Archivo de la categoría: Teatro y Títeres

Diarios de 15 de Ana Alvarado

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Diarios de 15 de Ana Alvarado

Por la Compañía de titiriteros de la UNSAM

En el marco del 9º Ciclo de Teatro de Títeres y objetos para niños, adolescentes y adultos.000166725

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Un ciclo que nos presenta su novena edición es un acontecimiento dentro de un campo inestable como el nuestro, es un logro a resaltar, y un milagro que logra la constancia y la fuerza de un deseo, el de construir arte, y expresarse a partir de él, con temáticas que abarcan a un espectador cuya edad varía desde el niño al adulto. En este caso, la adolescencia y los contextos donde se desarrolla es la propuesta. Los quince, marcan el nudo central de una edad que guarda en sí todas las posibilidades, entre la niñez y la adultez se desarrolla un mundo propio en construcción permanente que depende del contexto el histórico y el personal, para que se asuma en toda su capacidad. Fragmentos de diarios, recuerdos, fotos, y situaciones diversas se tejen en el entramado de la puesta a partir de una década, los setenta, hasta el inicio de un nuevo siglo, donde los personajes nos relatan desde la más pura subjetividad y a partir de los objetos y las imágenes que aparecen en un pantalla a fondo, sus experiencias, las más significativas para consolidar una identidad que aparece vulnerable. La dirección de Ana Alvaradoi busca componer un friso de experiencias donde la Argentina y Colombia sean dos maneras de entender la violencia que se ejerce sobre los cuerpos de los jóvenes, a quienes se les reclama la concreción del futuro, pero se les niega las herramientas para consolidar un presente venturoso. Situaciones límite que no sólo nos pertenecen sino que están incluidas a nivel continental, y que podríamos extender, tristemente a otras regiones del mundo. Los jóvenes como receptores, como vehículos de una violencia que los envuelve sin remedio. La conjunción de títeres, objetos que funcionan como tal, muebles funcionales confeccionados como pequeños tabladillos, música, y el cuerpo de los actores, logran constituir una serie de historias cuyo protagonismo está en el desconcierto de una edad donde el límite y las ganas de atravesarlo es una constante. Como afirma la directora, en el “El actor en el teatro de objeto”: “el arte como artificio para construir una puesta en escena como un artefacto armado de piezas y fragmentos, donde el actor se parece a un maniquí”. De hecho, la puesta pone en abismo esta forma cuando reproduce los cuerpos en los muñecos, o cuando trabaja con máscaras, cajas que encierran otras cajas. En una constante de buscar la autonomía de la puesta frente al texto dramático, la concepción de un relato como suceso, pequeño tal vez para los demás, salvo para una subjetividad que se ve atravesada por su contexto histórico no siempre de forma consciente. La falta al deber impuesto, no ir a la escuela, el amor a escondidas, la familia como una cárcel donde sus barrotes no son siempre los del amor, el desconsuelo cuando se destruye la imagen que la misma impone, el futuro, entre el trabajo y el deseo, aparecen en la escritura, que es una forma de exorcismo necesario para dar cuenta de lo que todavía no se entiende y asusta. Pero la puesta, si bien se basa en ella, cruza significantes y expone a la manera de una matrioska, los diferentes pliegues que esconde un relato desde las figuras que se duplican en pantalla y en los objetos y en los títeres que por sí solo constituyen un lenguaje. Cuadros que se suceden, donde no falta el humor, buenas actuaciones, música que va constituyendo un referente para el espectador, y un final a todo heavy metal que logra una fuerte intensidad en el escenario y en la platea, son el cuadro que nos ofrece la pieza, que logra momentos de imágenes potentes que van desde la ternura a la tensión dramática con la sutileza de un tejido que se despliega. 000172421

Ficha técnica: Diarios de 15 de Ana Alvarado. Por la Compañía de Titiriteros UNSAM, Intérpretes y creadores: Clara Candín, Lucía Arias, Pablo Maidana, Aníbal Flamini, Omayra Martínez Garzón, Natalia Gerardi, Guillermo Tassara, Román Lamas y Luciano Mansur. Asistencia de dirección: Sebastián Pascual. Asistente de escena: Alejandra D’agostino. Diseño sonoro y audivisuales: Sebastián Pascual y Alejandra D’agostino. Diseño de movimiento: Marta Lantermo. Iluminación: Malena Miramontes Boim. Escenografía y vestuario: Grupo Pie. Diseño y realización de títeres y objetos: Roman Lamas., Anibal Flamini, Natalia Gerardi, Clara Chardin, Lucía Arias, Omayra Martinez Garzón, Pablo Maidana y Valeria Dalmon. Registro de entrevistas, documental y cámara: Mercedes Quintieri. Fotografía: Julieta Jons. Diseño gráfico: Clarisa Chervin. Idea y dirección general: Ana Alvarado. Prensa: Tehagolaprensa.

