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El homosexual o la dificultad de expresarse y Eva Perón de Copi / El día de una soñadora (y otros momentos) sobre textos de Copi

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El homosexual o la dificultad de expresarse y Eva Perón de Copi

El día de una soñadora (y otros momentos) sobre textos de Copi

1Azucena Ester Joffe

En la primera semana de Julio, en el Teatro Cervantes, se estrenaron dos obras de Copi El homosexual o la dificultad de expresarse y Eva Perón, con un entreacto a modo de monólogo a partir de El baile de las locas y de Río de la Plata, también del dramaturgo, junto con algunos fragmentos de dos entrevistas realizadas entre 1970-1971, bajo la dirección de Marcial Di Fonzo Bo. La particular e incisiva escritura de Copi impugna cualquier categoría establecida, un indiscutido emergente de los 60 que aún, lamentablemente, sigue despertando reacciones anacrónicas e incomprensibles. Su textualidad dramática permite distintas lecturas y deja en claro que hay que abandonar los prejuicios personales y colectivos para comenzar a saldar la deuda que tiene nuestro campo teatral con “su producción vasta, multifacética, irrisoria y cuestionadora de todo orden establecido”:

El cómic, la narración, la actuación, la escritura teatral o la dirección escénica forman parte del mismo despliegue material de una obra sólida que adquiere constantemente nuevas dimensiones significativas, en las que lo monstruoso ocupa un lugar destacado y festivo. En la vastedad de sus textualidades, Copi explicita un interés claro por hacer foco en personas disidentes cuya disimilitud los hace auténticos miembros de la comunidad de los desplazados de toda esfera normativa. Monstruos que atraviesan y constituyen su universo. (Lozano, 2015:197)2

Una propuesta interesante y un punto de vista distinto a partir de la escritura escénica, Di Fonzo Bo, que habilita la libertad el universo de Copi. Destacamos además las muy buenas actuaciones del elenco que le dan la carnadura precisa a cada personaje provocando el distanciamiento necesario y, a su vez, focalizan nuestra atención inmersa en las escenografíasgrandilocuentes. Aunque, quizás la idea de unir ambas obras por un entreacto a modo de continunn puede resultar un poco agotador para el espectador actual que vive sumergido en su cotidiana vorágine.3

Ficha técnica: El homosexual o la dificultad de expresarse de Copi. Traducción: Joani Hocquenghem. Con: Juan Gil Navarro (Madre), Rosario Varela (Irina), Hernán Franco (Gardo), Carlos Defeo (Garbenko), Rodolfo de Souza (General Pauchkine). Entreacto: Gustavo Liza dice CopiEva Perón de Copi. Traducción: Jorge Monteleone. Con: Benjamín Vicuña (Eva Perón), Carlos Defeo (Madre), Juan Gil Navarro (Ibiza), Rodolfo de Souza (Perón), Rosario Varela (Enfermera). Música original: Ettienne Bonhomme. Iluminación: Bruno Marsol. Vestuario: Renata Schussheim. Escenografía: Oria Puppo. Asistencia de escenografía: Martina Nosetto. Asistencia de vestuario: Laura Copertino. Asistencia de iluminación: Facundo David. Asistente de sonido: Franco Amorosino. Producción: Silvia Oleksikiw, Lucía Quintana, Maxi Libera. Asistencia de dirección: Ana Calvo. Dirección: Marcial Di Fonzo Bo. Estreno: 08/07/2017. Teatro Cervantes: sala María Guerrero. Duración: 145′.

Biliografía
Lozano, Ezequiel (2015). “Derivas, proyecciones, paradojas y desafíos” en Sexualidades disidentes en el teatro. Buenos Aires, años 60. CABA: Biblos: 191-224.
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El día de una soñadora (y otros momentos) Sobre textos de Copi

Adaptada y dirigida por Pierre Maillet

4María de los Ángeles Sanz

Marilú Marini y Copi, Copi y Marilú Marini, una pareja que lleva en el escenario una trayectoria que abarcó un tiempo de exilio en París, aunque no fuera un acontecimiento tan claro de definir cuándo comenzó o que significó. De ello se habla también en esta puesta que dirige Pierre Maillet:

