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Voley, la final de Nicolás Manasseri y María Fernanda Provenzano

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Voley, la final de Nicolás Manasseri y María Fernanda Provenzano

Como en la Liga Nacional, dejan todo en la cancha

Voley.A-Azucena JoffeAzucena Ester Joffe

Una propuesta diferente que desde su inicio comienza a “todo o nada”. Los dos equipos están dispuestos a “traspirar la camiseta” para ganar cada set. Una obra que se presenta como “teatro físico musical” y cuyo principio constructivo es el deporte y, en especial, el juego en equipo. ¿Cuánto más puede dar cada jugador/ra? ¿Cómo hacer para suspender, durante la competencia, los estados de ánimos y sentimientos personales?

Al ingresar a la sala nos ubicamos en gradas enfrentadas y algunos espectadores quedan en los laterales, a modo de árbitros de línea. La cancha está lista para el primer silbato. El elenco de manera perfecta construye a los integrantes de cada equipo, con un “muy buen dominio de la pelota”, dando cuenta de la preparación física que requiere la situación dramática. Ellos/as se enfrentan en el área de juego, separados por la red, y, como en el voley, van rotando sus posiciones según lo requiere el juego teatral-deportivo. No podemos dejar de destacar el desempeño actoral de Martina Zapico (DT femenino). Una red que es desplazada por los distintos participantes modificando así nuestro punto de vista. Los cuatro micrófonos de pie están ubicados en cada esquina como contrapunto, en tanto en el medio de la zona, el micrófono de mano se pasa para “jugar en equipo”. El estilo de las canciones refuerza los momentos donde el musical habita el espacio lúdico y la música original, como en un recital de rock, va marcando el ritmo eufórico desde la primera jugada. Las coreografías se encastran en un sistema narrativo complejo, dinámico pero no caótico: ataque y defensa para utilizar la estrategia necesaria y bloquear al contrincante. La acertada iluminación, por momentos estridente y en otros ocultando difíciles situaciones personales, termina por construir el clima deportivo. Éxito sí, fracaso nunca, sin olvidar que además representan a una importante institución.

Voley, la final construye un discurso verbal y corporal desde distintas aristas sobre una temática que nos interpela como sujetos sociales que somos. Con la exigencia deportiva y la precisión del musical podríamos decir que otra vez, en su segunda temporada, ganaron por goleada. Voley_A-Azucena Joffe

Ficha técnica: Voley, la final. Idea original: Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano. Libro: Nicolas Manasseri. Música original: Alejandro Roig. Coreografía: Fernanda Provenzano. Equipo femenino: Maria Luz Gomez Oliva. Josefa Vergara, Ana Julia Franco, Amparo Aznarez, Florencia González. DT femenino: Martina Zapico. Equipo masculino: Nicolás Manasseri, Matías Asenjo, Federico Rodríguez, David Okada Caldas, Joaquín Batista Yaber. DT masculino: Mario Angelomé. Diseño de Arte y Escenografía: Mil Ideas de Arte. Diseño de Luces y Sonido: Santiago Muñoz. Diseño gráfico: Florencia Cheuquepan – Funboy Productions. Diseño de Vestuario y realización: La Costurera Teatro. Dirección de actores: Nicolás Manasseri. Dirección de movimiento: Fernanda Provenzano. Dirección musical: Alejandro Roig. Asistente de producción y de dirección: Ramiro Manrique. Asistente general: Bruno Olivieri. Web: Mil Ideas de Arte. PH/ edición y video: Natalia Pinilla/ Nahuel Lozano – Funboy Productions. Puesta en escena: Nicolás Manasseri/ María Fernanda Provenzano. Dirección general: Nicolás Manasseri. En el Cultural Freire. 2da Temporada. Duración: 60’.

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Solamente una vez

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Solamente una vez

¿Podemos apostar a un amor para siempre?

Copia de Solamente una Vez 02-Abril-2018 (36) copiaSusana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

En un hermosamente remodelado Teatro Regina se acaba de presentar Solamente una vez, una muy buena pieza de Patricia Suárez, con la actuación de Mónica Buscaglia y Guido D´Albo.

Las situaciones algo absurdas, el humor y los enredos, integran el armado de una comedia inteligente que propone reflexionar acerca de cómo en las relaciones humanas, la interpretación subjetiva que hacemos de la realidad puede presentar matices tan contrapuestos. La reconstrucción de un hecho concreto en la vida de pareja, que realizan los protagonistas durante la obra, se expresa desde distintas perspectivas, motivando a los espectadores para abrirse a interrogantes sobre la forma tan peculiar en que percibimos la vida y guardamos los recuerdos. Desde el humor y románticas composiciones musicales, la pieza propone a los protagonistas sondear en su memoria. Una memoria que considera que no traiciona la realidad sino que la recuerda“interpretada”, tal como lo afirma Nietzsche en “La voluntad de poder”: “No existen hechos, sólo interpretaciones”.

Rosa y Alfredo, los dos en algún momento logran transmitir su verdad. Se puede ver cómo han sido delineados desde lo autoral para lograr a nivel escénico la justa dirección de cada uno: Rosa es una mujer segura de sí misma pero a quien su corazón romántico, en algún momento le jugó una mala pasada: la llevó a confiar, a creer en lo que le decía ese hombre al que nunca dejó de amar. Alfredo, es el típico seductor que ama la idea de familia y a su hija, pero que con cierto razonamiento adolescente cree que siempre puede ser perdonado, con la sola justificación de que el amor verdadero es el que siente por la que fue su mujer.

La historia se plantea en dos niveles, un nivel de realidad: el espacio de la sala de espera de una maternidad, en la que una pareja separada desde hace muchos años, se reencuentran porque la hija de ambos espera su primer hijo o hija y un segundo nivel: la reconstrucción de un episodio de siete años atrás donde en el encuentro casual de una fiesta, creyeron en la posibilidad de armar nuevamente la pareja. Hasta ese momento la pieza tiene un ritmo un tanto lento y quizás excesivamente trivial pero, es a partir de esta escena del engaño revelado, del dolor de Rosa y la tristeza de Alfredo, que de alguna manera se da cuenta de cómo destruyó la posibilidad de recuperar al gran amor de su vida, en que la acción se dinamiza con un ritmo plenamente sostenido hasta el final.

