Archivo de la etiqueta: C C de la Cooperación

La discreta enamorada de Lope de Vega

Estándar

La discreta enamorada de Lope de Vega

Una comedia de enredos ejemplar

ladiscretaAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Lope de Vega y su inacabable ingenio escribe La discreta enamorada en el siglo XVII, luego compondrá su El arte nuevo de hacer comedias, proponiendo un marco teórico a lo que se llamó: La comedia nueva, o la comedia tragicómica, que luego todos trataron de igualar1 tras el éxito de público que sus textos producían y que no era entendido por la Academia que quiso probar al dramaturgo pidiéndole que redactara la teoría que ya estaba afianzada desde la práctica. Lo hizo, y sólo fue reafirmar aquello comprobado.

(40) y cuando he de escribir una comedia,

encierro los preceptos con seis llaves,

saco a Terencio y a Plauto de mi estudio

para que no me den voces, que suele

dar gritos la verdad, en libros mudos,

(45) y escribo por el arte que inventaron

los que el vulgar aplauso pretendieron

porque como las paga el vulgo, es justo

hablarle en necio para darle gusto. (Perinelli, 2011: 333)

La propuesta de Santiago Doria, nos acerca al talento del dramaturgo del Siglo de Oro español, y lo hace recreando la fuerza de la palabra, sin una escenografía rebuscada2, sino buscando responder a la palabra como centro del trabajo como aconsejaba el autor en su tiempo y apostando a la composición de los personajes; es decir, confiando en su equipo de actores para darle brillo a una pieza reconocida del autor, una de sus comedias más conocidas. Respetando su lenguaje en verso, la agilidad de sus acciones, el procedimiento de los apartes, y con un vestuario que más allá de él nos remite al siglo XVII, la puesta nos deja como espectadores disfrutar de una historia de amor y enredos, donde la malicia y la lucha de los géneros no deja de estar presente. Las actuaciones cumplen con su performance con eficacia, y nos brindan un momento de brillante comicidad, aquella que atravesará los siglos para recordarnos sus recursos en nuestro teatro popular. Si bien hay una adaptación, la esencia del texto dramático se mantiene logrando un relato dinámico y con un tiempo justo. Los movimientos coreográficos, los continuos desplazamientos, la música que nos recuerda a la zarzuela y la melodía intrínseca de los versos construyen una narración que tiene su propia musicalidad. Más allá de la presentación de la obra y de su cierre interpretada de forma coral. En tanto la perfecta iluminación termina de crear ese universo de comedia en el cual la bella Fenisa intenta conquistar a Lucindo, mientras el Capitán Bernardo -padre de éste- pide la mano de la joven. Una puesta en escena que de forma acabada construye estos enredos amorosos para el disfrute del espectador.000157232

Ficha técnica: La discreta enamorada de Lope de Vega. Elenco (por orden aparición): Irene Almus (Belisa), Ana Yovino (Fenisa), Mónica D’Agostino (Gerarda), Mariano Mazzei (Lucindo), Pablo Di Felice (Hernando), Francisco Pesqueira (Doristeo), Gabriel Virtuoso (El capitán Bernardo). Asistentes de dirección: Gastón Ares y Jazmín Ríos. Asistente de iluminación: Sofía Montecchiari. Realización de sombreros: Traipi. Realización de vestuario: Stella Giorgio. Iluminación: Leandra Rodriguez. Vestuario: Susana Zilbervarg. Música Original: Gaby Goldman. Producción Ejecutiva Rosalía Celentano. Prensa: Haydée Marochi. Fotografía y diseño: Fernando Lendoiro. Dirección Santiago Doria. Centro Cultural de la Cooperación: sala Solidaridad. Estreno: 12/05/2017. Duración: 90′.

Bibliografía:

Perinelli, Roberto, 2011. Apuntes sobre la historia del teatro Occidental. Tomo 2. Buenos Aires: Instituto Nacional del Teatro.

