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120 Kilos de jazz de César Brie

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120 Kilos de jazz de César Brie

unnamedSe ruega a las espectadoras traer una prenda lila”1

Azucena Ester Joffe

Una propuesta distinta, en clave de comedia, del reconocido dramaturgo y director, donde el humor deja paso a la reflexión sobre nuestra actualidad. Como un alto en el camino, César Brie da cuenta de la ductilidad con la que se puede correr de su particular estilo dramático y mantener el principio constructivo de su poética: el largo exilio. 120 Kilos de jazz es la simple historia de El Gordo Méndez, un joven perdidamente enamorado que tampoco puede controlar su otra pasión: la comida. Y es capaz de llevar hasta las últimas consecuencias su obsesión por ir a la fiesta donde estará Samantha Mariana. Obviamente, nunca ha sido invitado y la bella jovencita sólo parece registrar su excesivo peso.

En el centro del espacio escénico observamos una silla y no es necesario más, pues el intérprete, cual demiurgo, lo hace habitar por las criaturas que van surgiendo con ritmo sostenido.url3 En algunas escenas, a partir de su juego teatral, la platea es cómplice del relato pero sin sobresalto para el espectador desprevenido. Nos transformamos en una especie de copartícipes de la particular narrativa. Como ya nos tiene acostumbrados, Brie le otorga la carnadura necesaria a cada personaje y, en especial, al dejar en descubierto la humanidad del protagonista. Sus movimientos en el espacio lúdico, la expresividad de su cuerpo y de su gestualidad nos permiten ver, más allá de la ficción, a El Gordo Méndez y su voluminosa contextura física. A sus redondeces que de manera casi coreográfica se desplazan por los distintos sitios -como cuando acude sólo para verla de lejos o cuando intenta justificar el reemplazo del verdadero contrabajista de la orquesta de jazz. El joven posee la extraña habilidad de emitir los sonidos que produce un contrabajo, aún sin saber tocar el instrumento. El contrabajo y El Gordo Méndez son como las dos caras de la misma moneda. Ambos de considerable tamaño, poseen, el primero, una exquisita melodía a partir de sus tonos graves, y, el segundo, un excelente ritmo que logra, a modo de Beatbox2, ganar el aplauso de los invitados de la velada.

Una fiesta atravesada por los mariachis bolivianos, quienes representan el punto de encuentro con la historia reciente de Bolivia. Las continuas represiones, las verdades dichas a medias, y el posterior documental realizado sobre la Matanza de Pando, Tahuamanu – Morir en Pando (2010) dirigido por César Brie y Javier Horacio Alvarez, fue el comienzo de una nueva partida. El momento para cerrar un catulo en la vida y en la obra del dramaturgo. La música y la iluminación terminan por cerrar los distintos climas de una obra que comenzó siendo un cuento allá por 1994. Este unipersonal ya ha recorrido distintas ciudades del Interior de nuestro país. Un hecho escénico sin fisuras, en el cual todo encastra perfectamente, también la risa y la reflexión, el espacio público y el privado, porque así es César Brie.url2

Ficha técnica: 120 Kilos de jazz. Texto, dirección y actuación: César Brie. Fotografía: Paolo Porto. Técnico: Vera Dalla Pasqua. Prensa y difusión: Carolina Alfonso. Tráiler y video: Juan Barone. La Carpintería Teatro. Estreno: 09/05/2018. Funciones: miércoles 20:30 hs. Hasta fines de Junio.

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Luego de la función del estreno de 120 Kilos de jazz se realizó la Presentación de Teatro reciente, el nuevo libro de César Brie3, con la presencia de Marita Foix, quien realizó el prólogo, y de Ezequiel Gusmeroti, a cargo de la compilación y del estudio crítico. El libro abarca el período 2010/2018 e incluye las obras: Árbol sin sombra, Karamazov, Fui, La voluntad (fragmentos para Simone Weil) y Orfeo y Eurídice -las tres últimas fueron estrenados en la cartelera porteña. 20180426_221311Esta edición de sus obras la tercera en Argentina- es más cercana en el tiempo y corresponde a la etapa posterior de su permanencia en Bolivia.

