Voley, la final de Nicolás Manasseri y María Fernanda Provenzano

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Voley, la final de Nicolás Manasseri y María Fernanda Provenzano

Como en la Liga Nacional, dejan todo en la cancha

Voley.A-Azucena JoffeAzucena Ester Joffe

Una propuesta diferente que desde su inicio comienza a “todo o nada”. Los dos equipos están dispuestos a “traspirar la camiseta” para ganar cada set. Una obra que se presenta como “teatro físico musical” y cuyo principio constructivo es el deporte y, en especial, el juego en equipo. ¿Cuánto más puede dar cada jugador/ra? ¿Cómo hacer para suspender, durante la competencia, los estados de ánimos y sentimientos personales?

Al ingresar a la sala nos ubicamos en gradas enfrentadas y algunos espectadores quedan en los laterales, a modo de árbitros de línea. La cancha está lista para el primer silbato. El elenco de manera perfecta construye a los integrantes de cada equipo, con un “muy buen dominio de la pelota”, dando cuenta de la preparación física que requiere la situación dramática. Ellos/as se enfrentan en el área de juego, separados por la red, y, como en el voley, van rotando sus posiciones según lo requiere el juego teatral-deportivo. No podemos dejar de destacar el desempeño actoral de Martina Zapico (DT femenino). Una red que es desplazada por los distintos participantes modificando así nuestro punto de vista. Los cuatro micrófonos de pie están ubicados en cada esquina como contrapunto, en tanto en el medio de la zona, el micrófono de mano se pasa para “jugar en equipo”. El estilo de las canciones refuerza los momentos donde el musical habita el espacio lúdico y la música original, como en un recital de rock, va marcando el ritmo eufórico desde la primera jugada. Las coreografías se encastran en un sistema narrativo complejo, dinámico pero no caótico: ataque y defensa para utilizar la estrategia necesaria y bloquear al contrincante. La acertada iluminación, por momentos estridente y en otros ocultando difíciles situaciones personales, termina por construir el clima deportivo. Éxito sí, fracaso nunca, sin olvidar que además representan a una importante institución.

Voley, la final construye un discurso verbal y corporal desde distintas aristas sobre una temática que nos interpela como sujetos sociales que somos. Con la exigencia deportiva y la precisión del musical podríamos decir que otra vez, en su segunda temporada, ganaron por goleada. Voley_A-Azucena Joffe

Ficha técnica: Voley, la final. Idea original: Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano. Libro: Nicolas Manasseri. Música original: Alejandro Roig. Coreografía: Fernanda Provenzano. Equipo femenino: Maria Luz Gomez Oliva. Josefa Vergara, Ana Julia Franco, Amparo Aznarez, Florencia González. DT femenino: Martina Zapico. Equipo masculino: Nicolás Manasseri, Matías Asenjo, Federico Rodríguez, David Okada Caldas, Joaquín Batista Yaber. DT masculino: Mario Angelomé. Diseño de Arte y Escenografía: Mil Ideas de Arte. Diseño de Luces y Sonido: Santiago Muñoz. Diseño gráfico: Florencia Cheuquepan – Funboy Productions. Diseño de Vestuario y realización: La Costurera Teatro. Dirección de actores: Nicolás Manasseri. Dirección de movimiento: Fernanda Provenzano. Dirección musical: Alejandro Roig. Asistente de producción y de dirección: Ramiro Manrique. Asistente general: Bruno Olivieri. Web: Mil Ideas de Arte. PH/ edición y video: Natalia Pinilla/ Nahuel Lozano – Funboy Productions. Puesta en escena: Nicolás Manasseri/ María Fernanda Provenzano. Dirección general: Nicolás Manasseri. En el Cultural Freire. 2da Temporada. Duración: 60’.

Juicio a la zorra de Miguel del Arco

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Juicio a la zorra de Miguel del Arco

