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Warangas. Night Show

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Warangas. Night Show

Groserías con talento y mucho humor

WarangasAzucena Ester Joffe

¡Pasen y vean! Warangas es un espectáculo musical que desde su estreno tiene el reconocimiento del público y de la crítica, además de contar con varias nominaciones. Ya desde su título, aunque con W, plantea un desafío para aquellos espectadores quizá más “estructurados” pero no deja de ser un antídoto para el malhumor y la depresión.

Una propuesta “zafada” atravesada por elementos del music-hall, el cabaret y el café-concert, por lo cual se ubicaría, por así decirlo, en el borde de lo que el público más convencional llamaría, en general, de “buen gusto”. El hilo conductor de los diferentes sketches está dado por lo guarango, lo callejero, lo vulgar pero este recurso de malas palabras no resulta agresivo pues están dichas en el tono justo y con la comicidad necesaria para provocar nuestra risa constante, sin caer en el subjetivo “mal gusto”. El sólido elenco, que se tomó la licencia de hacer lo que ellos querían, tiene una química especial y nos contagian de ese delirio.

El ritmo sostenido, las canciones, los monólogos o los cuadros grupales, dan cuentan del amplio registro actoral de cada intérprete. El presentador, la mujer barbuda, el adivino, el clown, entre otros, no sólo rescatan a esos personajes tan entrañables sino también satirizan nuestra actual coyuntura política y económica (entre tantos tarifazos y desocupación,…, mejor no seguir con la larga lista) y abordan distintas cuestiones de género. Con un vestuario acorde a cada breve escena, con sus rostros maquillados de forma payasesca y la gestualidad exagerada, las distintas criaturas ingresan desde diferentes sitios de la sala. La música en vivo, algunas coreografías y la iluminación, terminan por crear el clima hilarante con la complicidad del público que participó espontáneamente. Un Night Show que recibió el merecido aplauso final. Todos nos retiramos con una sonrisa y con cierta sensación a que nos faltó un “bis”.warangas.Prensa

La compañía Warangas tuvo que mudar su Night Show de El Camarín de las Musas, por cuestiones edilicias, al Maipo Kabaret.

Ficha técnica: Warangas. Night Show. Elenco (por orden alfabético): Celeste Campos, Ana Devin, Roberto Peloni, Julian Sierra, Pablo Sultani, Georgina Tirotta. Músicos: Pablo Citarella o Marcelo Macri (piano), Raul Oliveira (guitarra y Arreglos vocales). Coreografía: Georgina Tirotta. Vestuario: Ana Devin. Realización de vestuario: Luli Gemelli. Pelucas y tocados: Leonardo Colonna. Bufandas: Palega Ortito. Asesoramiento Anal: Daniel Marrone. Fotografía: Nacho Lunadei. Diseño gráfico: Pablo Sultani. Escenografía: Nelson Mandela. Blanqueamiento Anal: Morgan Freeman. Producción ejecutiva: Natalia Eugenio. Producción homosexual: Juan José Chota. Producción general: Ezequiel Comeron & Roberto Peloni. Drogas: Doris Day. Comunicación: BMZ Comunicaciones. Dirección general: Roberto Peloni. Maipo Kabaret. Estreno: abril del 2018 (El Camarín de las Musas). Duración: 80’. Funciones: martes 20:30 hs.

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Divino Amore. Sacra comedia con canciones de Alfredo Arias y René de Ceccatty

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Divino Amore.Sacra comedia con canciones de Alfredo Arias y René de Ceccatty

Divino amore.CTBA-LunaTeatralAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La Boca, Caminito, el Riachuelo, Fundación Proa y Quinquela Martín, en ese espacio que reúne a Florida y Boedo en la misma geografía se encuentra el Teatro de la Ribera; allí se presenta la puesta en escena de Alfredo Arias y René de Ceccatty, Divino Amore. Definida como comedia con canciones, nos encontramos con la primer forma de apartarse de los cánones genéricos, no es entonces una comedia musical, sino una comedia donde las canciones conforman a su manera parte del relato, pero no para contarnos la historia sino como ilustración de un momento epocal. Un presentador Marcos Montes, nos lleva por el camino del relato de una familia de actores, madre, padre e hija, que ponen en escena obras de teatro que tienen que ver con la Biblia, en su mayoría, de forma que pueda ser vista por todo el público, es decir, evitando lo escatológico, que será como en la tragedia griega, accionado en bambalinas, y narrado en escena por el personaje. Así más allá de lo personal, se pasa a contar la puesta de Salomé. Con una escenografía de cortinas brillantes, que al abrirse muestran un escenario de palmeras, de desierto bíblico, donde se llevarán adelante algunas de las acciones, los personajes va apareciendo, con un vestuario bello y funcional al relato, diseñado por Pablo Ramírez. Las voces de canto transgreden los diálogos y los ilustran. Ya que se apela al conocimiento de la historia de Salomé por el espectador, por lo tanto, ésta aparece fragmentada y atravesada por el humor. La burla de parte del público que accede a las puestas de la compañía, devela el anacronismo de su presencia en escena, desde lo actoral y desde lo ideológico, ya que se basa en su fundamentalismo religioso, que desborda el sentimiento de la platea. La irreverencia hacia los símbolos de la fe, y a sus misterios son defendidos por Bruna sin mucha suerte. Divino amora.CTBA_LunaTeatral

La duplan Arias/ Ceccatty en esta oportunidad, en línea con su obra anterior Cinelandia (2016)1, nos presenta una narrativa musical cuyo punto de partida es la troupe Doriglia-Palmi. Dividida en tres cuadros -“Diálogo con un espectro”, “Salomé” y “The Come Back”- nos conduce desde el melodrama religioso a la danza de los siete velos y, luego, al regreso de la hija con su renovado estilo. La pregnancia escénica de un elenco de “lujo”, al sortear algunos “baches” de la escritura dramática y escénica, nos permitió disfrutar del espectáculo.