Brie reconoció y agradeció el arduo trabajo realizado, primero por Marita y luego por Ezequiel, quienes además tuvieron que lidiar con sus “errores del exilio” bolivianismos e italianismos. Y comentó también que, en este sentido, estas tres publicaciones representan un ciclo nuevo como escritor, pues durante su período en el país andino las obras se imprimían a modo de folletín y eran vendidas a un precio por demás accesible después de cada función.

Una noche interesante bajo la rúbrica de César Brie.

1Un pedido especial de C. Brie en el flyr de la obra.

2Se denomina Beatbox, el arte de simular con la boca diferentes ritmos.

https://www.minutouno.com/notas/57640-el-beatbox-es-una-tecnica-que-demuestra-que-la-boca-se-puede-hacer-algo-mas-que-hablar [15/05/2018]

3Su autor comentó, según gacetilla de Prensa: “Estas son obras escritas todas en Italia, Árbol sin sombra es mi adiós a Bolivia, donde viví veinte años;  es una investigación sobre la masacre de campesinos del 11 de septiembre de 2008. Karamazov, basada en la novela de Dostoievski, fue el resultado de un encuentro con un talentoso grupo de jóvenes actores italianos, a los que dejé tres años después con cuatro obras escritas y dirigidas para ellos. Orfeo y Eurídicetrata, a través del mito, el tema de la muerte digna, y está basada en un caso real. Fui es una falsa autobiografía que interpela las biografías de los espectadores. Y La voluntad (fragmentos para Simone Weil) es mi primer acercamiento a la filosofía francesa –a mi juicio, la más grande pensadora del siglo veinte. Este libro, curiosamente, marca el inicio de mi nueva (y final) vida en la Argentina, de la que me fui a los 19 años y a la vuelvo a radicarme a los 62.”

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Soy tu seguidora de Daniela Regert

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Soy tu seguidora de Daniela Regert

Del face con amor000171102

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Un monólogo particular, que se convierte en un cuasi diálogo entre el espectador, y la pantalla a fondo donde desde la ventana del Facebook, va incorporando la imagen de un amor de internautas. Los giros, los tics, que conllevan el manejo de las redes sociales, se van desplegando en el interior del discurso. El destinatario que la pieza conlleva es de una edad acostumbrada al manejo de Facebook, Instagram, Twiter,…, es decir, un espectador que conoce los códigos, y a quien el lenguaje de los medios le parece natural. Sin embargo, podemos decir que la puesta encierra una advertencia, porque la historia de amor que propone, tiene un grado de neurosis importante, es unilateral, y se vuelve casi peligrosa, no sólo para aquél a quien va destinada, sino para la misma enamorada que poco a poco va perdiendo el registro de los límites, entre lo que se puede y no se puede hacer, entre la realidad concreta y la virtual. La actriz construye con eficacia el personaje desbordado que se le pide, Francesca Giordano, tiene gracia y fluidez en el espacio escénico, que utiliza en los 60 minutos que dura la pieza manteniendo la expectativa, provocando la risa y el asombro. No son habituales las obras que tienen como centro las redes sociales, es común su uso en el transcurso de la acción pero no que la historia ponga en el centro la temática de una realidad que crece cada vez más. 000175058

Una obra necesaria que fue un Proyecto de Graduación de la Licenciatura de la UNA, en especial para los más jóvenes, pues ironiza la cotidianidad que nos atraviesa. En tanto, las imágenes proyectadas de gran tamaño parecen dar cuenta de esa realidad virtual que se ha naturalizado de tal modo que nos aísla de nuestros afectos. En el espacio escénico resuenan esas palabras sueltas que todos conocemos -stalkear, postear, likear,…- y la espera del “me gusta” que produce un “placer inmediato”. Al comienzo, la protagonista intenta sincronizar sus labios al ritmo de una canción, quizá a modo de metáfora de una realidad algo perversa que sólo se retroalimenta con ese otro virtual.