La historia desde la subjetividad de una mujer

El mirarse desde la mirada del otro

000188214 helena María de los Ángeles Sanz

El caballo de Troya es la escenografía que nos aguarda cuando ingresamos a la sala de Timbre 4 para ser los espectadores de la pieza de Miguel del Arco, Juicio a la zorra (2011), un caballo de feria forrado de papelitos brillantes que conforma una escalera, por la que el cuerpo de la actriz se desplazará así como por el resto del espacio vacío. De un costado de ese escenario, aparece el menudo cuerpo de la actriz, Paula Ransenberg, y su criatura, la Helena famosa, que se excusa por su aspecto luego de los siglos pasados; ya no es la radiante mujer de entonces, sino un alma que arrastra la eternidad. La obra se basa en el relato mítico, en la historia por todos conocida, la que cantaron dramaturgos y poetas, para desde ese lugar decirnos una nueva versión de los hechos, demostrarnos la impronta del patriarcado, y de la figura de la mujer cosificada, construida como objeto para todos, incluso para las mujeres que la rodearon en aquellos años de vicisitudes. Los hechos no han cambiado mucho con el correr de los siglos; por eso la sucesión de palabras en boca de la actriz hablan de un personaje universal, a pesar de su individualidad histórica. La dirección de Corina Fiorillo, elige presentarnos una Helena en permanente desequilibrio físico, metáfora del emocional, bebiendo el elixir del olvido, que conversa con su padre Zeus, con quien se muestra a la vez, irreverente pero frágil. Una elección, que le quita fuerza al alegato de la mujer, de la fémina en su mirada ancestral, para presentarla demasiado vulnerable. En contraposición, un padre que responde desde una luz tronadora. La actriz despliega con una muy buena performance lo que la dirección sugiere y, con matices de humor en un principio, deja en claro la certeza de saberse una víctima propiciatoria, así como otras mujeres a las cuales la palabra, el discurso, las eternizó pero desde la mirada masculina. El vestuario, no es lo cómodo que debiera ser para el desarrollo de los movimientos que la actriz resuelve en escena, desde la platea se ve como que apresa el cuerpo pero no aporta facilidad para la circulación por el espacio. Si la idea era presentarla como algunos la recuerdan, como la zorra de la historia pero en decadencia absoluta, otras opciones que evitarán que Ransenberg estuviera pendiente de él, son posibles. Quién cuenta la historia, se preguntará el personaje más de una vez a lo largo del recorrido de su monólogo. Si la historia la cuentan los hombres, la voz femenina, acallada por el trueno paterno, exige de algún modo ser reivindicada, reconstituida, para expresar siglos necesita incontinencia verbal. Miguel del Arco entiende eso cuando construye su monólogo, y hace que su personaje deambule por los pasillos de la historia, en una ida y vuelta que es una cinta de moebius. Una temática que tiene en el campo el centro del protagonismo; la mujer y la búsqueda de su descosificación necesaria, para encontrarse a sí misma. El texto nos advierte que esa lucha es tan eterna como el agua y el tiempo, y que necesita que la antorcha que la sostiene, no deje nunca de arder. 000188218 Helena

Ficha técnica: Juicio a la zorra de Miguel Del Arco. Intérprete: Paula Ransenberg. Asistencia de dirección: María García de Oteyza. Asistencia de escenario: Matías Fernández. Diseño de iluminación: Ricardo Sica. Asistencia de iluminación: Diego Becker. Diseño de escenografía y vestuario: Gonzalo Córdoba Estévez. Diseño de maquillaje: Norbi González Moreno. Realización de escenografía: Tramoyistas. Fotografía y diseño gráfico: Francisco Castro Pizzo. Prensa: Antonella Santecchia. Producción: Jonathan Zak, Máxime Seuge. Dirección: Corina Fiorillo. Sala México de Timbre 4. Duración: 60 minutos.

Los días de la fragilidad de Andrés Gallina

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Los días de la fragilidad de Andrés Gallina

Del romance del Mudo poeta con la Goleadora del Club Atlético Once Unidos, en Miramar, en invierno1.

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Los dias de la fragilidad.P-AzucenaJoffeLos días de la fragilidad la pieza dirigida por Fabián Díaz, tiene la virtud de entramar dos amores, la pasión futbolera y el amor de pareja; lo hace a partir de que ambas pasiones están juntas en sus protagonistas, están dentro de cada uno de ellos. Ella es la voz de ambos, porque él tiene la dificultad de no poder gritar ni un gol, porque es mudo, pero la mujer no sólo lo enamorará por su forma de jugar, sino porque además es la voz de un silencio que lo ahoga. En un espacio, que se asemeja a una cancha, ella dentro, él afuera, se miden entre miradas y palabras no dichas, para establecer una relación que no pueden evitar a pesar de la distancia. Los personajes encuentran una excelente performance en los actores, que hacen no sólo verosímil su historia, su íntima historia de amor, sino que logran que como espectadores recorramos un sinfín de sensaciones, hasta la risa, porque también hay humor, la duda, y la empatía con ambos. Desde el cuerpo, y la palabra que discurre como monólogo interior en el personaje de Moschner, las tensiones son desde la proxemia y la gestualidad de los personajes expuestas con talento. Una disposición espacial que hace posible que las palabras tomen espesor, y vivamos en la coreografía que recorren los cuerpos, una certeza. Miramar, pero no la de las vacaciones, llena de turistas, de gente de paso, sino la ciudad natal del autor, la que se vive en sus pequeños relatos cotidianos y le da a la escritura la fuerza de una crónica. Poeta y dramaturgo sentimos como también ambas formas de escritura se cruzan en la pieza y nos plantean una atmósfera por momentos onírica, fuera de la realidad concreta, atravesada por los ojos que ven la poesía de las cosas cada vez que miran lo cotidiano.

Una historia que parece tener la simplicidad de lo cotidiano pero que Manuela Méndez (La goleadora) e Iván Moschner (El mudo) le otorgan una textura poéticamente visceral.los_dias_de_la_fragilidad_foto_de_muma_casares Donde cada palabra y cada silencio es como la bruma de ese mar tan presente. Donde la mirada cómplice y el roce, a veces imperceptible, de los cuerpos van construyendo un relato intimo que, como la luz diurna se filtra en la sala, nos envuelve más allá de nuestro cómodo sitio e ingresamos a la ficción en un invierno cualquiera…

Hoy no pude de mirarte

desde el corazón de la popular local

te miré todo el tiempo a vos…

Me clavé a la reja

y si hubiese tenido voz

el grito habría salido con la fuerza

de uno de esos temporales

que en pleno invierno se llevan

los balnearios adentro del mar. (2017: 159)

