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Imprenteros de Lorena Vega

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Ciclo Proyecto Familia

Imprenteros de Lorena Vega

¿Cómo reconstruir el espacio arrebatado en un hecho escénico? ¿Cómo repensar los vínculos reflejados en una herencia que se materializa en un oficio?1

image030Azucena Ester Joffe

Imposible no recordar que Lorena Vega el año pasado arrasó con su gran trabajo actoral en Yo, Encarnación Ezcurra2. Imprenteros surge a partir de aceptar la invitación para participar en el Ciclo Proyecto Familia, en el C. C. Rojas. Todo un desafío que resuelve de manera interesante al construir esta propuesta atravesada por los afectos y los recuerdos, por el olor a la tinta y el murmullo rítmico de las máquinas de la industria gráfica. En un barrio del conurbano aún está ese mundo otro que ya no le pertenece y que lo recupera cada martes en la sala Batato Barea. Tres generaciones de imprenteros -abuelo, padre (Alfredo) e hijos (Lorena, Sergio y Federico)- y el reclamo ante el inevitable conflicto por la “bendita” herencia. Después de la muerte de su padre, sus medios hermanos le cambiaron la cerradura al taller impidiéndoles el ingreso a ese querido sitio donde pasaron su infancia y su adolescencia, y también realizaron algunos trabajos en la pequeña empresa familiar.

En el amplio espacio escénico observamos muy pocos elementos, solamente aquellos necesarios para la proyección de algunos videos caseros, viejas fotos y audios de aquellas voces que no se animaron a estar en escena. Una historia de vida en primera persona que nos atrapa desde su inicio. Los preparativos de la fiesta de sus 15 años, la negativa de su padre de imprimir las correspondientes tarjetas y, por ese motivo, su ausencia en la misma; su madre organizando cada detalle para el vals con su tío y las fotos de rigor; entre otras situaciones y secretos familiares que habitan el espacio lúdico. Los encuentros y desencuentros con su padre y la necesidad de hurgar en la memoria, de recuperar ese espacio familiar. Su hermano Sergio se atreve a estar presente, con la carpeta en mano de las etiquetas realizadas en aquellos años, en su mayoría de embutidos. Él continua siendo imprentero pero con nueva tecnología y da cuenta de ese hombre, cual artesano, que prefería tener un trato directo con cada cliente. En cambio, Federico, hoy alejado del oficio, parece estar más distante y sólo aceptó participar de la entrevista realiza por su hermana, quien comenta fue a cambio de una paqueta cena. En tanto, actrices y actores de su entorno más cercano van recreando a distintas personas que participaron en las situaciones pasadas.

Un recorrido performático a partir de reconstruir con retazos, instantáneas y recuerdos, una especial narrativa que pone a punto, en escena, a su familia que, por esas cosas de la vida, “nunca iba al teatro”. Con buen ritmo y humor, algo de melancolía y mucho amor, sin caer en golpe bajos, las preguntas quedan flotando: ¿qué sentiste cuando cambiaron la cerradura del taller? ¿te gustaría recuperar nuestras cosas que aún están allí? ¿extrañas a papá? La escena coreográfica final cierra un relato íntimo con el merecido aplauso del público ante la perfecta conjunción de dos mundos que parecen ser diferentes: el imprentero y el teatral.IMG_6078

Ficha técnica: Imprenteros de Lorena Vega. Elenco: Sergio Vega, Federico Vega, Lorena Vega, Julieta Brito, Juan Pablo Garaventa, Lucas Crespi, Federico Liss, Viviana Vázquez, Vanesa Maja, Mariano Sayavedra. Espacio: M. Celeste Etcheverry. Vestuario: Julieta Harca. Iluminación: Ricardo Sica. Sonido y Música original: Andrés Buchbinder. Fotografía: Cesar Capasso. Asesoramiento coreográfico: Margarita Molfino. Diseño gráfico: Petre. Equipo de rodaje: Gonzalo Zapico, Agustín Di Grazia, Andrés Buchbinder, Franco Marenco. Montaje audiovisual: Emi Castañeda. Asistentes: Fabiana Brandán y Santiago Kuster. Colaboración artística: Damiana Poggi. Dirección: Lorena Vega. C C R R Rojas: sala Batato Barea. Estreno: 04/09/2018. Duración: 60’. Funciones: martes 20 hs.

Proyecto Familia reflexiona acerca de la familia en las artes y la comunidad. ¿Qué familia tengo? ¿Qué familia elijo? ¿Qué familia quiero? ¿Qué familia es posible en el tercer milenio? Obras, películas, performances e instancias de reflexión para encontrarse, comunicarse, aceptarse y descubrirse3.

1Del programa de mano

2 Premio ACE 2016-2017 “Mejor Actriz en Unipersonal”; Premio Luisa Vehil 2017 “Mejor Actriz”;
Nominada Premio Teatro XXI 2017 “Mejor Actriz”; Trabajo destacado en la categoría de Actriz, Premio Teatro del Mundo 2017.
http://www.lorenavega.com.ar/p/profile.html [09/10/2018]

https://lunateatral2.wordpress.com/2017/04/16/yo-encarnacion-ezcurra-de-cristina-escofet/

3Según gacetilla de Prensa

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El mundo es más fuerte que yo de Juan Coulasso y Victoria Roland

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El mundo es más fuerte que yo de Juan Coulasso y Victoria Roland

Nada es tan real como la ficción…nada precisa tanto de la ficción para tener sentido como la propia realidad. (Roman Polanski)

USAR ESTA - poner que la sacó Nora Lezano - El mundo es mas fuerte que yo - CoulassoAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La convención nos dice que el teatro es ficción, pero en el instante que la representación ocurre es un tiempo real, que comparte el escenario y la platea, y formará parte de ambos en la historia de sus vidas. Relatos, estamos construidos por relatos, nuestra subjetividad es una suma de historias que se condensan en una sola línea de tiempo nuestra vida. El teatro y la verdad, lo real y el teatro, la ficción. Para construir una nueva manera de pensar el teatro lo primero es deconstruir la tradición que le dio origen, de la tragedia al drama moderno, la ruptura de todos los procedimientos que la convención teatral nos propone son derribados por la puesta del grupo que utiliza la performance para dar cuenta de los entretelones del trabajo teatral. El concepto de personaje, la escenografía destartalada aunque guardando el recuerdo del espacio living, la relación con el espectador, la música que impide escuchar los diálogos en vez de servirle de marco, o resaltar su semántica, el vestuario, la localización de actores, director y público, hacen que toda la propuesta contenga una fuerza diferente, no carente de humor, que propone un trabajo de reflexión sobre lo real concreto y la ficción y sobre el rol que juega el teatro como disciplina artística en la representación de la realidad cotidiana, por ejemplo, una reunión de ensayo, o una experiencia sísmica al otro lado de la cordillera. El realismo y su afán de reflejar un referente que lo excede, es puesto de cabeza por el trabajo actoral y por una temporalidad que destruye todo orden y la supuesta lógica que se requiere. Desde la entrada hacia una escena donde la preparación de la misma cuenta con la participación de todos, hasta el monólogo de la actriz / personaje, que cruza su verdad profesional con la verdad literaria de las mujeres que interpreta, Ifigenia o la mujer que sufre un desastre natural, su propuesta apela a la empatía de un espectador que sigue el curso de las palabras y se involucra, ¿se involucra? La duda siempre está presente en torno a lo que sucede delante de nuestros ojos. Desde un teatro en los márgenes del centro del campo, Chacarita, la necesaria interrogación sobre el metier, sobre lo que los artistas se proponen, lo que el espectador espera encontrar en la propuesta, y aquello que los críticos, con nuestro propio parámetro analizamos, es puesta en abismo, desde interrogantes que no hayan respuesta, sino por el contrario que proponen nuevas preguntas, para ingresar en el campo teatral un aire de búsqueda sin certezas sobre las cuestiones que siempre nos atraviesan. 000158704