Ficha técnica: Divino Amore. Sacra comedia con canciones de Alfredo Arias y René de Ceccatty. Elenco: Carlos Casella, María Merlino, Marcos Montes, Alejandra Radano. Coordinación de producción: Federico Lucini, Anita Co. Producción técnica: Mariano Fernández. Asistencia de dirección: Tamara Gutiérrez, Tamara Correa. Asistencia artística: Luciana Millone. Diseño de sonido: Leo Leverone, Flavio Lazzaro. Arreglos vocales: Ana Carfi. Arreglos musicales: Diego Vila. Vestuario: Pablo Ramírez. Espacio escénico y luces: Gonzalo Córdova. Dirección y puesta en escena: Alfredo Arias. Teatro de la Ribera. Estreno en Buenos Aires: 01/09/2018. Duración: 80’. Funciones: viernes a las 20 hs, sábados y domingos a las 19 hs (viernes día popular).

1 A partir de cuatro films representativos Carne, El crimen de Oribe, La mujer de las camelias y Besos brujos.

Tommy (The Who’s Tommy) de Pete Townshed y Des Mcanuff

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Tommy (The Who’s Tommy) de Pete Townshed y Des Mcanuff

Ópera rock a partir de las vivencias del pequeño Tommy al jovenTommy. Prensa-LunaTeatral

Tommy, ¿puedes oírme?

¿Puedes sentirme cerca de ti?

Tommy, ¿puedes verme?

¿Puedo ayudarte a animarte?

Oh, Tommy…

Tommy…1

Azucena Ester Joffe

Esta ópera rock transitó desde el frenesí del albúm (1969) al film (1975), llegando al musical en 1992/3. Cuenta la historia del pequeño protagonista, Tommy, quien ante el fuerte shock sufrido al presenciar el asesinato de su padrastro por su propio padre, queda en un limbo existencial. Distintos soportes para un drama ficcionalizado que marcó a diferentes generaciones y hoy, a casi 50 años, convoca no sólo aquellas sino también a los más jóvenes al Teatro Maipo.

Desborde, psicodelia, la intensidad con la que la cultura se sacudió el polvo y se lleno de colores en los setenta. Pero más allá del fenómeno contracultural, hay algo de ese niño -que clama por amor y contacto- que está en todos nosotros. (Boy Olmi)2

El musical que nos ocupa contiene el drama del personaje en un continuo movimiento frenético, que parece exceder los límites del propio espacio escénico. Con la exactitud que requiere el género -cantar, bailar, actuar- esta propuesta artística atrapa al público desde el inicio. En elenco, con algunos pequeños altibajos, en cada cuadro va construyendo los distintos climas que requiere la obra. La vitalidad de la iluminación le otorga un plus cualitativo, la escenografía es dinámicamente funcional y el vestuario es acorde a cada temporalidad. La banda en vivo, oculta a nuestra mirada, sabe como transmitir la crudeza y la fuerza de la escena. Destacamos su potencia y precisión, esenciales para lograr que cada tema musical alcance la expresividad necesaria en el espectáculo de la mítica banda inglesa The Who. La textualidad dramática y coreográfica tiene el ritmo de esta particular “vida” llena de vértigo, de fantasmas y de miedos, provocando distintas emociones que se actualizan al habitar el espacio lúdico. La respuesta satisfactoria de los presentes fue unánime.Tommy.Face-LunaTeatral

Ficha artística: Tommy (The Who’s Tommy) de Pete Townshed y Des Mcanuff. Elenco: Ezequiel Rojo (Tommy), Mariano Zito (Capitán Walker), Micaela Racana (Sra. Walker), Walter Canella (Tío Ernie), Fran Efren Eizaguirre (Primo Kevin), Patrissia Lorca (Acid Queen), Clara Lanzani (Sally Simpson), Arturo Sporleder, Nicolás Sousa y Martina Iglesias (Tommy Niño), Manuel Di Francesco (Amante/ Especialista), Federico Yernazian (Ministro/ Proxeneta), Nicolás Serraiti y Juan Fonsalido (Chicos Pinball). Ensamble: Priscilla Rocca, Mariana Barcia, Evelyn Basile, Federico Fedele, Elian Farias, Leandro Tobares. Banda: Mariano Cantarini (Guitarra), Santiago Greco (Guitarra), Martín Lozano (Bajo), Maximiliano Cataldi (Batería), Tomás Horenstein (Teclados), Agustín Konsol (Teclados), Santiago Rosso (Dirección Musical y Piano).

Ficha técnica: Música y Letra: Pete Townshend. Libro: Pete Townshed y Des Mcanuff. Música y Letras Adicionales: John Entwistle y Keith Moon. Traducción y Adaptación: Marcelo Kotliar. Diseño de Escenografía: Luli Peralta Bó y Tatu Mladineo Diseño de Vestuario: Javier Ponzio. Diseño de Iluminación: Gonzalo Gonzalez. Diseño de Sonido: Eugenio Mellano. Asistente de Sonido: Lautaro Layño. Diseño Gráfico Multimedial: Matías Gordon. Redes Sociales: Matías Gordon y Belu Maffei. Fotografía: Nacho Lunadei. Fotografía documental: Fiorella Romay. Prensa: WePrensa. Asesor de Comunicación Digital: Federico Coates. Asistentes de Producción: Melina Rodriguez, Irina Orly Gallimini, Joanna Illanes. Operador de Sonido: Guillermo Perez. Realización de Vesturario: Mario Pera, Valeria Canteros, Maricel Torres. Asistente de Coreografía: Fiorella Tucci. Stage Manager: Micaela Monti. Asistente de Vestuario: Valeria Canteros. Producción Artística: Estanislao Otero Valdez, Tamara Bur. Producción General: Ximena Biosca, Diego Ramos. Dirección Vocal: Matias Ibarra. Coreografía: Vanesa Garcia Millán. Dirección Musical: Santiago Rosso. Puesta en Escena y Dirección General: Diego Ramos. Teatro Maipo. Estreno: 28/08/2018. Funciones: martes 21 hs.

 

1Fragmento de Tommy can you hear me? The Who’s (1969) de Pete Townshend http://www.eltraductorderock.com/2017/01/the-who-tommy-can-you-hear-me-traducida.html

2Según programa de mano

Lápices. Un musical con memoria de Sol Cardozo y Paula Grosse

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Lápices. Un musical con memoria de Sol Cardozo y Paula Grosse

Yo respondo por mi juramento, que está basado en los últimos minutos de convivencia.