Ficha técnica: Los días de la fragilidad de Andrés Gallina. Dirigida por Fabián Díaz. Con: Manuela Méndez e Iván Moschner. Música en vivo: Patricia Casares. Escenografía y vestuario: Isabel Gual. Iluminación: Facundo David. Música original y diseño sonoro: Patricia Casares. Letra de Entre las olas de Andrés Gallina y Matías Moscardi. Asistencia de dirección: Naiquén Aranda. Realización de escenografía: Facundo Guerreschi. Fotografía: Muma Casares. Diseño gráfico: Santiago Moscardi. Prensa y Difusión: Carolina Alfonso. Estreno: 02/09/2018. Duración: 55’. Funciones: domingos 17 hs. Reservas únicamente: losdiasdelafragilidad@gmail

Bibliografía

Gallina, Andrés. (2017). “Los días de la fragilidad” en Teatro/18. Concurso Nacional de Obras de Teatro. (pp. 157-197). Buenos Aires: Inteatro.

1 De gacetilla de prensa

 

El último viaje de Mathieu Orcel

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El último viaje de Mathieu Orcel

Nuevo film del director francés producido por Kôn Sud Productions con el apoyo del INCAA

EL ÚLTIMO VIAJE.P-AzucenaJoffeLeticia Coseani, Azucena Ester Joffe

El 28 de septiembre se realizó la Avant Première de El último viaje, en el Colegio de Abogados. Posteriormente con dos funciones, sábado y domingo, se presentó en el Museo del Cine. Para el próximo 3 de octubre está previsto su estreno nacional en la Plataforma CINE.AR. Su director, Mathieu Orcel, desarrolla proyectos de cine documental para las salas de cine y numerosas señales de televisión, de ambos lados del Atlántico”1.

Tres mujeres salteñas –Marta, Elena y Angélica- con realidades distintas, emprenden un largo viaje desde Salta a Chapadmalal a través de un programa de turismo social. Ninguna de ellas conoce el mar y aunque sus historias de vida son diferentes tienen en común la postergación, a lo largo de los años, de sueños y proyectos en pos de otras necesidades -familia, hijos, nietos…- que han privilegiado en sus vidas. El viaje se prepara con gran ilusión mientras una cámara “cómplice” acompaña la intimidad de esos momentos previos que se nutren de profundos recuerdos, vivencias reveladas por ellas mismas con emotividad. Luego el recorrido se puebla de imborrables momentos junto al mar en la grata compañía de nuevas amistades. Así, este viaje tan anhelado, el primer viaje al mar, se transformará en una vivencia que enriquecerá para siempre la vida de estas mujeres de más de 70 años y también de sus familias.

La realización del film brinda una oportunidad única de participar como espectadores de este relato gratificante que nos deja una reflexión importante: nunca es tarde para disfrutar lo que la vida puede ofrecernos. Es imposible no anclarnos en cada historia particular, con la sonrisa y la emoción a flor de piel podemos asegurar que no hay lugar para la tristeza, todo lo contrario, cada arruga tiene una textura especial gracias a la espontánea e intima participación de tres grandes protagonistas.

Mathieu Orcel comentó en un entrevista televisiva que este film es su segundo documental sobre la tercera edad, porque le interesa visibilizar a este sector tan vulnerable que ha quedado afuera del sistema. Una mirada que, lamentablemente, compartimos pues en nuestra actual coyuntura a diario son arrebatos los derechos de los jubilados.

Prensa: Mutuverría – PR + MEDIA + CM

1Según gacetilla de Prensa

Operación Nocturna de Pompeyo Audivert

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Operación Nocturna de Pompeyo Audivert

(Fuente Trelew 22 de Agosto)

Yacentes en los estratos del Sistema Penal Teatral Federal Sindical de la República Argentina, la muchachada Trelew 22 de agosto planea nuevamente su fuga histórica, la táctica hoy es perder el nombre y equivocar la ruta, el objetivo: desembarcar en el presente adyacente bajo nuevas identidades…1

000186390Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La Historia del pasado reciente, y una pieza de nuestro clásico teatral: Los derechos de la salud de Florencio Sánchez, conforman una textualidad compleja, ya que sus personajes producen la imbricación entre los hechos y los lugares de aquella instancia que terminó en tragedia, con las voces y las palabras de los diálogos de Los derechos de la salud, para desde la metáfora surrealista que la presencia de ambas textualidades crean, nos puedan dar una pista de este presente de dolor e incertidumbre. La enfermedad de Luisa y su calvario que la aleja del amor de su familia, la enfermedad de Eva y su muerte, la desaparición de su cuerpo son una metáfora que Audivert cruza, ante la mirada de un pueblo que reclama la presencia de la líder, como la madre de todos los humildes. Los sucesos trágicos de Trelew y el sindicalismo que traiciona, es también una metáfora de nuestros tiempos atravesados por el desencanto sobre aquellos que deberían defendernos. Las voces del pasado llegan desde la historia: Quiroga y desde el teatro, Podestá, un payaso iniciador de nuestra tradición en el campo del teatro del siglo XX, pero siniestro en su traje que contiene una calavera. Representación, de la representación de nuestra identidad, una subjetividad construida a retazos, a momentos inconclusos, llenos de tragedia, sangre y muerte que aparecen en escena de la mano de una cura que no aparece, de una salud que no retorna. Pompeyo Audivert pone en acto, en escena, su poética, la que conforma a partir de una escritura escénica, que le debe mucho al surrealismo, y que trabaja con el collage de las palabras y las acciones, territoritoralizando los personajes para que sean reconocidos por el espectador, pero al mismo tiempo sacándolos de esa situación conocida para lograr desestabilizarlo al mismo tiempo. Desde la variación de los gestos y el entrecortar de las palabras, la coloridad de una voz que se atreve a tonos que disocian el texto y la acción; de esa manera la textualidad se disfraza a través de una sintaxis que esconde para decir, y dice para esconder.