El mundo es más fuerte que yo es provocativamente una experiencia distinta y atrapante que, quizá, puede incomodar al espectador desprevenido. Una performance perturbadora, donde el perfecto encastre entre la iluminación, la música -la bateria y la caja- y los sonidos, acordes a la situación escénica, nos atraviesa con un ritmo sostenido y arrollador. Imposible no destacar a Victoria Roland, quien no construye personajes sino acontecimientos difíciles de controlar dentro de esa impronta que nos coloca en el inexplicable límite de las categorías preestablecidas. Un acto creativo que nos cuestiona y nos sacude desde su inicio, por lo tanto necesario ante tanto teatro pochoclero.

Ficha técnica: El mundo es más fuerte que yo de Juan Coulasso y Victoria Roland. Según el reverso del programa de mano: “Victoria Roland actúa la presentación… Matias Coulasso actúa de baterista… Flor Sánchez Elia actúa de asistente en vivo… Nadia Lozano y Marina Ollari son las asistentes de dirección reales. Además Nadia hizo el video y los trailers. Bárbara Togandera asesoró artística y musicalmente… Carmen Pereiro Numer asesoró coreograficamente… Endi Ruiz realizó la dirección de arte… Nora Lezano sacó las fotos… Matías Sendón diseño la luz… Juan Coulasso estará dirigiendo esto hasta el final pero la obra no es ni será nunca de nadie.” Rosetti Espacio Cultural. Duración: 80’. Funciones: sábados 18.30 hs.

3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia [III]

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia

del 2 al 17 de junio de 2018

FestivalAzucena Ester Joffe

Dramaturgia en movimiento: En esta sección se presentan en el C C Recoleta dos obras de danza, compuestas por una coreógrafa alemana y un coreógrafo francés, y que son reinterpretadas por dos artistas argentinos. Un programa compartido que surge a partir de la idea de que los “estados emocionales” también “construyen un pensamiento sobre la emigración. Pues antes de que se muevan los cuerpos se mueven los discursos. Y la danza de alguna manera es el pensamiento del desplazamiento”, así lo afirmó su director y curador, Matías Umpierrez. ¿Acaso los movimientos sin cuerpos pueden emigrar e inmigrar?1

Ambas obras, narrativas coreográficas de un desarraigo, se presentarán dentro del marco del Festival también el próximo miércoles (13 de junio).4.0. FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia en movimiento (Danza) - Programa compartido_ Colaboraciones entre Paula Rosolen (Alemania) y Leticia Mazur (Arg); y David Wampach (Franci

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Aura… (o Topía) en colaboración de Paula Rosolén y Leticia Mazur

(Alemania – Argentina)

En el amplio espacio escénico de la sala Capilla se entrecruza la pregunta que le hiciera la coreógrafa alemana “a través de Topía qué sería de la danza sin migración. ¿Se puede rastrear los movimientos que aportan, generación a generación, los cuerpos que migraron?” Leticia Manzur, bailarina, actriz, directora y docente, en Aura, construye en escena una narrativa coreográfica y actoral difícil de asir, en un intento de atrapar lo invisible”. Un cuerpo con un lenguaje propio sumergido en la oscuridad, donde sólo la precisa iluminación a la vez que muestra, oculta. Una figura imprecisa de un blanco que se modifica ante nuestra mirada, por los efectos lumínicos, por momentos, con movimientos lentos y en tensión y, en otros, fragmentados. Cómo es pensar un tema que se invisibliza constantemente, cómo dar cuenta de una realidad que se oculta. No contamos con una historia previa, sólo con una textualidad coreográfica diferente que nos convoca. Una puesta en abismo que nos interpela desde el mismo proceso de creación; dependerá de cada espectador según su sensibilidad y experiencia dejarse abordar por una espacialidad y temporalidad donde la plasticidad de las imágenes tienen su peso específico.

Ficha técnica: Aura… (o Topía) en colaboración de Paula Rosolén y Leticia Mazur. Intérprete: Leticia Mazur. Vestuario: Esteta Studio. Diseño de luces: Matías Sendón. Diseño sonoro: Patricio Lisandro Ortiz. Texto Coreográfico: Paula Rosolén. Fotografía: Nacho Iasparra. Asistencia de dirección: Gianluca Zonzini. Producción: Gianluca Zonzini. Coreografía: Leticia Mazur. Dirección: Leticia Mazur. C C Recoleta. Funciones: 6 y 13 de junio, 21 hs. Continuará su temporada durante cuatro semanas más.

Co-producción: Festival Internacional De Dramaturgia, Goethe-institut, Centro Cultural Recoleta, Plataforma Fluoerescente

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Yo. Soy. Ella… (o Joyjoiefeliz) en colaboración de David Wampach y Luis Biasotto

(Francia – Argentina)

Una propuesta diferente a partir de un documento que enviara el coreógrafo francés a su par argentino. Joyjoiefeliz es una especie de “fotonovela con elementos que describen tres partes, tres círculos, tres duraciones, con movimientos en espiral, que dan lugar a la transformación, …”. La dupla creativa, Biasotto / Acuña, quienes crearon la compañía Krapp en 1998, construye su obra, Yo. Soy. Ella…, con un lenguaje propio que los identifica. La intérprete es, a la vez, “un sujeto y objeto imposible de atrapar”. En el espacio lúdico la iluminación no crea climas, sólo ella con un enterito a rayas, sus movimientos son casi cotidianos pero sus desplazamientos tienen una dinámica especial. No hay límites en el relato, todo puede ser o no, como en una cinta de moebius, sin un punto de referencia, la imaginación nos permite atrapar cada secuencia. Podría suceder en un mundo paralelo donde “los estados emocionales” tomarían cuerpo o simple roles. El movimiento anterior a la palabra para construir posibles sentidos, el artificio en primer plano, será el espectador quien complete o no esa pérdida: la desterritorialización que hemos naturalizado.

Ficha técnica: Yo. Soy. Ella… (o Joyjoiefeliz) en colaboración de David Wampach y Luis Biasotto. Intérprete: Luciana Acuña. Texto Coreográfico: David Wampach. Fotografía: Nacho Iasparra. Coreografía: Luis Biasotto. Dirección: Luis Biasotto. C C Recoleta. Funciones: 6 y 13 de junio, 21 hs. Continuará su temporada durante cuatro semanas más.