Ellos me gritaban que no los olvide y que los recuerde siempre. Como sobreviviente respondo a eso. Pablo Díaz.1

8Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Sol Cardozo y Paula Grosse en Lápices. Un musical con memoria recrean el sentido de lucha de una generación y de noches que todos conocemos como la Noche de los Lápices (1976); cuando alumnos del secundario son secuestrados por un grupo de tareas en La Plata, en la dictadura cívico- militar, luego que habían luchado y logrado el boleto estudiantil. Como bien señala la puesta ese logro, no era su única ambición, sino ayudar a los más necesitados y apoyar a la causa de la conquista de una sociedad mejor, más justa, más igualitaria. Esa noche fatídica, que se unirá a otras, como la Noche de las Corbatas (1977), donde fueron secuestrados los abogados que pedían por los presos políticos, es el nudo de la temática que la puesta aborda, pero no se detiene allí sino que expone con crudeza pero sin golpes bajos las consecuencias de aquella presunta osadía y desobediencia al poder de una dictadura que acusaba de subversión a los otros, mientras la cometía en la figura presidencial, dando un Golpe de Estado, que nos llevaría a siete años de noche y horror. Un tema difícil, que está trabajado con aciertos en la elección de los temas musicales que marcaron una época y una generación, en el cuidado del vestuario, en el límite preciso de mostrar al espectador para recuperar la memoria, sin atravesar la barrera de lo escatológico. Con ritmo sostenido, la música en vivo sobre el espacio escénico, los grandes paneles que se abren y cierran, muros que muestran y ocultan, las rejas que señalan el infierno y dejan afuera el purgatorio de los que buscan desesperadamente a sus familiares, son elementos que se mueven en su propia coreografía, y delimitan la de los personajes en escena. Otras veces es la iluminación la que en su cono de luz busca el borde entre un mundo u otro. 000180959

Rara vez el género se hace cargo de la atroz historia reciente. Lápices… es un musical distinto y necesario para que todos alcemos la voz al grito de “Nunca Más”, una historia compartida que duele a flor de piel. Los intérpretes de manera orgánica le ponen el cuerpo a esta dolorosa narrativa, al comienzo con la frescura propia de los jóvenes pero luego son los cuerpos torturados, que caen, que se desploman. Una textualidad dramática cuya matriz es la memoria social que muchos parecen haber perdido. Sus mentoras respondieron en una entrevista:

Escribimos el musical basado en una entrevista que le pudimos hacer a Pablo Díaz y en una investigación que hicimos para poder entender a cada uno de los personajes, estos chicos que cada uno tenía una vida muy particular. Queríamos mostrar principalmente la militancia que ellos tenían y sus ideales, diferenciarlos a cada uno pero a la vez mostrar lo que los unía, los ideales de cambiar el mundo. También incluimos en la historia a Emilce Moler, que si bien no le pudimos hacer una entrevista a ella en persona la incluimos por una entrevista en la que dijo que ella era una doble desaparecida, porque no estuvo en la película porque su testimonio llegó después.

La inteligente escritura dramática y escénica de la dupla Sol Cardozo / Paula Grosse construye el musical dando cuenta que no es necesario una puesta grandilocuente para interpelarnos como sujeto sociales que somos. Un relato indispensable para los jóvenes porque los hace reflexionar más allá del artificio. Esa voces que fueron silenciadas habitan en el espacio escénico de El Galpón de Guevara, nos emocionan y nos ayudan a construir y/o a fortalecer nuestra memoria colectiva.

Lápices,  reafirma la premisa de que el arte puede cambiar el mundo.”2

L1Ficha técnica: Lápices. Un musical con memoria de Sol Cardozo y Paula Grosse. Actúan: Camila Giudice, Ignacio Bernardez, Federico G. Rampello, Carolina Gestoso, Santiago Banegas, Octavio Cristaldo, Antonio Franze, Bianca Gerenstein, Julián Mercado, Sofia Forte, Tamara Zazulie, Lucio Grammatico, Ana Laura Virgo, Camila Rosenfeld, Sergio Martinez, Carolina Silva Martin, Ivan Visconti, Bruno Olivieri, Marina González Pesce, Julián Gianetti, Antonella Valese, Julio Kandel, Ramiro Iglesias. Músicos: Joel Lescano, Lucio Nicolás Hortas, Rodrigo Agustín Chantada, Luca Eizaguirre. Fotografía: Ailén Ciordia. Diseño Gráfico: Wilfredo Parra. Diseño y Redes Sociales: Máximo Díaz Arévalo. Diseño y Realización de Vestuario, Diseño Escenográfico: Wilfredo Parra. Realización de Escenografía: Kevin Bukovac. Intervención Artística de Escenografía: Bea Blackhall. Prensa y Comunicación: Shirly Potaz. Dirección Vocal: Ariel Madrides. Coach Actoral y Asistencia de Dramaturgia: Micaela Narodowski. Producción Ejecutiva: Luciana Cuenca. Tutores: Sergio Lombardo y Cleria Zangari. Dirección y Coreografía: Sol Cardozo y Paula Grosse. El Galpón de Guevara. Reestreno: 07/07/2018. Duración: 90’. Funciones: sábados 23 hs.

1Según programa de mano

2Según gacetilla de Prensa

 

 

La desgracia de Juan Martín Delgado y Francisco Martínez Castro

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La desgracia de Juan Martín Delgado y Francisco Martínez Castro

Una comedia musical sobre la corrupción, y sobre el desamor.