La escritura dramática, Pompeyo Audivert, y la escénica, Audivert y Fernando Khabie, a modo de un nudo borromeo en términos de real/ imaginario/ simbólico– convocan a nuestra memoria privada y colectiva. En el espacio lúdico, los límites se expande como si el entrecruzamiento de las distintas coordenadas espaciotemporales fueran imposibles de controlar. El sólido elenco le otorga la carnadura perfecta a cada criatura que, desde el inicio, tienen la fuerza interpretativa que requiere la situación dramática. El acertado vestuario contribuye a esa temporalidad suspendida que nos interpela. La particular iluminación cumple un rol dramático al reforzar la pregnancia visual de cada escena, contrastes lumínicos que focalizan nuestra atenta mirada. Luz y sombra, presencia y ausencia, lleno y vacío, historia y presente, un suceso real y el artificio,… En última instancia: vida y muerte. Un hecho teatral sin fisuras y por demás interesante.

Ficha técnica: Operación Nocturna de Pompeyo Audivert. Elenco: Susana Herrero Markov (Luisa), Ivana Zacharski (Renata), Gustavo Saborido (Ramos), Amalia Di Núbila Salerno (Mameca), Ramiro Alvarez Peña (Pololo), Adrián Túfolo (Podestá – Sosa), Milagros Fabrizio (Dorita), Andrés Buzzurro (Pepino), Fernando Arfuso (Quiroga), Yasmina Cura (Romina). Asistentes de dirección: Florencia Vincentelli, Andrea Cabanellas. Escenografía y Vestuario: Toribia Choque. Diseño gráfico: Alejo Kolinski. Música: Claudio Peña. Fotografía: Gabriela González. Prensa Operación Nocturna: Florencia Vincentelli / Verónica Costa. Dirección general: Pompeyo Audivert, Fernando Khabie. El Camarín de las Musas. Estreno: Agosto de 2018. Duración: 75’. Funciones: lunes 21 hs.

1 Según programa de mano

 

 

Elipsis Experiencia Paranormal de Ana Dimoulas y Wanda Mara Fontenla

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Elipsis Experiencia Paranormal de Ana Dimoulas y Wanda Mara Fontenla

Obra teatral con juegos interactivos

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

000189731En una casasala del barrio de Belgrano, un grupo de actores presentan una obra que contiene pequeñas piezas, a las que aúna la búsqueda del criminal, o de las víctimas, dentro de un espacio laberinto, donde todo se convierte en una posibilidad y un desafío. Como en una feria de horrores, la gitana nos lleva a formar dos grupos, para una competencia que abarcará el recorrido por las habitaciones, donde diferentes propuestas, nos permitirán sentir la tensión de un tiempo que corre en un reloj de arena, que nos va acechando junto a los monstruos que nos rodean para evitar que encontremos con facilidad las pistas que nos llevarán a descubrir el asesino. Desde una sala que guarda su misterio hasta un jardín al fondo que podría ser un cementerio; el tránsito será diferente a todo lo vivido en el ámbito de la representación. Construcción de monstruosidades, como en un tren fantasma, pero donde el movimiento lo pone el cuerpo del público, que asiste sala a sala a un nuevo relato, donde su presencia, lejos de ser pasiva es necesaria para la resolución de esa parte del trayecto. Un thriller para espectadores detectives.

Ficha técnica: Elipsis Experiencia Paranormal de Ana Dimoulas y Wanda Mara Fontenla. Actúan: Ignacio Bernárdez, Florencia Rocio Bogado, Ana Dimoulas, Diego Echevarría, Gabriel R. Echeverría, Wanda Mara Fontenla, Yarik Herbstliche, Gabriela Ibarguren, Matias Staconis, Nadia Verón, Camilo Villate, Sirey Zabeth. Vestuario: Ana Dimoulas, Gabriel R. Echeverría, Wanda Mara Fontenla- Escenografía: Ana Dimoulas, Gabriel R. Echeverría, Wanda Mara Fontenla. Iluminación: Ana Dimoulas, Gabriel R. Echeverría, Wanda Mara Fontenla. Maquillaje: Florencia Bogado, Ana Dimoulas, Wanda Mara Fontenla, Nadia Verón, Sirey Zabeth. Efectos especiales: Encripta FX. Diseño gráfico: Ana Dimoulas. Asistencia De Producción: Carolina Nicolini. Producción: Ana Dimoulas, Gabriel R. Echeverría, Wanda Mara Fontenla, Rodrigo Perez Teves. Dirección: Ana Dimoulas, Wanda Mara Fontenla. Composición: Tomás Alves. En Inbocca Luppo. Duración: 60’. Funciones: viernes y sábados 20:00 hs, 20:30 hs, 21:00 hs, 21:30 hs, 22:00 hs y 22:30 hs.