Cabe preguntarse cuáles son las claves del amor, cómo en cada uno la fidelidad tiene distintas dimensiones. Para Rosa significa “lo absoluto”, en Alfredo en cambio tiene atenuantes justificados porque a pesar “de todo” nunca dejó de quererla.Copia de Solamente una Vez 02-Abril-2018 (45) copia

La puesta está dotada de procedimientos escénicos singulares: la coreografía de Mecha Fernández muy bien sincronizada acentúa los encuentros personales que se producen entre los protagonistas en la medida en que van rearmando el entramado de la historia que los une. Los diálogos comienzan con sigilo para concretar luego los cuestionamientos en los que prevalece la mirada de Rosa ante la actitud de Alfredo, siempre a la defensiva. O la comicidad de los movimientos, por ejemplo, cuando Alfredo despliega la alfombrita y comienza a hacer ejercicios de yoga pretendiendo que Rosa colabore con él como si compartieran la vida. Los diálogos tienen los juegos verbales y los tics, propios de la comedia, que junto con la ironía desplegada por Rosa, provocan la risa espontánea del público. Los actores hacen muy buena utilización del espacio escénico. Presentan una rica gestualidad y manejo del cuerpo: en aquellos momentos en que se profundiza la incomodidad que provoca una situación, muestran una rigidez sumamente cómica. De la misma manera, en los momentos románticos hacen gala de una ductilidad peculiar. No podemos dejar de mencionar los recursos metateatrales: el protagonista es músico, constantemente habla de su grupo y ambos piensan para su nieto o nieta, nombres que remiten a autores o intérpretes de música.

Por supuesto, merece destacarse la elección de las canciones, la voz de los intérpretes (realizan excelentes dúos) y el piano de Sergio Perotti. Sumamente conmovedora la interpretación de María Bonita, emblemática composición de Agustín Lara.

En un momento donde parece reinar lo efímero, esta puesta se presenta como algo esperanzador: el amor es posible y en algunos casos… puede ser para siempre.

Solamente una vez de Patricia Suárez. Teatro Regina. Avenida Santa Fe 1235. T.E. 4812-5470. Lunes a las 20:30. Elenco: Mónica Buscaglia y Guido D´Albo. Dirección musical: Sergio Perotti. Diseño de escenografía y vestuario: Ana Díaz Taibo. Diseño de luces: Paula Fraga. Coreografía: Mecha Fernández. Asistente de dirección: Florencia Camodeca. Fotografía: Giani Mestichelli. Diseño gráfico: Darío Jaenisch. Comunicación: Marcelo Boccia, Carlos Mazalán y Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones. Asistencia de producción: Sofía Puchulu. Producción ejecutiva: Miguel Ángel Ludueña. Producción general: Nicolás Hemsy. Dirección: Claudio Aprile.

Bodas de sangre, radio teatro folclórico de Fernando Rodil

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Bodas de sangre, radio teatro folclórico de Fernando Rodil

boda de sangreEl radioteatro es un privilegiado entre los géneros dramáticos: no tiene límites en el espacio ni en el tiempo, y sus temas son infinitos.” (Beatriz Seibel)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El radioteatro y el misterio de las voces que en la melodía del ensueño son capaces de hacernos sentir toda la gama de sentimientos posibles que guarda un texto cargado de amor y pasión como Bodas de sangre de Federico García Lorca, se despliega en el escenario de La Carpintería. Un género olvidado, pero que formaba parte de un imaginario en la ciudad y en las provincias, haciendo de las tardes y las noches un mundo diferente que atravesaba los tiempos y las geografías del relato. Rodil toma un texto emblemático del bardo español y lo coloca en abismo con la realidad del pueblo, Pergamino, el retorno de su hijo pródigo, el actor Alfonso Mateos, y una historia de amor que se repite con un desenlace menos tremendo que el de los campos de Andalucía pero con la misma cuota de tensión en ese cuadro de amores contrariados. La fragmentación de los cuadros es posible por lo conocido de la pieza, y porque la nueva dramaturgia guarda el nudo gordiano de la tragedia que pasa a drama pueblerino, con la excelente música ejecutada por el grupo Los Tabaleros. La ruptura de la cuarta pared desde que entramos en la sala, como espectadores de una doble función, es decir como platea de un momento radial, y como público de una puesta que nos presenta la misma donde también participamos, le da al conjunto una fluidez que distiende y nos lleva al verosímil de lo presentado. Las publicidades de los…, los entredichos entre los personajes, la forma declamatoria de la actuación, que se va tiñendo de realismo a medida que se confunde el presente de la enunciación con el relato dramático, va construyendo un todo armónico en que todo tenga su función específica y su efecto en el espectador. El humor sencillo, el buscado y el producido por los personajes para amenizar, es un elemento que con las elipsis de la iluminación nos trasladan del texto al relato que lo incluye sin fisuras. Como afirma Juan Carlos Dido:

El radioteatro surge del cruce de dos preferencias de la cultura popular: la radio y el melodrama. Se reconoce a nuestro país como pionero del género. Este liderazgo obedeció a la temprana aplicación de la técnica radiofónica y sus efectos. En la Argentina se realizó la primera emisión con carácter de programa de radio en 1920, y también fue el primer país en incorporar avisos comerciales. A ello se suma una sólida tradición de teatro popular (Dido, 2014, 23)000152352

Buscar en nuestros géneros populares una manera de mostrarnos a nosotros mismos es una manera interesante de tratar problemáticas ajenas en los escenarios de hoy, y que necesitan ser tratadas desde el teatro para construir una cultura que nos pertenezca en el rumbo que asume nuestra identificación. La composición poblacional de la Argentina, varía y se expande con otros componentes inmigratorios que no están presentes con asiduidad en nuestra escena. Los géneros que nos representan con mayor identidad son una buena forma de comenzar a plantearnos preguntas propias.