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

000173712El Galpón Guevara es un espacio teatral que se interesa por géneros y poéticas que buscan desde lo conocido darles al espectador trabajos que impliquen un desafío en la forma o en el sentido buscado. La comedia musical en nuestro campo va constituyendo un género con características propias. Desde una escenografía eficaz y funcional a las acciones, permitiendo el desarrollo de las coreografías planteadas por los creadores, que conservan así mayor lucimiento dentro marco donde se ejecutan. Música en vivo, especialmente escrita para la puesta, es ejecutada con acierto y belleza por los integrantes del elenco, los cuatro protagonistas que encarnan los personajes principales. Una historia que guarda en suspenso, no sólo el autor de un crimen, sino la ejecución de un pacto de corrupción donde las autoridades del pueblo están comprometidas: la intendencia, la policía, la medicina y la iglesia. Con muy buenas coreografías, con voces potentes y afinadas, y sin que falte la nota de humor a pesar del tema tratado, o por eso mismo, ante la necesidad de poder hablar de ciertas cosas sin desmayar en el intento, el cuerpo de baile acompaña a los protagonistas de la historia en ese recorrido que se establece en un pequeño pueblo, donde sus autoridades encuentran en el engaño y el miedo, la posibilidad de enriquecerse y mantener a todos en su lugar. Miedo y control, poder y dinero. Cualquier similitud con la realidad es pura ficción. El sexo como herramienta, la enfermedad como corsé, van construyendo las relaciones donde lejos de primar el amor, en el podio de los deseos está el poder de obtener las voluntades de todos. _DSC2431Sin miedo a equivocarnos, podemos decir que es La desgracia es una fiesta que habita el espacio de la sala para todos los amantes del género. Por el perfecto encastre entre los distintos registros -los protagonistas, el ensamble y la banda en vivo- y sin olvidar la otra parte importante que es el equipo técnico. Estos personajes caricaturescos, bizarros, y el muy buen ritmo desde el inicio atrapan nuestra mirada y provocan el aplauso espontáneo. La narrativa coreográfica y el estilo canción del musical va dosificando el humor negro. Mientras la perfecta escenografía en líneas rectas -rampas, escritorios, camillas,…- y la acertada iluminación terminan por cerrar un espectáculo sin fisuras, donde todo confluye para el disfrute del público. La dupla Juan Martín Delgado / Francisco Martínez Castro hizo posible aquí que el talento y la buena química vayan de la mano._DSC2460

Ficha técnica: La desgracia. Libro y letras: Juan Martín Delgado. Música original: Francisco Martínez Castro. Protagonizan: Mariano Condoluci (Nora), Andrea Lovera (Leonor), Belén Ucar (Ana), Patricio Witis (El Doctor). Elenco: Lula Rosenthal (Samanta), Nahuel Adhami (El Cura). Ensamble: Sol Bardi (Dance Captain), Chechu Vargas, Antonella Fittipaldi, Lucas Noacco, Juan Fonsalido, Evely Basile. Maia Delgado (Swing). Músicos: Francisco Martínez Castro (piano),Rodrigo Martínez Castro (flauta traversa/guitarra acústica), Luis Aragona (guitarra eléctrica), Nicolás Roldán (batería), Leandro Biera (bajo), Tomás Martin (chelo), Andrés Liendro (violín). Diseño de escenografía: Magalí Acha. Diseño de luces: Silvia Otero, Leandro Fretes. Diseño de vestuario: Marisol Castañeda. Diseño de sonido: Mariano Del Rosso. Asistencia en escenografía: Vanessa Giraldo. Diseño de maquillaje y peinado: Adrián Llamosas. Diseño gráfico: Andrea Rodríguez Montelongo. Asistencia en maquillaje y peinado en función: Miriam Manelli. Asistencia en dirección general: Evangelina Romero. Asistencia en dirección musical: Rodrigo Martínez Castro. Asistencia en coreografía: Maia Delgado. Operación de sonido: Lucas Mora Pietro. Producción ejecutiva: Enrique Jáuregui. Comunicación BMZ: Comunicaciones. Producción Audiovisual: Epping Group. Fotografía: Nacho Lunadei. Orquestación: Francisco Martínez Castro / Rodrigo Martínez Castro. Arreglos corales: Francisco Martínez Castro. Coreografía: Juan Martín Delgado. Idea original: Juan Martín Delgado / Mariano Condoluci. Dirección vocal: Vicky Loescher. Dirección musical: Francisco Martínez Castro. Dirección general: Juan Martín Delgado. El Galpón Guevara. Duración: 90’. Reestreno: 19/03/2018. Funciones: lunes 21 hs.

Bossi Master Show. Una noche más de Emilio Tamer y Martín Bossi

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Bossi Master Show. Una noche más de Emilio Tamer y Martín Bossi

slide_bossi¡No es una noche más!

Azucena Ester Joffe

El talento artístico de Martín Bossi permite que el show, en primera persona, provoque el delirio de la platea. A sala llena, cada espectador disfrutó del gran showman. El hilo conductor de su nuevo espectáculo teatral musical es un recorrido que brinda homenaje, por un lado, a bandas emblemáticas del rock internacional y nacional y, por otro, a los capocómicos que hicieron historia en nuestro teatro.

Podríamos pensar que este Master Show tiene cuatro lados de excelente textura. El primero, es atravesado por cantantes y bandas internacionales -Elvis Presley, Bob Marley, Stevie Wonder, Prince, Mick Jagger, John Lennon,… El segundo incluye muchos elementos de nuestros actores populares y de la revista porteña -lo paródico y las imitaciones, su habilidad para improvisar, su expresión corporal,…- que aumenta la complicidad e hilaridad de la platea de forma directa. Un público responde y se anima a sacarse una selfie pero con la condición de que luego apagaran sus “benditos” celulares. El medio es la comicidad para reírnos de nosotros mismos y hacernos notar que gracias a los nuevos desarrollos tecnológicos y sus aplicaciones, que conlleva la cuestionable dependencia o mejor dicho adicción, nos sumergimos en el mundo globalizado dejando atrás las pequeñas cosas cotidianas pero importantes para cada uno de nosotros. El tercer lado, tiene como principio constructivo al teatro y a aquellos grandes capocómicos que tanto les debe hoy la escena porteña. Junto a Jorge “Carna” Crivelli le ponen el cuerpo a Alberto Olmedo y a Jorge Porcel, al capitán Piluso y a Coquito, a Tato Bores, Juan Carlos Calabró, Juan Carlos “Minguito” Altavista y a Javier Portales. En cada sketch los comediantes provocaron la risa y la emoción del público, sin nostalgia, a espaldas de la gran imagen de la Av. Corrientes o sentados en la mesa de algún bar como en aquellas habituales transnochadas. El último lado, retoma como hilo conductor nuevamente a la música, un eufórico recorrido por el rock nacional que nos lleva de la mano de algunas de nuestras míticas figuras -Luis Alberto Spinetta, Miguel Abuelo, Gustavo Cerati,…20170502_160800

Mientras la desbordante iluminación colma toda la sala del Astral, otorgándole un colorido volumen e impregnándola de un clima festivo, y construye así un mundo onírico que ha dejado atrás nuestra cotidianidad. Por momentos, las luces también están dirigidas al público y es un impacto visual más que nos involucra más allá de nuestra cómoda butaca. Otro sistema significante que provoca el entusiasmo de los presentes es el cuidado vestuario y los accesorios; con destreza y utilizando también las trampas del escenario Bossi ingresa desde todos los sitios posible. La rapidez en sus cambios de indumentaria le imprime un dinamismo extra al show. En tanto, cada integrante del elenco -músicos, bailarinas, cantantes y actores- tienen una participación precisa y sólida, sin altibajos cada uno se luce en su disciplina. Y, con la exigente precisión del musical, cada entrada o salida, cada intervención funciona siendo parte de una exquisita máquina de relojería.