Ella inventa ante nuestros ojos una especie de Blancanieves, más cercano a Brigitte Fontaine que a Walt Disney. Y en espejo a todo ese material poético y ficcional, atravesamos el Río de la Plata, un texto escrito en 1984. Concebido como el prefacio de una novela que no tuvo el tiempo de escribir, en el cual Copi habla como nunca antes de sí mismo, de sus orígenes, de Uruguay, de la Argentina donde él estaba prohibido, del exilio y de su relación con la escritura. (Pierre Maillet, programa de mano)

Ingresando desde la platea, botella de agua en mano, con ligereza y sonriente, la actriz se apropia de la escena, y sienta con su pregnancia el valor de su arte, y la madurez de su poética escénica. Su cuerpo y su voz son dos herramientas que maneja a la perfección, y su transitar por el espacio la hace verse a la vez imponente y frágil, sutil sobre el escenario pero a la vez dueña y señora de la escena. En español con acento, y en francés va recuperando los textos que alguna vez pensó y escribió Copi, y los transita para hacernos sentir su fuerza, para que conozcamos su mundo tan partícula. La mujer sentada, organiza desde una esquina del espacio un universo que se despliega. El día de una soñadora como afirma Pierre Maillet en el programa de mano, es: “(…) un bello poema teatral, enigmático, puesto por Jorge Lavelli en el ’68 con Emmanuelle Riva como protagonista.” El personaje que compone Marilú Marini funciona como doble del dramaturgo, y expone desde su monólogo, o cuasi diálogo sus pensamientos, sus deseos, sus dudas y sus miedos. El humor y la ironía juegan con la belleza del lenguaje, conforman una lengua filosa y tierna a la vez, construyen sin parar una melodía de sonidos que exponen un relato, que conforman una historia personal y única.5

Ficha técnica: El día de la soñadora (y otros momentos) Sobre “El día de una soñadora” y “Río de la Plata” de Copi. Elenco: Marilú Marini. Piano: Lawrance Leherissey Voz en off: Marcial Di Fonzo Bo, Michael Lonsdale y Pierre Maillet. Producciòn TC – TNA: Maximiliano Libera. Asistencia de dirección: Mónica Quevedo. Colaboración artística: Ernesto Donegana. Subtitulado: Mónica Bartolomé Producciones. Traducciones: Eduardo Muslip y María Sila por El día de una soñadora; Edgardo Dobry por Río de la Plata. Adaptación: Pierre Maillet. Sonido: Manú Leonard. Iluminación: Bruno Marsol. Vestuario: Raoul Fernández. Traje (vestuario del pianista): Julien De Caurel. Escenografía y vestuarios realizados por los talleres de la Comedie de Cûen: Alexis Claire, Patrick Demière, Pierre – Amaury Hervieu, Antoinette Magny, David Marain, Serge Taral, bajo la dirección de Benoit Gondouin. Dirección: Pierre Maillet. Sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes.

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No me pienso morir de Mariana Chaud

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No me pienso morir de Mariana Chaud

unnamedLos ecos del pasado se actualizan

Azucena Ester Joffe

La escritura dramática de Mariana Chaud fragmenta las coordenadas espacio-temporales en la historia íntima de Amalia, historia en la cual los recuerdo son hoy su necesario presente, esos momentos en que ella tenía juventud, belleza, sueños, y una posición económica privilegiada para respaldar cierta actitud arbitraria. El reducido espacio escénico semicircular de la sala Orestes Caviglia es el marco perfecto para la ficción, un “relato de vida”, entre los recuerdos juveniles y el ahora que se va desgranando hacia un final inevitable. El dispositivo escénico de manera precisa construye estos dos tiempos que se cruzan constantemente. Por un lado, el pasado durante la travesía a bordo del barco que trae a la joven Amalia para contraer matrimonio a nuestro país; y, por otro, el presente en la casona en la cual vive también su hija, quien intenta construir una relación más cercana con su madre, en tanto sus dos hijos y una amiga en común parecen estar inmersos en cierto estado de apatía. Y un no-lugar donde ambas Amelias se observan, se rozan, como en un estado permanente de vigilia en los pliegues de la memoria, capas de un pasado afortunado, que la mujer adulta puede atravesar sin resistencia, con libre albedrío. 000157746La señora Graciela Dufau tiene la pregnancia escénica para darle a su Amalia la intensidad que requiere el personaje, una mujer que ha sabido disfrutar de la vida y que añora esa exposición pública constante. Mientras, Claudia Cantero, le otorga una textura sólida a su Irma, hija y madre que intenta hacer su duelo por la separación matrimonial tratando de encontrar el equilibrio en las relaciones familiares. Maruja Bustamante también de forma acertada construye a la joven Pepa que acompañaba a aquella Amalia en sus años de juventud. Y no dudamos que los altibajos por parte de algunos integrantes del elenco alcanzarán el registro acorde a sus criaturas en las sucesivas representaciones. Por otra parte, el vestuario y la escenografía juegan con nuestra imaginación, porque el pasado se dilata a la época del camisón de satén mientras el presente nos resulta actual. En tanto, la precisa iluminación, sin saturar, delimita cada espacio y deja suspendido esa otra zona, de tal forma que el relato es un devenir que mantiene el ritmo sostenido desde su inicio. 000157744