Ficha técnica: Soy tu seguidora de Daniela Regert. Actúa: Francesca Giordano. Diseño de vestuario y escenografía: Andrea Grosso. Diseño de luces: Julia Maya Duarte. Asistencia de dirección: Flor Tevez. Dirección: Daniela Regert. La Carpintería Teatro. Reestreno. Duración: 60’.

Camuflaje de Enrique Federman

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Camuflaje de Enrique Federman

000173133Una comedia furiosa”

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

En el sur, en un refugio de los bosques de nuestro sur, se desarrolla una historia desopilante que se presenta como una suma de fragmentos, que luego van conformándose en relatos donde la verdad y el sentido único de todo es puesto en cuestión. Nada es lo que parece, en este presente donde todo es un simulacro, un camuflaje, que esconde los verdaderos rostros, las verdaderas intenciones. Los personajes y sus máscaras, no las que se ven, sino las ocultan y se ocultan a la vista de los otros, se presentan como un entramado casual en ese lugar, donde otros han permanecido, y sus diálogos entrecortados son transformados en pequeños monólogos, que no terminamos de saber que parte de verdad encierran. Dos mujeres y tres hombres, la ley y su transgresión, el humor y el juego como ingredientes necesarios para la construcción de una poética que se propone en la antípodas del realismo, que lo parodia y lo cuestiona, y que se deja llevar en sus acciones por algún tics al público, que nos traiga al presente de la enunciación. Un texto que fue concluido en 2015, y que ante los cambios ocurridos en la sociedad, introdujo ciertas frases y personajes que forman parte de nuestra realidad más cercana: los mapuches, el matrimonio igualitario, por ejemplo. Federman escribe una comedia que se permite además del juego y sus propias reglas como afirmaba Alain Badiou, también la incorporación de temas que merecen una reflexión, la naturaleza y la civilización, y la construcción de una falsa naturaleza que desplaza a la autóctona, en plantas, animales y personas. Las actuaciones son muy buenas, componen con acierto esos personajes que por momentos rozan lo siniestro, lo monstruoso, de los que solo sabemos algunos aspectos de su personalidad, y tienen en los encuentros dialógicos una muy buena performance. 000173219El marco de las acciones está delimitado por la sala del refugio con tres puertas, dos dan al afuera, la tercera al interior de la cabaña, interior que no se nos permite ver, mesa y sillas y un tono madera clara en todo, que se mantiene en los uniformes de los guardabosques, y que contrasta con los colores brillantes de las invitadas a la cabaña. La iluminación, a pesar de los apagones, nunca aparece cerrada sino que mantiene pequeñas luces que le dan clima al silencio, a ese tiempo detenido entre acción y acción, a una elipsis temporal que no sabemos cuánto tiempo implica en el relato. Todo parece una sucesión de flashes, de impresiones fotográficas, donde la mirada sobre el otro, está en el objeto binoculares, para mirar el paisaje, espiar y ser espiados. Un presente continuo, que pone en duda lo real del tiempo lineal, y que nos ofrece la perspectiva de una línea espiralada, que una y otra vez puede volver sobre sus pasos, volverse sobre sí misma, con pequeñas modificaciones. Sujetos fragmentados, relatos que también lo están, humor que esconde lo horroroso, son los ingredientes que ofrece la puesta dirigida por el mismo dramaturgo, y un relato que pone en el centro de la discusión nuestra relación con una tierra, la del sur, y con la naturaleza en general, el conflicto con una verdad que se desmorona ante la posibilidad de distintas miradas posibles, y un sentido que estalla para que el espectador se lleve consigo la tarea de construirlo con aquellos momentos que lo hayan atravesado en el tiempo real de una puesta de teatro. 000173082

Ficha técnica: Camuflafe de Enrique Federman. Elenco: Germán Rodríguez (Luis), Néstor Caniglia (Nardone), Soledad Bautista (Caty), Eugenia Guerty (Chela), Lisandro Fiks (Supervisor). Vestuario: Analía Morales. Escenografía: Mariana Tirantte. Iluminación: Omar Sergio Possemato. Música original: Pablo Martín. Diseño gráfico: María Forni. Asistencia artística: Juliana Ascua. Dirección: Enrique Federman. La Carpintería. Reestreno. Duración: 90’. Funciones: miércoles 20 hs.

