Archivo de la categoría: Teatro Internacional

If – Festejan la mentira de Gabriel Calderón

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Temporada Internacional CTBA Uruguay [IV]

If – Festejan la mentira de Gabriel Calderón

Celebramos alegremente esto que llamamos vida y que no es más que un lento e inevitable viaje hacia el empapelado de esos muros que, con ansia y determinación, nos esperan. (G. Calderón)1

If-festejan la mentira.CTBA-AJoffeAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Es la cuarta obra de Uruguay que se presentan en el marco de la Temporada 2018 del CTBA, y que tuvimos la oportunidad de ver del 20 al 23 de septiembre. If – Festejan la mentira se estrenó los primeros días del mismo mes en Montevideo y luego de su presentación en CABA continuó su gira hacia Colombia.

Una muerte, un velorio solitario, una familia mirada desde la voz de una conciencia que no repara en los buenos modales; cuadros que se perfilan diferente en el mismo escenario, a partir de fijar la vista en la luz de una lámpara, que permitirá los cambios de óptica, de punto de vista. Y la representación dentro de la representación puesta en abismo en escena para un espectador que cuando cree entender la historia se da cuenta que todo es un relato que construye otro. En esa búsqueda de una forma que nos permita decir las mismas cosas que nos preocupan desde una perspectiva teatral diferente, la puesta nos permite el humor negro, todo humor sobre la muerte lo es, la sensibilidad al ver el poco valor que la vida transcurrida tiene para los que nos sobreviven en general, y de cómo los lazos de sangre no son un reaseguro para la llegada de la soledad al final de nuestras vidas. El dinero, el posible, y el que forma parte del más oscuro deseo, están presentes en la voz de los personajes, que no dejan, en la verborragia de sus diálogos, de dar cuenta de la ambición, vanidad, y desapego que la sociedad en general nos presenta como ejemplo a seguir. Frescos, cuadros como frescos que van desgranando una realidad manifiesta que el teatro necesita exorcizar. Las actuaciones tienen una muy buena performance, en esa por momentos comedia de enredos, donde los personajes, entran y salen del relato, constituyendo una verdad inestable. Porque en ese relato construido no podía estar ausente la sorpresa, lo inesperado, lo desestabilizante. Calderón se ha convertido en el campo teatral de Buenos Aires en un autor transitado por grupos de teatro jóvenes que ven en su escritura, forma y temática, una vía de expresión para el juego teatral de experimentación: Mi muñequita y Ex, que revienten los actores, tienen presencia en la cartelera actual del teatro de autogestión. IF Calderon.CTBA-A.Joffe

Ficha técnica: If – Festejan la mentira de Gabriel Calderón. Elenco: Gloria Demassi, Dahiana Méndez, Carla Moscatelli, Giselle Motta, Gustavo Saffores. Coordinación de producción (CTBA) Galo Ontivero, Catalina Telerman. Asistencia de dirección (CTBA) Cecilia Acosta, Fernanda Machado, Leo Méndez. Producción técnica (CTBA) Matías Ledesma. Artista en residencia: Jacqueline Lacasa. Desarrollo de identidad gráfica: Agustín Spinelli. Asistencia de dirección: José Pagano. Producción ejecutiva: Camila Florines. Producción general: Bruno Gadea. Efectos especiales: Estela Muga, Flores Tucci. Sonido: Fernando Castro. Vestuario: Paula Villalba, Sofía Beceiro. Escenografía e iluminación: Pablo Caballero. Dirección: Gabriel Calderón. Teatro Regio. Duración: 100’. Del 20 al 23/09/ 2018.

1 Según programa de mano

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Evel Knievel contra Macbeth na terra do finado Humberto de Rodrigo García

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Evel Knievel contra Macbeth na terra do finado Humberto de Rodrigo García

El mundo ha perdido su épica

Para no escribir en el aire –como tantas veces me complace hacerlo- en este caso busqué la tierra firme (y el mar): la cultura afro-brasileña. Y la compañía de Glauber Rocha. (R. García)1

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Evel Knievel.P-LunaTeatralEl título nos lleva a una de las posibles interpretaciones sobre lo expuesto en escena, sobre la intencionalidad del dramaturgo y director Rodrigo García, sobre un punto de vista que pasa por la falta, la ausencia de sentido. Evel Knievel representa en el tempo histórico que vivimos, una manera de salvar la anomia de épica de la sociedad, y expone su vida, la lleva al extremo, para sentir la adrenalina de la vida; en el concepto que maneja el autor, se enfrenta en vis paródica a Macbeth, a la tragedia, que si sabe porque arriesga su vida y la de los demás, sabe hacia dónde quiere llegar en la pirámide del poder, sabe y por lo tanto la tragedia lo significa, su muerte, o la de los otros tiene una carga semántica que justifica sus actos, sin ningún juicio moral. Al entrar nos recibe un espacio casi vacío, que contiene a fondo un gran panel blanco dividido en rectángulos iguales; dos aparentes espadas clavadas en el piso, que luego resultarán palos de golf, y algún que otro objeto lo que nos da la sensación de un espacio que late a la espera de ser invadido por la vida que espera ser narrada, acompañada por música y sonidos, o por el contrario, que nos muestra los efectos de una geografía devastada. El panel es pantalla, donde un filme nos invita a ver el viaje de un dragón, que pasea por una ciudad de Brasil, Bahía, mientras una voz en off, en inglés, con traducción en castellano, este recurso sucederá todo el tiempo, ya que las lenguas se suceden y superponen: inglés, francés, portugués, alemán, castellano; nos habla de una lucha de intereses. Se citan en los diferentes momentos en que está separada la intriga, a los filósofos griegos: Lisias y Demóstenes y la imagen del Macbeth protagonizado por Orson Welles aparece cada tanto en el viaje que se sucede en las imágenes proyectadas. La filosofía griega y su fuerza ciega, y el teatro isabelino y su relato de las miserias humanas. El sentido y la teatralidad de una épica.

Ecuación de la que carece nuestra sociedad, que alejada de los bordes omite la realidad de la muerte, se pierde enmascarada en la búsqueda de la belleza, la juventud y la vida eterna y nos deja sin probarnos a nosotros mismos quienes somos en realidad. Espejismos de nuestra sociedad de consumo, que por todos los medios posibles huye de la pulsión de riesgo y elude su sino. Con procedimientos que provienen del dadaísmo, el juego con las palabras, del teatro pánico, la lucha de los cuerpos en escena, la violencia sobre el cuerpo desnudo del personaje femenino, que además está embarazada, y es asediada para pintarla de verde y rojo, el desequilibrio de los cuerpos, con un zapato ortopédico que impide un paso normal, entre otros, de la búsqueda de la confusión de lenguas, y el cruce de lenguajes, los colores y las flores y animales psicodélicos, como producidos por el ácido lisérgico caro a la estética pop de los setenta; la puesta quiere exponer la debilidad de nuestra humanidad, frente a la cárcel que hemos construido y que no nos permite vivir sin miedos. Las imágenes finales nos llevan al rito, a la ceremonia del vudú, y a una forma de cultura alejada de la técnica que nos convierte en máquinas de una finalidad que desconocemos. Rodrigo García es dramaturgo y director de escena de teatro, además de escenógrafo hispano-argentino. Tiene su residencia en España desde 1986, año en que comenzó su carrera teatral. Es director de la Compañía La Carnicería Teatro en 1989, en Madrid.