Ficha técnica: No me pienso morir de Mariana Chaud. Elenco: Sofía Brito (Amalia joven), Maruja Bustamante (Pepa), Claudia Cantero (Irma), Graciela Dufau (Amalia), Tatiana Emede (Juana), Julián Larquier Tellarini (Lucas), Andrés Rasdolsky (Pablo). Producción: Santiago Carranza. Asistencia de escenografía y vestuario: Estefanía Bonessa. Asistencia de dirección: Marcelo Mendez. Colaboración artística: Pablo Quiroga. Música original: Fernando Tur. Iluminación: Matías Sendón. Vestuario y escenografía: Gabriela Aurora Fernández. Dirección: Mariana Chaud. Teatro Cervantes: sala Orestes Caviglia. Estreno: 04/05/2017. Duración: 60′.

La Guiada de Gustavo Tarrío y Aldana Cal

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La Guiada de Gustavo Tarrío y Aldana Cal

Una visita guiada creativa y necesaria para todas las edades

la guiadaAzucena Ester Joffe

El punto de partida de esta original visita La Guiada comienza en el foyer del Cervantes, recorrido que nos llevará por la tres salas para pasar luego al “lado B” del edificio, ese que habitualmente está vedado para el público. Una propuesta inteligente que atrapa desde el inicio nuestra atención sin importar la edad del público.

000157356Nuestro Guía está algo alterado, todo le sale mal y confunde los datos, reconoce no tener el mejor de los días, con su banderita en mano nos va introduciendo en un relato asistido por la Jefa de Escenario, el Utilero y el Acomodador. Cuatro personajes cotidianos, trabajadores de la institución, que van cruzando de forma precisa la historia -desde fines del siglo XIX cuando llega por primera vez a Buenos Aires, María Guerrero encabezando la compañía que dirigía junto a su esposo,…- y la actualidad; lo público y lo privado -el nieto no reconocido por Guerrero, Fernando Fernán Gómez,…; la metateatralidad y lo real -dejaremos un audio con el dato de nuestro lugar de nacimiento,… Un todo que encastra perfectamente mientras el elenco nos hace habitar cada espacio e intervenir de forma espontánea a esta joya arquitectónica, en tanto escuchamos:

Diez ciudades españolas trabajaron para el suntuoso teatro: de Valencia, azulejos y damascos; de Tarragona, las losetas rojas para el piso; de Ronda, las puertas de los palcos copiadas de una vieja sacristía; de Sevilla, las butacas del patio, bargueños, espejos, bancos, rejas, herrajes, azulejos; de Lucena, candiles, lámparas, faroles; de Barcelona, la pintura al fresco para el techo del teatro, de Madrid, los cortinados, tapices y el telón de boca, una verdadera obra de tapicería que representaba el escudo de armas de la ciudad de Buenos Aires bordado en seda y oro…1