Co-producción: Plataforma Fluoerescente, Centro Cultural Recoleta, Alianza Francesa, Festival Internacional De Dramaturgia

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Dramaturgia para una conferencia: El invitado para esta sección fue Paul B. Preciado (España – Francia). Umpierrez comentó que Preciado es: “quien desmaterializa la idea de género, porque somos más allá de nuestro aparato reproductor, somos personas que se identifican con lo masculino y lo femenino”2. El activista y filósofo creó el particular manual y, a partir de esta serie de instrucciones escritas a distancia, los tres conferencistas locales brindarán una lectura distinta según la impronta de cada uno.

proyeccion obra 001

Conferencia a cargo de Roberto Jacoby o Berta Jacobs (Argentina)

El primero de estos encuentros estuvo a cargo de Berta Jacobs, ya que Roberto Jacoby no pudo asistir, lamentablemente, por sus “chocheras”. Berta lo conoce muy bien y lleva adelante un evento performático con diferentes matices. Al comienzo realiza una breve introducción sobre el edificio que pasó de ser un hospital para los afectados por la fiebre amarilla, “una fiebre que nos está atacando actualmente”, a un asilo de mendigos y ahora a un Centro Cultural. Su comentario es que pareciera que no hubo muchos cambios. Psicopedagoga de profesión y curadora de artistas de vocación, realiza la exposición de los experimentos auditivos y visuales del artista sobre cuestiones de género, del lenguaje heterosexista, etc… ¿Qué pasa cuando una persona no se identifica con los pronombres femeninos y/o másculinos? Desde el humor simple de “pueden aplaudir” hasta la cruda realidad de nuestra sociedad que discrimina al que no encuentra un punto de referencia en él/ellos y/o ella/ellas. Por lo tanto es interesante pensar en le/les. Con un carisma especial, Berta atrapa la atención del atento auditorio que con un cerrado aplauso aceptó el desafío ante las preguntas instaladas desde su inicio: ¿sería posible introducir variables de cambio? ¿cambia el mundo si yo cambio de género?

Roberto Jacoby, artista conceptual y sociólogo, tiene una interesante trayectoria y “parte de sus trabajos -entre la investigación social- gira alrededor de la desmaterialización del arte y la invención de nuevas formas de vida”.

Conferencia a cargo de Roberto Jacoby o Berta Jacobs. Centro Cultural Recoleta: sala Sum, domingo 10 de junio: 20 hs.

Las próximas disertaciones:España – Francia)

Conferencia a cargo de Juan Onofri Barbato o Juana Onofri Barbata (Argentina); viernes 15 de junio: 20 hs.

Conferencia a cargo de Paloma del Cerro o Palomo del Cerro (Argentina); domingo 17 de junio: 20 hs.

2Idem

3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia [I]

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia del 2 al 17 de junio de 2018

Festival

Línea histórica de Sofía Medici y Laura Kalauz / Método Inanna de Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli

Azucena Ester Joffe

Dramaturgia de una urbanidad desconocida: La emblemática Quinta Trabucco es sede para la construcción de “estados emocionales”. El lema que articula toda la programación del Festival, y ambas intervenciones incitan a la creación de otros mundos posibles. Matías Umpierrez comentó: 5.FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia de una urbanidad desconocida (Intervención Site Specific) Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli (ARG) y Sofía Medici y Laura Kalauz“estamos contentos por presentar un proyecto con productores locales. Un lugar específico para que se pueda construir una historia paralela que niega a ese lugar pero que dice ser real”. Los seis artistas (India, Libano y Argentina) despliegan dos experiencias distintas en la que de algún modo se relacionan con la cuestión de cómo se niega lo histórico. Por un lado, es una performance y, por otro, es una instalación1.

En esta sección, “Intervenciones Site Specific”, se presentan dos acciones que dialogan con el relieve propio de la Casona. Interesantes y disímiles entre sí, nos conducen por senderos de una realidad paralela. Con la posibilidad de llevarnos el texto primero, una vez finalizada cada intervención. A ambas experiencias se podrá asistir también el próximo fin de semana (9 y 10 de junio).

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Línea histórica de Sofía Medici y Laura Kalauz (Argentina)

Sobre el texto Profeta de Abhishek Majumdar (India)

Una propuesta donde se conjuga perfectamente el texto del dramaturgo, escenógrafo y director Abhishek Majumdar con la escritura de Sofía Medici y Laura Kalauz, quienes realizan una topografía de ciertos espacios públicos, teniendo en cuenta que el punto cero del relato podría ser a fines del siglo XXI. Una futurista visita guiada por el interior y los jardines de la Casona que da cuenta, en especial, de tres revoluciones -en 2031, 2068 y 2080- y de las consignas de los revolucionarios en cada una de ellas. Leandra Hidalgo de manera perfecta le otorga la carnadura a la Guía de este itinerario, a partir de los detalles que se desprenden del texto Profeta: “Ella no era joven, no era vieja, ni de mediana edad […] Contaba historias del futuro como si todo hubiera ocurrido antes […] No tenía secretos, ella era el secreto”. La actriz, a partir de una corporalidad “artificial”, con su mirada ocultando cualquier interioridad, con sus gestos carentes de tono muscular y los silencios que responden a otra “realidad”, nos conduce por un recorrido que teje un relato a partir de elementos de la propia historia del espacio de la Quinta. Así visitaremos una “reproducción” de aquella pared que fue el símbolo de una de las revoluciones; aquellos vestigios de la civilización anterior; las ruinas de las antiguas mazmorras con un fin específico,… Una visita guiada que nos devuelve una mirada incisiva sobre nuestro presente y futuro mediato, con temas como la revolución y la contrarevolución, la nuevas tecnologías, la inteligencia y/o telepatía artificial y la creación de un pensamiento único que debería atemorizarnos. Una actividad que concluye en el patio del Museo, quizá metáfora de nuestra sociedad y la construcción de una historia que invisibilizó a la otra historia. En esta oportunidad, para Línea histórica fueron cinco las fuentes que dan cuenta de las versiones de un futuro no tan lejano como quisiéramos creer.

Ficha técnica: Línea histórica sobre el texto Profeta de Abhishek Majumdar. Concepto, texto, dirección y realización: Laura Kalauz y Sofia Medici . Producción: Imanol López. Guía: Leandra Hidalgo. Con la colaboración de: Florencia Monfort, Soledad Barruti, Nicolás Cohen, Diego Golombek, Marcelo Valko. Quinta Trabucco (Vicente López). Entrada gratuita con reserva anticipada. Sábado 2 y 9 de junio. Horario: 18, 19 y 20 hs.

Una coproducción entre el Festival Internacional de Dramaturgia, la Secretaría de Cultura de Vicente Lopéz y Plataforma Fluorescente. Con el apoyo de Dramaturgias Cruzadas + Xixicas + Nada Especial Tanz.