Ficha técnica: Evel Knievel contra Macbeth na terra do finado Humberto de Rodrigo García. Con: Gabriel Ferreira Caldas, Núria Lloansi, Inge Van Bruystegem. Producción: Sarah Reis. Asistencia de dirección: Pierre-Alexandre Dupont. Asistencia TNA-TC: Ana Calvo. Producción TNA-TC: Silvia Oleksikiw. Iluminación escenográfica: Sylvie Mélis. Rodaje en Brasil-realización: David Rodríguez Muñiz, Rodrigo García. Creación multimedia: Ramón Diago, Daniel Romero, Eva Papamargariti. Vestuario: Marie Delphin, Eva Papamargariti. Sonido: Daniel Romero, Serge Monségu. Técnico de sonido: Vincet Le Meur. Técnico de plateau: Cédric Bossu. Dirección Técnica: Roberto Cafaggini. Diseño gráfico: Arturo Iturbe. Espacio escénico y dirección: Rodrigo García. Teatro Nacional Cervantes: sala María Guerrero. Programación Internacional. Duración: 90’. Funciones: 24/ 25/ 26 de agosto de 2018.

1 Frase extraída del programa de mano.

 

El bramido de Düsseldorf de Sergio Blanco

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Temporada Internacional CTBA Uruguay [III]

El bramido de Düsseldorf de Sergio Blanco

Mi arte es una ficción real, no es mi vida pero tampoco es mentira. (Sophie Calle)1

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

yLr1PhON9JMyxCZ4YS47El bramido de Düsseldorf es otra de las obras de Uruguay que se presentan en la Temporada 2018 del CTBA. Durante cuarto días de Agosto tuvimos la oportunidad de ver la tercera autoficción, estrenada en nuestro país, del dramaturgo y director franco-uruguayo, Sergio Blanco. Con claros guiños a sus obras anteriores, Tebas Land2 y La ira de Narciso3, nos introduce en una temática que se desplaza del espacio privado al público.

Paneles blancos rodeando el espacio escénico que dan la sensación aséptica de los muros de una habitación de hospital y al mismo tiempo cumplirán la función de enormes pantallas, donde frases que nos ubican en la temática, y la estructura de la pieza serán enunciadas, y donde además las imágenes de la criminalidad se harán presentes. Escenografía minimalista que sólo contiene los elementos necesarios para el desarrollo de la intriga, y sendos micrófonos que funcionarán en la ruptura de la cuarta pared desde un principio, y en la forma de entrada y salida de los actores de sus personajes en complicidad con los espectadores. Una puesta metatetral, de autoficción4: una manera de “autobiografía” que contiene, como todas, el uso de una memoria selectiva que construye el relato como una ficción de nuestra propia vida. Punto central de la puesta, la relación del padre con su hijo escritor, de este con la enfermedad de su padre, y de una relación metafórica entre la muerte simbólica del parricidio, a los asesinatos seriales de un famoso criminal alemán: Peter Kürten -El vampiro de Düsseldorf​, y los campos de concentración de la Segunda Guerra Mundial. De esa situación la aparición de una apostasía, la del personaje de su condición cristiana, a la búsqueda de ser aceptado en el judaísmo. Es decir de la religión del hijo, a la del padre; pero como un deseo trunco por la negativa del rabino. La muerte como principio y destino de la vida, en la presencia de otro hijo que elige el suicidio para resolver el problema de su relación parental, esta vez con su madre. Los dos actores y la actriz llevan adelante todos los personajes que aparecen en la memoria del hijo, y que van construyendo ese discurso único que se ofrece en escena con la ambigüedad entre lo cierto y lo incierto. Blanco juega con los límites de la teatralidad, y con el concepto de verdad; todo es un imaginario de lo relativo, de la mirada individual de cada personaje. Tan incierto y azaroso es el relato, que al mismo tiempo del nacimiento de alguien, el padre, se desata la Segunda Guerra Mundial, y se crea una de las películas emblemáticas de Disney: Bambi. Otra metáfora a nivel planetario, la vida y la muerte como una cinta de moebius, coincidiendo y volviendo sobre sus pasos para lograr la construcción y la deconstrucción de lo instituido. E23PWyidd8NsvwsUSsfp

Ficha técnica: El bramido de Düsseldorf de Sergio Blanco. Elenco: Gustavo Saffores, Walter Rey, Soledad Frugone. Coordinación de producción (CTBA) Galo Ontivero. Asistencia de dirección (CTBA) Daniela Sitnisky, Julián Castro, Celeste Faillace. Producción técnica (CTBA) Emilia Martínez Domina. Producción y distribución: Matilde López Espesandin. Asistencia artística: Juan Martín Scabino. Preparación vocal: Sara Sabah. Preparación de bajo: Nicolás Román. Video Arte: Miguel Grompone. Sonido: Fernando “Tato” Castro. Escenografía, vestuario, e iluminación: Laura Leifert y Sebastián Marrero. Dirección: Sergio Blanco. Teatro San Martín: sala Casacuberta. Duración: 100’. Funciones: jueves 16, viernes 17, sábado 18 y domingo 19 a las 20.30 hs

En cooperación entre el Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA) y el Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay (INAE) – Dirección Nacional de Cultura Uruguay

1 Sergio Blanco en La autoficción: una ingeniería del yo. https://wp.nyu.edu/gsas-revistatemporales/la-autoficcion-una-ingenieria-del-yo/ [27/08/2018]

4 “De hecho, el neologismo mismo de autoficción es creado e inventado por Serge Doubrovsky en estos años cuando en 1970 lo utiliza por primera vez en uno de sus manuscritos borradores llamado Le Monstre que más tarde, en 1977, se transformará en su célebre novela Fils. En una escena que pasa en el automóvil del narrador luego de su sesión de psicoanálisis, este piensa que a partir de sus sueños podría escribir una ficción y que podría hacerlo allí mismo al volante de su auto, y entonces dice: “Si escribo en mi automóvil, mi autobiografía será mi AUTO-FICCION”. Esta frase es la que le va a conferir a Doubrovsky la paternidad del término, pero obviamente no la paternidad del género literario.” https://wp.nyu.edu/gsas-revistatemporales/la-autoficcion-una-ingenieria-del-yo/ [27/08/2018]

Incendios de Wajdi Mouawad

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Temporada Internacional CTBA Uruguay [II]

Incendios de Wajdi Mouawad

Es la historia de tres historias que buscan sus comienzos1

Ded_0V-WAAAS8SFAzucena Ester Joffe

En la presente Temporada del CTBA fueron dos las obras de Uruguay que se presentaron durante el mes de junio, Rabiosa melancolía de Marianella Morena2 e Incendios de Wajdi Mouawad. Esta última fue realizada por la Compañía Teatro El Galpón con la dirección de Aderbal Freile Fihlo y pertenece a la tetralogía de MouawadLa sangre de las promesas” Litoral, Incendios, Bosques y Cielos. La perfecta conjunción entre la escritura dramática y la escénica junto al sólido trabajo actoral requiere de un brevísimo comentario sobre cada uno:

  • El autor: Wajdi Mouawad empezó su obra centrándose en el teatro. Nacido en el Líbano, tuvo que exiliarse a los ocho años con sus padres a Canadá a causa de la situación civil y militar en su país de origen. Este hecho le marcó profundamente hasta el punto que gran parte de su obra tiene como elementos nucleares el conflicto, la búsqueda de las raíces familiares, los orígenes y el desarraigo3.