Martín Bossi es un intérprete carismático -actor, humorista e imitador- que realiza un gran despliegue de todas sus facetas en un devenir que lo compromete con el arte y la vida. Su Master Show requiere de un espectador activo que se deje llevar, pues es imposible mantenerse distante de toda esta ebullición que nos atrapa sin pedirnos permiso. La platea de pie cerró esta mágica noche con un largo aplauso. MMM_1102

Ficha técnica: Bossi Master Show. Una noche más. Protagónico: Martín Bossi. Autores: Emilio Tamer / Martín Bossi. Dirección General: Manuel Wirtz-Emilio Tamer. Dirección Musical: Nito Mestre. Artista Invitado: Jorge “Carna” Crivelli. Diseño de Escenografía: Daniel Feijoo. Diseño de Coreografía: María Laura Cattalini. Diseño de Vestuario: Alejandra Robotti. Diseño de Luces: Ariel Ponce. Diseño Multimedia: Karina Barresi. Diseño de Sonido: German Brusella. Caracterización y Maquillaje: Elena Sapino. Máscaras-Prótesis: Vanesa Giordano. Diseño Vestuario Martín Boss: Victoria Acilu. Diseño Pelucas: Mariana Laspiur. Prensa y Comunicación: Alejandro Veroutis. Productores Asociados: Jonatan Kassir, Nontron SACFIA, DABOPE. Producción General: MD+. Arreglos musicales: Ernesto Salgueiro. Bateria: Juan Cordima. Teclados: Francisco Cordima. Guitarra: Federico Bianco. Bajo: Charlie Giardina. Saxo Tenor: Cristian Torres. Saxo: Luca Ongarato. Trompeta: Semilla Juarez. Trombón: Mario Álvarez. Violín: Sebastián Martínez, Cecilia Tedeschi. Cello: Lucía Gómez. Viola: Esteban Fioroni. Coros: Mariel Ballestrero, Sol Giulietti, Judith Cabral. Producción Ejecutiva: Mano Szereszevsky, Santiago Abate. Producción Comercial: Ary Hovassapian. Stage Manager-Producción Técnica Montaje: Andrea Czarny. Diseño y Creatividad: UOP! Estudio Creativo. VG Markenting: Lic Verónica Glaser. Community Manager: Ignacio “Chapu” Garrliga. Administración: Noelia Barakian. Coordinación de Producción: Gabriela Blanco. Producción Comercial: Claudio Salomone. Dirección Administrativa: Luis Penna. Manager Martín Bossi: Diego Djeredjian. Teatro Astral. Estreno: 12/05/2017.

MamaPunk. Antiópera de Karina K

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Karina K

MamaPunk. Antiópera

“Inspirado en la figura de Nina Hagen, artista de la vanguardia alemana”

c8u3wn1xyaey4zmOffenes Fenster präsentiert
Spatzenwolken himmelflattern
Wind bläst, meine Nase friert
Und paar Auspuffrohre knattern
1

Azucena Ester Joffe

La indiscutible pregnancia escénica de Karina K transforma el espacio escénico de la sala Mayor del Maipo en una vorágine interpretativa y visual. Como un remolino, Karina, encarna en ese espacio, al ritmo de su personalidad avasallante, a otra mujer que también con una energía arrolladora supo ganarse el reconocimiento y el mote de “madre del Punk”. Porque Nina Hagen es un claro referente icónico del movimiento por su rebeldía y sus canciones controversiales, con talento y de voz prodigiosa provocó y provoca el delirio de sus fans:

Nina nació en Berlín cuando Alemania aún estaba dividida, huérfana de padre, sus abuelos murieron en campos de concentración y su mamá quien también era cantante, se casó en segundas nupcias con un hombre crítico de la entonces República Democrática. La artista tuvo una formación académica estricta, fue una alumna excelente, formada en ballet y ópera, sus gestos, las conductas excesivas generalmente estaban al servicio de comunicar cierta cuestión, hoy, con más de 60 años, siguen en esa línea.2

Comentó su mentora -la propia Karina K- que el proceso de creación fue de casi dos años, durante el cual seleccionó los temas y escribió una historia a partir del pensamiento y del estilo de vida de Hagen. Un relato que nos atrapa desde la primera canción, con la particular versión de A mi manera, emblemática del movimiento punk. Un frenesí musical construido desde distintos puntos de vistas que ambas intérpretes, Nina Hagen y Karina K, comparten. MAMAPUNK 2La mixtura de las diferentes intensidades hace que el espectáculo sea difícil de definir pues va más allá de la instancia de un recital o de un musical. Una explosión de sentidos, por una lado, la impecable música en vivo a cargo de la Banda Shivagalaxina y, por otro, la “exuberante” iluminación y las imágenes proyectadas que van creando los diversos climas acorde al tema interpretado en ese momento -el humanismo y la espiritualidad, la ecología y la política, … La original escenografía se corresponde con todo este desborde, pero no es caótica, es atemporal como generando un no lugar que involucra a las generaciones pasadas y a las futuras. El llamativo vestuario, incluyendo los accesorios y las pelucas, es acorde a todo el gran despliegue. Todos los sistemas significantes construyen potentes imágenes visuales y auditivas sumado a la ductilidad expresiva y al juego escénico que puede alcanzar Karina K. Por su parte, Cynthia Manzi -la revelación del momento, es como una extraña divinidad que en el relato protege a Nina y en este hecho espectáculo es la intérprete perfecta para acompañar a la multifacética K. Hay momentos en que ambas interpretes forman un dúo musical excelente y, hay otros, en sus intervenciones como solista, en que Manzi también le otorga a su personaje, Cosme, la textura precisa. Dos artistas talentosas que construyen una narrativa musical compleja, en tanto forma y contenido, una transgresión inteligente y un devenir sinuoso que deja al descubierto aspectos sensoriales. Un placer para cada espectador que después de haber quedado suspendido a merced del gran show rompió el hechizo con un fuerte aplauso.MAMAPUNK 4