 

Vientre [El hueco de donde venimos] de Marcos Arano y Gabriel Graves

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Vientre [El hueco de donde venimos] de Marcos Arano y Gabriel Graves

Cuando la historia necesita ser desenterrada

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanzunnamed

Desde la calle acompañamos el cortejo, el grupo de lloronas y los músicos que le dan un toque de color diferente a cualquier entierro común. Maquilladas esperpén- ticamente, las mujeres ya en la sala, no cesan de llorar mientras nos enfrentamos al momento crucial que la tierra como un gran vientre reciba el cuerpo de ella, el cuerpo femenino que está dentro de la caja. Colores fuertes para los féretros en verde y rojo, y un clima entre el llanto y el festejo. Metáfora de la vida, y su ciclo entre el principio y el fin. La mujer no quiere ser enterrada, sino que en ese cementerio tan particular, otras mujeres de nuestra historia se enfrentan a sus enterradores, y desordenan el espacio donde todo parece tranquilo y seguro, mientras se encuentre sepultado. Un joven y un viejo, pala en mano, intentan por todos los medios, en un contrato eterno con la muerte, otra mujer, mantener el status quo que sostiene la debilidad física y mental de las Evas de todos los tiempos; su necesidad de ser gobernada, educada y silenciada por la presencia masculina; única voz con fuerza suficiente para correr los velos de la historia, para escribirla en primera persona. En un mes donde el 8M, está tan cercano como el 24 de marzo, donde las mujeres fueron y son protagonistas de los acontecimientos ocurridos hace 42 años, Marcos Arano y Gabriel Graves, construyen desde una estructura a cuadros y de la mano de los géneros populares, los que les permiten desacralizar, parodiar, y escribir una farsa feroz, un recorrido sobre el relato oficial de nuestra historia para deconstruirlo, invertir sus términos y sacar a la luz la presencia femenina en todos los tiempos y formas: desde la rebeldía por amor de Camila O’Gorman, hasta la huelga de las escobas de 1907 en los conventillos porteños, desde la negación a la complicidad con los asesinos de sus clientes, los obreros, de las putas de San Julián, hasta la figura eternizada de Eva Perón; políticas, intelectuales, científicas, van desfilando por la escena, con firmeza en sus convicciones sin olvidar el humor; interpelando al espectador, para entre- tenerlo y provocarlo. América como naturaleza a explorar y conquistar es el gran cuerpo que recibe el maltrato que sus mujeres sufren en la medianía de su consideración, y la culpa ancestral de haber pecado, y condenar a la humanidad a sufrir el destierro del paraíso. IMG_9375Vientre… es una metáfora, de la mujer como dadora de vida, vientre es la tierra que nos cobija al final, vientre es el hueco profundo donde la creación anida, donde la voluntad es el humus de la historia. Podemos decir que la dupla Arano / Graves con esta segunda obra ya tiene una marca registrada y un público cautivo, sin olvidarnos de la dirección musical de Ian Sifres. Si en Tierra partida, lo demás no importa1 abordan un determinado período de nuestra historia nacional en Vientre [El hueco de donde venimos] también recorre nuestra historia pero desde otro eje más preciso. Es una perfecta mixtura donde cada interprete da cuenta de su energía particular que hace a un todo perfectamente encastrado. Los continuos desplazamientos no son caóticos, las canciones y la música en vivo, el vestuario y la escenografía, y la precisa iluminación construyen un espectáculo dinámico, fresco, con mucho humor pero no por eso superficial o digerible sino que, por el contrario, nos hace reírnos de nosotros mismos y pensar en la violencia estructural de nuestra sociedad. Dos obras en cartel y una sola definición: un hecho teatral sin fisura.IMG_9252