Así descubrimos cada detalle, cada ornamento, el águila bicéfala por doquier, cada historia mínima… Primero, sala principal María Guerrero y todo su esplendor; luego, a modo de un brevísimo musical acompañado por un piano, accedemos a la escalera que nos conduce a la Luisa Vehil o Salón Dorado, allí podemos observar la escenográfica de La savia. Después llegamos a la sala más pequeña donde funcionó la confitería, la Orestes Caviglia, y como un grupo está esperando para comenzar su “ensayo” es necesario que una persona del público reemplace al actor que aún no ha llegado. A posteriori ocupamos uno de los palcos de la sala grande mientras en el escenario están “probando sonido” y nos divertimos escuchando cantar al ritmo de la cumbia. Por último, ingresamos al sector de los camarines y al patio de actores para estar entre “cajas”, entre bambalinas, donde los actores y actrices pueden seguir lo que sucede en el escenario en tanto esperan su turno para ingresar a la ficción que se está desarrollando. 000157358Con ductilidad el elenco construye esta particular narrativa, el humor y la expresividad gestual se conjugan con datos precisos, y a su vez estas criaturas queribles instalan preguntas difíciles de responder: ¿Cuán nacional es el teatro nacional? ¿Qué es lo que define a una nación? ¿Los pueblos originarios de ayer o los narcos de hoy? ¿Cuántos teatros se fueron construyendo y cuántos otros se están cerrando? Berta Singerman, Eva Franco, y otras figuras constitutivas de nuestro quehacer teatral, que tuvieron su momento de gloria en el Cervantes, surgen ante nuestra mirada dando cuenta de que cada coyuntura tuvo y tiene sus tensiones. La iluminación, la música y el vestuario terminan por cerrar el clima festivo que es también un merecido homenaje a los artistas que son parte estructural de cada rincón de este Coliseo

En cada parada de esta deriva descubrimos al Teatro Nacional desde adentro, y también nos permite reflexionar sobre el momento actual de la cultura, en general, y sobre el teatro, en particular. Una experiencia necesaria para la construcción de nuestra memoria colectiva que da cuenta que el Teatro Cervantes está vivo y es parte de nuestra identidad nacional.000157359

Ficha técnica: La Guiada de Gustavo Tarrío y Aldana Cal. Elenco: Nicolás Levín (Guía), Milva Leonardi (Jefa de Escenario), Gustavo Di Sarro (Utilero), Marcos Krivocapich (Acomodador). Producción: Poli Bontas. Coreografía y colaboración artística: Virginia Leanza. Música Original: Pablo Viotti: Iluminación: Fernando Berreta: Arte y Vestuario: Endi Ruiz. Dirección: Gustavo Tarrío. Teatro Cervantes. Estreno: 29/04/2017. Duración: 60′.

La savia de Ignacio Sánchez Mestre

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La savia de Ignacio Sánchez Mestre

El proceso de la escritura, la memoria y el tiempo.

unnamed2Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La fragmentación del tiempo es uno de los procedimientos que la textualidad de La savia utiliza para el desarrollo de su trama. Un tiempo que en el presente va construyendo un relato a partir de la búsqueda de aquellos momentos grabados en la memoria que marcaron significativamente la vida de Elsa. Una memoria que al correr de las acciones irá perdiendo su carácter mítico, y será reemplazada por la voluntad de la que escribe en un presente construido a la medida de su necesidad. Un texto que se construye con una lógica causal alterada por la intervención de lo onírico, del recuerdo que se corporiza a partir de las palabras, y que desmiente su carácter realista hasta el final en que uno de los personajes reales o salidos de la mente del personaje, El Chino, construye a su vez la persona de la narradora y pone en orden todas las piezas del puzzle, como en los viejos recursos del realismo de tesis. Las acciones tienen como espacio una sala de una casa, donde además de la mesa donde Elsa piensa en el futuro de su escritura, aparecen como marco varias bibliotecas que contienen no sólo libros sino macetas con plantas, que se deslizan hacia un piso también cubierto de macetas con plantas. La escenografía de Laura Copertino elige lo natural para ese jardín interior encantado que puebla la escena, y las plantas son de verdad. El verde entonces es predominante en la puesta, un verde que no tiene que ver con lo ecológico sino con el gusto y el deseo de quien habita el lugar. Un jardín con libros, como aquél que los guardo en el vientre tierra en los oscuros tiempos de la dictadura. Así comienza el relato, una hija joven es despertada por su padre de madrugada para que ambos sepulten en un jardín salvaje al fondo de la casa, los libros de la facultad, porque la casa va a ser allanada. 000155938Desde allí la historia se bifurca a la vida de Elsa pero de todos los caminos posibles que su vida tomó, el dramaturgo elige el familiar: su matrimonio, sus hijos, su casa, su divorcio, el reconocimiento de la traición, la ida de los hijos, el regreso, la soledad, y la necesidad de construir una compañía a medida. La iluminación de David Seldes marca con acierto los climas que se van tejiendo en esa labor de construir una vida a partir de dejar definitivamente atrás los recuerdos, la memoria de un pasado, no demasiado feliz.