Ficha técnica: MamaPunk. Antiópera de Karina K. Interpretes: Karina K (Mamapunk), Cynthia Manzi (Cosme). Banda Shivagalaxina: Tomas Rodriguez (guitarra), Juan Kuj Gimenez (bajo), Fernando Seitz (batería). Arreglos corales: Karina K. Entrenador vocal: Ignacio Mascardi. Coreografía: Cynthia Manzi-Karina K. Diseño de luces: Gonzalo Córdova. Diseño de sonido: Guillermo Perulan. Diseño de videos y animaciones: Pablo Faive. Escenografía: Tadeo Jones. Diseño de arte e instalación en papel: Andrea Moccio. Vestuario: La polilla imagen & vestuario. Pelucas y Tocados trash: Karina K. Maquillaje: Osmar Lima. Fotografía: Gabriel Machado. Diseño gráfico: Sebastián Guioni. Asistentes de escenario: Tomas Nahuel, Juan Millozi. Redes: Belu Maffei & Sofi Spagnoletti (Alki Studio). Prensa: WE Prensa y Comunicación. Producción ejecutiva: Juan Manuel Caballé. Stage Manager: Tino Tinto. Dirección Musical: Tomás Rodriguez. Dirección general: Karina K. Maipo. Estreno:

1 Fragmento de Naturträne (1978)

2Entrevista realizada por Laura Ferré: http://www.telam.com.ar/notas/201705/189067-karina-k-mama-punk-teatro.html [22/05/2017]

Don’t stop me now! de Sebastián Prada

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Don’t stop me now! de Sebastián Prada

BAJAUna experiencia distinta con música de Queen

Tonight I’m gonna have myself a real good time
I feel alive and the world I’ll turn it inside out – yeah
And floating around in ecstasy
So don’t stop me now don’t stop me
‘Cause I’m having a good time having a good time

I’m a shooting star leaping through the sky
Like a tiger defying the laws of gravity
I’m a racing car passing by like Lady Godiva
I’m gonna go go go
There’s no stopping me
1

Azucena Ester Joffe

Si hay algo que no fue Freddie Mercury es una estrella fugaz (shooting star) y hoy podríamos asegurar que Don’t stop me now! no será una obra efímera sino que es realmente distinta en nuestro quehacer escénico. Una propuesta que fusiona de manera perfecta un concierto de rock y el teatro musical. Queen es el punto de partida que se transforma en una experiencia vivificante que va más allá, dando cuenta del compromiso artístico, de la solidez técnica y de la pasión a flor de piel puesta en escena. Dos jóvenes talentos, Prada / Zito, que logran crear ese particular universo a pesar de que por su edad no vivieron plenamente el fenómeno Queen, seguramente, sí han escuchado desde muy chicos las canciones que han marcado a varias generaciones. Ambos construyen esta narrativa musical que habita el espacio de la sala haciendo estallar los límites edilicios, aunque el espacio del relato permanece íntimo, subjetivo. Un devenir atrapante que denota las situaciones difíciles por las que atraviesa el protagonista, quien para algunos podría ser el vocalista y compositor británico, dejando atrás personas o situaciones importantes: el amor y la soledad, la creación y la adicción, la vida y la muerte. Una temática compleja desarrollada a partir de la precisa selección de los temas que se engarzan de modo coherente como diálogos cotidianos, y que nos involucra a todos más allá de la teatralización del drama. wDSC_0050Un drama atemporal que se comprende perfectamente, sin la necesidad de entender las letras en inglés, gracias a la pregnancia escénica y el registro vocal de Mariano Zito, que durante todo el desarrollo de la obra se mantiene contundente y muy bien complementado por sus dos partenaires, Maia Contreras y Melanie Lorenzo. El extraordinario rango vocal de Freddie Mercury es resuelto de forma acabada a partir de la intervención de los tres cantantes. El ritmo vertiginoso y sostenido del espectáculo tiene otras aristas: por un lado, la banda en el habitual espacio escénico del Maipo Kabaret y, por otro, los continuos movimientos de los personajes por los distintos y pequeños espacios necesarios para el desarrollo dramático. Y, un dispositivo escénico pensando en 360 grados, como ha comentado su director, Sebastián Prada, que utiliza cada rincón de forma conveniente y con muy pocos elementos -en el centro, de espalda a los músicos, un sillón; en un costado el escritorio; hacia atrás un sofá y en el medio, rodeado por la platea, otro espacio lúdico construido a partir de las acciones. Además, la iluminación, otro sistema significante de este intenso hecho espectáculo, cumple un rol fundamental pues sus efectos y detalles no sólo crea el clima entre las diferentes canciones y los estados de ánimo del protagonista sino que, por momentos, nos envuelve de manera onírica. Una propuesta escénica impecable, con una energía poco habitual, que nos emociona y nos permite disfrutar sin importar nuestra edad, tanto para aquellos que tuvimos la oportunidad de ser fans contemporáneos de Queen como para los más jóvenes que se identifican con la mítica banda británica, pero también para ese espectador ávido de una obra sin fisuras. La respuesta del público en un aplauso cerrado rompió, necesariamente, el mágico encuentro mientras aún resonaba:

It’s a beautiful day
The sun is shining
I feel good
And no-one’s gonna stop me now, oh yeah2

wDSC_0096Ficha técnica: Don’t stop me now! de Sebastián Prada. Idea: Mariano Zito y Sebastián Prada. Elenco: Mariano Zito, Maia Contreras, Melanie Lorenzo. Músicos: Lucas Crawley (guitarra), Diego Alonso (guitarra), Robert Vincent (piano), Mery Zoppi (bajo), Nico Roldan (batería). Styling: María Barrera. Diseño de Gráfica: Estudio Delta. Fotografía: Fuentes2Fernandez. Vestuario hombres: Absolut Joy. Diseño de Iluminación: Gonzalo Gonzalez, Sebastián Prada. Operador de luces: Edgardo Rodas. Operador de sonido: Cristian Belvedere. Social Media: Lucía Elsztein, LinkWay.me. Prensa y Difusión: WePrensa. Dirección Vocal: Vicky Loescher. Dirección Musical: Lucas Crawley. Dirección General: Sebastián Prada. Maipo Kabaret. Estreno: 15/04/2017.