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                Método Inanna de Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli (Argentina)
                                 Sobre el texto Los dominios de Inanna de Maya Zbib (Líbano)
Una experiencia que hace explícita otra forma de comunicarnos, en la cual sólo es necesario entregarnos al recorrido donde la palabra no tiene lugar. Somos conducidos a través de los jardines de la Casona con algunos indicios e intentamos apropiarnos de cada sitio. Distintas sensaciones a partir de los sentidos que nos involucran en un relato que nos resulta mítico, ancestral. Un ritual urbano, un dejarse llevar por la propuesta, sin preguntarnos, sin racionalizar, adentrándonos en una textualidad que completará cada integrante del reducido grupo. Portando una máscara diferente pero que nos une en la experiencia. Es como recuperar una cierta ilusión lúdica o fantasmática más allá del texto primero, Los dominios de Inanna, de la directora de teatro, performer y escritora libanesa Maya Zbib. Éste nos ancla en un espacio temporal preciso -la Guerra Civil Libanesa que comenzó en 1975- y los “daños colaterales” de la misma. A diferencia del texto primero, Método Inanna nos transforma en integrantes de “una colectividad utópica” que se adueña de la historia privada y pública de la Quinta Trabucco, tal vez desde la figura de Inanna, deidad de la antigua Mesopotamia, la diosa del amor y de la guerra, de la sexsualidad.
Ficha técnica: Método Inanna de Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli sobre el texto Los dominios de Inanna de Maya Zbib. Quinta Trabucco (Vicente López). Entrada gratuita con reserva anticipada. Domingo 3 y 10 de junio. Horario: 18, 19 y 20 hs.

Una coproducción entre el Festival Internacional de Dramaturgia, la Secretaría de Cultura de Vicente Lopéz y Plataforma Fluorescente.

3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia

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3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia

Curaduría y dirección de Matías Umpierrez y presentado por Plataforma Fluorescente

del 2 al 17 de junio de 2018

Artistas de diferentes procedencias y disciplinas se sumergirán, junto con el público, en experiencias que desplazan las ideas de cuerpo-territorio-frontera-discurso-escenario, creando nuevos territorios, mundos paralelos… o, tal vez, simplemente, el mejor de los mundos posibles.1 (M. Umpierrez)

FestivalAzucena Ester Joffe

El jueves 24 de mayo se realizó en el Nün Teatro-Bar la presentación de esta nueva edición del festival. Un desayuno por demás interesante donde Matías Umpierrez de manera precisa nos comunicó, a los medios presentes, sobre la convocatoria y la programación a partir de las cinco secciones “que dialogan con el lema ‘estados emocionales’ y el proyecto curatorial”.

Matías comentó, en un brevísimo racconto, que las dos primeras ediciones, 2014/2016, estuvieron principalmente centradas en la dramaturgia latinoamericana y europea, en una reflexión escénica y teatral. Desde el comienzo:

Nuestro festival se funda en una frontera que sucede entre discusiones locales pero también en las instituciones internacionales. Nos interesaba, originalmente, que los teatros independientes pudieran ser los espacios que presentan y producen teatro. Y que las instituciones internacionales encuentren estos espacios reales de gestión, que más allá de cualquier crisis siguen resistiendo. Entonces nos pareció que era un foco de identidad real donde cooproductores internacionales pudieran coproducir y además darles identidad a los teatros independientes.

Pero hoy que nos movemos en un mundo globalizado y atravesado por la inmediatez de las redes sociales la puesta en marcha de esta 3ra edición implica un desafío y un compromiso mayor. Este año el Festival Internacional de Dramaturgia es más interdisciplinario. Según su director, en primer lugar, porque es el espacio que él sostiene como artista y, en segundo, porque cree que esta impronta ha comenzado a despertar preguntas en nuestra ciudad. Por lo tanto, será un lugar de encuentro y de reflexión para cuestionar qué es la dramaturgia en nuestros días y para pensar las narrativas en la contemporaneidad sin importar su disciplina.

Me interesa pensar muchísimo el teatro como ritual que incide en otras artes. Es increíble este movimiento transdicisplinar que está sucediendo y tiene que ver difinitivamente con un gesto de la época: la constante profanación. Creo que los artistas, en ese aspecto, movemos las paredes de los lugares donde estamos, trabajando para crear nuevos universos. Era importante para nosotros reflejarlo desde el festival. En ese sentido, primero construimos para esta edición un clarísimo proyecto curatorial que va a armar una línea que conecta, de alguna manera, todas las secciones y todos los proyectos. Y que, a su vez, construyen un orden y proponen a los espectadores/as a acercarse difinitivamente a una experiencia que sostengo desde todo punto de vista. En plena era virtual me parece que lo más importante es la construcción de una experiencia donde sucedan distintos paisajes de cómo podría ser la dramaturgia y que también les de la posibilidad a los concurrentes de sentir que se diluye la idea que tienen, por ejemplo, de qué es el teatro en este momento.

El lema que articula toda la programación, “estados emocionales”, tiene que ver con la idea de “un montón de hilos que se desmembran justamente en la palabra estados”. Interesante reflexión que aborda tanto al estado privado como al público junto al pensamiento de que de “alguna manera está presente la dramaturgia para empujar esos estados que pueden pensar que existió una historia o no”. Por eso este festival es “un espacio de resistencia, es nuestro encuentro con lo político desde el hacer”.

También estuvo presente la Plataforma Fluorescente, Malena Schnitzer y Melisa Santoro, como un espacio de gestión, de frontera que construye, a su vez, territorialidad. Y se anunció que será un dispositivo de “creación global con creadores/as, pensadores/ras, de distintos sitios del mundo, que entrarán en diálogo con artistas de Buenos Aires”.

Más allá del festival, sus organizadores despliegan un atrayente abanico que abarca diferentes áreas de las artes escénicas para tensionar y “abrir a lo transdisciplinar y, en especial, a todo lo que despierta la palabra ‘trans’. En esta idea, que pareciera ser un gesto de la época, está la necesidad constante de entender y de clasificar. Entonces, ese gesto es completamente fundacional para la Plataforma Fluorescente.”

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En cada una de las cinco secciones que se desarrollarán del 2 y al 17 de junio de 2018 está desplazada la idea de qué es esa zona en particular. En todos los casos será el espectador quien complete la experiencia.

Dramaturgia de los mundos paralelos: A partir de cinco obras teatrales de Uruguay, Finlandia, Croacia, Perú, Brasil y Argentina, “se emplazan en la escena a territorios saturados”. Desde el proyecto curatorial se pensó cómo los teatros y la construcción teatral pueden construir mundos paralelos: “teorizamos sobre cinco posibles mundos o cinco mundos que están presentes o cinco mundos que podrían llegar a ser posibles”.2.0 FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia de los mundos paralelos (Teatro)

Dramaturgia de una urbanidad desconocida: La emblemática Quinta Trabucco será la sede para la construcción (India, Libano y Argentina) de “estados emocionales”. Intervenciones que incitarán a otros mundos posibles: “estamos contentos por presentar un proyecto con productores locales. Un lugar específico para que se pueda construir una historia paralela que niega a ese lugar pero que dice ser real”. Los artistas construirán una experiencia en la que de algún modo se relaciona con esta cuestión de qué forma se niega lo histórico. Por un lado, será una performance y, por otro, será una instalación.5.FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia de una urbanidad desconocida (Intervención Site Specific) Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli (ARG) y Sofía Medici y Laura Kalauz