Tal como dice Rozas, la doctrina de El arte nuevo estaba mediatizada por la ironía, la erudición y la fantástica experiencia de dramaturgo de Lope. A partir de ella todos se declaran sus discípulos, todos tuvieron El arte nuevo como bandera, como un texto que se conformará sólidamente como la Poética de la Comedia Nueva o Tragicomedia” (Perinelli, 2011: 331)

 

2 (…) en la compañía nadie ejercía el oficio de director teatral, al menos según la consideración que actualmente ha ganado el rubro. La dirección escénica dependía en absoluto del poeta; él, desde su texto, decía como debía montarse la obra. Las indicaciones, importantes e insoslayables, estaban incluidas dentro de los versos o en alguna magra acotación. De modo que los poetas de la comedia nueva imponían una manera de leer sus piezas, fácilmente decodificable durante el Barroco pero que suele complicar a los adaptadores y directores contemporáneos, que suelen cometer el error de forzar la voluntad dramática que late dentro del texto para generar dispositivos afines con una teatralidad moderna, que ningún modo, es la de aquellos tiempos. (Perinelli, 2011: 284)

La noche a cualquier hora de Patricia Díaz Bialet

Estándar

La noche a cualquier hora de Patricia Díaz Bialet

El erotismo de la palabra

000155703Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Mariano Dossena y Gustavo Pardi eligen con cuidado las voces y los cuerpos que pondrán en acción el conjunto de palabras que conforman el universo amoroso, el erotismo de la palabra que tan bien construye la poeta Patricia Díaz Bialet. Con una larga trayectoria en su haber, la escritora nos brinda un imaginario de sensualidad y de relaciones amorosas que se mueven en primera persona, utilizando todos los sentidos que son expuestos para un banquete de sabores sensoriales, de sonidos que acarician los sentidos. Una escena a fondo de un telón rojo sangre, y dos fotos de grandes dimensiones donde el cuerpo es protagonista, es el contexto que aguarda a los personajes que su imaginario irá construyendo a lo largo de los 60 minutos que dura la performance. El tejido de palabras voluptuosas se proyecta hacia la platea que con respetuoso silencio se deja atravesar por las ondas cálidas que produce el fino hilado textual. La música en escena de María de Vittorio y su saxo nos transportan y llevan de la mano las palabras que integran cada una de las poesías, que en la voz y la pregnancia de los tres integrantes de la puesta cobran un sentido tras la muy buena selección de los textos y su integración en tensión dramática. Pitonisa del deseo la autora, nos lleva por sus intrincados caminos, y nos invita a un recorrido personal que interpela nuestra memoria, nuestro recuerdo y el presente de la pasión. Un universo erótico, plástico desde las imágenes que forman parte de la escenografía, musical en las voces y los sonidos que acompañan y suman a las palabras de la poeta una magia que existía en ellas, pero que de ese modo vibran en escena y llenan el espacio. Los cuerpos de los actores son entonces instrumentos que se dejan atravesar por la musicalidad de los poemas de Díaz Bialet y logran transmitir al espectador la voluptuosidad que los recorre. Tanto Ana María Cores, como Florencia Carreras y Gustavo Pardi, se entregan a la presencia de la poesía y construyen un clima y personajes que transmiten la sensualidad requerida. Un momento donde comprobamos la relación imperiosa entre el teatro y la poesía, en la intensidad que ambos géneros producen desde la concentración y la búsqueda de imágenes que recuperen la memoria o la construyan a partir de la palabra. Una intensidad que se funde en las pequeñas historias amorosas, pasadas y presentes, con el glamour de la noche en algún club nocturno mientras el atractivo vestuario también se funde con la precisa iluminación en un relato que tiene su musicalidad interna, una pulsión de vida engendrada por Eros. Imágenes visuales y auditivas moldeadas por la dimensión poética, en sus distintas expresiones, que clausuran un hecho teatral “apasionadamente” perfecto.000155704