Those were the days of our lives – yeah
The bad things in life were so few
Those days are all gone now but one thing’s still true
When I look and I find
I still love you
I still love you.3wDSC_0067

1 Fragmento de Don’t stop me now (No me detengas ahora): “ Esta noche tendré un buen momento para mi mismo / Me siento vivo y al mundo lo haré dar vueltas, si! / Y flotando alrededor en éxtasis / Así que, no me detengas ahora, no me detengas / Porque la estoy pasando muy bien, muy bien.

Soy una estrella fugaz cruzando en el cielo / Como un tigre desafiando las leyes de la gravedad / Soy un auto de carrera pasando como Lady Godiva / Me iré, iré, iré / No hay nada deteniéndome…”

2 Fragmento de It’s a beautiful day utilizado para cerrar Don’t stop me now! de Sebastián Prada: “Es un día hermoso/ El sol está brillando/ Me siento bien/ Y nadie va a detenerme ahora, oh si.”

3 Fragmento de These are the days of our lives (Estos son los días de nuestras vidas), último videoclip de los cuatro integrantes, mayo de 1991, poco antes de que Freddie Mercury se convierta en una eterna estrella fugaz: “… Esos fueron los días de nuestras vidas, si / Las cosas malas en la vida fueron muy pocas / Esos días ya se han ido, pero una cosa aun es verdad / Cuando miro y encuentro… / aún te amo / Aún te amo.”

La Cumbancha de Agustín Lara

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Los Amados

La Cumbancha de Agustín Laraunnamed

Solamente una vez / amé en la vida,
Solamente una vez / y nada más
Una vez, nada más / en mi huerto / brilló la esperanza, / la esperanza que alumbra / el camino de mi soledad.

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

En el espacio del teatro 25 de Mayo, en el barrio de Villa Pueyrredón, el grupo que ya lleva 25 años de trayectoria1, propone a un espectador que lo sigue con entusiasmo un homenaje a uno de los compositores mexicanos de reconocimiento mundial: Agustín Lara, cuya figura aparece recortada sobre un piano, que luego estará en las habilidosas manos de Carolina Alberdi, Aroma, que sin palabras, a partir de la música y de una gestualidad que se expresa en todo su cuerpo, dará forma a uno de los personajes significativos para la vida del creador. La cronología de sus amores estructura el espectáculo, y su virtuosismo con el arte musical también, ya que ambos están tan ligados que es imposible separar al artista del hombre que narra su vida a través de las canciones. La parodia al contexto mexicano de la época en que brillo la estrella Lara, el grupo de mariachis2, que no lo son, una geografía de colores y bizarría que puebla el escenario, el humor y la sensiblería romántica sin complejos, una relación directa con el público que aplaude cada intervención son algunos de los condimentos de una escena que medida en todos sus detalles, nos inunda con su nostalgia y nos divierte con su manera de reírse de su propia cursilería. Como en la literatura de Puig, el rompecabezas se arma a partir de una época, y dentro de ella de los géneros populares que más hondo calaron en los corazones de la gente: la música, la radio, el cine, y la pintura de la famosa pareja que con su turbulencia hizo mito en la México de los primeros años del siglo XX: Frida Kahlo y Diego Rivera que no sólo son mencionados por sus amores pasionales, sino que un gran decorado a fondo con las famosas calas de los cuadros del muralista iluminan el escenario, y son además la bijou que luego realzarán el vestuario del último cuadro de Soberbia Hidalgo, Laura Montini, presencia y voz de la belleza que Lara admiraba. La otra belleza en ausencia, María Félix, la Doña, tal vez el único amor verdadero de Agustín Lara, la inspiradora de muchas de sus canciones, como María Bonita, pero también la causante de sus noches más negras, que dieron lugar a otra de sus famosos temas: Noche de ronda. la-cumbancha-de-agustin-lara-foto-1Una estética y una época, una identidad, la mexicana que atraviesa la vida por sus pasiones, y que fue un continente y un humus ideal para el compositor, y para el grupo que puede a partir de su homenaje dar rienda suelta a un histrionismo estudiado y que busca la perfección en la bizarría. Como ellos mismos definen a su trabajo, lo que presentan en escena una vez más, es una Cumbancha, es decir, una reunión a la que la gente asiste para divertirse, beber y bailar, según la definición del español cubano. Eso que lo que se pretende desde el escenario por Los Amados, divertir, y bailar no sólo sobre el espacio dispuesto a ello, sino que el espectador aleje sus inhibiciones, y se una con la voz o con la danza a un festejo que es un homenaje en la memoria de nuestros artistas universales. Esa complicidad con el público es espontánea, fresca, donde el espectador puede suspender su cotidianidad (tan necesario en estos difíciles momentos) y sumergirse en la particular estética del grupo. Donde nada está librado al azar, donde el profesionalismo de cada integrante queda al descubierto en todas las funciones. Así de la mano de cada personaje, con mucho de kitsch y de romanticismo, con un excelente vestuario de colores estridentes y mucho brillo, las imágenes visuales y auditivas nos incorporan a un mundo -musical y teatral- exuberante. Los Amados son una marca registra que define su desmesurada identidad para el placer de todos los mortales.la-cumbacha-de-agustin-lara-foto-3

Ficha técnica: La Cumbancha de Agustín Lara. Músicos: Alejandro Viola (Alejo “Chino” Amado) cantante. Laura Montini (Soberbia Hidalgo) cantante. Carolina Alberdi (Aroma) piano y acordeón. Oscar Duran – (Cristino Alberó)  guitarra. Hernán Sánchez (Ángel y su trompeta) trompeta. Fernando Costa (Pocholo Santamaría) percusión. Rubén Rodríguez (Mambo Méndez) percusión y voz. Wilson Ortiz (El anticuchito) bajo. Esteban Freydier (Elpidio “Cascarilla” Gutiérrez) saxo. Rodrigo López (Domingo Parrilla) trombón. Staff: Arreglos y dirección musical: Diego Vila. Diseño de vestuario y escenografía: Cristina Villamor. Diseño de sonido: Santi Lesca. Diseño de iluminación: Ariel del Mastro – Alejandro Velázquez. Realización de vestuario: Manuela González. Asistente de vestuario: Cecilia Font Nine. Realización de escenografía: María José Crivella. Stage manager: Bochi Ibañez. Asistente de producción: Luis Almeida. Producción general: Los Amados. Idea y dirección general: Alejandro Viola. Prensa: Octavia Comunicación y Gestión Cultural. Centro Cultural 25 de Mayo. Reestreno: 17/01/2017.la-cumbancha-de-agustin-lara-foto-2

1 El grupo surgió en 1989 como un sketch para una fiesta de cumpleaños. Era un juego con mucha improvisación. Después la banda se disolvió y yo la armé con nuevos músicos. En el camino se fueron yendo algunos y aparecieron otros. (Alejandro Viola, el chino)

2 Mariachi es un género musical y por extensión se denomina a sí al grupo de músicos que ejecutan su música, está el tradicional y el moderno, este último es el que más conocemos, con sus instrumentos de aire y su típica vestimenta de charros. Los Amados juegan con la dicotomía entre la presencia y su performance musical de mariachis, y su afirmación de no serlo, ya que sus integrantes pertenecen a diferentes nacionalidades, menos la mexicana.