***

Cordialmente Ana Dimoulas respondió a nuestras preguntas:

Ana, ¿cómo surge esta interesante propuesta?

En Boolebu, productora de contenidos, siempre tratamos de innovar con nuestros proyectos. El año pasado, junto a mi codirectora, Wanda Fontenla, teníamos en claro que queríamos realizar un nuevo producto que fuera destinado exclusivamente a un público adulto. Algo que divierta y logre captar la atención de los espectadores. Pensamos en realizar una obra con circuitos eróticos, pero luego llegó la noticia del embarazo de mi colega y todo cambió… Creímos que con un bebé a bordo ya no correspondía llevar a cabo ese proyecto, por lo menos este año.

Con ella somos realmente fans de los juegos de escape y hemos visitado casi todos los escape rooms de CABA, en nuestros tiempos libres. Un día, luego de salir de uno de éstos, se me prendió la lamparita y le propuse a Wanda realizar una obra de teatro interactiva con recorridos. Una casa del terror, como las que estuvieron de moda en los 90’, pero con juegos de escape incluidos. De esta manera tendríamos un producto destinado tanto a adultos como a adolescentes.

Una idea distinta y divertida…000189741

Al principio la propuesta fue tomada como un delirio, aunque también generaba curiosidad el hecho de producir un nuevo formato artístico al que podemos titular como “obra teatral lúdico interactiva”. Hasta el día de hoy pensamos que es un delirio, pero luego de haber hecho pruebas y ver la repercusión en las reservas de entradas entendimos que este delirio funcionaba… Nunca antes nos había pasado de sacar un producto artístico y que a un mes de su estreno se agotaran las localidades. Debimos agregar funciones en noviembre e incluimos algunos viernes a pedido del público. Además podemos decir que hemos logrado nuestro objetivo: lograr que los adultos jueguen y se diviertan como niños.

¿Es la primera experiencia del grupo?

Con Wanda Fontenla venimos trabajando desde el año 2014, y juntas llevamos a cabo la dirección, producción y actuación, entre otras cosas, de seis espectáculos hasta el día de la fecha. Luego fuimos incorporando gente a la producción, equipo técnico y elenco. Algunos integrantes se fueron repitiendo, en algunas ocasiones, y otros nos abandonaron en el camino. Nos gusta trabajar con los actores que ya conocemos pero, a veces, por distintas cuestiones se hace difícil.

Hoy contamos con la presencia de dos pilares fundamentales dentro de nuestra producción, Gabriel Roberto Echeverría y Rodrigo Pérez Teves, constituyendo así una sociedad de cuatro integrantes. Las mujeres nos encargamos del área de dirección y junto con los chicos resolvemos las cuestiones de las producciones.

¿Se modifica la respuesta del participante dependiendo de su edad?000189743

Por su puesto, sin duda. El público teen es el que entiende mejor los juegos, ya que ha nacido en una era tecnológica inundada de este tipo de contenidos, de los videojuegos. Los adultos, al principio, se sienten desconcertados aunque luego la adrenalina los hace concentrarse y olvidarse de sus verdaderas edades.

¿Qué te comentan, en general, una vez finalizado el recorrido?

Casi todas las críticas o comentarios que hemos recibido son positivos… Mayormente realizan preguntas sobre los enigmas que no han logrado resolver pero intentamos no contar mucho, ya que la idea es que vuelvan y los resuelvan por sus propios medios.

Es un espectáculo preparado para que los participantes puedan asistir más de una vez, ya que existe la posibilidad de hacer el recorrido con el Equipo azul (vampiros) o con el Equipo rojo (gitanos), y cada uno le dará a los espectadores una visión diferente de los crímenes que han sucedido en la casona de Vicente Etchegaray. Además, una vez dentro ingresamos por diferentes salas, con diferentes historias y enigmas…

¿Qué le sugerirías a los futuros participantes?

Como codirectora, mi recomendación es que si se anotan en el Equipo azul y hacen el recorrido del grupo A, luego se anoten en el Equipo rojo y lo realicen con el equipo B, o viceversa. Es decir, que se anoten en el azul y hagan el B y luego que con el rojo escojan el grupo A.

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Elipsis Experiencia Paranormal en Inbocca Luppo; los viernes y sábados 20:00 hs, 20:30 hs, 21:00 hs, 21:30 hs, 22:00 hs y 22:30 hs

 

Rojos, globos, rojos de Eduardo Pavlovsky

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Rojos, globos, rojos de Eduardo Pavlovsky

De cómo vencer el dolor del fracaso.

FOTO 3 (1)Lita LLagostera – escena3@yahoo.com.ar

Pavlovsky es una marca indeleble; es un sello que no necesita casi presentación.

Está en múltiples Ensayos y en innumerables sitios: en los claustros universitarios, en los reductos académicos como psicoterapeuta – entre psicoanalistas y buceadores del pensamiento _ en las letras de sus textos dramáticos, en el recuerdo de sus múltiples y agradecidos pacientes, como dramaturgo, actor y director destacado.

El espectáculo que nos ocupa “Rojos, globos, rojos” es un ramillete de ideas, situaciones, palabras, silencios que se desprenden de su dramaturgia. Fragmentos ensamblados de la dramaturgia Pavloviana se entrecruzan con los parlamentos de algunas de sus obras: Cerca (Melodía inconclusa de una pareja); La muerte de Margaritte Duras; en Camaralenta (Historia de una cara) entre otras. Esta versión de “Rojos, globos, rojos,” es “Pavlovsky y no es “Pavlovsky “: así, como los hijos y nietos tienen gestos de sus padres, del mismo modo los personajes de esta adaptación tienen en sí mismos un inaugurado sello de identidad, que los une y a la vez los distancia de su matriz original.