Dramaturgia en movimiento: Dos obras de danza, compuestas por una coreógrafa alemana y un coreógrafo francés, serán reinterpretadas por dos artistas argentinos. Un programa compartido que surge a partir de la idea de que los “estados emocionales” también “construyen un pensamiento sobre la emigración. Pues antes de que se muevan los cuerpos se mueven los discursos. Y la danza de alguna manera es el pensamiento del desplazamiento, por eso nos pareció que así podría pensarse esta cuestión”.4.0. FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia en movimiento (Danza) - Programa compartido_ Colaboraciones entre Paula Rosolen (Alemania) y Leticia Mazur (Arg); y David Wampach (Franci

Dramaturgia para una conferencia: El invitado para esta sección es Paul B. Preciado (España – Francia), “quien desmaterializa la idea de género, porque somos más allá de nuestro aparato reproductor, somos personas que se identifican con lo masculino y lo femenino”. El activista y filósofo creó el particular manual y, a partir de esta serie de instrucciones escritas a distancia, los tres conferencistas locales brindarán una lectura distinta según la impronta de cada uno.

proyeccion obra 001

 Dramaturgia para una exhibición descentralizada: Se exhibirá parte de la obra del artista y fotógrafo Nacho Iasparra, en diferentes soportes. “Nos interesaba ver cómo su obra está atravesando todo el festival como así además el proyecto curatorial. Visualmente el trabajo de Nacho, con sus ‘estados emocionales’, construye distintas realidades y lo que proponemos es hacer una exhibición pero con dispositivos que usualmente no se piensan para tal fin. ¿Qué es ir a una exhibición? Si estamos en plena era virtual ¿por qué no hacemos con todos esos espacios virtuales un espacio de exhibición? Entonces, difinitivamente queremos que esa sección, sin lugar, sin territorialidad, y, a la vez, llena de espacios virtuales y físicos, termine de construir el marco central para presentar este festival”.6. FOTO NACHO IASPARRA - Sección Dramaturgia para una exhibición descentralizada

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La 3ra edición del Festival Internacional de Dramaturgia será una oportunidad creativa, en formato distinto, de atreverse a completar las distintas experiencias más allá de cada disciplina. Un espacio para la reflexión que claramente promete ser interesante a partir del lemaestados emocionales”.

Por último, sólo tendrán un costo promocional las entradas para las obras de teatro y de danza, en tanto el resto de la programación será gratuita pero con inscripción previa. Además, después de finalizado el festival, seguirán en nuestra cartelera por doce semanas más las obras de teatro y por cuatro semanas más las de danza. Pues la idea desde la 1ra edición es que los artistas puedan tener una presencia real en nuestra ciudad.

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Director & Curador: Matías Umpierrez. Producción general: Malena Schnitzer. Producción ejecutiva: Melisa Santoro. Producción intervenciones site specific: Florencia Orlando. Meritorios producción: Ezequiel Paredes, Cecilia Santos, Cintia Zaccolo. Prensa: Marisol Cambre. Redes: Berenjena Producciones. Diseño: Sergio Calvo. Programación Web: El Dodo

Más información: http://www.festivaldramaturgia.com.ar/

Facebook: Festival Internacional de Dramaturgia

Twitter: @festdramaturgia

Instagram: @festdramaturgia

1Según gacetilla de Prensa

 

Museo Ezeiza 20 de junio de 1973.

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Museo Ezeiza

20 de junio de 1973. Instalación teatral de Cooperativa Ezeiza

Dirección Pompeyo Audivert y Andrés Mangone

Compañeros / No nos dejemos engañar por este autodenominado Museo Ezeiza 73, se trata una vez más, de un intento del enemigo de desvirtuar nuestra épica. La maniobra es muy simple: Sobre los soportes del Museo que recortan un fragmento y lo iluminan con una luz y un cartelito, el Museo ha colocado algunos restos de aquella gesta, objetos que se han encontrado en el suelo de Ezeiza después del desbande (…) Son fragmentos insignificantes del acontecimiento que alcanzan por haber pertenecido al hecho y estar situados allí, el nivel significativo a la vez ridículo y sagrado del fetiche. (Programa de mano)

000165618 MuseoMaría de los Ángeles Sanz

Cuerpos a través de sus objetos, objetos que se subjetivan para hablarnos de los cuerpos, y un momento de la historia socio política del país que no puede quedar en el olvido si queremos edificar un futuro diferente. En la sala A del Centro Cultural San Martín, Pompeyo Audivert y Andrés Mangone, realizan una vez más la puesta de su instalación teatral Museo Ezeiza. De forma gratuita, para que más ciudadanos puedan acceder a la categoría de espectadores, de un momento crucial de nuestro pasado reciente, y de un acontecimiento artístico que nos lleva algunos al recuerdo de esa encrucijada, y a otros a ser testigos de una mirada sobre los hechos desde el lugar de las víctimas. La penumbra, la semioscuridad que nos envuelve cuando ingresamos, se hace densidad en nuestros cuerpos que interpelados por los objetos parlantes nos narran microhistorias, pequeños pedazos de un rompecabezas que iremos armando recorriendo cada una de las mesas de soporte, atravesados por las zorras que arrastran los cuerpos, guiados por la voz autoritaria de los guardias. Los cuerpos / objetos nos interpelan, nos dirigen su mirada de súplica, o nos piden que los ayudemos para encontrarse a sí mismos, y a lo que fueron dejando atrás. En el espacio son muchos, por los pequeños intersticios que nos dejan entre mesa y mesa, circulamos, recordamos canciones, consignas, y protagonistas: Leonardo Favio, las agrupaciones políticas, la gente de inteligencia, sus trajes y anteojos negros, su oscura y peligrosa presencia, y la espera de Perón, que no podrá aterrizar allí, cuando todo se convierta en un caos, de sangre y muerte. Los espectadores entonces, somos parte atomizada del escenario que la instalación propone, los actores y las actrices rememoran, no construyen personaje, sino que traen desde la memoria colectiva, los nombres de aquellos que vivieron la jornada, no sólo como testigos de su época sino como protagonistas de un momento bisagra de la relación del gobierno con gran parte del pueblo. Hablar de Instalacióni es abrir la escena a un género, si puede llamárselo así, que proviene de otra disciplina, la plástica, y que por su manera de exponer los objetos permite entonces romper con la convencional relación artista / espectador, y lograr un fluido constante entre los vasos comunicantes entre el que mira y el que es mirado. 000077166Museo

Instalación, señala Josu Larrañaga (2001) “es un término recurrente para denominar las propuestas artísticas a las que no se les podía aplicar fácilmente aquellas categorías tradicionales de pintura y escultura, y que, por otro lado, tampoco podían ser ubicadas en calificativos más recientes”. (En Daniela Berlante, (UNA / UBA)

En la plástica pasamos de las dos dimensiones a las tres, y por otra parte, el espacio se transforma en el soporte fundamental de la propuesta. No es sólo el lugar donde aparecen las obras especialmente distribuidas para ser observadas, sino y ahí viene su transferencia a lo teatral, para ser vividas por el espectador, recreadas junto con él, en una sensación de que el pasado y el presente se cruzan en la intersección de ese momento único que la instalación procura. Es entonces, que el trabajo de Audivert y Mangone, que ya lleva varios años en escena, propone una visita a la memoria colectiva, pero no de manera estática y pasiva sino involucrando los cuerpos, las mentes y las almas en ese momento, que para algunos es un recuerdo doloroso y glorioso al mismo tiempo; y para las nuevas generaciones, la oportunidad de sentir de alguna forma, las sensaciones, el clima de una época que no termina de ser transitada. Una interesante forma de documentar desde el teatro, desde un museo viviente, con actuaciones muy buenas que logran hacernos vibrar en un sentimiento colectivo, aunque no unìvoco, el rescate de la memoria, en la búsqueda de un destino común, aunados por nuestras voces, cantando el himno nacional. 000077167 Museo