Una comedia atravesada por la intertextualidad del clásico film de Alain Resnais, Providence (1977), una historia algo bizarra donde el protagonista, un viejo y enfermo escritor, intenta terminar su novela adormecido por el dolor y el alcohol en una vigilia laberíntica. Una temporalidad ligada a la memoria, en un presente incierto anclado en el pasado. Por lo tanto, estas fragmentaciones temporales en constante movilidad, siguiendo a Gilles Deleuze, son “capas de pasado que coexisten y se confrontan precisamente en relación con ese punto fijo [el presente]… Este trabajo del viejo novelista ebrio presenta muchas dificultades, muchos fallos: por ejemplo, tres bancales tomados de tres edades, ¿de qué capa ha salido el futbolista [que corre cruzando algunas secuencias]? (2007: 168)unnamed3

En ambas historias, aunque en diferente soporte -cine / teatro, la errática narración sumerge a estos seres en el limbo, entre la “realidad” y la ficción, entre los recuerdos vívidos y los personajes en construcción, en un espacio acotado por los límites precisos mientras la imaginación los deriva para crear un espacio onírico y subjetivo.

Ficha técnica: La savia de Ignacio Sánchez Mestre. Elenco: Mirta Busnelli (Elsa), Constanza Herrera (Mariel / Dolores), Agustín García Moreno (El Chino / Sebastián / Quique). Producción: Lucero Margulis. Asistencia de dirección: Gladys Escudero. Colaboración artística: Tomás Mesa Llauradó. Iluminación: David Seldes. Vestuario: Lara Sol Gaudini. Escenografía: Laura Copertino. Dirección: Ignacio Sánchez Mestre. Teatro Cervantes: sala Luisa Vehil. Estreno: 08/04/2017. Duración 70′.

Bibliografía

Deleuze, Gilles, 2007. “Puntas de presente y capas de pasado” en La imagen-tiempo. Buenos Aires: Paidós: 135-170.

La terquedad de Rafael Spregelburd

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La terquedad de Rafael Spregelburd

La palabra, el tiempo, y la fábula

Como en un deja vu, las hermosas canciones de la derrota preceden a la derrota

unnamed1Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La terquedad es el último texto de la Heptalogía de Hieronymus Bosch, que Spregelburd comenzara en 1996 con La inapetencia; dramaturgia inspirada en La mesa de los pecados capitales, pintada por el Bosco en el siglo XV. Nunca representada en Buenos Aires, fue estrenada en Frankfurt, y Mannheim en la bienal, de 20081. Esta puesta en el Teatro Cervantes, es la primera en el idioma original, y fue revisionada por el dramaturgo. En el contexto de la guerra civil española, en un pueblo de Valencia, un personaje que representa la ley y se declara a sí mismo fascista, tiene ocupado su tiempo en la búsqueda de una lengua que permita desde la sencillez lograr que el mundo se comunique y logre entenderse, camino primario para lograr la paz. La contradicción entre el adentro y el afuera, se teje a través de los otros que ingresan el conflicto al territorio conocido, y ponen en el centro de la discusión la vida y la muerte dentro de las paredes de la casa. Historias que se cruzan en el tiempo y en el espacio, y la sombra de un relato sepultado en un pozo que guarda la pérdida y la locura. 000153996Ese espacio que la excelente escenografía nos muestra a los espectadores, sumados los procedimientos lumínicos pueblan la escena, que se divide no sólo en las habitaciones, sino en el arriba, el dormitorio, y el abajo, la cocina y la gran sala que da al patio de atrás, y un tiempo que nos va llevando en su circularidad, a una espiral donde la historia se vuelve sobre sí misma, y que da cuenta de la simultaneidad de los acontecimientos. Una arquitectura escenográfica, que utiliza el escenario móvil para producir un efecto que nace de la escritura del dramaturgo, pero que de otra manera sería difícil de lograr. Una estructura dramática que recuerda a la de Raspando la cruz (1996), donde el contexto de la Segunda Guerra Mundial, era la excusa para dar cabida a la reflexión sobre el tiempo, lo fractal, y la ética. En un tiempo fragmentado y enfrentado a sí mismo, que regresa del pasado y ejerce su presencia en un futuro que mira hacia atrás; así es la carta del hijo que llega dos meses después de su muerte en el campo de batalla, y que está fechada las vísperas de su última intervención en la guerra: la batalla del Ebro. Una discusión sobre la lengua, que procesa la imposibilidad de la comunicación a pesar de que busquemos la simplicidad de las palabras en una lengua artificial.