Ficha técnica: Vientre [El hueco de donde venimos] de Marcos Arano y Gabriel Graves. Dirección Musical: Ian Sifres. Dirección: Marcos Arano. Elenco: Alejandro Jorge Dubal, Carolina Maldonado, Florencia Catenaccio, Lala Buceviciene, Luciana Ramos, Luna Ventura, Manuel Oucinde, Manuela Bottale, Marcelo Sapoznik, Paola Sanabria, Rocio Rodriguez Paz, Rodrigo Frascara, Victoria Pescara, Viviana Lastiri. Músicos: Agustín Vanucci, Bruno Leichman, Eugenia Blanco, Franco Lopez Lameiro, Gina Locatelli, Jazmín Laurenza, Olivia Dalez. Cantantes: Eugenia Encina, Liliana Isaguirre. Diseño de luces: Alejandro Velazquez. Escenografía: Marcelo Valiente. Vestuario: Jazmin Savignac. Utilería: Ileana Vallejos. Coreografía: Gabi Goldberg. Diseño de esqueletos: Paola Sanabria. Máscaras: Andrea Picón, Nicolás Roura Picón. Diseño de arte: Romina Salerno. Prensa: Más Comunicación, Cecilia Dellatorre / Analía Cobas. Asistencia de Dirección: Julia Pinedo, Carolina Portnoy. Producción Ejecutiva: Viviana Lastiri. Co-Producción: Fundación CYC Arte Industrias Culturales. La Carpintería. Estreno: 18/03/2018. Duración: 80’. Funciones: domingos 20 hs.

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A continuación compartimos el comentario de Marcos Arano, quien respondió amablemente a nuestra pregunta en relación a la insinuada nariz del clown.

M. A. Es una decisión estética que tiene que ver con varias cosas:

1. Están muertas y representan a otras mujeres. La nariz de clown es más vital.

2. Son payasos que muchas veces bajan línea y pivotean entre lo ingenuo y lo combativo. El que esté pintada hace que el recurso sea más difuso. 

3. A nivel estético buscábamos algo más oscuro que la nariz roja y no nos convencían las narices negra. Optamos por este especie de intermedio. La nariz roja de látex, como cualquier máscara tiende a asimilarse rápidamente como código y deja de verse el recurso de distanciamiento. En esta obra buscamos que ese recurso sea diferente y obvio porque “a veces también hay que aclarar lo obvio”. 

4. La nariz pintada se va borrando a medida que transcurre la obra. Así sucede con lo payasesco y naif del principio del espectáculo. De a poco, salimos de la ficción y el mundo onírico y delirante del payaso para comenzar a reflexionar sobre nuestra realidad. Es una invitación a hacer ese viaje con la obra.

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1Tierra partida, lo demás no importa se estrenó en el 2016 y realizará funciones durante el presente mes de abril los viernes 22 hs, también en La Carpintería.

Bodas de sangre, radio teatro folclórico de Fernando Rodil

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Bodas de sangre, radio teatro folclórico de Fernando Rodil

boda de sangreEl radioteatro es un privilegiado entre los géneros dramáticos: no tiene límites en el espacio ni en el tiempo, y sus temas son infinitos.” (Beatriz Seibel)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El radioteatro y el misterio de las voces que en la melodía del ensueño son capaces de hacernos sentir toda la gama de sentimientos posibles que guarda un texto cargado de amor y pasión como Bodas de sangre de Federico García Lorca, se despliega en el escenario de La Carpintería. Un género olvidado, pero que formaba parte de un imaginario en la ciudad y en las provincias, haciendo de las tardes y las noches un mundo diferente que atravesaba los tiempos y las geografías del relato. Rodil toma un texto emblemático del bardo español y lo coloca en abismo con la realidad del pueblo, Pergamino, el retorno de su hijo pródigo, el actor Alfonso Mateos, y una historia de amor que se repite con un desenlace menos tremendo que el de los campos de Andalucía pero con la misma cuota de tensión en ese cuadro de amores contrariados. La fragmentación de los cuadros es posible por lo conocido de la pieza, y porque la nueva dramaturgia guarda el nudo gordiano de la tragedia que pasa a drama pueblerino, con la excelente música ejecutada por el grupo Los Tabaleros. La ruptura de la cuarta pared desde que entramos en la sala, como espectadores de una doble función, es decir como platea de un momento radial, y como público de una puesta que nos presenta la misma donde también participamos, le da al conjunto una fluidez que distiende y nos lleva al verosímil de lo presentado. Las publicidades de los…, los entredichos entre los personajes, la forma declamatoria de la actuación, que se va tiñendo de realismo a medida que se confunde el presente de la enunciación con el relato dramático, va construyendo un todo armónico en que todo tenga su función específica y su efecto en el espectador. El humor sencillo, el buscado y el producido por los personajes para amenizar, es un elemento que con las elipsis de la iluminación nos trasladan del texto al relato que lo incluye sin fisuras. Como afirma Juan Carlos Dido:

El radioteatro surge del cruce de dos preferencias de la cultura popular: la radio y el melodrama. Se reconoce a nuestro país como pionero del género. Este liderazgo obedeció a la temprana aplicación de la técnica radiofónica y sus efectos. En la Argentina se realizó la primera emisión con carácter de programa de radio en 1920, y también fue el primer país en incorporar avisos comerciales. A ello se suma una sólida tradición de teatro popular (Dido, 2014, 23)000152352

Buscar en nuestros géneros populares una manera de mostrarnos a nosotros mismos es una manera interesante de tratar problemáticas ajenas en los escenarios de hoy, y que necesitan ser tratadas desde el teatro para construir una cultura que nos pertenezca en el rumbo que asume nuestra identificación. La composición poblacional de la Argentina, varía y se expande con otros componentes inmigratorios que no están presentes con asiduidad en nuestra escena. Los géneros que nos representan con mayor identidad son una buena forma de comenzar a plantearnos preguntas propias.

En la obra que nos ocupa confluyen de forma acertada diferentes matices, que se van engarzado con un ritmo sostenido desde el comienzo. Mientras el sólido trabajo actoral le da un espesor especial a esta mixtura artesanal. Entre el humor y la parodia, una ficción dentro de otra, estos personajes caricaturescos nos sumergen en un relato con cierto color local y algo de homenaje. Y esperamos que pronto realicen nuevas funciones.000152351

Ficha técnica: Bodas de sangre, radio teatro folclórico de Fernando Rodil. Actores: Ariel Mele, Romina Sak, Silvia Daurat, Nela Forrunato, Sara Córdoba, Fernando Rodil. Músicos: Eduardo Baeza, Gonzalo Gamallo, Manuel Lugea, Martina Trost, Darío Margulis, Felicitas Colina Cornejo. Música original: Los Tabaleros. Diseño lumínico: Lucía Feijoo, Mauro Gianera. Vestuario: La Polilla. Prensa: Correydile. Producción: Sara Córdoba, Fabio Petrucci. Asistencia de dirección: Milagros Acosta. Dirección: Jimena Del Pozo Peñalva. Teatro La Carpintería. Duración: 80’. Reestreno: 24 y 26 de febrero de 2018.

Bibliografía:

Dido, Juan Carlos, 2014. Radioteatro y cultura popular. El radioteatro argentino en la época de oro (1930 – 1950) Buenos Aires: Editorial Maipue.

El Padre de August Strindberg

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El Padre de August Strindberg

Adaptación Marcelo Velázquez

La casa está que arde

El Capitán: ¡Ciertamente!..¡Y todas vosotras me habéis tratado como a un enemigo! Mi madre, que me hizo estropear para evitarse los dolores del parto; mi nodriza, que me inyectó sangre de mujer en las venas; mi hermana, que me enseño a soportar su voluntad; la primer mujer a quien conocí, que me dio, a cambio de las primicias de mi corazón, una enfermedad de diez años; mi hija, que reniega de mí, y tú, mi esposa que me envías a la tumba. (Strindberg, 179)