  • El reconocido director brasileño, Aderbal Freile Fihlo, puso en escena dos de las piezas teatrales de esta tetralogía, Incendios y Cielo, en Brasil. Entre 1986 y 1999 dirigió varias obras en Montevideo y en 2017, con el grupo estable de El Galpón, estrenó Incendios.

  • La compañía El Galpón desde sus inicios, allá por 1949, cuenta con un reconocimiento indiscutible tanto en su país como en el exterior: Los orígenes de El Galpón se remontan al Uruguay de la post-guerra, el cual estaba iniciando una etapa de desarrollo socio-económico fundado en los favorables términos de intercambio que la situación internacional concedió a la producción agropecuaria de este pequeño país4

m6UFqW3DLo5kuAytuSfDEn Incendios, el punto cero de la historia es la lectura del testamento luego de la muerte de la madre, Nawal Marwan, quien deja a sus dos hijos gemelos una extraña tarea a partir de dos sobres que contienen un saber por todos ignorados -personajes y público. Para su hija Jeanne, una carta que deberá entregar a su padre sin saber si está aún vivo ni en qué sitio. A su hijo Simon, otra carta para un hermano que hasta ese momento ni siquiera sabían ambos de su existencia. Una historia construida entre secretos y olvidos, entre afectos y verdades, entre dos coordenadas espacio-temporales lejanas. Sucesos con 50 años de distancia y el silencio incomprensible en los últimos años de Nawal.

Al ingresar, observamos, en el despojado espacio escénico de la sala Martín Coronado, sólo una bicicleta caída y un dispositivo escénico de grandes dimensiones, paneles tal vez, como el repudiado muro que se extiende por Cisjordania y rodea Jerusalén que parecen clausurar el espacio que se abre a la profundidad del doloroso recuerdo. Pero estos límites físicos tienen la movilidad necesaria para el relato que circula en dos niveles y que, con pocos elementos, cada uno de éstos tiene su propia dimensión. Por un lado, una tragedia: la guerra y el pasado, y, por otro, la cotidianidad: el viaje de los hijos y el presente reparador. La precisa iluminación junto al acertado vestuario crean la densidad visual, con trazos y texturas distintas, en constante transformación. Un viaje que se construye junto a un espectador atento, pues será éste quien pueda unir los fragmentos de lejanos momentos con un presente más humano. Un recorrido intenso que nos interpela y nos sumerge en la búsqueda de una identidad, de un pasado acallado por la tristeza del exilio y el desarraigo; la única forma para encontrar la verdadera reconciliación entre dos generaciones distintas y un origen que los contiene una madre que vivió situaciones muy duras y sus hijos que desconocían esos hechos.

Con los breves flashback, el sistema narrativo nos presenta la historia de estas tres historias íntimas construida por el sólido andamiaje ficcional y por la capacidad actoral. Con precisión cada integrante del elenco se desplaza y crea a partir de su corporalidad la mixtura entre ambos niveles. Un verdadero acontecimiento teatral.qEWtmCovytRhHbz8tKgp

Ficha técnica: Incendios de Wajdi Mouawad. Traducción: Laura Pouso. Elenco: Elizabeth Vignoli Mossián, Héctor Guido, Silvia García, Anael Bazterrica, Estefanía Acosta, Solange Tenreiro, Federico Guerra, Claudio Lachowicz, Pablo Pípolo y Sebastián Silvera. Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero. Producción técnica (CTBA): Magdalena Berreta Miguez. Gestión y coordinación lógistica (El Galpón): Pierino Zorzini. Música: Tato Taborda. Iluminación: Luiz Paulo Nenem. Vestuario: Antonio Medeiros. Escenografía: Fernando Mello Da Costa. Dirección: Aderbal Freire Filho. Teatro San Martín: sala Martín Coronado. Duración: 130’. Del 13 al 16/06/2018.

1Según programa de mano

Rabiosa melancolía de Marianella Morena

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Temporada Internacional CTBA Uruguay [I]

Rabiosa melancolía de Marianella Morena

La melancolía de vivir, crecer y envejecer con la angustia del abandono de los mejores recuerdos1

kvcYvVf57N1cIMwlIm10.Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Un cuadro iluminado, un cuadro vivo, que repite las acciones, una sala de estar con tres sillones, mesas, lápices, elementos de cocina, platos y tazas de porcelana, un diapasón, y cuatro personajes en medio de las cosas y del cuadro: una madre, dos hijas, un hijo dentro de un tiempo detenido. El espacio está delimitado por una alfombra que es el límite geográfico entre el adentro y el afuera, entre “ellos” y nosotros. El ritmo de las acciones lo marca el sonido de un diapasón, porque son los tiempos musicales los que van determinando los momentos, las situaciones y las circunstancias de los personajes. Las voces melodiosas entonan canciones que son el paisaje, el cielo de la melancolía, de una tristeza monótona que lo envuelve todo como una nube que se posara sobre sus vidas. Como en las cerradas piezas del absurdo donde todo funciona medido al milímetro, y lo cierto y lo incierto nos abarca, a personajes y espectadores, nunca sabremos si el recuerdo es exacto, si es sólo la fantasía de unos, si la presencia de la madre muerta es el puente que nos les permite abandonar el vientre casa, y arrojarse a la vida con coraje. Como en La noche de los asesinos del dramaturgo cubano José Triana, el ámbito familiar encierra la perversidad y el crimen, del que somos testigos privilegiados, pero nunca se nos permite reconocer los pliegues de un relato que también nos envuelve en su construcción ficcional. No hay tiempo referencial, no hay anclaje hacia un exterior del que sólo las melodías prometen un diseño. La resilencia y la reiteración, de una violencia que tiene en todos los dos momentos de la ecuación: dominador – dominado, sus giros concéntricos hacia el centro de lo endogámico. Las actuaciones son muy buenas, y conforman con precisión el avatar que presentan, desde un principio donde los elementos son articulados con tempos precisos: el sonido del gon, el lavado de la cara, la lectura del diario, el uso de los lápices. La dirección busca en la frecuencia temporal, en los pequeños elipsis, en esa constante puesta en límite, tal vez demasiado extensa, producir en nosotros, los que estamos observando desde afuera, la sensación de encierro, de asfixia que produce el no poder acceder a un contexto que se les presenta amenazante pero donde la vida no es de invernadero. El oxímoron del título, da cuenta de que dentro de la aparente aceptación del status quo de sus vidas, los personajes guardan el fruto de una ira que crece con cada acción. CmnFHcV5wW8ci49sN7Ke

La particular escritura, dramática y escénica, de Marianella Morena construye un acotado espacio íntimo, en el cual el lenguaje cotidiano es superado por la sonoridad de la palabra cantada:

Tres hermanos deciden olvidar quiénes son, sus roles y edades, mientras trabajan a diario sobre qué se elige recordar y de qué forma se siente. ¿Es malo traicionar? La propuesta musical es minimalista pero protagónica y en diálogo con la palabra hablada y cantada2.