Anarquía de Maximiliano Ramirez

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Anarquía de Maximiliano Ramirez

Un collage de situaciones cotidianas

fe372b_62dd364a13b141e9b2752fce03f47b80mv2_d_5100_1923_s_2Azucena Ester Joffe

Durante Agosto y Septiembre se presentó en el Galpón de Guevara Anarquía, la obra contó con buena repercusión en el público y en la crítica. Su propuesta tiene varias aristas. En primer lugar, se podría pensar que su título, como aglutinador sémico, es más un llamado de atención que un llamado a la acción, como es el ideal anarquista. En nuestra sociedad, cuyos principales valores están impuestos por el mercado y el libre comercio, el ideal parecería estar orientado sólo al consumo; consumismo que nos devora sin que nosotros, como sociedad, logremos realizar algún intento para estar en los márgenes del sistema. Siendo su principal aliado la publicidad, comunicación que nos ha transformado en simples vasallos anómimos. Este es el hilo conductor que plantea el texto dramático de Maximiliano Ramirez, quien ha comentado ser anarquista en una entrevista radial1. La idea de teatralizar estas cuestiones tienen un punto de encuentro con aquellos primeros escritores, directores o músicos de las primeras décadas del XIX:

[…] que trataron de aportar, a través de su obra, la denuncia oportuna, el apoyo pertinente, el arte vivificante capaz de hacer comprender de manera sencilla, clara e inmediata, las ideas anarquista que profesaban de modo intuitivo, emocional o teórico. (Taboada, 2007: 210)

000144678En segundo lugar, las imágenes visuales y auditivas tienen la intensidad necesaria para expandirse más allá del espacio lúdico. La impecable escenografía realizada con material descartable no es caótica, no es acumulación de basura, sino que tiene un claro rol dramático. Columnas de envases de plástico, un banco sostenido por viejos neumáticos, latitas de aluminio, tapitas de gaseosas,… Nada más acertado para nuestra actual sociedad globalizada donde la prioridad de la mayoría es el frenético consumo. Mientras el acertado vestuario, sin anclarnos en una epóca precisa, nos muestra a estos personajes cotidianos y, a su vez, sumidos en el anonimato. En tanto, la precisa iluminación envuelve a estos seres, por momentos, con colores luminosos y, en otros, con colores más oscuros. Mientras la perfecta música original subraya estos estados de alienación cotidiana. El tema de cada escena será de nuestro domino: un robo, un reclamo en las tareas laborales, la obligada visita al shopping, superar la burocracia para realizar un trámite, las mentirosas promesas en los actos políticos, … Y, una historia de amor que quedará trunca por los malos entendidos a la hora de comunicarse a través de los “benditos” celulares. Ella intenta en distintas oportunidades pero él está atrapado por lo laboral, o sea por el “salvaje capitalismo”. Quizá se podría ajustar esos breves momentos entre cada cuadro, para que no se fisure la magia escénica. Otro acierto es la utilización de las máscaras, sin misterio sólo para evitar la identificación, que subsumen a los personajes en un devenir algo oscuro, donde se mueven como en bloque y donde la falta de comunicación entre ellos está naturalizado de tal forma que ya todo daría lo mismo. Un hecho teatral que le da visibilidad a distintas situaciones de nuestro diario trajinar y deja el camino abierto para diferentes lecturas, pero sin la “rebeldía viseral” del anarquismo. Para algunos será una mirada algo apocaliptica y para otros un intento por comenzar a buscar y/o intentar alguna opción posible. En tercer lugar, la escritura escénica de Christian Giménez, las coreografías de Maximiliano Ramirez y las coreografía de vuelo de Sofía Sposaro forman un complejo entramado que focaliza nuestra mirada desde su inicio. Un ritmo vertiginoso donde cada integrante del elenco, Compañía de Arte Proscenio, con la precisión que requiere este tipo de obra, le otorga la textura acabada a su criatura. Un recorrido laberíntico, como es nuestra percepción sensorial, llevado adelante con el humor necesario para reírnos de nosotros mismos. 000144673

Ficha técnica: Anarquía. Idea, libro y coreografía: Maximiliano Ramirez. Elenco: Josefina Barone, Micaela Baylac, Josefina Fernández, Lucía Ferrari, Emiliano Giannotti, Maribel Khazhal, Gastón Lorenzo, Gisela Martínez, Mariano Mulero, Virginia Peroni, Ana Paula Pintos, Micaela Principi, Paula Rosen, Micaela Sigalov, Gustavo Viñes. Coreografía vuelo: Sofía Sposaro. Vestuario: Calandra-hock. Realización Escenografia: Joana García Holdener. Máscaras: Ayelen Rappongi. Diseño de Luces: Christian Giménez. Fotografía y Video: Be Virule. Diseño de Gráfica: Tamara Cereminati. Redes: Federico Fedele. Asistencia de Dirección: Yasmín Occhiuzzi. Producción Ejecutiva: Pía Fernández Paz. Producción General: Proscenio. Dirección y Composición Musical: Nicolás Di Lorenzo (Colaboración de Nicolás Ramirez). Puesta en escena y Dirección: Christian Giménez. El Galpón de Guevara. Estreno: 15/08/2016.cr_40lpxeaaogl4

Bibliografía

Taboada, Pablo Dario, 2007. “Anarquismo y arte popular en la Argentina” en El anarquismo frente al Derecho. Buenos Aires: Libros de Anarres: 185-210.