A partir de la lectura de diarios de 15, cuadernos y notas de adolescentes escritos durante las décadas de 1970 a 2000. Centro Cultural de la Cooperación: Solidaridad. Reestreno: 10/02/2018. Función: 17 y 18 de febrero a las 20 hs. Duración: 75’.

Hemeroteca:

Alvarado, Ana, 2009. “El actor en el teatro de objeto” en Revista Moin – Moin, año 5, número 6. UDESC / SCAR, Brasil.

 

i Hoy por hoy, mis elencos se componen normalmente de profesionales de formación ecléctica y la mayor o menor importancia del objeto, el actor o la presentación virtual de cualquiera de los dos, depende de la dramaturgia, del texto, de la puesta en escena y no de una técnica preexistente. Por la generación a la que pertenezco soy deudora de las vanguardias del siglo XX y mis referentes siguen siendo Duchamp, Dadá, los ensamblajes del Pop y Joseph Beuys, del campo de las artes visuales y Brecht, Beckett y Artaud en el teatro. Y Kantor en los dos. (Revista Moin – Moin)

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Arde brillante en los bosques de la noche de Mariano Pensotti

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Arde brillante en los bosques de la noche de Mariano Pensotti

ardeAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

En el arte siempre hay un elemento disparador de imágenes, palabras, situaciones, y personajes que se cruzan para dar cuenta de un pensamiento recurrente que el creador guarda siempre con diferentes códigos y expresiones. En este caso, es la conmemoración de los 100 años de la Revolución Rusa, un acontecimiento que luego de la caída del Muro de Berlín ha perdido tal vez su brillo universal. Disparador que luego y a través de una metateatralidad que va desarrollándose como una matrioska: teatro de marionetas reproduciendo los cuerpos manejados por el sistema, teatro dentro del teatro que pone en abismo la temática de la revolución, y la mirada sesgada que Europa tiene sobre Latinoamérica y viceversa, y el cine como un lenguaje que traerá hacia el punto central de nuestro ombligo el lugar que ocupa la información y los medios de comunicación. La estructura de la puesta elaborada entonces en tres niveles que conllevan los tres lenguajes elegidos, van conformando una profundidad en la composición que desde la escenografía nos sitúa en los diferentes espacios – temporales: el rojo intenso para la discusión académica sobre los conceptos del marxismo, los aportes de la revolución, y el lugar del intelectual en un mundo que ya no encuentra en los antiguos significantes, por más prestigio que atesoren, casi una ausencia de significado; la sala familiar de una familia europea que recibe a la hija pródiga que vuelve de Colombia luego de haber abrazado la causa de la guerrilla, y que intenta explicar un mundo distante, sin darse cuenta de la problemática que el mundo propio encierra, y que necesita también un cambio copernicano; el espacio del cine, donde todos somos espectadores pasivos, actores y espectadores de un corto que nos pone en acto de la desinformación de nuestros medios de información. Todos ellos irán poniendo en el juicio del espectador, la situación de las ciencias sociales, su repercusión en la Academia, el lugar de la mujer en la misma, las relaciones con las nuevas generaciones, la sexualidad entendida como objetivación del otro, el sexo no importa; y una subjetividad femenina que no haya aún las reglas del juego propio, aquel que no sea solo un cambio de roles en la lucha entre dominador – dominado. arde brillante1

La cuestión de género atraviesa los 90 minutos que desarrolla la puesta dirigida también por Pensotti, y tienen su fuerte presencia en las muy buenas actuaciones de un grupo de actores y actrices que trabajan sus personajes con soltura y convicción. Pone además en el epicentro de la discusión la otra cara a cien años de una revolución que proponía la liberación de las clases obreras, la trata de personas para el trabajo esclavo en la presencia de la comunicadora social que por otras razones que no son la investigación, se topa con la realidad y no puede hacer nada, solo intentar salvar su propia vida. El trabajo es intenso y el espectador no tiene momento en que su expectación se vea defraudada; no sólo por las temáticas que se suceden y se enlazan sino por la acumulación de procedimientos, que no son sólo una suma de variables sino que cada uno tiene una presencia que le da sentido al todo. Juego, teatro en estado puro de teatralidad, poéticas que aparecen no para ser parodiadas, sino para dar cuenta desde disciplinas diferentes de un tema central: la revolución, la liberación declarada, se encuentra en el mundo más allá de las conmemoraciones, o de los actos degradantes, en un punto ciego. El mundo no busca la revolución ha cedido a la comodidad de aceptar que su libertad y sus decisiones se presenten en las manos de dirigentes de corte fascista que deciden los destinos de todos: el mundo está en peligro, y los viejos axiomas ya no son útiles, los conceptos deben revisarse, las formas también, y el arte, el teatro debe una vez más, revisar sus poéticas, para dar cuenta de un imaginario social mundial que ya no responde a las viejas consignas. Como en Hamlet el teatro no es divertimento para la corte o para las masas es el lugar donde enfrentarnos con algunas verdades que preferimos no ver. Es un dardo en el centro del pensamiento reflexivo, para aquellos que suponemos tener más información: la academia, el periodismo; el lenguaje otra vez nos resulta insuficiente, desprovisto de recursos, vaciado de significado. arde brillante2