La escenografía y la iluminación contribuyen en el espesor y la plasticidad de las imágenes visuales y auditivas. Un hecho teatral interesante donde cada escena encastra perfectamente en un todo sin fisura. or1lVkPmJG2AhNveADKv

Ficha técnica: Rabiosa melancolía de Marianella Morena. Elenco: Valeria Ferreira, Mané Pérez, Lucía Trentini, Agustín Urrutia. Coordinación de producción: (CTBA) Galo Ontivero. Producción Técnica: (CTBA) Ángel Ariel Porro. Producción ejecutiva: Lucía Etcheverry. Iluminación: Ivana Domínguez. Escenografía: Gabriela Fagúndez. Vestuario: Magdalena Charlo. Composición musical: Malena Muyala. Dirección: Marianella Morena. Teatro San Martín: Cunil Cabanellas. Duración: 65’. Del 6 al 10/06.

1 Según programa de mano

2 Idem

 

4to Encuentro de Dramaturgia Internacional Emergente

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4to Encuentro de Dramaturgia Internacional Emergente

Tres Dramaturgos Latinoamericanos. Tres Espectáculos. Tres Directoras Argentinas.

Flyer general EDIEAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Organizado por el Corredor Latinoamericano de Teatro se llevó adelante el 8 y el 9 de diciembre el 4to Encuentro de Dramaturgia Internacional Emergente en el espacio teatral El Extranjero. El evento promueve el conocimiento y la divulgación de un teatro que no tiene en el público un acercamiento asiduo sino es por la realización de estos encuentros, que ponen en contacto a dramaturgos, actores y directores de los diferentes países, para así dar a conocer, estéticas, poéticas y problemáticas que se abordan desde lo teatral en nuestros países de la Patria Grande. Con entrada libre y gratuita, y como se dice, salida a la gorra, el programa presenta en esta oportunidad, tres países intervinientes con sus dramaturgias: Chile, México y Brasil con la dirección de tres mujeres argentinas. Las tres obras fueron:

La fuerza del corazón de Javina Mendoza Ceverino (Chile) y dirección de Micaela Picarelli (Argentina)06 - EDIE 2017 - Argentina

Yo era ese niño, ese monstruo que los adultos fabrican con sus penas” (J. P. Sartre)

La dramaturga chilena pone en palabras y acto una situación íntima sobre la relación de una madre y sus hijos, que es el detonante de toda una línea de clase social estigmatizada e invisibilizada por el resto de la sociedad, y por el campo teatral. La mujer sobrevive del despojos de los otros, los que tienen una vida organizada por un sistema que los esclaviza y los convierte en sordos y mudos ante el dolor ajeno. Agentes sociales que solo se acercan cuando conviene a la maquinaria: publicidad, trabajo esclavo, globos de colores para la ilusión de pegar el salto que los saque de una miseria que está pegada a sus cuerpos como una doble piel. Una escena cargada de latas, botellas vacías, trapos viejos, desechos, una escenografía construida desde el desecho; una casilla que apenas alberga, una silla que sirve para soñar con lo diferente. Y toda la carga de prejuicio con que aliviamos nuestra conciencia: la promiscuidad, la violencia, el alcohol, la droga. Una infancia sin infancia, una maternidad sin sentimientos convencionales, que se expresa con desgano o con fiereza, que repite tal vez la propia. Las actuaciones logran involucrarnos en el presente de esos seres despojados, y hacernos sentir su dolor, y su frustración.

El corazón de la galaxia de Alfredo Macías Rubio y Kenia Abril Lara Ramírez (México) y dirección de Melina Milone (Argentina)11 - EDIE 2017 - Argentina

El EDIE presentó en esta edición una obra para toda la familia, y la misma contó con la aprobación del público. La historia presenta a un grupo de niñas y niños que comienzan un viaje muy especial para poder encontrar el corazón de la galaxia. Un viaje atravesado por aventuras y dificultades, entre estas últimas una supuesta realidad que intenta limitar a su imaginación.

Aquí hay faltas de Pedro Caroca y Wilker França  (Brasil) y dirección de María Laura Laspiur (Argentina)67 - EDIE 2017 - Argentina

Mayra Mucci le da carnadura a la joven que agobiada por las pérdidas que está sufriendo comienza a llenar los inevitables silencios con palabras a los pocos muebles que le quedan. Ausencias de lo material y de lo afectivo. Cómo seguir cuándo algo de la propia historia familiar también se va perdiendo, o mejor dicho se vende para poder afrontar un poco la crisis. El azar o el destino parecen jugarle una mala pasada pues la ha dejado en el limbo de la soledad. La actriz lleva adelante un monólogo donde a través de un problema íntimo, personal, de un relato donde la subjetividad está por sobre la objetividad de las acciones narradas, presenta de manera tangencial, una problemática que involucra a muchas jóvenes de su generación, que ven como lo cotidiana, la sobrevivencia por la vida de forma independiente, se ve acorralada por un sistema donde la precariedad del trabajo, nos lleva a la pérdida no sólo de objetos sino también de los sujetos que podrían contenernos, y de nuestra propia identidad que se va con ellos. En un escenario que se va despojando de a poco, el vaciamiento de sentido de una vida queda entre bambalinas, cubierto por mantas o telas que van produciendo la invisibilizaciòn de lo que junto a los sentimientos conforman nuestra propia personalidad.

El CLT Argentina, con el esfuerzo de sus miembros1 -reconocidos profesionales del quehacer teatral- que le ponen “el cuerpo”, lleva adelante un productivo intercambio con varios países latinoamericanos. En la confluencia de una perspectiva regional que se construye a partir de precisas líneas de acción2:

Circulación: enfocada en el intercambio permanente de obras y creaciones teatrales, mediante el desarrollo de circuitos, giras, encuentros, y festivales que permiten y estimulan la circulación de obras teatrales latinoamericanas en el continente.

Investigación y Formación: enfocada en el intercambio permanente de conocimientos y experiencias de los teatristas latinoamericanos, a través de actividades como talleres, seminarios, ponencias, mesas de conversación, entre otros. 

Integración: del arte teatral y sus profesionales con la sociedad y sus diversas áreas. Su modo de acción consiste en la vinculación con organizaciones sociales que ven en el teatro una herramienta capaz de aportar en el desarrollo integral de sus proyectos. 

La mejor forma de visibilizar la actividad de autores y directores emergentes de nuestra querida región. Las obras nacionales que se estrenaron en Brasil, Chile y México fueron: Espiritismo de Tobías Cortés; Canavero de Judit Anabela Gutiérrez y Ugó, breve tragedia futurista de Paula Santamaría.

Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2018

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Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2018

Timbre4 se prepara para recibir a la 6ta edición del TABA

7 países, 37 funciones, 11 espectáculos y 1700 entradas a la venta

Azucena Ester Joffe

El jueves 7 del presente mes se presentó en el bar de Timbre4 la programación detallada de la próxima edición de TABA 2018, a realizarse del 1 al 11 de Febrero. En una amena y distendida merienda la presentación estuvo a cargo del equipo de Timbre4 / TABA. Como ya es habitual contará también con el clásico Torneo de dramaturgia, entre otras actividades. Las entradas1 se pueden adquirir vía la web: www.timbre4.com

Claudio Tolcachir, con unas breves palabras, nos dio la bienvenida a todos los medios presentes y comentó sobre la búsqueda para hallar la mejor forma de festejar los 15 años del teatro: seguir apostando a realizar cosas distintas, generando nuevos proyectos y abriendo el espacio para todos aquellos que quieran participar. Nada más oportuno que comenzar el año con esta 6ta edición, con nuevos cruces en la participación de los diferentes países que originan, a su vez, los talleres.

El equipo recordó que Temporada Alta comenzó con obras catalanas y luego se fueron incorporando otras regiones a lo largo de las ediciones. El punto de contacto entre las propuestas escénicas es compartir el mismo espíritu que tiene Timbre4 en la forma de producir y difundir teatro a partir de la multiculturalidad. Las obras programadas viajarán por cuatro ciudades –Girona, Lima, Montevideo y Buenos Aires; será un recorrido atrayente para todos los elencos pues el itinerario se basa en las relaciones humanas establecidas en esos sitios. Un circuito que comenzó a partir del vínculo entre el Festival de Temporada Alta y Timbre4 y que, dentro de las mismas producciones, contiene dos líneas curatoriales: la del equipo catalán y la del argentino. Este último lleva a cabo la búsqueda de una sólida programación sólida latinoamericana, con el objetivo de armar una red de espacios con proyectos lúcidos desde una mirada contemporánea. El Torneo de dramaturgia transatlántico, como en años anteriores, es el cruce entre autores y actores, catalanes y argentinos, que deberán leer un texto de formato breve ante el público presente, con la particularidad que sólo tendrán dos horas para preparar el correspondiente round. Luego, mediante la votación popular, se determinará el campeón y subcampeón, promoviendo de esta forma el contacto entre dramaturgos de diversas culturas. Realizar este Festival en febrero no desalienta a sus organizadores sino que, por el contrario, para ellos es la mejor forma de ubicarse como equipo de hacedores teatrales en un lugar especial, dentro del mapa teatral porteño, para contar algo distinto como es TABA. Un intercambio artístico en pleno verano argentino que se viene realizando con muy buena recepción, aunque el año pasado disminulevemente debido a la coyuntura de nuestro país, pero la apuesta actual es ir por el 100%. Un acontecimiento escénico que se realiza de forma independiente y cuenta con el esfuerzo de todos los que intervienen. El equipo a cargo del Festival también comentó que en el 2018 se podrá participar de los tres workshops, además se suma un espacio de conversación e intercambio post-función y que ya cuentan con un afiche de difusión que unifica a las ciudades participantes.

Programación TABA 2018

Ramón no es nombre para un gato blanco (España / Badajoz) Una historia de contrasentidos grotescos

Interpretación y dramaturgia: José Antonio Lucia. Dirección: Pedro Luis López Bellot. Foto y video: Félix Méndez. Producción: Murática Teatro. Duración: 70’.

Cosas que se olvidan fácilmente (España / Cataluña) Un juego de cartas convertido en un montaje teatral para cinco espectadores

Creación, dirección e interpretación: Xavier Bobés. Vestuario: Antonio Rodríguez. Producción: Xavier Bobés y el Festival TNT- Terrassa Noves Tendències. Colaboración: L’Animal a l’Esquena. Duración: 90’.

PLUJA (España / Cataluña) Música, títeres, gesto y teatro visual. Un espectáculo íntimo y cercano

Intérpretes: Guillem Albà – Clara Peya. Creación: Marc Angelet, Andreu Martínez, Clara Peya – Guillem Albà. Dirección: Guillem Albà. Dirección musical: Clara Peya. Dramaturgia: Marc Angelet. Coreografía: Ariadna Peya. Duración: 40’.

Psicosis de las 4.48 (España / Cataluña) Anna Alarcón, Mejor actriz Premio BBVA de teatro 2016

Autora: Sarah Kane. Traducción: Anna Soler Horta. Actriz: Anna Alarcón. Dirección: Moisès Maicas. Producción: The Three Keatons. Duración: 80’.

Solo una actriz de teatro (Uruguay) Estela Medina, discípula de Margarita Xirgu

Texto: Gabriel Calderón. Dirección: Levón. Intérprete: Estela Medina. Escenografía y luces: Claudia Sánchez. Vestuario: Soledad Capurro. Banda Sonora: Fernando Condon. Dirección adjunta: Homero González Torterolo. Dirección técnica: Claudia Sánchez. Producción artística, dramaturgismo: Laura Pouso. Producción general: Laura Pouso. Duración: 70’.

Savia (Perú) Explotación, pueblos indígenas, tortura y capitalismo

Elenco: Leonardo Torres Vilar, Patricia Barreto, Cindy Díaz, Evelyn Allauca, Alejandra Bouroncle, Fiorella De Ferrari, Ricardo Velásquez, Luis Sandoval, Antonieta Pari. Dramaturgia: Luis Alberto León. Versión y dirección: Chela De Ferrari.

Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar (México) Versión a partir de Las Criadas de Genet

Intérpretes: Diana Magallón García – Mari Carmen Ruiz. Dirección: Damián Cervantes. Compañía: Vaca 35, Teatro en grupo. Duración: 50’.

Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar (México) Creación teatral desde Tres Hermanas de Chejov

Creación colectiva: Vaca 35 Teatro en Grupo. Dirección: Damián Cervantes. Producción ejecutiva: Sergio Ecatl. Producción: Vaca 35 Teatro en Grupo. Intérpretes: Mari Carmen Ruiz, Damián Cervantes, Gabriela Ambriz, Diana Magallón, José Rafael Flóres, Héctor Hugo de la Peña. Duración: 60’.

Pompeya (Chile) Marginación, migrantes y discriminación

Dirección e idea original: Rodrigo Soto. Dramaturgia: Gerardo Oettinger. Elenco: Guilherme Sepúlveda, Rodrigo Pérez, Gabriel Urzúa, Gastón Salgado. Diseño sonoro: Daniel Marabolí. Diseño integral: Gabriela Torrejón. Producción: Alessandra Massardo. Duración: 90’.

El Cruce (Argentina) Adaptación del cuento homónimo de Sebastián Borkoski y relatos de Horacio Quiroga

Actúan: Juan Kohner, Toño López, Andrés Main. Dirige: Gabriela Trevisani. Dramaturgista: Valeria Folini. Luthierías y objetos: Jani Toscano. Asistencia coreográfica: Juancho Capurro. Diseño de luces: Teatro del Bardo. Vestuario: Laly Mainardi. Fotografía: Felipe Toscano. Diseño gráfico: Eva Cabrera. Duración: 50’.

Reparar a los vivos / Réparer les vivants (Francia) Adaptación de la novela de: Malas de Kerangal

Adaptación, puesta en escena e interpretación: Emmanuel Noblet. Producción: Centro Dramático. Nacional de Normandie – Rouen. Duración: 90’.

A partir de este interesante encuentro teatral comienza la temporada de Timbre4 con una completa programación que incluye veintitrés obras durante el 2018. Estrenos y reposiciones, incluyendo algunas producciones propias, con una clara propuesta de generar nuevos públicos y de encontrar novedosas formas de difusión para llegar a todos los sectores. Porque “el teatro hace bien” y, en especial, en los difíciles momentos que estamos atravesando como sociedad.