Bibliografía (On line):

Berlante, Daniela. La instalación teatral como agente de … – Territorio Teatral

territorioteatral.org.ar/html.2/articulos/pdf/n12_01.pdf

Ficha técnica: Museo Ezeiza de Cooperativa Ezeiza de Pompeyo Audivert y Andrés Mangone. Elenco: Adela Busquet, Adolfina García Zavala, Adrián Almaraz, Adrián Tùfolo, Alejandro Aisen, Aldana Torlaschi, Alejandra Buitron, Alexis Dalessandro, Ana Audivert, Anabella Sarrias, Amalia Cárdenas, Amalia Denébola Salerno, Amalia Verbitsky, Álvaro Panaro, Andrés Buzurro, Andrés Mangone, Ángeles Martínez, Ángeles Villa, Carlos Arzulian, Carlos González, Carolina Fernández, Casandra Velázquez, Cecilia Labourt, Corina Berman, Cristian Paolucci, Danae Cisneros, Daniela Gau, Diego Bollero, Diego Vegezzi, Dulce Ramírez, Elisabet Moino, Emanuel Tomé, Fernanda Lucena, Fernando Arfuso, Fernando Khable, Fernando Naval, Florencia Vincentelli, Lución Palacios, Gabriela Ram, Gino Fusco, Glenda Pocal, Gonzalo Cenizo, Gonzalo Dutria, Guillermo Amaral, Gustavo Castro, Gustavo Saborido, Hernán Crismanich, Hilda Frisari, Hugo Cardozo, Ignacio Nazareno Ciminari, Ignacio Rodrìguez, Iván Altschuler, Ivana Zacharski Muchnik, Jorge Ramos, José Molfese, José María Villani, Juan Foucault, Juan Guiraud, Juan Ignacio Manghi, Licia Tizziani, Lilèn Durante, Liliana Cobe, Lorena Alejandra Castro, Lorena Salvaggio, Lucas Solustri, Luis González, Macarena Aniyar, Macarena Jaramillo, Manuel Contreras, Mara Campanini, Marcela Díaz, María Eugenia Ledesma, María Fernanda Pintos, Mariana Brarda, Mario Di Nicola, Martín Scarfi, Melina Benítez, Melina Diamante, Mercedes Coronel, Milagros Fabrizio, Natalia Torrado, Nicolás Lisoni, Noemí Ron, Nora Goldberg, Oscar Grillo, Pablo Clerici, Patricia Roncarolo, Pupi Carmona, Rodríguez Martínez Frau, Ramiro Álvarez Peña, Rosario Ferreiro, Rubén Parisi, Sabrina Pérez, Sandra Fiorito, Santiago Martinelli Massa, Sergio Cacavelos Riviere, Sergio Fernández, Sofía Ganzero, Sonia Poberezny, Soledad Carosella, Susana Herrero Markov, Tania Dick, Tamia Rivero, Valentín Godoy, Valeria Di Toto, Valeria Piscicelli, Valeria Tercia, Verónica Costa, Verónica Feuring, Verónica Litvin, Viviana Inga, Yasmina Cura, Zoe Báez. Fotografía: Matìas Barutta. Dirección: Pompeyo Audivert. Sala A Centro Cultural San Martín. Entrada gratuita.

i Josu Larrañaga entiende que instalar tiene que ver con conferir estatuto artístico a un espacio. El espacio se revela un elemento nodal en la medida en que va a situarse ahora en el centro de la propuesta plástica. “La instalación es una nueva forma de expresión que viene a reconsiderar las condiciones espaciales de presentación de las propuestas artísticas” Ahora bien, el espacio deja de ser soporte de la obra para volverse parte prioritaria de la misma, funcionando a la manera de un tejido intertextual. El espacio no es ya un recipiente nuevo en el cual se depositan los objetos artísticos, sino que debe leerse como un conjunto de mecanismos dispuestos por el autor que necesitan ser activados por el espectador para comenzar a funcionar. En este sentido, el artista instalador propondría una zona abierta de interacción, de intercambio y de diálogo con el espectador quien –en definitiva- será aquel que otorgue contenido a la obra en el acto mismo de recorrerla. (2006,2) (Daniela Berlante, (UNA /UBA)

Conejo blanco Conejo rojo de Nassim Soleimanpour

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Conejo blanco Conejo rojo de Nassim Soleimanpour

Una obra que no requiere ser ensayada ni dirigida, sólo una actriz o un actor diferente por función”

Conejo blanco, conejo rojo flyerAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Un espacio (Timbre4), un texto (un sobre cerrado), un actor (Darío Sztajnszrajber), un público, el triángulo perfecto para una velada teatral que se propone una relación diferente, o no tanto, pero que sí implica para el cuerpo del actor un desafío en muchos sentidos, el componer un personaje primario de presentador, y luego componer otros que se van sumando a un relato por demás interesante. Un relato de un escritor de geografía distante, por lo tanto, otra idiosincrasia, pero que guarda en sí las mismas necesidades, aquellas que trascienden las fronteras. Un actor por semana, de ambos géneros, tiene la oportunidad de encontrarse con las palabras que otro escribe pensando en un espectador ¿ideal? ¿sorprendido? a la voluntad del narrador, que sigue la voluntad del dramaturgo. La pieza ha recorrido el mundo, traducida a 25 idiomas1, para hacer volar la imaginación de los espectadores, en búsqueda de la libertad del constructor de sus palabras. Nassim Soleimanpour es un joven dramaturgo iraní, que se negó a hacer el servicio militar de dos años de duración, y esa decisión le impidió conseguir el pasaporte que lo habilitaría a ser ciudadano del mundo, a ampliar su mirada en espacios y tiempos otros, que abrieran perspectivas divergentes, que le permitieran sentir y volar. Darío Z - Conejo blanco, conejo rojo 4Es atrapante el modo en que se va construyendo la historia que pivotea, constantemente, entre distintos espacios a partir de la inmediatez del discurso verbal -aquí / allá- en una temporalidad casi laberíntica que requiere de nuestra atenta escucha. Darío Sztajnszrajber se hizo cargo de esta “trama secreta” y con ductilidad “convocó” a su autor de manera espontánea, tarea nada fácil. Mientras la iluminación lo acompañaba en sus desplazamientos creando dos mundos diferentes. En el centro del amplio y despojado escenario de la sala México solo observamos una pequeña mesita -dos vasos de agua, un sobre,…- y su correspondiente silla. Un interesante hecho escénico, super efímero, construido por las distintas voces que se van materializando con momentos de humor y otros con la intensidad y creatividad que cada parte de la triada -Nassim / Darío / el auditorio- aporte al encuentro, al juego teatral.

darc3ado-z-conejo-blanco-conejo-rojo-1.jpgDurante el mes de abril2:

02/04 Darío Sztajnszrajber

09/04 Osqui Guzmán

16/04 Dolores Fonzi

22/04 Hernán Casciari

23/04 Julieta Cardinali

28/04 Cecilia Roth

30/04 Rafael Ferro

Ficha técnica: Conejo blanco Conejo rojo de Nassim Soleimanpour. Dramaturgia: Daniel Brooks y Roos Manson. Traducción: Lucinda Gutiérrez Ruiz. Prensa: Antonela Santecchia. Producción ejecutiva: Mariela Finkelstein. Producción general: Timbre4, Maxime Seugé. Diseño gráfico original: Mónica Caicedo. Diseño gráfico para Timbre4: Pauli Coton. Timbre4: sala México. Estreno: 05/03/2018. Duración: 60’. Funciones: ver cronograma.