¿En qué consiste esta originalidad de la adaptación? En exponer a través del personaje de Cardenal, protagonista absoluto de la historia, las obsesiones, preocupaciones, sentimientos y emociones que Pavlovsky desgranó en otros personajes de su dramaturgia. Adaptación que con acierto realizó Christian Forteza

A partir de la explicitación del conflicto central de la historia – el cierre del teatrito “Los Globos rojos” – se desgrana la tragedia de un actor en decadencia del que iremos conociendo desde su formación actoral hasta su fracaso presente. Desgrana a lo largo de sus parlamentos, ensamblados entre anécdotas que se remiten a su pasado, palabras cargadas de significación: “miedo al abismo”; “No actuar significa morir de vacío”; “Envejezco y grito fuerte para no morir”; Reflexiona acerca de la idiotez de los funcionarios, de la pedantería de los porteños, la soledad, el fracaso….

Jorge Lorenzo como Cardenal ocupa la escena y proyecta hacia los espectadores el histrionismo que supimos conocer de esos cómicos a los que alude desde su personaje. Subyugaban a una platea que se nutría de anécdotas, chistes y alusiones políticas con el propósito de entretener y en ocasiones instar a la reflexión. Su “Cardenal” es convincente; logra el equilibrio justo para incitar a la sonrisa a partir de relatos ensamblados acerca de su vida como actor hasta su inexorable decadencia. El sentimiento de pesar que provoca en la platea es paulatino, sus exaltadas alocuciones iniciales cargadas de optimismo devienen paulatinamente en medios tonos que refuerzan el sentimiento de melancolía, tristeza, dolor y miedos que sugiere el texto.

Las Popis se ubican en el centro de la escena a los costados de Cardenal, estilizadas como personajes de espectáculos de varieté, contrastan en sus intervenciones con el registro realista – naturalista de Cardenal. A medida que transcurre la acción sus parlamentos de neto estilo expresionista van alternando con referencias concretas acerca de la historia de Cardenal, sus vivencias más íntimas y algunos pasajes de su vida que las involucran. Las dos son la síntesis de un solo personaje: Las Popis bien pueden ser “La Popi”, y este juego con los personajes agiliza el texto, lo fluidifica y contribuye a reforzar la teatralidad y el dinamismo de algunos pasajes de la obra. La dicción clara, precisa, expresiva cuando se requiere, o impersonal y distanciada cuando se potencia lo absurdo de los dichos, es un mérito incuestionable de Gabriela Perera y Lorena Penón; quienes contribuyen de este modo a reforzar la significación de los textos. Asimismo, es destacable la expresividad de sus cuerpos y rostros que subrayan la intencionalidad de los parlamentos.

El espectáculo se jerarquiza por la cuidada dirección de Christian Forteza quien refleja con acierto el mundo de Pavlovsky sin traicionar su visión personal. Admira al Maestro y sin alejarse del mismo lo revitaliza y actualiza en este nuevo presente escénico.

Las Popis del texto original de “Rojos, globos, rojos “de Pavlovsky se adensan y completan en esta puesta en escena, dan cuenta de una identidad bosquejada, dibujada en el escenario a través de la dualidad que las define – unas y una / personas y recuerdo/ partenaire del teatrito que las hospeda. Devienen en personajes / e: mérito indudable del texto y las actrices que las corporizan.

Jerarquiza la puesta en escena la impecable iluminación, vestuario y música del espectáculo.

Como expresé anteriormente el dejo de tristeza, angustia, miedo a la muerte, sentimiento de fracaso y melancolía que recorren la historia de Cardenal no deja en el espectador la sensación de vacío y de frustración. La situación actual de Cardenal es angustiante, van a cerrar el teatrito y de ahora en más su futuro es incierto. No obstante, a pesar de todas las dificultades Cardenal apuesta obcecadamente a la “resistencia”. Resistirse a cerrar el teatrito, resistirse a luchar por sus utopías. Unas palabras que incluye Christian Forteza ofician a manera de un guiño esperanzador hacia el espectador, y a ellas me remito. ¿Quizás esas palabras nos ayudarán a vencer el dolor del fracaso?

Pipi y Pepi: (Mirando al público las dos)

PIPI: Algo pasa con la gente. Algo pasa con las palabras. Decimos palabras y las palabras no nos unen, nos separan. Forman puentes que nos separan. Cada minuto que pasa el proceso revolucionario se detiene y nosotros acá, jugando y pasando el tiempo.