Timbre4 es una casa y la casa es una escuela y la escuela es un teatro. Y cumplir 15 años es una Fiesta2

Marisol Cambre: prensa@marisolcambre.com.ar

Información y redes

Web: http://www.timbre4.com

Facebook: /teatrotimbre4

Instagram: teatrotimbre4

Twitter: @TeatroTimbre4

Hashtag: #disfruTABA

1Preventa: todas las obras a $200.- hasta el 31/12/2017 [según el material entregado de Prensa]

2Idem

 

2666 de Roberto Bolaño

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2666 de Roberto Bolaño

Adaptación de Julien Gosselin

Un oasis de horror en medio de un desierto de aburrimiento (Charles Baudelaire)1

fiba simon_gosselinAzucena Ester Joffe

La megapuesta en escena de 2666, bajo la dirección Julien Gosselin, fue el cierre perfecto para la 11va edición del FIBA. El Festival se desarrolló entre el 5 y el 21 de octubre, pudimos disfrutar de obras internacionales y nacionales junto a talleres, charlas con los creadores, ciclo de cine, presentaciones de work in progress, también de libros y otras actividades gratuitas de teatro, danza, música y artes visuales.

2666 es una obra que despertó mucha expectativa por su duración (once horas y media), y fue “apostar a la experiencia en sí misma”2. Es la impactante y perfecta adaptación de la novela homónima de Roberto Bolaño. El joven director francés viene cosechando aplausos desde su presentación en el Festival de Avignon 2016, junto a los intérpretes de la compañía Si Vous Pouviez Léchez Mon Cœur (Si pudieras lamer mi corazón). Por otro lado, es indiscutible el reconocimiento al escritor chileno, considerado por muchos como uno de los grandes autores hispanoamericanos del siglo XX. La decisión de Julien Gosselin fue respetar los cincos libros de la novela póstuma separados por cuatro intervalos. Realmente todo un desafío para cualquier espectador:

Parte de los críticos”: cuatro críticos de diferentes nacionalidades inician una relación de amistad por su objeto de estudio: la obra del escritor alemán Benno von Archimboldi. Esta pasión los lleva a Santa Teresa, México, donde hay indicios de que podría encontrar aún con vida al autor.

Parte de Amalfitano”: Oscar Amalfitano es un profesor de filosofía que llega a la Universidad de Santa Teresa con su hija, pero comienza a sufrir ciertos síntomas de trastornos mentales mientras su hija mantiene una relación amorosa con un ser despreciable de esa localidad.

La parte de Fate”: una periodista afroestadounidense es enviada, no de forma azarosa, para cubrir supuestamente una pelea de boxeo cuando en realidad debe realizar una entrevista en la cárcel de máxima seguridad. El temor que la joven siente la lleva a relacionarse con un periodista deportivo mexicano.

Parte de los Crímenes”: son los datos duros de los asesinatos según la investigación de un policía, presentados de forma cronológica. Anotaciones precisas de cada víctima: el nombre y la edad cuando se pudo reconocer el cuerpo, los resultados de la autopsia, el lugar y cómo fue hallada esa mujer, casos en los que nadie reclamo el cuerpo,…

Parte de Archimboldi”: retomando la búsqueda inicial del escritor alemán, quien en realidad se llamaba Hans Reiter, recorremos parte de su carrera militar en el Frente Oriental durante la Segunda Guerra Mundial.

No es la intención de esta nota abarcar esta descomunal obra, sólo intentaremos resaltar algunos de los principales recursos o elementos escénicos que captaron nuestra atenta mirada a lo largo de su desarrollo.2666

El inicio, mediante la utilización de la voz over, nos ubica en la ciudad Santa Teresa (en alusión a Ciudad Juárez), y no por casualidad en el limite con los Estados Unidos, donde los brutales femicidios no cesan. Es la puesta en escena de la extrema violencia constitutiva de una sociedad sumida en la droga y el alcohol. Si bien todos conocemos el núcleo duro de la historia, una realidad atroz que parece estar naturalizada por los gobiernos a ambos lados de la frontera, es imposible no sentir cierta opresión ante la intensidad visual y auditiva del relato. En la primer Parte, en el espacio amplio escénico observamos solo a cuatro académicos entre los elegantes sillones Le Corbusier, pero luego los momentos muy bien logrados de suspenso desembocan necesariamente en el horror y en la interpelación al espectador en tanto sujeto social que somos. Y de este modo hacernos recuperar nuestra memoria social. Manteniendo la estructura y el hilo narrativo de la novela, la escritura escénica genera una impresionante experiencia cinematograficamente teatral con una clara decisión estética la excelente iluminación con elementos expresionista, claro oscuro / luces y sombras remarcando los excesos; encuadres minuciosamente estudiados, grandes pantallas, primeros planos y movimientos de cámara en mano hiperlentos; la duplicación de algunas escenas en el espacio escénico con las proyecciones de forma simultánea; la impactante música electrónica en vivo que va in crescendo, con una intensa función dramática que genera cierta atmósfera amenazante; el impecable vestuario y accesorios a lo largo de la obra; …

El dispositivo escénico grandilocuente” se desplaza constantemente y puede cambiar, transformar el espacio lúdico de tal forma que parece deglutirnos -Santa Teresa, Londres, Barcelona,… Espacios privados y públicos, una prisión o un hotel, no importa porque más allá del artificio -como los considerables receptáculos transparente que por momentos ocultan parcialmente su contenido los distintos espacios se multiplican en medio de un clima asfixiante, de presencias y ausencias.

Un sólido elenco que representa a varios personajes, le otorga a cada uno la intensidad particular que requiere la situación dramática. Con cada intervención o desplazamiento, con la gestualidad o las inflexiones de la voz, construyen una corporalidad violenta que habita el espacio. Todos los sistemas significantes encastran perfectamente en un hecho escénico sin fisura y que logra atrapar al espectador a lo largo de casi 12 horas. Un acontecimiento teatral de larga duración donde las potentes imágenes visuales y auditivas tienen una dinámica de fuerza centrípeta poco habitual. Esta energía escénica deja instalada la pregunta desde su inicio: ¿qué es real y qué es ficción? La violencia, institucional y doméstica, junto al miedo que devora las entrañas de las jóvenes obreras/maquilladoras, por un lado, y la impunidad de un machismo incomprensible y exacerbado, por el otro, constituyen las dos caras de la misma sociedad en nuestro actual siglo XXI. Quizá el título cuenta del doble horror por todos conocido: primero el 2 -Auschwitz y Ciudad Juárez- y sus tres últimos dígitos, 666, el número que relacionamos con el diablo, con la bestia. Podríamos pensar que 2666 es una experiencia visceralmente violenta, que no le permite al público aburrirse y, a su vez, le hace sentir a flor de piel la fragilidad que produce la desmesura de la violencia contemporánea.fiba simon_gosselin_0

Ficha técnica: 2666 de Roberto Bolaño. Compañía: Si Vous Pouviez Lécher Mon Coeur. Adaptación y dirección: Julien Gosselin. Elenco: Rémi Alexandre, Guillaume Bachelé, Adama Diop, Joseph Drouet, Denis Eyriey, Antoine Ferron, Noémie Gantier, Carine Goron, Alexandre Lecroc-Lecerf, Frédéric Leidgens, Caroline Mounier, Victoria Quesnel y Tiphaine Raffier. Creación y dirección musical: Rémi Alexandre y Guillaume Bachelé. [Diseño de escenografía: Hubert Colas] Diseño de iluminación: Niko Joubert. Diseño de sonido: Julien Feryn. Diseño de video: Jérémie Bernaert y Pierre Martin. Diseño de vestuario: Caroline Tavernier. Teatro San Martín: sala Martín Coronado. FIBA: 20 y 21 de octubre de 2017.