En la obra que nos ocupa confluyen de forma acertada diferentes matices, que se van engarzado con un ritmo sostenido desde el comienzo. Mientras el sólido trabajo actoral le da un espesor especial a esta mixtura artesanal. Entre el humor y la parodia, una ficción dentro de otra, estos personajes caricaturescos nos sumergen en un relato con cierto color local y algo de homenaje. Y esperamos que pronto realicen nuevas funciones.000152351

Ficha técnica: Bodas de sangre, radio teatro folclórico de Fernando Rodil. Actores: Ariel Mele, Romina Sak, Silvia Daurat, Nela Forrunato, Sara Córdoba, Fernando Rodil. Músicos: Eduardo Baeza, Gonzalo Gamallo, Manuel Lugea, Martina Trost, Darío Margulis, Felicitas Colina Cornejo. Música original: Los Tabaleros. Diseño lumínico: Lucía Feijoo, Mauro Gianera. Vestuario: La Polilla. Prensa: Correydile. Producción: Sara Córdoba, Fabio Petrucci. Asistencia de dirección: Milagros Acosta. Dirección: Jimena Del Pozo Peñalva. Teatro La Carpintería. Duración: 80’. Reestreno: 24 y 26 de febrero de 2018.

Bibliografía:

Dido, Juan Carlos, 2014. Radioteatro y cultura popular. El radioteatro argentino en la época de oro (1930 – 1950) Buenos Aires: Editorial Maipue.

The Tiger Lillies Perform Hamlet (Dinamarca / Reino Unido)

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11 FIBA del 5 a 21 de octubre de 2017 [I]

Festival internacional de Buenos Aires

FIBA2017Azucena Ester Joffe

El 5 del presente mes comenzó la 11va edición del FIBA y durante diecisiete días se realizará una interesante programación nacional e internacional, junto a talleres, charlas con los creadores, ciclo de cine, presentaciones de work in progress, y de libros y otras actividades gratuitas de teatro, danza, música y artes visuales.

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The Tiger Lillies Perform Hamlet (Dinamarca / Reino Unido)

¡Ser o no ser: he aquí el problema!

Sweet suicide release me
From all of this pain
Another night of torment
Never sunshine always rain
And it never helps the kindness
That people try to show
Just makes it feel more tragic
Release me let me go
I am drowning in the greyness…
1

Una propuesta diferente, multidisciplinaria, que rescata el personaje de Ofelia y deja en primer plano las relaciones afectivas, en particular, de la familia disfuncional de la realeza. En The Tiger Lillies Perform Hamlet se ensamblan de forma perfecta dos expresiones artísticas en la realización de la adaptación de uno de los clásicos más representados, por su vigencia y autonomía que le son propias. Los responsables son, por un lado, el Theatre Republique de Copenhague y, por otro, la banda británica de culto The Tiger Lillies. Es una puesta en escena que se hace cargo del pasado y sus fantasmas pero, a la vez, de un futuro sombrío y de la construcción de otros fantasmas en un presente que se constituye como tal a partir de la mixtura de procedimientos. Si bien el texto primero contiene varios de sus núcleos en tensión –el asesinato del rey, la locura fingida, la muerte del consejero, el viaje a Inglaterra y el posterior regreso para su venganza- el texto segundo focaliza nuestra mirada en el bufón/clown y narrador (Martyn Jacques), quien rompe la cuarta pared y con su pregnancia escénica nos devuelve el actual mundo globalizado al que pertenecemos -donde “todo es pecado”, “esclavos”, “asesinatos”, “muerto el rey viva el rey”…

hamlet 1El punto de contacto en esta performance es un espacio lúdico siempre en movimiento, en construcción de posibles sentidos. La escenografía cumple un importante rol dramático desde su inicio con la mesa del banquete en falsa perspectiva, subrayando la sensación de irrealidad y los sentimientos confusos de la familia real. A modo de un tablado, la enorme pared permite la entrada y salida de los personajes por puertas y ventanas; en algunos momentos, el dispositivo lentamente se desplaza hacia el piso como deglutiendo a algunos de estos seres. La apropiada iluminación va clausurando las distintas situaciones dramáticas con la opulencia, muy bien dosificada, de los colores intensos y brillantes -rojo, azul,.. En tanto, el uso de las proyecciones -agua, fuego,…- genera otros espacios suspendidos, evidente en la noche que el espectro del rey asesinado se construye a partir de la relación virtual-representación, primero abarcando a los personajes que se agrupan hasta que finalmente la imagen queda estática sólo en el rostro de Hamlet (Caspar Phillipson). El acertado vestuario y el maquillaje resaltan la individualidad y la atemporalidad de cada criatura -por ejemplo, para Gertrudis un vestido corto con aire flamenco y larga cola de volados, en tanto para Hamlet un atuendo que responde a un carismático joven de nuestra sociedad. Además, el uso de los arneses -en el encuentro de los amantes- o los largos hilos que sostienen a las marionetas humanas -son los cómicos que representarán el drama del protagonista- nos permiten pensar en la creativa fusión de lo espectral con lo brechtiano, lo circense con el cabaret, el humor irónico con lo romántico, lo lírico del amor con la oscuridad de la traición y la venganza. El sólido elenco con un amplio registro de lo cómico y lo dramático sumado a los excelentes músicos en vivo -piano, acordeón, kit de percusión, contrabajo baby bass,…- que ejecutan 21 canciones con melodías oníricamente sombrías, le otorgan textura y plasticidad poco habituales a las potentes imágenes visuales y auditivas. Imágenes que, a modo de conjuro, en el sentido de un encantamiento, evocan, a partir de la corporalidad que habita el espacio escénico, la textualidad dramática del clásico otorgándole una dimensión más poética. Dos tiempos distintos en un sólo espacio en cuyos dobleces nos sumergimos para disfrutar un hecho teatral musical complejo y sin fisuras.