1 Según gacetilla de Prensa

2 Idem

Segunda Jornada El Tango en escena

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Segunda Jornada El Tango en escena

Intervenciones coreográficas en el collage escenográfico” creado por Eduardo Bergara Leumann

Azucena Ester Joffe

En el Museo Escenográfico Botica del Ángel durante dos días, 23 y 24 de noviembre, se llevó a cabo la segunda Jornada sobre nuestra danza ciudadana. Como afirma Andrea Castelli, es un punto de encuentro para “reflexionar sobre la actividad, con el propósito de generar un ámbito de discusión e intercambio de conocimientos y experiencias”1. Coreógrafos, directores, bailarines, docentes, críticos, periodistas,… concurrieron a la cita para debatir sobre distintos ejes: El tango, perspectiva desde la crítica y la difusión”; “Poética de la danza en el cine. Aniceto”,…; “Conversación performática sobre Títeres, Máscaras y objetos”; entre otros.

La Botica del Ángel tiene una fuerza intrínseca que es difícil de poner en palabras, ese mundo exuberante y barroco construido de múltiples historias, de retazos de memoria –privadas y públicas, fue el marco perfecto para el “Recorrido por las diferentes intervenciones coreográficas” que se realizó el viernes a la tarde. Cada breve coreografía tuvo un encanto especial a lo largo de la visita guiada, cada sala del Museo se transformaba en un espacio escénico habitado por los bailarines / performers. Los creadores convocados fueron: Gachi Fernández, Olga Besio, Margarita Fernández, David Señoran, Jose Garófalo y Pablo Fermani, quienes junto a su equipo de trabajo construyeron una narración coreográfica que dialogó con el espacio edilicio y focalizó nuestra atenta mirada. Una experiencia performática entre instalaciones pobladas de fotografías, de escritos, de obras plásticas, de recuerdos de Mi Buenos Querido2 y en la cual cada espectador disfrutó desde distintos puntos de vistas. Luego, llegó el cierre con las conclusiones, donde se expusieron algunos de los objetivos, el proceso creativo con sus singularidades y el aplauso final de todos los presentes.

 

Equipo de producción: Carina Mele – Mónica Berman – Andrea Castelli – Juan Federico Santucho – Natalia Battellini – Gerardo Azar – Sabrina Castaño  – Carlos Vizzoto.

2 La Botica del Ángel es un collage escenográfico creado por Eduardo Bergara Leumann en el museo que fue su casa, donde sorprenden obras de arte de muchos artistas plásticos: Raúl Soldi, Antonio Berni, Luis Felipe Noé, Marta Minujin, Guillermo Roux, Juan Carlos Castagnino, Carlos Gorriarena, Josefina Robirosa, Héctor Borla, Juan Carlos Benitez, Eduardo Pla, Raúl Lozza; manuscritos de Jorge Luis Borges, Ernesto Sábato, Manuel Mujica Lainez. Recuerdos de actores y cantantes, algunos de los cuales debutaron en La Botica como Susana Rinaldi, Marikena Monti, Nacha Guevara, Leonardo Favio, entre otros. En el recorrido por el lugar se encuentran homenajes a compositores de tango y folklore como Astor Piazzolla, Mariano Mores, Homero Expósito, Mercedes Sosa, Ariel Ramírez, María Elena Walsh, entre otros, y también se pueden apreciar las instalaciones armadas con fotografías y objetos históricos de un Buenos Aires que se fue perdiendo. Eduardo Bergara Leumann legó el Museo a la Universidad del Salvador. http://boticadelangel.usal.edu.ar/ [03/12/2017]

Concierto para equipaje (Homenaje a Tadeusz Kantor) y Africa. Sueño de un viaje olvidado por la Companía Cuerpoequipaje

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Concierto para equipaje (Homenaje a Tadeusz Kantor) y Africa. Sueño de un viaje olvidado por la Companía Cuerpoequipaje

Teatro físico con objetos y máscaras

 

Azucena Ester Joffe

La artista Tatiana Sandoval presenta dos breves obras, disímiles entre sí, a partir de una dramaturgia que tiene como punto de partida algunos trazos precisos que, luego en el espacio a través de la constante investigación, van adquiriendo la textura artesanal que configura esta interesante experiencia visual y auditiva. En el 2015 Sandoval convocó a docentes, estudiantes, investigadores,… para formar la Compañía Cuerpoequipaje, grupo interdisciplinario dedicado a “la creación e investigación en artes escénicas con foco en la experimentación con objetos y nuevas tecnologías”1.

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conciertoConcierto para equipaje (Homenaje a Tadeusz Kantor)

Esta primera obra “no preexistió como un texto, sino en imágenes, fragmentos y materialidades”2, y se presenta como “evocación y memoria rota” y “surrealismo contemporáneo”. Términos que dan cuenta de una narrativa coreográfica vívida que nos permite construir nuestro propio relato. Al ingresar, en el espacio escénico observamos muy pocos elementos y a una joven mujer sentada en la platea que llama nuestra atención porque no logramos ver su rostro, luego comienza a correr con su valija hacia la llegada de algún tren. Tres personajes femeninos “híbridos”, cuerpos-objetos, que se construyen a partir de tres cajas a modo de embalaje exterior y de un violín como memoria de algún concierto. Imágenes visuales y auditivas que van creando, a modo de recuerdos fragmentados, un collage atrapante que no clausura posibles sentidos. La precisa iluminación termina por darle una patina amarronada al clima onírico que requiere cada escena. Mientras el adecuado y colorido vestuario destaca a estas criaturas. Una propuesta performática llevada acabo con solvencia escénica por las tres performers; cada gestualidad y cada movimiento tiene la precisión necesaria para no romper el encanto -entre ellas casi no se ven por los objetos mencionados y sus rostros nos son constantemente vedados. Un merecido homenje a Kantor a partir de la dimensión poética que habita en el espacio lúdico.