1Epígrafe al comienzo de la novela.

2El director del FIBA, Francisco Irazábal declaró a la Nación que “no quería sólo obras en salas y sí apostar a la experiencia en sí misma”. http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com.ar/2017/10/fiba-2017-modo-de-analisis.html [30/10/2017]

La esclava de Ayelén Parolín y Lisi Estaràs (Bélgica)

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11 FIBA del 5 a 21 de octubre de 2017 [III]

Festival internacional de Buenos Aires

FIBA2017Azucena Ester Joffe

Hasta el 21 de Octubre, inclusive, se podrá disfrutar de la 11va edición del FIBA, con una interesante programación que incluye obras nacionales e internacionales junto a talleres, charlas con los creadores, ciclo de cine, presentaciones de work in progress, también de libros y otras actividades gratuitas de teatro, danza, música y artes visuales.

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LaEsclava2La esclava de Ayelén Parolín y Lisi Estaràs (Bélgica)

La danza Es, Sucede, es Acción Pura. Queda como un sueño sin haber sido soñada. (Oscar Araiz)

Las coreógrafas argentinas radicadas en Bélgica, Ayelén Parolín / Lisi Estaràs, construyen una breve e interesante obra de danza contemporánea que no clausura posibles sentidos sino que, por el contrario, los multiplican. Una corporalidad, un cavenas de material sensible, creado a partir de fragmentos de vivencias artísticas y personales de ambas artistas. Ya desde su título, como aglutinador sémico, se deja instalada la pregunta ¿esclava de qué o de quién?: “Esclava de ella misma y de su propia historia”.

A un costado del amplio y despojado espacio escénico, casi inmóvil, observamos a la intérprete (Lisi Estaràs) con un vestuario atemporal. Y como si fuera una prolongación de su cuerpo, un gran elemento/accesorio cumpliendo un importante rol dramático, que parece protegerla naturalmente pero, a su vez, dificulta sus desplazamientos. Podría ser, por ejemplo, una especie de gran ala o también un gran caparazón, eso no importa mucho pues sólo tenemos que dejarnos llevar por la sonoridad de la danza, por el discurso corporal. No es necesario racionalizar esta narrativa en movimiento, pues tiene un ritmo que le es propio y focaliza nuestra atenta mirada. Con acotados movimientos puros comienza un relato lineal, en el aquí y ahora, que es dicho por la energía intrínseca de la bailarina que habita el espacio lúdico, en tanto un sonido marca un tiempo otro como si fueran los latidos del corazón.

Al comienzo, los movimientos son cortos y precisos, con determinado tono muscular pero es la expresividad del rostro y, en especial, la mirada la que nos conecta con las emociones. Luego, los movimientos se vuelven más cotidianos y naturales, con otra energía. Entre ambos, encontramos un claro momento de quiebre en la situación dramática cuando se despoja de esa pieza algo extraña, entre el pasado y el futuro, lo onírico y lo real, la certeza y la duda. ¿Se puede abandonar por completo las estructuras ya conocidas? Al respecto, nos comentó Lisi:

Físicamente hay una evolución de la dificultad del inicio y también de la estructura coreográfica, porque está basada en una “frase”sobre la cual está hecha la obra. Son todas las posibilidades de esa única “frase” a lo largo del relato.

Este grupo de mínimos movimientos se realiza en un determinado instante, fugaz e inaprensible, que quedará suspendido en nuestra memoria. Una historia mínima que se universaliza a través de la danza con la perfecta dupla Parolín / Estaràs, quienes se expresan a través de las cualidades específicas del movimiento, con breves irrupciones de discurso verbal y con la complicidad del público. La esclava es algo más que una danza personal, es una metáfora de nuestra propia inestabilidad y de la constante búsqueda de nuestra identidad.

Con una única función dentro del marco del FIBA, quizá por su apretada agenda, el Festival de teatro Mercosur (Córdoba, 07/10); el Festival El Cruce (Rosario, 13/10); el Cine York (Buenos Aires, Olivos, 14/10); el Festival Internacional Danzalborde (Chile, Valparaiso, 15/10), esperamos que pronto estén nuevamente en la cartelera porteña.

LaEsclava1

Ficha técnica: La esclava de Ayelén Parolín y Lisi Estaràs. Compañía: Ruda. Dirección: Ayelén Parolín y Lisi Estaràs. Interprete: Lisi Estaràs. Dramaturgia: Sara Vanderieck y Olivier Hespel. Dirección musical: Bartold Uyttersprot. Diseño de Iluminación: Carlo Bourguignon. Diseño de Sonido: Matthieu Vergez. Diseño de Escenografía: Nicolas Vladyslav. Diseño de Vestuario: Dorine Demuynck. Producción: Karin Vermeire y Agustina Fitzsimons. C C 25 de Mayo. FIBA 2017: 09/10/2017. Duración: 40’.

Bibliografía

Araiz, Ocar, 2017. “Del hacer una danza” en Creación coreográfica. Buenos Aires: Libros del Rojas: 7-21.

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Después de la función tuvimos la oportunidad de participar de la sesión de Q&A, un momento de intercambio con ambas artistas; la misma fue moderada por el actor y director Gustavo Bendersky.

G B- ¿Cómo fue el proceso de construcción del espectáculo? ¿Cómo se reactualiza el material en el FIBA y en Bs. As.?

A P- Cuando llegué a Bélgica no encontraba trabajo y alguien me sugirió que hiciera un “solo”. En aquel momento tuve grandes problemas de códigos. No entendía nada y sentía que no encajaba en ninguna parte. Entonces pensé: ¿quién soy? y realicé un “solo” muy personal a partir de la fecha de mi nacimiento, 25.06.76. Después, al estar embarazada sentí que no podía seguir realizándolo y empecé a buscar a quién me pudiese reemplazar e interpretar algo tan autobiográfico. Entonces, se lo propuse a Lisi con cierto temor porque ella ya tenía una trayectoria y yo estaba comenzando mi carrera. Luego descubrí que había algo que era mío pero, a la vez, con movimientos de Lisi.

La idea para La esclava fue trabajar con toda la antigüedad que tenemos. Toda esa fuerza y, al mismo tiempo, toda esa fragilidad que nos pertenece. Por otro lado, traer la obra aquí fue poner en evidencia que ese límite se vuelve menos firme.

L E- Es la primera vez que realizo la obra en español y eso tiene otra significación. Porque a pesar de ser mi idioma se volvió bastante difícil, más que en inglés o francés. Pues no tengo la distancia del idioma y los valores son distintos; por ejemplo, el mate es algo más cercano y tenemos la necesidad de compartirlo con ese otro.