PEPI: Se acabó la época de los matones a sueldo, de los grandes psicópatas de la tortura. Llego la época de los ideólogos de la filosofía de la libertad. (ª)FOTO 2

Ficha técnico artística: Rojos, globos, rojos. Autoría: Eduardo “Tato” Pavlovsky Adaptación: Christian Forteza Actúan: Jorge LorenzoLorena PenónGabriela Perera Vestuario: Mario Pera. Diseño de luces: Horacio Novelle. Música original: Elena Avena. Fotografía: Sebastián Ochoa. Asistencia de dirección: Julio Pallares. Puesta en escena: Christian Forteza. Dirección: Christian Forteza. Centro Cultural de la Cooperación – Caba

( ª ) Texto de Pepi: Del Prólogo de Potestad de Eduardo Pavlovsky – Editorial Galerna – Año 2001

Larreta prohíbe el candombe en San Pedro Telmo

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Larreta prohíbe el candombe en San Pedro Telmo

descarga candombeMaría de los Ángeles Sanz

Las tardecitas de domingo en San Telmo tienen eso no sé qué: turistas caminando por el empedrado, cada vez menos empedrado, de sus antiguas calles, puestos de artesanos ofreciendo el trabajo de sus manos y su imaginación, bares y cervecerías, el último hallazgo neo – liberal para combatir el desempleo, y la nostalgia del pasado en las tiendas de antigüedades, que las hay y muchas, cada una con su estilo, compitiendo con los nuevos diseños del pop en adelante. Pero sobre todo, a la siete más o menos de la tarde, el sonido inconfundible de los tambores y tamboriles era una invitación al movimiento, a dejar que el cuerpo haga lo suyo y se exprese al compás de una música que hierve en la sangre, y nos lleva hacia adelante junto a los otros sin que entendamos mucho cómo, pero allí estamos mezclados con la gente que no conocemos pero que no importa porque como en las marchas por nuestros derechos, el de al lado es un compañero. A esa comunión de cuerpos y almas, le llega un edicto municipal de la mano de Enrique Larreta, de prosapia apellido, para determinar su prohibición y dejar al barrio de San Telmo sin su espíritu africano, argento africano, sin parte de su historia, la de todos, la musical, y la otra, la que nos recuerda nuestro pasado, de aquellos que contribuyeron con su sangre, con su vida a construir nuestra identidad nacional. El candombe fue reconocido por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, con lo cual ya tiene podrías afirmar carta de ciudadanía planetaria, ¿qué significa que nosotros que hemos disfrutado junto a tantos turistas, durante tantos años del candombe y de la maravilla de un disfrute artístico colectivo, tengamos ahora que aceptar que no va más? Pero el edicto no contó con la voluntad popular, y tras la infame consigna todo el barrio salió más temprano que tarde a demostrar que nadie les puede negar a los vecinos una alegría. El candombe estuvo invisibilizado por años, y luego más allá de usarse su música en otros géneros, salió a la luz sobre todo en Buenos Aires en los barrios del Sur como San Telmo. Hasta no hace mucho, la misma Municipalidad de CABA te invitaba a participar gratuitamente de las llamadas, donde las comparsas competían entre sí, de forma gratuita, y te daba instrucciones para que no te perdieras ninguno de los pasos que componían la pasada. ¿Estuvo prohibido antes? Si la última dictadura cívica – militar lo hizo junto al carnaval, y a cualquier manifestación colectiva en la vía pública. Qué triste, que volvamos a usanzas de un tiempo nefasto en democracia; pero hemos aprendido mucho desde entonces, y el arte es necesario para el alma, sobre todo cuando las alegrías escasean como ahora.

Universo Bali y Escaleras sin fin de Margarita Bali

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Margarita Bali

Presentación de Universo Bali. Danza y Audiovisual y el estreno de Escaleras sin fin

Azucena Ester Joffe

El pasado 20 de septiembre, en la colmada sala Auditorio del Museo Nacional de Bellas Artes, tuvo lugar la Presentación del volumen Universo Bali. Danza y Audiovisual y el estreno, en Argentina, del videodanza Escaleras sin fin. Un evento que, más allá de contar con el perfecto marco de la Institución, en concordancia con la artista, fue afectuoso y de agradecimiento de todos aquellos que acudieron a la cita. Con una trayectoria indiscutible, Margarita Bali, según afirma su editora:

Construye un modelo de creación en el que convergen en un doble vínculo la vida personal, privada y lo artístico, lo público […] Hay un modo de construir el arte como artesana (…) y como artista que maneja con maestría los dispositivos tecnológicos, que realiza obras interactivas y “mapping” arquitectónicos. (Torres, A, 2018: 8)

Escalera sin fin.F-A.JoffeEn primer lugar, se proyectó Escaleras sin fin, videodanza site specific filmada por Bali durante su residencia artística de dos meses, durante el presente año, en la Universidad de Washington, en Seattle, con una Beca Arthur W Mellon. Una obra coreográfica en diálogo con determinada arquitectura, un preciso “montaje de recortes”, de movimientos atrapantes, en un material que nos permite la libertad de involucrarnos como simple mortales que somos. Un entramado creativo de potentes imágenes que se yuxtaponen, a partir de diferentes escaleras -antiguas y nuevas, mecánicas y tradicionales, rectas y espiraladas, internas y externas,… Estructuras que se duplican y se conectan en un movimiento atemporal que podría responder a mundos paralelos y que, a su vez, contiene otros movimientos en un continuum que tiene la precisión del talento.