The Tiger Lillies Perform Hamlet fue estrenada en el 2011 y desde entonces ha recorrido varios países; el próximo será Chile en la 4ta extensión del FIBA. La sesión de Q&A con los artistas, al terminar la función del viernes 06/10, fue moderada por el dramaturgo y director Luis Cano.

hamlet 2Ficha técnica: The Tiger Lillies Perform Hamlet. Autoría: William Shakespeare / Compañía: Republique. Dirección: Martin Tulinius. Elenco: Caspar Phillipson, Andreane Leclerc, Charlotte Ulrika Engelkes, Zlatko Buric, Pelle Nordhøj Kann, Martyn Jaques, Adrian Stout y Jonas Geoffrey. Música: The Tiger Lillies. Dirección musical: Martyn Jaques. Diseño de Iluminación: Adalsteinn Stefansson. Diseño de Sonido: Mikkel Secher Kroner. Diseño de Vestuario: Astrid Lynge Ottosen. Producción: Republique. Coproducción: The Tiger Lillies. Teatro San Martín: sala Martín Coronado. FIBA 2017: 05/ 06 y 07 de octubre . Duración: 145′.

1 Dulce suicidio libérame / De todo este dolor / Otra noche de tormento / Nunca hay sol siempre lluvia / Y nunca ayuda la bondad / Que la gente trata de mostrar / Sólo hace que se sienta más trágico / Liberame déjame ir / Me estoy ahogando en lo gris…

Fragmento de Release me, album Hamlet de The Tiger Lillies. http://www.songlyrics.com/the-tiger-lillies/release-me-lyrics/ [07/10/2017]

 

La Salamanca de Alan Robinson

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La Salamanca de Alan Robinson

En la provincia de Catamarca, ​ a la Salamanca se debe entrar desnudo, siendo guiado por un cuervo; al momento de entrar el futuro iniciado debe escupir sobre una imagen sagrada, generalmente un crucifijo.

21232052_355593778214155_2170040678177668105_nAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La Salamanca1 es una cueva, un espacio donde puede encontrar la entrada aquel que conoce la palabra que la hace visible, esta leyenda, se originó en zonas guaraníes pero se extendió a todo el norte del país. En ese espacio de misterio es que Alan Robinson desarrolla las acciones que involucran a un humilde campesino que quiere convertir en realidad su sueño de cantar y ser famoso. El precio que se paga por la fama, es el de darle al mandinga, al demonio el total poder sobre nuestros actos y sobre todo lo nuestro aún después de nuestra muerte. La leyenda convertida en musical, describe desde los cuerpos y la gestualidad un mundo de provocación y seducción maligna, que entretiene al personaje hasta llevarlo a la renuncia total cuando ya es demasiado tarde. La textualidad dramática también está atravesada por la lectura del Fausto de Goethe, que pone en tensión las dos caras de una síntesis euroamericana.21317702_357155264724673_7375966376199905690_n

El origen de esta leyenda se remonta a los estudiantes de la Universidad de Salamanca en donde se dice los estudiantes se juntaban en cuevas para estudiar, aunque otros señalan que para hacer brujería. Así pasó al Nuevo Mundo y tuvo su propia y folklórica mutación. ¿Será tal vez que los estudiantes se juntaban para profundizar conocimientos, y como salían tan sabihondos de la cueva, los envidiosos le endosaban los pactos demoníacos?

En Argentina es una fiesta organizada en honor al macho cabrío en algún socavón alejado del poblado. En ella se sirven exquisitos manjares y bebidas y se baila y canta hasta la primera luz del amanecer. En la Salamanca se encuentran brujas, almas condenadas, y demonios de los infiernos. (www.folkloredelnorte.com.ar)

Una presentadora que es a la vez el demonio, las tres bailarinas que expresan su malicia y su sensualidad a través de una danza demoníaca, los ayudantes del diablo, diabla en realidad, y él, Calixto, que sólo desea ser un cantante famoso en el mundo del espectáculo, entrar en las grandes ligas, son el conjunto de personajes, que no descartan el humor para hablar de nuestros fantasmas, ¿qué es necesario dar, a que deberemos renunciar para obtener aquello que es nuestro más profundo deseo, que nos lleva la conciencia y el alma?  21314735_357155651391301_4894503430253940565_nAl ingresar a la Sala somos recibidos por jóvenes que con lencería erótica van creando el clima de cierta lujuria, aunque a un costado observamos la imagen de un Cristo. La directora, Mandinga, y Calixto Medina llevan adelante la transacción indisoluble mientras el resto de los personajes ponen de manifiesto que hay algo más detrás de esta Agencia de Publicidad. Un camino al éxito muy caro para el inocente protagonista. En tanto, al romper en algunos momentos la cuarta pared, las citas al teatro -Sófocles, Aristófanes, Moliere y Goethe, las canciones y coreografía van construyendo un relato atravesado por la teatralidad y también por la realidad de la actual sociedad de consumo, donde se impone el progreso individual. Una comedia en clave musical que entretiene e interpela al espectador, “cosa de mandinga”

Ficha técnica: La Salamanca de Alan Robinson. Intérpretes: Andrés Granier, Martina Ansardi, Romina Palermo, Andres Dardick, Gustavo Campeni, Myriam Gordillo, Carolina Savoia Eman y Mishquila Bailone Bringas. Coreografía: Martina Ansardi. Música original: Fernando Perez, Fabián Perez. Dirección vocal: Juana Mariasch. Diseño escenográfico: Eric Robinson. Diseño de vestuario: Melina Cymlich. Diseño gráfico: Nómade / www.paginanomade.com. Maquillaje: Leticia Chirieleison. Asistencia de dirección: Camila Marchesini y Eric Robinson. Producción: Los Hermanos. Dirección: Alan Robinson. Teatro El Crisol. Estreno: Agosto 2017. Duración: 60′. Sábados 20:00 hs.