G B- Después de que se quita el elemento o accesorio e intenta construir su identidad… ¿Cómo se conciben esos dos momentos?¿Entre la comicidad y lo trágico de la vida?

A P- El espectáculo está construido en base a una ambigüedad y una contradicción constantes. Entonces, este elemento es algo que puede proteger a la protagonista pero, a la vez, no la deja acercarse a las cosas. Podría ser una liberación cuando se lo saca, sin embargo, finalmente, parece no ser la libertad que buscaba. Es como algo que siempre es lo mismo: aunque pase por diferentes etapas no llega a solucionarlo nunca.

L E- Físicamente hay una evolución de la dificultad del inicio y también de la estructura coreográfica, porque está basada en una “frase” sobre la cual está hecha la obra. Son todas las posibilidades de esa única “frase” a lo largo del relato.

G B- El espectáculo tiene rastros de distintas técnicas de la danza y un aporte interpretativo muy fuerte, con visos clownesco…

L E- Tiene vivencias profesionales; hay muchas partes de la obra que tienen que ver con otras. En general, trabajamos mucho con lo personal y cómo se va desarrollando este material a lo largo de los años. También con la lectura de determinados escritores.

A P- Lo que resignifica el producto final. Tiene una cuestión fuertemente interpretativa porque esta criatura va incursionando por distintas formas de moverse y pareciera no estar a gusto en ninguna.

 

In Spite of Wishing and Wanting de Wim Vandekeybus (Bélgica)

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11 FIBA del 5 a 21 de octubre de 2017 [II]

Festival internacional de Buenos Aires

FIBA2017Azucena Ester Joffe

El 5 de Octubre comenzó la 11va edición del FIBA para concluir el sábado 21. Durante los diecisiete días se realizará una interesante programación nacional e internacional, junto a talleres, charlas con los creadores, ciclo de cine, presentaciones de work in progress, y de libros y otras actividades gratuitas de teatro, danza, música y artes visuales.

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In Spite of Wishing and Wanting de Wim Vandekeybus (Bélgica)

A pesar del deseo y el anhelo

La interesante propuesta del coreógrafo y bailarín belga Wim Vandekeybus, junto a su grupo Última Vez, desafía el paso del tiempo. La obra se estrenó allá por 1999 y hoy sigue atrayéndonos la dinámica e “intuitiva” puesta en abismo de los sueños, con la exquisita banda sonora compuesta especialmente por David Byrne. Un material inagotable que mantiene cierto sentimiento colectivo: el miedo ante lo distinto, un síntoma de época que no conoce de fronteras idiomáticas. Un tema difícil e inacabado como lo es construir una narrativa coreográfica a partir de algo tan difuso e inmaterial como son los sueños y que nos atraviesa a todos. Estos sueños se suceden sin un orden cronológico, a veces incoherentes y otras parecen ser premonitorios. Soñar es ingresar a un enorme laberinto cuyos límites van desapareciendo a medida que avanzamos sin saber qué encontraremos en el siguiente paso.

Con un nuevo y sólido elenco masculino, cada escena entra en tensión con la siguiente. La solvencia estilística de cada intérprete nos sumerge en el clima onírico de aquellos sueños más agradables pero también en la angustia de las pesadillas donde el miedo es paralizante y las palabras no tienen sonido. Cuerpos disciplinados que se transforman en agresivos y esbeltos caballos o en aves que buscan migrar hacia un sitio mejor, mientras alguien o algo los controla, observa y castiga. Caer en picada en la oscuridad o ir pendiendo los dientes sin ninguna explicación, buscar a esa alma gemela que posee la otra mitad de la naranja,… Son las imágenes, los sonidos casi indescriptibles y los murmullos sueltos que no tienen anclaje en el mundo consciente de cualquier mortal.

02_UV_InSpiteDesde el amplio espacio escénico, ya al ingresar a la sala, escuchamos una sonoridad algo metálica como si se intentara ubicarnos en otra dimensión. Las secuencias coreográficas se intercalan con otras más teatrales y/o con la proyección de vídeos. Si bien en la danza el movimiento es el lenguaje, la original idea de pensar que podríamos soñar en diferentes idiomas quizá no sería un argumento válido para evitar la utilización de la pantalla de traducción simultánea en los momentos de mayor discurso verbal. No todos los presentes pueden entender cuatro idiomas, con lo cual se pierde, lamentablemente, su intensidad dramática. Ésto sumado a que, tal vez a 17 años de su estreno, nuestra percepción está más saturada por los continuos estímulos visuales, las escenas prolongadas podrían provocar la pérdida de atención en el espectador común. Más allá de este breve comentario, el adecuado vestuario para cada sueño o pesadilla cierra esa intimidad inconsciente, agobiante y surrealista a la vez, instancia que está atravesada por el inevitable espacio público y el anonimato de la sociedad globalizada. Un tiempo que se contrae y se pierde de forma desorganizada en el Ello, entre las pulsiones y los deseos, cuando soñamos. Y, ese otro tiempo de la construcción mental que se dilata cuando intentamos reconstruir eso que aún hoy sigue siendo inaprensible. Los bailarines / actores con precisión subrayan la angustia y el temor de las pesadillas. Las coreografías corales o los solos tienen intensidad y perfección que de manera orgánica construyen en escena las fuertes imágenes visuales que nos interpelan más allá de nuestra cómoda butaca. Por momentos, rompiendo con la cuarta pared o perdiéndose en la penumbra de los pasillos. En otros, podemos recuperar cierta calma cuando en la gran pantalla, con subtítulos, se proyectan dos breves fragmentos del cortometraje The Last Words de Vandekeybus -basado en un cuento de Julio Cortazar y en otro de Paul Bowles, donde el “vendedor de gritos” accede a las solicitudes más bizarras1. La vital iluminación construye el clima entre la tensión y la pasión, entre el cuerpo y la mente, en ocasiones es directa y se percibe su volumen al atravesar el espacio lúdico desde los altos bárrales y, en otras, es más íntima y se corresponde al particular movimiento de cada intérprete que, como luciérnagas en una cálida noche, se mueven sin cesar a pesar del deseo y el anhelo.

La sesión de Q&A con los artistas, al terminar la función del viernes 06/10, fue moderada por la periodista Laura Ferré.

foto-Danny-Willems-2Ficha técnica: In Spite of Wishing and Wanting de Wim Vandekeybus. Compañía: Última Vez. Dirección: Wim Vandekeybus. Elenco: Rob Hayden, Eddie Oroyan, Yassin Mrabtifi, Guilhem Chatir, Grégoire Malandain, Luke Jessop, Luke Murphy, Flavio D’Andrea, Knut Vikström Precht, Cheng-An Wu, Baldo Ruiz, Wim Vandekeybus y Giovanni Scarcella. Música: David Byrne. Diseño de Iluminación: Francis Gahide y Davy Deschepper. Diseño de Sonido: Bram Moriau. Diseño de Vestuario: Isabelle Lhoas. Producción: Última Vez. Coproducción: KVS Brussels. Teatro Coliseo. FIBA 2017: 06 y 07 de octubre. Duración: 110’.