Ficha técnica: La noche a cualquier hora de Patricia Díaz Bialet. Adaptación: Mariano Dossena1 y Gustavo Pardi. Elenco: Ana María Cores, Florencia Carreras, Gustavo Pardi. Saxofonista en vivo: María De Vittorio. Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni. Realización de vestuario: Claudia Olivera. Música original y diseño sonoro: Gabriel Senanes. Entrenamiento vocal: Nancy Ocampo. Técnica de grabación: More Fernández Núñez – Estudio La Posada. Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco. Iluminación asociado: Martín Fernández Paponi. Prensa: Varas & Otero Comunicaciones. Diseño gráfico: En Diseño. Fotografía: Fuentes? Fernández. Asistencia oral: Natanaél Fernández. Asistencia de producción: Gabriela Benni y Emilia Nudelman. Producción artística: Pablo Silva. Dirección: Mariano Dossena. Centro Cultural de la Cooperación: González Tuñón. Estreno: marzo del 2017. Duración: 60′.

1Dossena volvió a aceptar el desafío de teatralizar poesía, y como en su anterior puesta en escena, Absorta y Desnuda, también logra la perfecta conjunción entre ambas artes:

https://lunateatral2.wordpress.com/2016/04/11/absorta-y-desnuda-de-leonor-manso-e-ingrid-pelicori/ [17/06/2017]

Macbeth , yo no me voy a morir de Jorge Eines

Estándar

Macbeth , yo no me voy a morir de Jorge Eines

Versión de Macbeth de William Shakespeare

Bruja 2: Después de que cese el estruendo, cuando se haya perdido y ganado la batalla

(W. Shakespeare)

000153554Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El fantasma de Macbeth y de Lady Macbeth nos ronda desde la textualidad shakesperiana hasta hoy; siguen vivos a pesar de los siglos porque sus deseos, ambición, crueldad y ansias de poder no han muerto para la humanidad. Con otros ropajes y otros rostros nos habitan, están entre nosotros, nos señalan el peligro de encontrarlos en nuestro camino. Eso podemos leer en la puesta que nos propone Jorge Eines en su versión de la dramaturgia del poeta inglés, y que ha tenido en los escenarios porteños infinidad de puestas y versiones. Tal vez la más reconocida, en estos últimos tiempos, haya sido aquella que Griselda Gambaro escribió: La señora Macbeth (2003). En esta oportunidad, la síntesis se establece desde el lado de la actuación; dos son las actrices que llevan adelante los personajes principales para la trama de la pieza, indispensables para la tensión dramática. En un escenario barroco en objetos a nivel del piso, debajo de un hatajo de telas se esconden los cuerpos de las brujas, que tienen una excelente performance de parte de las actrices, desde allí los cuerpos devienen en los sujetos principales de la historia: los Macbeth. Cada cubo que aparece en escena en sentido circular, carga sobre sí, la ropa que desde el exterior compondrá el personaje necesario, pero que dado el buen desempeño de las actrices hace insustancial su presencia. Un vestuario atemporal hubiera sido tal vez más productivo a la hora de marcar las acciones, ya que es la voz y la postura corporal, la gestualidad las que nos da la profundidad del cambio de personalidad, inclusive más allá de las palabras, porque el trabajo con la herramienta actoral, el cuerpo, es muy bueno. La dirección tiene aciertos en la creación de imágenes que ocupan todos los espacios de la escena en un recorrido circular que vuelve hacia esa instancia donde los personajes se dan cuenta que el no morir no es una búsqueda deseada, sino un castigo eterno. 000153556La voz de Coni Marino se vuelve dulce y melodiosa cuando entona baladas, o canciones de cuna, para crisparse cuando sugiere no ceder al temor y continuar en su siniestro plan, cuando trata que su marido siga el curso de los acontecimientos con valor. Una sugerencia sería que se evitara el medio tono con el que conviven en algunos pasajes, sobre todo al principio, cuando las actrices encarnan a sus criaturas, cuando se despojan de sus vestiduras hechicheras, y son los cuerpos de los personajes fundamentales. La síntesis de escenas hace que la obra dure sólo 60 minutos, que ganaría en tensión dramática si se buscara intensificar el ritmo, sobre todo al principio, que si sucede en la segunda mitad de la puesta. La iluminación logra el efecto buscado y contribuye a la construcción de las bellas imágenes a las que nos referíamos antes. Es interesante la búsqueda en el campo, de la profundidad en las piezas del teatro de Shakespeare, para desde allí lograr una mirada de nuestro tiempo esclarecedora. Para ver las tensiones que la política y el poder en el mundo hoy, es indispensable leer en el teatro de ayer el sentido de las luchas, de las intrigas de los personajes que poblaban sus páginas, y ver que sólo ha cambiado el ropaje, los medios, los instrumentos de muerte, pero que la ambición desmedida para el control del poder sigue intacto, para el mal de muchos, para el dolor de todos. 000153224