La Salamanca como producto del mestizaje cultural es un espacio destinado a la enseñanza y al intercambio de conocimientos ubicado en una cueva o en el monte, allí el iniciado aprende el arte que le interesa (domar, bailar, tocar la guitarra, curar, maleficiar y demás) siguiendo las lecciones del Supay (el demonio).​ La tradición cuenta que si alguien escucha la música de la Salamanca, caerá en una vida de terror, a menos que se trate de una persona de buena fe o tenga un rosario entre sus manos para no caer en la tentación del Supay.

Asesinato para dos de Joe Kinosian y Kellen Blair

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Asesinato para dos de Joe Kinosian y Kellen Blair

Esta vez no fue el mayordomo

AP2_Redes_portada_actores-03Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La pieza de Kinosian y Blair es un policial que se transforma en musical a partir de la construcción de un gran guiñol donde los personajes llevan adelante sus desopilantes intervenciones, de farsa a tragedia dice uno de los ellos, y así ocurre cuando los muertos se van sucediendo y todos pueden ser los culpables, mientras el asesino logra su venganza entre bambalinas. Hernán Matorra construye con solidez interpretativa a su oficial, Marcus, quien quiere ser detective, y lucha por lograr hasta el final dar con la resolución del caso que dará crédito a su deseo. En tanto, Santiago Otero Ramos con un amplio registro de lo cómico lleva adelante el abanico de roles que le requiere la obra, y su cambio obedece más a una actitud, la gestualidad y la postura corporal que a algún elemento identificatorio que acompaña pero no sustituye -los anteojos para reciente la viuda, una chalina para la joven bailarina, la gorra con visera para el niño siempre dispuesta a colaborar, el viejo psiquiatra que ha revelado temas íntimos de sus pacientes, y muchos personajes más. Los dos músicos / actores en escena llevan un ritmo vertiginoso acompañados por un piano que tocan con maestría, a cuatro manos o solos.Copia de _F2F3589 Las excelentes performances hacen que la obra tenga el dinamismo de un vodevil musical, con mucho de la comedia y del policial, el desarrollo de la historia es un delirio creativo para el placer del público. Asesinato para dos tiene la perfecta mixtura para sorprender en cada escena, y donde cada sistema significante encastra con precisión. La excusa es la fiesta de cumpleaños del escritor asesinado, por lo tanto todos los invitados son sospechosos del crimen. La excelente ejecución del piano y las canciones, la acertada iluminación en colores intensos, el preciso vestuario y la adecuada escenografía con algunos pocos muebles -no es necesario más- cierran el clima mágico que habita todo el espacio de la Sala. La particular escritura escénica de Gonzalo Castagnino le otorga a esta comedia musical todos los “ingredientes” para que sea realmente un espectáculo imperdible más allá de poner entre paréntesis nuestra agobiada cotidianidad. Cada movimiento es coreográfico y tiene una cierta melodía interna por la química entre ambos comediantes. La complicidad de la platea que no escatimó carcajadas se reflejó también en el aplauso cerrado al finalizar. Nada más merecido para semejante despliegue de talento. Copia de _F2F3837

Ficha técnica: Asesinato para dos de Joe Kinosian y Kellen Blair. Intérpretes: Hernán Matorra – Santiago Otero Ramos. Diseño de escenografía y vestuario: René Diviú. Dirección musical: Gabriel Goldman. Traducción y adaptación: Marcelo Kotliar. Coreografía: Joli Maglio. Jefe de escenario: Javier Schvindlerman. Iluminación: Gabriel Ascorti. Diseño de sonido: Mariel Ostrower y Mauro Agrelo. Fotos: Fuentes 2 Fernández Fotografía. Video: Her Majesty Fotografía. Diseño gráfico: Aba Ideas. Realización de escenografía: Francisco Paciullo. Realización de vestuario: Marta Dieguez. Maquillaje para gráfica: Coni Montin. Arte: Sebastián Ghioni. Prensa: Marcelo Boccia, Carlos Mazalan y Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones. Producción ejecutiva: Juan Bautista Sasiaiñ y Pachi Lucas. Producción: Juan Iacoponi. Director: Gonzalo Castagnino. Redes SocialesTwitter, Facebook e Instagram: @asesinatopara2. El Cultural San Martín: sala Muiño. Estreno: 26/05/2017. Duración: 90′.

Amado mío de Valeria Ambrosio

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Amado mío de Valeria Ambrosio