Ficha técnica: Arde brillante en los bosques de la noche. Dramaturgia y dirección Mariano Pensotti. Elenco: Susana Pampón, Laura López Moyano, Inés Efrén, Esteban Bigliardi y Patricio Aramburu. Coordinación de producción: Adrián Andrada / Julieta Sirven. Asistencia de producción: Facundo Savarino. Producción técnica Ángel Ariel Porro. Asistencia de dirección: Fabián Barbosa. Producción artística: Florencia Wasser / Grupo Marea. Realización de marionetas: Román Lamas. Realización de rostros de las marionetas: Marcos Berta. Asistencia de escenografía Gonzalo Córdoba Estévez, Tatiana Mladineo y Luciana Peralta. Asistencia de escenario: Malena Juanatey y Tatiana Mladineo. Asistencia artística: Juan Schnitman. Imagen Sergio Calvo. Música: Diego Vainer. Escenografía y vestuario: Mariana Tirantte. Realización de la película: Guion y dirección: Mariano Pensotti. Elenco: Inés Efrén, Susana Pampón, Laura López Moyano, Patricio Aramburu, Esteban Bigliardi, Alejandra Flechner, Sebastián Carbone, Ariel Dávila, Pablo Kun Castro, Christian González Saponare, Luis Biasotto, Matthiew Perpoint, Leandro Orellano, Mauricio Minetti y Manuel Guirao. Asistencia de dirección: Juan Schnitman. Ayudante de dirección: Lionel Braverman. Dirección de fotografía y cámara: Soledad Rodríguez. Asistencia de cámara: Mercedes Laborde. Gaffer: Sandra Grossi. Reflectorista: Laura Docampo. Operador de Steadycam: Nicolás Meyer. Asistente de Steadycam: Nicolás Roca. Arte y vestuario: Mariana Tirantte. Asistencia de arte y vestuario: Tatiana Mladineo, Luciana Peralta y Gonzalo Córdoba Estévez. Maquillaje y peinado: Mariana Jara. Música: Diego Vainer. Sonido: Nahuel Palenque. Asistencia de sonido: Lucio Fontana y Sofía Straface. Producción general: Paolo Donizetti / Los Salvajes Cine.  Asistencia de producción: Azul Aizemberg. Producción: Iguazú Lili Cristalvo. Montaje: Andrés Estrada. Animaciones: Andrea Torti. Corrección de color: Andrés Gatti / Obol. Teatro Sarmiento. Estreno: 29/09/2017. FIBA 2017:12 y 13 de octubre. Duración: 90’.

Fausto Criollo de Mario Esteban

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Fausto Criollo de Mario Esteban

Adaptación del poema de Estanislao del Campo

Una ópera satánica, fatídica y telúrica

flyerBAJANo quiero plata ni mando»,

dijo Don Fausto, «yo quiero

el corazón todo entero

de quien me tiene penando».

No bien esto el Diablo oyó,

soltó una risa tan fiera,

que toda la noche entera

en mis orejas sonó.1

Pan y Arte es el espacio, el reducto, donde tenemos la posibilidad de disfrutar, especialmente, de la magia de los títeres. En esta oportunidad, la propuesta titiritera va más allá, es la puesta en escena del CD-libro Fausto Criollo, editado en 2014.

Al ingresar a la sala podemos observar, en el centro, la fachada del teatro Colón y, a sus costados, vemos que, desde los palcos, se asoman dos graciosos paisanos -el gaucho Anastasio y su compadre Don Laguna; y a ambos lados de este retablo se encuentran los atriles para el coro y la orquesta. Así al comienzo y entre cada acto, Anastasio, ya alejado de la gran ciudad, le cuenta a su viejo amigo lo vivido al asistir a la representación de la ópera Fausto de Charles Gounod, en tanto beben un trago de sus correspondientes petacas aparentemente con una bebida muy fuerte como si fuera alcohol puro. El diálogo entre ellos deja al descubierto cierta inocencia e ingenuidad que a Anastasio “el Pollo”, en especial, no le permite separar entre realidad y ficción, ya que asistió sólo por curiosidad y sin saber que ese sitio era un teatro. Aunque los valores del hombre de campo difieren de los de la ciudad, la temática abordada tiene su núcleo duro en el poder de la dominación del hombre sobre otros hombres y el pacto con el diablo o con los poderes de turno en beneficio propio -cualquier parecido con la realidad es por pura coincidencia. Pero también están presente los temas universales como el amor no correspondido, la soledad de la mujer que primero fue seducida y después abandonada, la ambición y la traición …