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000150232Africa. Sueño de un viaje olvidado

La posterior obra es el segundo montaje de la Compañía y surgió de “una idea inicial más narrativa”. Es la teatralización del sueño de una pequeña que, como Alicia en el país de las maravillas, cae a un pozo que la conduce a un sitio habitado por personajes fantásticos. Un relato singular y laberíntico en el cual las transformaciones oníricas, sobrenaturales, avanzan mientras los sonidos, como si fueran emitidos por animales hablantes, acompañan a cada uno de estos seres. En esta oportunidad, también disfrutamos de una textualidad coreográfica que le otorga al espacio lúdico, través de las máscaras y del particular vestuario, una dimensión poéticamente ancestral. En tanto la iluminación de forma acertada envuelve a estas criaturas irreales propia de los sueños infantiles que se convierten en imágenes del presente. Un acontecimiento teatral que interpela, desde distintos lugares, a nuestra imaginación a partir del sólido juego escénico que realizan las performers.

Ficha técnica: Concierto para equipaje (Homenaje a Tadeusz Kantor) y Africa. Sueño de un viaje olvidado por la Compañía Cuerpoequipaje. Performers: Rocío Celeste Fernández, Sofía Galindo, Bárbara García Di Yorio y Yanina Grasso. Música original: Cecilia Candia. Diseńo de vestuario y máscaras: Pheonía Veloz.  Diseńo de iluminación: Jessica Tortul. Coreografía en colaboración con las performers: Tatiana Sandoval. Fotos: Patricia Ackerman. Asistencia de dirección: Andrea Aguirre León, Miguel Mango y Micaela Irina Zaninovich. Dramaturgia y dirección: Tatiana Sandoval. Artistas invitados: Mara Padilla. Asesoría en máscaras: Pablo Gershanik. Asesoría de violín en escena: Sami Abadi. Video: Claudia Araya López. Diseño de Mapping: Alejandra D’Agostino y Sebastián Pascual. Asistencia de iluminación: Nadia Farias. Realización cajas concierto: Victor Salvatore. Realización de vestuario África: Ivaní Sandoval. Realización de máscaras: Hernán Ferrari. Realización caja nido: Esteban Siderakis. Trailers: Vicente Vila. Producción: Compañía Cuerpoequipaje y PICA. Foto: Patricia Ackerman. Diseño gráfico. Gabriela Messuti. Prensa & difusión: Simkin & Franco. ElKafka Espacio Teatral. Reestreno: 05/11/2017. Duración: 43’. Función: domingos 12, 19 y 26 de noviembre 18hs. y el sábado 2 de diciembre 23hs.

1Según gacetilla de Prensa.

2https://saquenunapluma.wordpress.com/2017/11/03/sobre-el-proceso-creativo-de-concierto-para-equipaje-y-africa-sueno-de-un-viaje-olvidado-por-tatiana-sandoval-directora/

 

Cosas que pasan de Luis Biasotto

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Cosas que pasan de Luis Biasotto

Un teatro de cuerpos y objetos en movimiento. Un sentido en imágenes.

La travesía no es pacífica, exige participar en un orden que comunica desde el impacto sensorial y desde el extrañamiento propio de una poética azarosa, desestabilizadora, e incluso desde una creatividad dispersa y artesanal. (Susana Tambutti)

cosas que pasan 2017 2Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Dentro del marco de la 11va edición del FIBA, del 5 al 21 del presente mes, pudimos disfrutar de obras internacionales y nacionales seleccionadas e invitadas. Entre estas ultimas, Cosas que pasan en la programación en El Cultural San Martín participo con dos funciones. Y, esperamos su pronta reposición en la cartelera porteña.

El amplio espacio escénico de la sala B estaba dividido en dos frentes donde un juego de poleas nos permitía ver aparecer y desparecer la multiplicidad de objetos que integraran el desarrollo de la puesta. Actores / bailarines en escena y otros oficiando de instrumento que iban cambiando de lugar a medida que la intriga lo necesitaba. Cuadros o sketches, que eran anticipados por una suerte epígrafes que aparecían en la pared de fondo de esa caja italiana particular. El primero podríamos titularlo sin dudas, “las sillas”. La silla como objeto / obstáculo que exige de cada uno de los cuerpos una habilidad diferente, un dominio sobre sí mismo producto de un trabajo intenso. Enfundados en un vestuario que uniforma a todos, menos en el color, que tenia una paleta que cubria el marrón, el gris, y el negro, cubiertos por mantas de colores vivos, de tejidos artesanales, que serán fundamentales en la imagen que cerro la performance. Ante nuestros ojos todo se transforma o adquiere distintos significados, como la silla que ante la furia destructiva del hombre, como un animal destripado será un montículo de maderas y telas en un informe bulto que luego subirá a completar con lo demás un museo colgante, un cuadro de utilería predispuesto a una lógica que no podiamos anticipar. Cortos de thrillers parecian atravesar el todo, y la violencia cuerpo a cuerpo, entre los personajes se sucedia con la muerte como centro y protagonista. 000144064Una civilización que tiende a ser destruida por el hombre hasta encontrar en el fondo de su origen una posibilidad de recomenzar, una nueva epifanía. Los elementos varios se sucedian en las manos de los danzantes y sin palabras, se tejia la trama que envuelve muchas otras, y todas juntas la historia de una humanidad que busca autodestruirse de mil formas distintas. Reproducciones de armas antiguas y modernas, globos que simulaban explosiones letales, música, luz, viento, bosques que se destruyen, bosques que se producen con una búsqueda de volver al instinto animal de la sobrevivencia. Sin embargo, a pesar de la significación que se multiplicaba, el humor no estuvo ausente, y provenia de la desmesura de la propuesta, de lo barroco y bizarro de la escena, en fin, de la tragicomedia de la vida y su autèntico grado de ironia y absurdidad.

Un evento creativo que construye en un canevas artesanal las potentes imágenes visuales y auditivas que interpelan al espectador constantemente. Esta mixtura de procedimientos -con cuerpos que corren, sustancias volátiles que son dañinas, objetos cotidianos que suben y bajan intentando anclarnos en una historia posible,…- es difícil racionalizar su contenido. Solo hay que dejarse llevar por esa “energía” particular y transitar la experiencia con los sentidos. Un hecho teatral inacabado y provocador, dinámico y por momentos frenético, donde todos cumplen “roles” y nos dejan mucho para reflexionar.cosas que pasan

Ficha técnica: Cosas que pasan de Luis Biasotto. Intérpretes: Luciana Acuña, Luis Biasotto, Gabriel Chwojnik, Gabriela Gobbi, Paula Russ, Agustina Sario y Matthieu Perpoint. Creación: Luciana Acuña, Luis Biasotto, Gabriela Gobbi, Agustina Sario y Matthieu Perpoint. Concepción musical: Gabriel Chwojnik. Concepto, diseño y realización escenográfica: Ariel Vaccaro. Diseño de iluminación: Matias Sendón. Asistencia de iluminación: Adrián Grimozzi. Vestuario: Gabriela V. Fernández. Revisión y asesoramiento de texto: Mariano Pensotti. Trailer: Alejo Moguiliansky y Mauricio Sanches. Asistencia General: Paula Russ. Producción general: Gabriela Gobbi. Fotos: Néstor Barbitta. Producción delegada en Francia: Bureau Cokot / Julie Le Gall & Hanna El Fakir. Produccion: El Cultural San Martín, “La Vilette- París- Residences d’ artiste 2015”. Idea y dirección: Luis Biasotto. El Cultural San Martín: sala B. Duración: 75’. Reestreno: 23/09/2017.