El mundo fascinante de la canzone románticaamado-mio

Ho capito che ti amo

Quando ho visto che bastava

Un tuo ritardo

Per sentir svanire in me

L’indifferenza,

Per temere che tu non venissi più.1

Azucena Ester Joffe

Valeria Ambrosio con su amplia trayectoria artística, 30 años en el quehacer teatral y 15 años como directora, construye una perfecta mixtura escénica en Amado mío. Una obra de teatro musical que tuvo el germen de un sentido homenaje, un regalo para Luis Emilio2 de su hermana Kinucha3. Si el principio constructivo del mismo es la canzone romántica, la perfecta selección de algunos de los éxitos italianos de la década de los ’60 nos introduce desde su inicio a un mundo fascinante –Ho capito che ti amo, Lontano Dagli Occhi, Cuore matto, Io ti amo, Amore scusami,… La perfecta dicción del italiano le otorga un plus extra a cada interpretación. No hay lugar para la nostalgia, sólo para los amantes y el deseo, el erotismo y la sensualidad, porque si un amor se desvanece ya otro vendrá. Cada escena musical encastra con precisión a la siguiente, aunque no es una historia lineal sino que como recuerdos van surgiendo en un estado onírico e íntimo. El exquisito desempeño de los cuatro performers -actores, cantantes y bailarines– nos permite disfrutar de la magia que habita el espacio escénico y también en nuestro cómodo sitio. En cada coreografía los cuerpos se rozan, se buscan y se rechazan, construyendo una poética narrativa. Tres personajes masculinos (Nacho Pérez Cortés, Esteban Masturini, Emmanuel Robredo Ortiz) y uno femenino (Ivanna Rossi, invitada especial hasta el regreso de Florencia Benitez)) nos relatan pequeñas historias sobre la necesidad de amar y ser amando, del miedo a la soledad y a ser rechazado. Así se van sucediendo ciertos “triángulos” amorosos, por llamarlos de algún modo, sin importar el sexo porque aquí lo importante es la sensibilidad a flor de piel, la sensualidad para sentirse vivo. DEoyh7xUAAEURbg.jpg:largeEn el espacio lúdico, algunos muebles y objetos que nos remiten a un época determinada -el aparato telefónico fijo, una máquina portátil de escribir,…- cuando la relación con la persona querida no estaba tan mediada por la inmediatez de la actual tecnología. Un tiempo pasado que se cruza con el tiempo presente -el “bendito” celular con WhatsApp, twitter,…- y el anonimato de la sociedad de consumo donde la distancias no existen por la proximidad espacial y temporal de las redes sociales. Se nos imponen “nuevas necesidades”, sin darnos cuenta que estamos perdiendo la posibilidad de poder comunicarnos con ese otro a través de una simple mirada, de una breve caricia, de una canción elegida. Porque el juego erótico y los “mimos” diarios como esperar una llamada o una carta le está dando paso al creciente “sexting”. En algunos momentos, estas criaturas se desplazan por la platea y mirando directamente a algún espectador le regalan un fragmento de la canción. No importa si éste es hombre o mujer, si es joven o mayor, el tema pasa por ofrecer y por aceptar un tierno obsequio. En tanto, la perfecta iluminación los acompaña y va creando el clima que cada melodía o cada escena requiere para la situación dramática. El cuidadoso vestuario le agrega el glamour en consonancia a ese particular mundo creado. La banda en vivo es otro sistema narrativo, los tres excelentes músicos nos sumergen en ese contexto epocal y el sonido es impecable. En tanto un quinto personaje (Willy Lemos) con un poco de estilo dandy va engarzando determinados cuadros musicales con cierto aire de poeta, con fragmentos que nos remiten al gran genio de P. P. Pasolini y de su film Teorema.

Una sugerente experiencia sensorial, donde cada elemento tiene exactitud de relojería, nada sobra ni nada falta. Amado mío es un espectáculo de teatro musical intenso, inteligente, y es una caricia para nuestra agitada cotidianeidad, en especial para aquellos que tenemos varios recuerdos de nuestra infancia de esa época dorada de la canzone romántica. Sólo nos resta decir, muchas gracias!!!AMADO-IVANNA-620x400

Per uno che torna                                                        Un cuore matto che ti vuole bene

E ti porta una rosa,                                                      e ti perdona tutto quel che fai,

Mille si sono scordati di te                                           ma prima o poi tu sai che guarirà,

Lontano dagli occhi,                                                    lo perderai, così lo perderai…

Lontano dal cuore,

E tu sei lontana,                                                           Un cuore matto che ti vuole bene

Lontana da me.4                                                                               un cuore matto, matto da legare,5

Ficha técnica: Amado mío de Valeria Ambrosio. Actores: Florencia Benitez (Ivanna Rossi fue la invitada especial hasta el regreso de Florencia), Nacho Pérez Cortés, Esteban Masturini, Emmanuel Robredo Ortiz. Presentador: Willy Lemos. Piano y Melódica: Matías Chapiro. Flauta y Saxo tenor: Juan Sak. Violoncello y Contrabajo: Adrian Speziale. Idea y Producción General: Kinucha Mitre – KIM Producciones. Coreografía: Elizabeth de Chapeaurouge. Coaching Actoral: Willy Lemos. Arreglos, Dirección y Producción Musical: Matías Chapiro. Colaborador para Dramaturgia: Sebastian Suñé. Vestuario: Calandra-Hock. Escenografía y Arte: www.adiaznavarro.com. Diseño de Iluminación: Valeria Ambrosio-Leo Gaetani. Prensa: Daniel Falcone. Producción Ejecutiva: Federico Salcedo. Asistente de Dirección: Leo Gaetani. Dirección: Valeria Ambrosio. Maipo Kabaret. Temporada 2017.

Fragmento de Ho capito che ti amo de Nicola di Bari, cantante italiano de música romántica y baladas del amor.

2Un crimen sin justicia aún: “Luis Emilio Mitre (58) apareció asesinado en su departamento 8vo. “B” de la calle Posadas 1454, en Recoleta, el 2 de enero de 2006”. http://www.telam.com.ar/notas/201504/101337-crimen-luis-emilio-mitre-10-anos-bartolome-mitre-diario-la-nacion.html [07/06/2017]

4 Fragmento de Lontano Dagli Occhi de Sergio Endrigo

5Fragmento de Cuore matto de Little Tony

Christiane de Belén Pasqualini

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Christiane de Belén Pasqualini

Un bio-musical científico

No solo hacer lo que se ama, sino amar lo que se hace, es el secreto de la felicidad