Ficha técnica: Macbeth, yo no voy a morir de Jorge Eines. Versión de Macbeth de William Shakespeare. Actúan: Florencia Limonoff (Macbeth), Coni Marino (Lady Macbeth). Asistencia de dirección: Anne Castillón. Arte y vestuario: Lucía Maisano – Lucas Bombín. Iluminación: Juan Gonzales Rotstein. Diseño gráfico: Karol Caldera. Fotografía: Carolina Morera. Prensa y comunicación: Octavia Comunicación. Producción: Tejido abierto teatro Buenos Aires, Silva Producciones. Centro Cultural de la Cooperación: sala González Tuñón. Estreno: 17/03/2017. Duración: 60′.

Los golpes de Clara de Carolina Guevara

Estándar

Los golpes de Clara de Carolina Guevara

Carolina Guevara_Foto por Nicolás Finoli Blanco_verticalLas mil y una caras de Clara

Azucena Ester Joffe

La pregnacia escénica de Carolina Guevara hace que el unipersonal que nos ocupa sea, realmente, impecable. Si su trayectoria está muy ligada a El Bachín Teatro1, pertenencia estética e ideológica con el reconocido grupo desde su formación, allá por 1999, ahora va por más con una impronta humorística fuerte.

Carolina es de contextura menuda pero realiza un trabajo actoral de una intensidad física poco habitual. El principio constructivo de la obra es el lenguaje gestual, una “corporalidad graciosa” a partir de elementos de la técnica del clown acompañada por el relato en clave de comedia. La actriz de manera visceral juega entre la expresión exaltada y el gesto natural, con sus tonos e inflexiones de voz, con su mirada cómplice, otorgándole un entramado coloridamente polifónico a su personaje. Los hijos pequeños y las maestras, el ex-esposo con sus lagunas mentales, las amigas y aquellas otras mujeres que intentarán no hacer justicia por mano propia sino estar preparadas para dar un buen golpe cuando sea necesario, intentando una sociedad más equitativa al grito de “Ni Una Menos”. De esta forma, la comediante hace habitar en el espacio lúdico a esas otras voces que en el día a día provocan que su bronca se convierta en furia desmedida -para esos momentos tiene los guantes de boxeo, o en llanto y sonrisa a la vez -mientras amasa algo para cenar- o en absoluto cansancio cuando se queda dormida sentada en la soledad de su cocina. La narración tiene una sensibilidad distinta, en primera persona y sin la cuarta pared, que encuentra la empatía del público y la risa espontánea que no se hace esperar. La comicidad y lo cotidiano se conjuga de forma perfecta, pues el humor es una excelente opción que tenemos ante los estados de cierto vacío y de tristeza.