Universo Bali.P-A.JoffePosteriormente, se realizó la Presentación del libro Universo Bali donde acompañaron a la coreográfa y bailarina: Gabriel Gendin, Mariela Yeregui, Gabriela Prado, Silvina Szperling, Fabián Muggieri, Alejandra Torres, Graciela Taquini y Rodrigo Alonso. También estuvieron presentes en el Auditorio muchos de los especialistas convocados a colaborar desde la escritura en dicho libro. Un volumen que requiere de un lector ávido y comprometido con el arte contemporáneo, para poder disfrutarlo estéticamente en un recorrido que no es ni lineal ni azaroso. La minuciosa e impecable edición, donde cada apartado cuenta con sus correspondientes fotografías, convoca no sólo a intérpretes, técnicos, …, que participaron en cada obra sino también a los espectadores de las mismas.

Marga”, como le dicen los más cercanos, es dueña de un inagotable estilo y de una energía en constante circulación que, con el carisma que la caracteriza, aglutina a distintos hacedores de las artes escénicas.

Plasmar en el soporte libro una obra cuyo eje es el movimiento: la danza y el audiovisual, es por un lado, un desafío y por otra, la dimensión material del impreso nos permite ver, retrospectivamente, su colosal trayectoria, el trabajo ininterrumpido, los recorridos e interés. (9)

Dos obras interesantes e indispensables para nuestro arte, en general, y para los amantes de la danza contemporánea, en particular, que tienen la textura de la identidad creativa de Margarita Bali.

Escaleras sin fin

Dirección y edición: Margarita Bali. Asistente de Dirección y Producción: Hallie Scott. Música: Ex-Machina Carlos Sánchez Gutiérrez. Cámaras: Rachel Lincoln y Margarita Bali. Vestuario: Michelle Lesniak. Bailarines: Leslie Kraus, Rachel Lincoln, Juliet McMains, Brandin Steffinsen, Pam Olson, Seraphina Shi, Zack Rahman, Kyki Li, Katherine McCool, Hallie Scott, James Fesalbon, Za Thomaier, Fausto Rivera, Robert Moore, Tessa Magnuson, Connie Villenes, Leah Russel, Timothy Johnson, Sophia Arnall, Dolly Huang, Imana Gunawan, Austin Nguyen, Jordan Rohrs, Pamela Schick y Raymond Wolf. https://www.facebook.com/148052891958884/posts/escaleras-sin-fin/1699823646781793/ [22/09/2018]

Universo Bali. Danza y Audiovisual

Concepto y edición: Alejandra Torres. Textos: Rodrigo Alonso, Margarita Bali, Claudia Groesman, Edgardo Mercado, Silvina Szperling, Graciela Tanquini, Susana Tambutti, Alejandra Torres, Juan Vallejos y Mariela Yeregui. Diseño gráfico: Fabián Muggeri. Editado en Buenos Aires: 286 páginas.

Prensa: Simkin & Franco

El viento escribe de Enrique Papatino

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El viento escribe de Enrique Papatino

La verdad es siempre la construcción subjetiva de la memoria… (E. Dacal)

Afiche Prensa.AJoffeAzucena Ester Joffe

Una historia que podría ser particular y, sin embargo, aborda cuestiones éticas universales sobre la búsqueda de la “verdad” y de la revisión histórica, especialmente, en el ámbito académico. Viejas cartas de Newton, Pascal, …, que salen a la luz después de años de cautiverio, cuyo valor sería incalculable pues podrían cambiar la historia oficial de Francia e Inglaterra.

El espacio escénico está sutilmente divido en tres recintos poblados de gruesos volúmenes enciclopédicos, muchos de ellos atados cual corsert institucional. En el centro, un escritorio de época, sitio del director de la Academia Francesa (Victor Hugo Vieyra), quien se muestra reticente a ese saber que circula en las misivas y que ha quedado detenido en el tiempo. A su derecha, el ávido profesor de la Politécnica e investigador apasionado (Marcelo Nacci) que intenta llegar a la “verdad” a toda costa siguiendo pistas endebles. El gran desafío para cualquier “rata de biblioteca/ laboratorio”. Y, en el extremo opuesto, el lugar para dos personajes -realizados por el mismo actor- (Manuel Longueira)1: el oportunista ajeno a ese mundo de indagación y el perito en caligrafía.

El sólido elenco le otorga la textura precisa a estos seres, hombres no lejanos a nuestro presente. Un texto profuso por el cual los tres actores transitan con precisión y fluidez. El perfecto vestuario y cada elemento de la escenografía nos anclan en esa temporalidad requerida. En tanto, la acertada iluminación, sin estridencias, recorta cada ámbito con la intimidad que requiere la situación dramática. La dupla Papatino/ Dacal nos propone un interesante recorrido, un relato donde quedan trazos silenciosos que configuran una “verdad” dicha a media voz, para que cada espectador pueda hurgar en su memoria personal y también en la memoria colectiva. El viento escribe.Alt-A.Joffe

Ficha técnica: El viento escribe de Enrique Papatino. Con: Víctor Hugo Vieyra, Marcelo Nacci, Manuel Longueira. Escenografía y Vestuario: Julieta Capece. Luminotecnia: Lucas Orchessi. Producción ejecutiva: Paula Colombo – Cecilia Larumbe. Asistencia de dirección: Paula Colombo. Dirección: Enrique Dacal. Teatro Payró. Estreno: 07/09/2018. Duración: 75’. Funciones: viernes 20:30 hs.

1Quizá con menos cambio en el vestuario para diferenciar a ambos personajes la intensidad del relato no sufriría breves interrupciones, más allá de la cuidadosa actitud del actor.