christiane-t_23794chAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La vida que reconstruye Belén Pascualini y lleva al escenario en su corporeidad y bajo la dirección de Dennis Smith, es real, su protagonista está viva, es una investigadora reconocida y premiada que llegó al país, como relata la dramaturgia, en 1942, reclamada por su fama precedente, por el Dr Houssay1. De ella hay un libro –Quise lo que hice publicado en 2007- y el conocimiento cercano de la actriz. De ella hay ahora una pieza teatral cuya estructura unipersonal narra una vida pero a la vez pone en la reflexión del espectador, el concepto de género y la lucha de la mujer para desarrollarse en una sociedad que le pide que se quede a hacerle una rica comidita a su marido. Christiane Dosne Pasqualini les demostró, se demostró y nos deja como legado la seguridad de que aunque se necesite de una voluntad heroica y un terco convencimiento sobre la vocación, se pueden reunir ambos universos, y salir airosa, con sus luces y sus sombras. Ser mujer significa, para el patriarcado que dirige, sin que nos demos cuenta nuestro pensamiento, ocupar roles necesarios para la sociedad: ser hija, madre, esposa, la que guarda el fuego del hogar, la dadora de amor, la eterna vigía de los valores establecidos. Sin embargo, nacemos sin esa construcción primaria que se nos impone, y muchas logran una subjetividad que no solo encierra el mandato, sino también el deseo. Christiane pertenece a estas últimas, ya que siempre corrió detrás de un sueño, y fue construyendo otros en la medida que ganaba seguridad e inauguraba espacios para sí. Christiane (2) bajaLa actriz, nieta de Christiane, logra una excelente performance en la encarnadura de la vida de su abuela, en la forma sugerente de trabajar el cuerpo, a pesar de estar vestida con un mameluco -no con el clásico guardapolvo blanco, para darle la calidad de obrera de la ciencia al personaje; en las modulaciones de la voz, una voz que se eleva cuando recuerda las canciones que marcaron la vida de Christiane, cuando va recorriendo un camino que parece imposible, pero que tiene lo concreto de una voluntad que no reniega de sí misma. Su presencia, un piano, pequeños pizarrones que se extienden en el espacio escénico. Un espacio lúdico acotado por los pocos elementos el relato va cruzando el espacio íntimo y el público, en un devenir que atraviesa momentos importante de nuestra historia y también de la historia particular del personaje -como fue aceptar vivir en Argentina por amor a su esposo y compañero de toda la vida, Rodolfo. Y, dos pasiones así mismo se atraviesan: la pasión por la ciencia y la pasión por el teatro, en un clima donde los datos biográficos van en el mismo sentido que la ficción. La precisa iluminación recorta y parece guiar a la protagonista, por momentos creando imágenes plásticas como un registro fotográfico de un tiempo pasado y, en otros, actualizando el relato con los desplazamientos y saltos dinámicos. Una historia particular y única, dos mujeres, dos generaciones distintas y el talento de contar son los recursos que van apareciendo hasta el aplauso final de una pieza que nos reconforta y emociona. Un hecho teatro musical sin fisuras.Christiane (7) baja

Ficha técnica: Christiane de y con Belén Pasqualini. Música original: Belén Pasqualini (excepto “Smoke gets in your eyes”, de Kern/Harbach). Diseño de Iluminación: Claudio Del Bianco. Asistencia en Diseño de Iluminación Facundo David, Martin F. Paponi. Prensa We Prensa. Comunicación Web: Enchulame Social Media. Gráfica Internet: URL / IURLAD. Producción Ejecutiva (reestreno) Belén Pasqualini. Producción General & Dirección: Dennis Smith. El Cultural San Martín. Segunda temporada. Reestreno: 30/04/2017. Duración: 60′.

Hemeroteca:

Bär, Nora, 2008. “Tuve una buena vida: quise lo que hice” en La Nación, domingo, 13 / 1.

Dentro de dos semanas, la doctora Christiane Dosne de Pasqualini cumplirá 88 años. Nacida en un suburbio de París, criada en Canadá y argentina por adopción, discípula de Houssay, investigadora del Conicet, madre de cinco científicos y primera mujer que se incorporó a la Academia de Medicina, decidió remontar el río de su vida para reunir recuerdos que atraviesan el siglo XX y ofrecen un testimonio de primera mano sobre la historia de la ciencia local. El fruto de ese ejercicio es Quise lo que hice (Leviatán), una autobiografía de más de 400 páginas que combina como ella suele hacerlo todo, de la forma más natural que pueda imaginarse, humor, aventuras, picardía, emoción, melancolía, tristeza, reflexión; pero que en ningún momento pierde esa cualidad que hace valioso un relato: el encanto. “Me fui de mi casa a la Universidad Mc Gill a los 15 años -cuenta Dosne de Pasqualini-. A los 22, gané una beca para venir a trabajar durante un año con el doctor Houssay y me enamoré de este país y de su gente. Después me casé con Rodolfo [Pasqualini] y ya me quedé a vivir aquí, pero mi madre era una mujer muy ordenada y guardó todas las cartas que le mandé semanalmente durante 35 años. En 1980 se murió mi padre y ella me dijo: “Tengo todas tus cartas, ¿qué querés que haga?” Yo le dije que las tirara. Rodolfo se interpuso: “No, vamos a hacer unos paquetes y las mandamos a Buenos Aires”, decidió. Eran cuatro enormes paquetes que recorrían mi vida desde los 15 a los 60 años. Entonces, cuando él se enfermó y tuve que estar mucho más en casa con la computadora, empecé a abrirlas y a escribir.” (Bär, 2008)

Bollywood. Una industria sin estrellas de Muscari

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Bollywood. Una industria sin estrellas de Muscari

Basta de industrias. Un país de servicios, con un modelo agroexportador. Como India. Gabriela Michetti, Vice presidenta de la Nación.1

DEGGY2LXsAA40p8Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

José María Muscari presenta su nuevo trabajo Bollywood en el espacio del teatro IFT, una sala del circuito independiente de una larga trayectoria que se reabre después de un tiempo de haber cerrado sus puertas. Afirma Fanny Galperín en una entrevista que le hiciera Federico Arizen para la revista El Abasto2:

El teatro que actualmente se ubica en la calle Boulogne Sur Mer 549, se fundó en el año 1932 (primero en un local alquilado frente a la Sinagoga de la calle Paso al 400), y se construyó la actual sede en el año 1952 con el esfuerzo, en su mayoría de inmigrantes de la comunidad judía zonal. Al principio se realizaron obras en idish, pero el tiempo modifico la situación y el castellano lo reemplazo. 

Por allí pasaron varios artistas reconocidos como son Mercedes Sosa, Víctor Heredia y Arturo Bonin “En la actualidad dentro del teatro funciona una fundación de cine, un instituto de música, y hacemos exposiciones de cuadros. Además somos unos de los pocos lugares que enseñan radio teatro”. Pero el dato más curioso es que su sala principal tiene capacidad para 650 personas, posee un escenario giratorio y tiene 18 camarines, “Ediliciamente fue pensado como un teatro Colón”. El 31 de agosto el teatro fue declarado por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires sitio de interés cultural. De esta forma se abre una puerta para buscar patrocinadores y aumentar el nivel de ingresos.