En el centro del espacio escénico observamos sobre un tapete pocos elementos que nos ubican en la intimidad de la cocina -una mesa con su mantel de hule, una silla,…, y un puching ball de boxeo inflable. Un cuadrilátero doméstico, un ring-cocina, en el que Clara se transforma en laboxeadora” toda terreno y a partir de ese momento todas somos Clara. La protagonista es una mujer actual, jefa de familia, recientemente desocupada que busca re-direccionar la violencia acumulada por su entorno practicando boxeo en su casa. Bronca contenida que, como ella misma afirma y repite: “viene desde acá”. Su mentora respondió sobre la temática y el humor como medio para poder transitar la violencia de género:

Las obras sobre el tema, muchas veces se basan en hechos históricos o noticias, Clara es una mujer urbana cualquiera y decidí abordarla a partir de la comedia por gusto estético acerca de la impunidad otorgada por el género y porque existe una enorme alegría en nosotras, bastante evidente cuando nos reunimos. En la puesta, la protagonista se junta con pares, la mayoría está en la lona, y surge el proyecto de elaborar y salir a vender panes caseros por las ferias. La puesta habla también de la gesta de las mujeres al organizarnos, con el alimento en el medio.2

El ritmo intrínseco de su cuerpo es lo que imprime el ritmo sostenido al relato desde su inicio y pone entre paréntesis nuestra realidad. El vestuario, la musica original y la iluminación terminan por construir este hecho teatral sin fisuras. La mirada inteligente de Guevara-Rosati apela a la subjetividad femenina para expresar situaciones domésticas con un compromiso artístico que nos demuestra que se puede abordar una temática compleja sin caer en un lugar común. Al continuum hilarante de esta historia particular, que se va transformando en una historia de todas, la platea respondió con un caluroso y merecido aplauso. Carolina Guevara_ Foto por Nicolás Finoli Blanco_horizontal

Ficha técnica: Los golpes de Clara. Texto y actuación: Carolina Guevara. Dramaturgia y dirección: Leandro Rosati. Música original: Mariano Travella. Canción final: Leandro Rosati, Mariano Travella. Asistencia Técnica: Julieta Grinspan y Marcos Peruyero. Escenografía: Alfredo Aguirre. Vestuario: Julieta Grinspan. Fotografía: Nicolás Finoli Blanco. Iluminación: Víctor Guidoli. Prensa y comunicación: Débora Lachter. Comunicación visual-CCC: Claudio Medin. Centro Cultural de la Cooperación: sala Osvaldo Pugliese. Estreno: 06/05/2017. Duración 50′.


1 El Bachín Teatro es un grupo que se formó en 1999, cuando cinco estudiantes de la ENAD (Escuela Nacional de Arte Dramático), Manuel Santos Iñurrieta, Marcos Peruyero, Julieta Grinspan, Carolina Guevara y Gonzalo Alfonsín decidieron reunirse (de este grupo fundador hoy continúan los primeros cuatro) http://elbachin.blogspot.com.ar/ [11/05/2017]

