociedad (más de 40 instituciones públicas y/o privadas vinculadas a proyectos del CLT). Estas redes son articuladas a partir de las Antenas, equipos de profesionales que trabajan en el Corredor Latinoamericano de Teatro en distintos países.

Actualmente se cuenta con Antenas en Argentina y Chile, junto a Coordinaciones Internacional en el estado de Santa Catarina y Nova Lima, Brasil; Bogotá, Colombia, y Pachuca, México.

Hoy en día se han desarrollado más de 50 actividades en los países donde trabajan sus equipos, vinculándose a la vez a otros diversos proyectos y eventos teatrales en Latinoamérica, Europa y África.

Prensa: Silvina Macri

Acreditaciones, Pedido de Entrevistas, e Información:

silvinamacri@gmail.com

Cel.: 011 5 528 4524

Arribos Nacionales > Destino: CABA

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Arribos Nacionales > Destino: CABA

Dramaturgias Argentinas

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

festivalA partir de agosto de 2016 se llevó a cabo un proyecto de Circuito Teatral que se inició con una mesa de presentación en el Teatro Nacional Cervantes que se realizaba con el auspicio de la Embajada de Francia y el Instituto Nacional de Teatro. Participaron de la misma: Enrique Avogadro, Secretario de Cultura y Creatividad del Ministerio de Cultura de la Nación, Marcelo Allasino, Director Ejecutivo del INT, José Ramayo, Secretario General del Consejo de Dirección del INT y Hélène Kelmachter, Agregada Cultural de la Embajada de Francia1. El evento es muy importante para la federalización de nuestro campo cultural teatral, los elencos son numerosos y se acercarán a localidades donde pocas veces el teatro llega, gracias al interés y esfuerzo compartido con gobiernos locales y provinciales. El interés por el intercambio teatral entre diferentes geografías del país, y el contacto con la teatralidad presente del país galo, fue la temática que desarrollaron los cuatro participantes. Es una afortunada ocasión, en estos tiempos donde el común denominador es rechazar proyectos, o asimilarlos a su mínima expresión.

Dentro de ese marco se realizó –desde 25 al 30 de octubre- el Festival Arribos Nacionales. Las obras que forman parte de este festival fueron seleccionadas por el Jurado Nacional de Calificación de proyectos del INT, entre las que se presentaron en la Fiesta Nacional del Teatro realizada en Tucumán en mayo pasado, y están circulando por diversas localidades del país desde el 9 de septiembre”2. La inauguración se llevo a cabo en el C. C. Recoleta y después de algunas palabras de Teresa Jackiw -representante del INT CABA, Enrique Avogadro -secretario de Cultura y Creatividad de la Nación y de Marcelo Allasino –director ejecutivo del INT- tuvimos la oportunidad de ser parte del una intervención teatral de Les Soufflers Commandos Poétiqueselenco francés que partició del Circuito.

Las obras que participaron del Festival Arribos Nacionales:

Patrimonio, dirigida por Juan Castro Olivera, de San Salvador de Jujuy.

Ensayo ruso, compendio de inquietudes, condirección de Darío Levin, Río Negro

La Lechera, con dirección de Carlos Correa, de San Miguel de Tucumán

La vuelta al mundo en 80 díasdirigida por Claudio Hochman, La Plata.

La edad de la ciruela, con dirección de Guillermo Troncoso, Neuquén.

Bufón, con dirección de Luciano Delprato, Córdoba

Piedra mojada o la terquedad, con dirección de Alberto Moreno, Catamarca

Tus excesos y mi corazón atrapado en la noche, dirigida por Manuel García Migani, Mendoza.

Representación nocturna del marqués de Sebregondi, con dirección de Matías Martínez, Santa Fe.

Los amantes trágicos, con dirección de Gabriel Beck, Lomas de Zamora.

Además se realizaron actividades complementaria en el Microcine del C. C. Recoleta, coordinadas por Rodolfo Pacheco y Federico Irazábal.