El teatro IFT con una tradición en los géneros populares es en este doble acontecimiento: su recuperación para el circuito independiente, y el retorno del actor, dramaturgo y director a ese circuito luego de muchos años de transitar la calle Corrientes, es entonces el ámbito adecuado a un trabajo de intensa búsqueda identitaria, en un micro espacio geográfico, el Once, que nos habla de la fama, el amor, la pobreza, la riqueza, la desigualdad social, el arte, el cine, el teatro, los actores y su subjetividad, desde la metáfora de la meca del cine hindú, Bollywood, síntesis de Bombay y Hollywood, para darnos una mirada socio política desde allí de nuestra realidad: artístico – ciudadana. Cincuenta actores y actrices en escena, en un espacio que se expande hacia la platea, a la que interpelan constantemente, provocándola con un lenguaje que recuerda a la revista porteña. En realidad, la estructura de la puesta le debe bastante a ese género porteño tradicional, coristas, figuras principales, cuadros de baile y sketches, el ingrediente político como guiño y como crítica, y una analogía con un futuro que tal vez nos lleve al presente de la India. Un vestuario brillante, ecléctico, desnudos, de hombres y mujeres, género que no se relaciona con el sexo sino con la forma de sentirse, en un escenario que se lo permite todo, hasta hablar de la India, donde la homosexualidad está prohibida y castigada. Coreografías bien diseñadas, y un cuerpo de baile que las realiza con justeza, en un movimiento de cuerpos en escena que Muscari en su rol de director logra con acierto. La atención también queda centrada en el fondo de pantalla que nos recibe con un video sobre el casting, que se continúa en el barrio del Once; luego son los video clips de temas musicales que también serán coreografiados en escena, y algunas imágenes de India, que nos llevan a la reflexión de que sabiduría se habla en un país donde la desigualdad social es endémica y aceptado por todos como un estado natural. Muscari tiene un estilo reconocible, y en esta oportunidad podemos decir que el mismo está en estado puro, un autor que vuelve a sus principios constructivos con una idea que lo atraviesa; como el mismo define esta manera de hacer teatro se basa en la fragmentación:

Hay algunas cosas que tienen que ver con lo consciente, como el hecho que la estética de mis obras, en general, se vale de lo fragmentario, de la idea de edición. De explotar un mundo pero no contar una historia. En mis espectáculos se exploran mundos. (…) Porque la estética es fragmentada, porque por lo general incluyo música, en general hay una estética visual que no prescinde del condimento del show en la escenografía, el vestuario, el uso de la música, la idea audiovisual. En algunos espectáculos mezclo el video. (Muscari, 2009: 247/248)0000016905

El cuerpo de baile, y el conjunto de actores, se desempeñan con talento, y el manejo de cincuenta personas en escena da un resultado exitoso, que el público aplaude con su caluroso aplauso. Bollywood es una puesta que nos invita a un juego, el escénico, y nos ofrece desde el movimiento y la exhibición de los cuerpos, al mismo tiempo que nos da sobre un tema una información que excede a esa propuesta, la posibilidad de establecer una analogía entre el mundo descripto y el nuestro, que nos une y que nos separa de las luces y colores como máscara de lo que no queremos ver, ni conocer.

Ficha técnica: Bollywood. Una industria sin estrellas de Muscari. Con Mariela Asensio y Emiliano Figueredo. Y: Johan Alexander Alvarado, Daiana Bellendier, Agustina Beluchi, Cami Berman, Joel Castañeda, Sasha Lis Cerrini, Walter Collia, Cecilia De Paoli, Desireé Du Val, Morena Esperón, Manuel Etchebarne, Nico Figueroa, Ayelén Ford, María Forte, Miranda Ghirimoldi, Lara González, Angy Jaume, Ronad Jenki, Estebán Lamarque, Fernando Liao, Facundo Lopez, Ignacio Lopez Diez, Bianca Loponte, Mauro Martinak, Nacho Mena, Mateo Misael, Benjamín Morelli, Jonatan Nugnes, Ale Ordoñez, Santiago Paciullo, Aldana Pascual, Amarú Patrono, Josefina Pittelli, Constanza Raffaeta, Andrés Reyes, Gisela Rietti, Andy Rinaldi, César Riveros, Pili Rubí, Julian Siliberto, Belu Spenser, Mariana Szuchmacher, Colo Vargas, Jesi Videla, Bianca Vilouta Rando. Diseño de Vestuario: Gustavo Alderete. Diseño de Luces: Gisela Marchetti. Diseño de Video: Cande Serra. Ambientación: Paz Robinson. Selección Musical: Guillermo Salvador. Fotos: Fuentes2Fernandez. Diseño Gráfico: Lucila Gejtman. Prensa: Agencia AB – Alejandra Benevento. Operación de Luces y Sonido: Fernando Martin Sanz. Stage Manager: Giuliana Betta. Asistencia de Coreografía: Victoria Broggi. Colaboradores: Joaquín Duhalde Longhi, Ariel Dabbah, Carina Torre, Taisa Isola, Micaela Ayala, Victoria Membrado Capó, Lourdes Boy Arditi, Carmen López Contreras, Lucía Adúriz. Realización de Vestuario: Natalia González, Rodrigo Lico Lorente, Laura Martínez, Guillermo Corujo, Florencia Tonel. Asistente de Dirección: Paola Luttini. Producción Ejecutiva: Roni Isola, Enrique Jauregui. Dirección de Producción: Maxi Bartfeld. Coreografía: Magui Bravi. Dirección: José María Muscari. Espacio IFT. Estreno: 17/06/2017.

Bibliografía:

Muscari, José María, 2009. Teatro. Buenos Aires: Colihue Teatro.

1 Estas declaraciones que luego salieron del aire, fueron registradas en: Diario Registrado, el 17 /2 / 2016.

2 Revista El Abasto número 147, septiembre de 2012.