Juegos de amor y de guerra de Gonzalo Demaría

Estándar

Juegos de amor y de guerra de Gonzalo Demaría

000155942Amor, locura y muerte

Azucena Ester Joffe

Una propuesta escénica que plantea el perfecto equilibrio entre la tensión de dos fuerzas que se atraen y a su vez se repelen, en tanto el espectro de la herencia familiar adquiere una dimensión excesiva. Un duelo, un combate, entre el amor y el odio, entre la obligación y la culpa, entre la deshonra y el qué dirán. Si el punto de partida es un hecho real, hoy nos estremece pensar el poder que tuvo y aún tiene la oligarquía argentina, siempre tan cercana a “las botas”, en nuestra historia nacional, y de qué forma está enquistada en nuestra sociedad. Andrea Bonelli (La Madre) y Luciano Castro (El Teniente) tienen la pregnancia y la solidez indiscutible que focaliza nuestra atención desde el inicio de la obra. Ambos le otorgan a sus personajes la carnadura necesaria y el contraste entre dos clases sociales que se enfrentan desde el discurso verbal y corporal, entre el rechazo y el deseo. La madre con su doble apellido impone el honor de la familia sin importar a qué costo mientras el Ejercito doblega a los cadetes, jóvenes que aún no saben qué buscan en la vida. 000157230El punto de fuga es la figura del travesti Celeste Imperio, criatura que construye Sebastián Holz de forma acaba, con ductilidad expresiva pone a cada detalle en total sintonía con lo que el personaje necesita transmitir; él también sufre la discriminación y humillación. Una época precisa, 1942, finalizando la Década Infame (1930-1943), y una coyuntura desfavorable -la neutralidad argentina en la Segunda Guerra Mundial, la crisis del gobierno de Ramón Castillo y las divisiones internas en las Fuerzas Armadas por esa neutralidad y por el candidato propuesto por Castillo- que desencadena el posterior Golpe de 1943. Un sector que ha perdido la bonanza de las décadas anteriores y que ahora tiene que enfrentarse al clima de creciente tensión. Esa tensión constitutiva del momento es lo que se refleja en el espacio escénico, el núcleo duro de la historia tiene varias aristas atravesadas por el espacio privado y el espacio público. Una madre autoritaria que no duda ante la peor de las decisiones y un teniente que no olvida su origen y desprecia a esa clase social que intenta dictar las reglas también hacia adentro del Liceo Militar. Es interesante de qué modo la escritura dramática de Gonzalo Demaría pone en evidencia el lado oscuro de esa sociedad. El impecable vestuario termina por cerrar un clima por demás opresivo. Sentir “amor” hacia un hijo u otra persona es un sentimiento fuerte pero, en esta historia, es superado por las continuas confrontaciones que se llevan adelante en una “guerra” por el espacio de poder. 000157231

Ficha técnica: Juegos de amor y de guerra de Gonzalo Demaría. Elenco: Andrea Bonelli (La Madre), Luciano Castro (El Teniente), Sebastián Holz (Celeste Imperio), Santiago Magariños (El Hijo), Diego Vegezzi (El Cadete). Escenografía: Alejandro Mateo. Vestuario: Mini Zuccheri. Iluminación: Leandra Rodríguez. Musicalización: Sergio Klanfer. Peinados: Paula Molina. Maquillaje: Juan Manuel Pont Ledesma. Realización escenografía: Los Escuderos. Realización vesturario: Marta Dieguez, Jorge Maselli. Realización de zapatos de Sebastián Holz: José Luis Romeo. Asistencia de iluminación: Sofía Montecchiari. Vestidora: Paula Eraso. Fotografía: Maxi Bort, Raúl Romero. Diseño gráfico: Leandro M. Correa. Comunicación visual-CCC: Claudio Medin. Prensa: Duche&Zárate. Asistencia artística: Mónica Benavidez. Asistencia de dirección y producción: Mauro J. Pérez. Producción: Mónica Benavidez. Dirección y Puesta en escena: Oscar Barney Finn. Centro Cultural de la Cooperación: sala Solidaridad. Estreno: 14/04/2017. Duración: 70′.

Ganado en su ley de Laura Yasan

Estándar

Ganado en su ley de Laura Yasan

Luego de recibir, entre otros, premios tales como “Casa de las américas” (Cuba), “Fondo Nacional de las Artes” (Buenos Aires, Argentina) y “Carmen Conde” (España), publicar más de una decena de títulos y ser traducida a diferentes idiomas (inglés, alemán, francés e italiano), la poeta Laura Yasan presenta, junto a la fotógrafa Maga Paula, su nuevo libro de textos y fotografíasimage002

Viernes 28 de abril, a las 19 hs.

En la Sala Meyer Dubrovsky del C. C. de la Cooperación, Av. Corrientes 1543.

Presentador: Horacio Salas

 ENTRADA LIBRE Y GRATUITA