En la puesta que nos ocupa los personajes están animalizados, el zorro es Mandinga / Luzbel, el viejo tortugo / la rejuvenecida mulita es Fausto, la joven e inocente vaca para Margarita, el apuesto burro es el Capitán y la simpática lechuza para Marta. El desarrollo del relato nos atrapa desde su inicio, mientras los cantantes y los músicos interpretan la partitura original, los titiriteros y sus criaturas nos devuelven la sonrisa de niños que hemos olvidado. Con diálogos de claro color local, la comicidad va más allá del artilugio escénico, pues los títeres tienen un lenguaje singular válido para todas las edades que no sólo nos acerca a un autor nacional sino que además nos sumerge en el mundo de la metatetralidad: la ópera de Gounod / el poema gauchesco de Estanislao del Campo y la adaptación de Mario Esteban. El poema escrito en verso (1866) tiene la musicalidad intrínseca que deviene en un lenguaje coloquial que aquí no se pierde. También la escenografía mantiene esta estructura de matrioshka: por un lado, la escenografía que observamos cuando el telón del “teatro” está cerrado y, por otro, las precisas mini-escenografías que corresponden a cada acto operístico. 000158307

Es interesante de qué modo cada cantante se relaciona con su par en escena (un títere) a través de un simple accesorio -un pañuelo rojo, un sombrero,…- en tanto los músicos completan esas imágenes visuales otorgándoles un plus extra al ritmo de nuestro folclore, mediante canciones que pertenecen a diferentes regiones de nuestro país:

chacarera, milonga, gato, bailecito, milonga corralera, huella, escondido, cielo, zamba, gato cuyano, coplas, cueca cuyana, vidalita, chamamé/canción, chacarera doble, triunfo, baguala, aire de payada, chamarrita y huayno.

Los cinco episodios que componen la opereta, se corresponden a los cinco actos de la ópera homónima de Charles Gounod. De esta manera se intenta respetar la idea de Estanislao del Campo…2

Así la musicalidad interna de la escritura dramática junto con la armonía entre los excelentes intérpretes y titiriteros dan cuentan de un hecho teatral donde cada sistema encastra perfectamente. Una adaptación interesante e inteligente que tuvo en cuenta, al agregar algunas melodías y/o versos, no perder el estilo de las canciones de nuestro folclore ni del poema gauchesco. Una mirada que, además, actualiza algunos temas de nuestra actual sociedad. FaustoCriollo

Ficha técnica: Fausto Criollo de Mario Esteban. Adaptación del poema de Estanislao del Campo (Fausto. Impresiones del gaucho Anastasio El pollo en la representación de esta opera). Música original, dirección musical: Mario Esteban. Diseño de personajes y escenarios: Rodrigo Milanesio. Titiriteros: Sandra Antman, Ema Fernández Peyla, Mariano Cossa, Miguel Rur. Músicos de Pequeña Compañía Telúrica: Melina Salem (Soprano – Margarita), Analía Castro (Contralto- Marta), Mario Esteban (Tenor – Fausto), Jonathan Tótoro (Tenor – Valéntin), Lautaro Nolli (Barítono – Silverio), Walter Uranga (Bajo – Mandinga), Carolina Fernández (Soprano), Lorena Rojas (Contralto), Nicolás Tindiglia (Tenor – Percusión), Lucho Sellan (Guitarra), Damián Tepman (Piano), Diseño de puesta y dispositivo escénico: Sandra Antman, Ema Fernández Peyla, Mariano Cossa, Gerardo Porión. Diseño y realización de títeres y escenarios: Gerardo Porión. Realización de utilería: Ema Fernández Peyla, Sandra Antman, Miguel Rur, Gerardo Porión. Asistente de realización: Graciela Valdez. Realización de escenografía: Facundo Guerreschi, Clara Hecker. Diseño de iluminación: Leandra Rodríguez. Fotografía y diseño gráfico: Luz Fiumara. Asistente de dirección: Leandro Fernández. Asistencia de producción: Lorena Rojas. Prensa: TEHAGOLAPRENSA. Producción ejecutiva: Mariano Cossa, Mario Esteban, Gerardo Porión, Sandra Antman, Ema Fernandez Peyla. Dirección general: Mariano Cossa. Pan y Arte Teatro. Estreno: 02/07/2014. Duración: 65′.

1 Fragmento de Fausto. Impresiones del gaucho Anastasio El pollo en la representación de esta opera.

https://www.folkloretradiciones.com.ar/literatura/impresiones%20del%20Gaucho%20Anastasio.pdf “[20/07/2017]

2Según gacetilla de Prensa