Afiche-imagen-el-padre-con-type-webAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El padre es una pieza teatral que data de 1887, su autor de conocida misoginia vuelca en ella mucho de sus propias vivencias y de sus prejuicios y construye personajes dicotómicos, buenos y malos, víctimas y victimarios, divididos por la cuestión de género, según el concepto que maneja el patriarcado. Las víctimas son los hombres sometidos a los caprichos de mujeres sin corazón que los llevan sin piedad a la locura, después de arrebatarles su valor, sus bienes, y su dignidad. Los impiadosos personajes femeninos son entonces los victimarios de una lucha sin cuartel que abre un abismo imposible de suturar, donde el amor verdadero es el real ausente. El dinero, el poder se juegan a través de los hijos, rehenes propiciatorios, botín de guerra de ambos contendientes, pero donde la mujer tiene para Strindberg siempre las de ganar, porque sólo ellas tienen hijos, ya que la paternidad para el hombre es una incógnita, una cuestión de fe. La dirección de Marcelo Velázquez resalta cada uno de los elementos que construyen la textualidad del dramaturgo sueco, y es muy inteligente su armonización y elección del elenco que constituye el universo de esa casa diseñado por el autor. Las muy buenas actuaciones de todo el grupo y los duelos que se establecen entre los personajes del padre, Edgardo Moreira, y Laura, Marcela Ferradás, conmueven porque le dan la carnadura necesaria para un relato que pone en evidencia la construcción del patriarcado y de los actores sociales necesarios para sus fines, por un lado, y por otro pone en evidencia que la lucha por el poder encierra un grado de maledicencia, y perfidia que lejos del prejuicio no tiene sexo. Strindberg podemos pensar que necesitaba hacer una denuncia de un comportamiento femenino que amenazaba su machismo, pero al mismo tiempo que defiende y se defiende de él, tal vez sin querer, deja en claro cuál es el lugar que la mujer ocupaba a fines del siglo XIX; lugar del cual quería escapar, demostrar que podía vivir sin custodia masculina obligatoria aunque sus métodos no fueran los mejores. Las tretas del débil llamará Josefina Ludmer al procedimiento de algunas mujeres que saben que en una sociedad que las menoscaba, ir de frente no es la mejor solución para sus deseos en la guerra declarada de los sexos y toma entonces iniciativas sinuosas para llegar a obtener su cometido, engañando y mostrando debilidad en el entorno cuando guarda sus cartas, las que le darán la victoria.19059279_1738913029734326_2001119871854208125_n El elenco que acompaña a los personajes principales, tienen una muy buena performance y son el marco necesario para una intriga cruel que atraviesa la platea, y conmueve, en todos los sentidos. El mismo se desplaza por un espacio diseñado de manera perfecta para hacer posible la coreografía, la suma de movimientos, entradas y salidas de los personajes; un largo recorrido que une el escritorio con el pasillo que da a la extraescena, a las habitaciones interiores y que los actores recorren en un diseño ajustado a la intriga. El vestuario, nos remite al momento de la primera enunciación, a su referencialidad epocal, datando los acontecimientos sin mencionarlo, y proponiendo desde la dirección un mirada histórica hacia una problemática tan cara en estos momentos, cargados de lucha en contra de la violencia de género. Coincidimos con la definición que establece el concepto de género no desde la sexualidad sino desde el rol que la sociedad le asigna a cada uno de sus integrantes. Esta versión, El Padre, construye un relato intenso que conjuga de forma acabada la escritura dramática y la escritura escénica en un hecho teatral sin fisuras.000156426

Ficha técnica: El Padre de August Strindberg. Elenco: Edgardo Moreira (El Capitán), Marcela Ferradás (Laura), Denise Gómez Rivero (Bertha), Ana María Castel (Margarita), Enrique Dumont (Dr. Ostermark), Luis Gasloli (Pastor), Santiago Molina Cueli (Nöjd). Diseño y realización de escenografía: Ariel Vaccaro. Diseño y realización de vestuario: Paula Molina. Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux. Música original e intérprete en escena: Alejandro Weber. Coreografía: Verónica Litvak. Diseño gráfico: Ruth Miller. Fotografía: Alejandra Villers. Prensa: Alfredo Monserrat. Producción ejecutiva: Lucía Asurey. Asistentes de escena: Gonzalo Jalile Luna, Alan Monserrat. Asistencia de dirección: Christian Di Desidero. Dirección y adaptación: Marcelo Velázquez. La Carpintería. Estreno: 17/05/2017.

Bibliografía:

Strindberg, August, 1994. August Strindberg. Teatro Completo I. La señorita Julia, Acreedores, Padre. Buenos Aires: Fray Mocho.