1200x688_patrimonio7729Patrimonio fue la puesta del grupo La compañía de Otto, de San Salvador de Jujuy, con dramaturgia y la dirección de Juan Castro Olivera. En la Capilla del C. C. Recoleta, los actores dieron cuerpo con solvencia a los personajes de un entramado familiar, donde como en Casa tomada de Cortázar, los dueños ven como su patrimonio se viene abajo, se deteriora a cada momento, mientras se van atrincherando en la sala de la casa, asediados por ellos, que van avanzando sobre sus bienes. El núcleo de la tensión dramática va marcando las contradicciones de su comportamiento, su falta de posibilidades de salir de esa situación y una diferencia de clase, que llega al extremo de convertir a su única hija, ¿autista? A ser la única posibilidad de recuperación social. A través de sus acciones, lo que aparece son los prejuicios de una sociedad, la jujeña, su presencia patriarcal, y los efectos de no aceptar los cambios que el tiempo exige. El vestido de los quince de la madre, que provoca el deseo del padre y que parece una posibilidad en el cuerpo de la hija.

Ficha técnica de Patrimonio. Grupo: La compañía de Otto. Dramaturgia y Dirección: Juan Castro Olivera. Elenco: Marcela Cura, Omar Lafuente y Dolores Castro Olivera. Vestuario y Escenografía: Sergio Gatica. Asistencia de dirección: Iván Santos Vega. Producción: Romina Herrera.Ctro. Cult. Recoleta: Capilla. 25/10/2016.

la_lechera_tucuman_caleidoscopioEn el Teatro del Abasto, se presentó La lechera, por el grupo honónimo, dramaturgia y dirección de Carlos Correa, desde San Miguel de Tucumán. Nos ofrece un trabajo desde el humor, el juego corporal, que logra con mucho talento, entretener, tener en el entre a un espectador, que a través de las imágenes danzadas puede reconstruir un texto que no apuesta a la palabra como su principio constructivo. Dos hombres se disputan en un lugar rural la posesión de una vaca, y un tercer personaje que representa a un pájaro, y que canta maravillosamente, a través de su voz, narra musicalmente la mirada desde lo humano sobre las relaciones que se establecen entre los animales y los hombres. Hombre y vaca, pájaro y vaca, dos reinos diferentes que conviven para el bien de todos y que tienen del amor una forma de extraños ribetes en su expresión. Una metáfora del amor, sin importar cual es el objeto que lo provoca de gran efectividad.

Ficha técnica de La lechera. Grupo La lechera. Dramaturgia y Dirección: Carlos Correa. Elenco: Barby Guamán, Martín Lombardelli, Pablo Vera y Fernando Jalil. Iluminación: Carlos Correa. Asistencia de dirección: Carlos Lozano.Teatro del Abasto. 26/10/2016.

13887100_10154693415303132_2323424714773821529_nDesde Córdoba se presentó Bufón en la Sala Caffarena, con la dramaturgia y dirección de Luciano Delprato. La protagonista, con elementos de clown, busca de manera acertada la complicidad del público. Al inicio, ella nos recibe recostada en su viejo colchón junto a su pequeño castillo de goma espuma, mientras va contando uno a uno cada espectador que ingresa a la sala. Con humor constante, la bufona, nos va llevando por el recorrido sinuoso donde solo lo formal es puro artificio. Si en otro momento fue una princesa que perteneció a un cuento de hada, ahora en una criatura que necesita reirse para continuar viviendo con su andrajosa vestimenta y en una ciudad que no repara en aquellos que duermen en la calle. Cualquier relación con nuestra realidad es pura coincidencia. Tal vez si el relato fuera algo más breve ganaría la situación dramática. Julieta Daga construye a su personaje de una forma especial, un cuerpo deforme pero con la lucidez necesaria para vivir entre la degradación inevitable y el espectro de la muerte y del poder. Con la expresividad de su rostro y de los tonos e inflexión de su voz se convierte en la bufona, que también nos hace reír de nosotros mismos, que intenta sobrevivir a la miseria humana. En tanto, realiza con gracia las reverencias al público atento y repite “el teatro es un pez, una fortaleza de cristal”.

Ficha técnica de Bufón. Dramaturgía y Dirección: Luciano Delprato. Actúa: Julieta Daga. Escenografía: Luciano Delprato y Juliana Manarino Tachella. Diseño sonoro: Gerardo Schiavón. Asistencia dramatúrgica: Marcos Caceres. Producción General: María Paula Delprato.UNA: Cafferena. 28/10/2016