El arte recrea las operaciones lingüísticas para recordarnos que en ese vacío están las respuestas que motorizan nuestro deseo. En el arte, como en el Esperanto y los demás lenguajes artificiales, la arbitrariedad de ese enmascaramiento se hace evidente. Cada obra de arte inventa su lenguaje y propone sus significados, pero fundamentalmente, señala a sus servidores. (Spregelburd, 2001: 116)000154000

En ese caos que conforma el sentido como afirma Del Estal2, el lenguaje sería la manera de organizar las formas para encontrar algún orden de significado. Es lo que sucede en las obras de Spregelburd; en La terquedad, la obsesión del comisario de la policía valenciana con las palabras y la construcción de una lengua universal, es a modo de explicación para un caos que lo envuelve desde lo personal y desde lo político. En esa multiplicidad de sentidos que se cruzan en su vida, el lenguaje sería la única posibilidad de un orden. Un orden que lo aleje, a pesar de su conciencia de derecha, de la violencia con la cual se quiere imponer el orden en ese momento en su pueblo, y en España toda. La puesta de La terquedad cuenta con un sistema de engranaje perfecto en la tríada de: autor, director y actores; que logra que el resultado sea de excelencia para un espectador que convive con naturalidad los espiralados juegos temporales que Spregelburd desarrolla en sus obras. La propuesta metafísica se expande entonces hacia dentro de su escritura y se expande hacia la platea que sigue con interés el devenir sinuoso y prolífico de sus ramificaciones. 000153998

Ficha técnica: La terquedad de Rafael Spregelburd. Elenco: Rafael Spregelburd, Diego Velázquez, Pilar Gamboa, Analía Couceyro, Paloma Contreras, Pablo Seijo, Andrea Garrote, Santiago Gobernori, Guido Losantos, Alberto Suárez, Lalo Rotavería, Javier Drolas, Mónica Raiola. Producción: Yamila Rabinovich / Ana Riveros. Asistente de escenografía: Isabel Gual. Asistente de dirección: Juan Doumecq. Colaborador artístico: Gabriel Guz. Música original: Nicolás Varchausky. Vestuario: Julieta Álvarez. Video: Pauli Coton / Agustín Genoud. Escenografía e iluminación: Santiago Badillo. Dirección: Rafael Spregelburd. Teatro Nacional Cervantes: Sala María Guerrero. Estreno 11/3/2017. Duración: 180′.000153999

Bibliografía:

Spregelburd, Rafael, 2001. Fractal. Buenos Aires: Editorial Libros del Rojas.

1Esta serie teatral está conformada por La Inapetencia (1996); La extravagancia (1997); La modestia (1999); La estupidez (2001); El pánico (2002); La paranoia (2008).

2“Para Del Estal, el “sentido” no es lo que normalmente entendemos por sentido. El sentido es la parte en blanco del acontecimiento cognitivo o percèptico, esa pantalla blanca sobre la que se proyectan los significados. El significado está asociado a las formas, a las figuras, al orden. El sentido, a lo informe, al fondo, al caos.” (Spregelburd, 2001:116)

Teatro Cervantes – Teatro Nacional Argentino

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Teatro Cervantes – Teatro Nacional Argentino

Presentación de la programación Año 2017

Una nueva gestión sembrada de posiblesunnamed0

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Carpeta en mano con la programación de la temporada que se abre este año, gran parte del campo cultural teatral de la ciudad se hizo presente, el 15 de febrero, en el Teatro Nacional Cervantes, para dar apertura, luego de los discursos de presentación de las nuevas autoridades, a un nuevo proyecto donde el teatro Cervantes es centro de las miradas, tras la no apertura del San Martín en el tiempo que se había prometido, 6 de marzo. Alejandro Tantanian, su nuevo director, hizo un recorrido, por aquello que informaba la carpeta, luego de agradecer a las autoridades de la gestión anterior, de presentar al Ministro de Cultura Pablo Avelluto, y al secretario de Cultura y creatividad, Enrique Avogrado y nombrar a una extensa lista de asesores. Una presentación y una propuesta ambiciosa dada las circunstancias económicas y sociales que atraviesa el país, y que esperamos que pueda ser llevada a término en tiempo y forma. Un proyecto muy seductor, que integran figuras muy conocidas del medio, dramaturgos de la talla, de Rafael Spregelburd, y el afamado Copi, cuyas obras ya formaran parte de temporadas anteriores. No así el primero, que por primera vez pondrá en ese teatro una de sus obras, que nunca fue estrenada en escenarios porteños, La Terquedad. Los propósitos de la nueva gestión, aparecen en amplio cartel a la calle que flamea en la estructura del teatro, en la presentación de la carpeta, y fueron reafirmados en su semántica por Tantanian:

Estas prácticas amplían nuestro ámbito de acción. No puede restringirse el sentido de teatro nacional a las obras de autor argentino. Teatro nacional es el teatro que se hace en el país, o para el país, o que es relevante para el país, …

Pensamos que un teatro nacional debe ser caja de resonancia de los conflictos estéticos y sociales actuales, y que estos deben orientar nuestra mirada sobre el pasado y nuestra tradición. Más que un teatro – museo, queremos un teatro – reflejo del presente, y, con suerte un teatro – reloj que adelante lo que vendrá.

Convengamos que con sus más y sus menos el teatro siempre hizo eso, aun cuando se lo tildara únicamente de divertimento. La reposición de Tarascones de Gonzalo Demaría, dará luego al inicio del proyecto con el trabajo Integral Pavlovsky. Un ritual poético que abarcará las 38 obras del dramaturgo coordinado por Elvira Onetto. Un homenaje merecido a quien nunca tuvo una puesta sobre ninguno de sus textos en el Cervantes. Visitas guiadas, Giras nacionales, Concurso de dramaturgia organizado por el Cervantes y Argentores, son algunas de las actividades que están programadas, y detalladas para el año en curso. Un brindis al final de las presentaciones cerró el evento.

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Gentileza de Télam

Algunos de los anuncios realizados por Alejandro Tantanian desde el escenario de la sala María Guerrero, mientras desde nuestras butacas podíamos observar en primer plano una hilera de sillas de diferentes estilo sin ocupar y a trasluz del nuevo telón parte de la escenografía de La Terquedad:

Teatro Nacional Argentino produce en el país”: las obras fueron seleccionadas a partir de la convocatoria abierta y estos espectáculos ingresarían a la programación del Teatro. Circularán por las nuevas sedes -Rosario, Villa La Angostura, Lago Puelo y ciudad de Córdoba-, porque en ellas van a funcionar también las producciones integrales del Teatro Nacional.

Comisión de obras”: para la presente temporada la obra comisionada fue La madre del desierto de Nacho Bartolone.

Cooperación con las instituciones en especial con las escuelas de formación de orden público. Se han cerrado convenios con la Escuela Metropolitana de Arte Dramático y Universidad Nacional de las Artes. Además el Cervantes vuelve a ser sede del FIBA, también como parte de estos convenios.

Laboratorios de creación”: convocatoria abierta para toda la comunidad, y que quizá derive en un espectáculo o no. El primero será dirigido por Ricardo Bartís y el próximo, en el 2018, por Silvio Lang.

Territorios en conflicto”: ciclos de conferencias performáticas, no académicas, para pensar en ciertos territorios invisibilizados por los medios y el poder.

Discutir claramente los modelos dominantes, para tal fin y en coproducción con Comédie de Caen se estrenarán dos obras de Copi, y luego esta producción realizará una gira por diversas ciudades de Francia.

Giras nacionales a partir de los espectáculos estrenados en las salas del Cervantes y aquellos estrenados en las sedes.

Música y escena”: acción de cierre de la presente temporada, dos días a plena música que va a permitir que se invadan los diferentes espacios del Teatro, en un encuentro musical y escénico.

Nuevos espacios: “Áreas Gestión de públicos”; “Áreas de comunicaciones”; “Mesa de Curaduría”; “Departamento de Publicaciones”, este año se realizará un evento especial que durará tres días, “Volumen”; Área de Desarrollo institucional.

Además, un fuerte trabajo en: redes sociales; la venta de entradas por plataforma digital; plan integral de refracciones, más allá de las ya realizadas; convenio para publicidad en la vía pública; programa de pasantías,…

Proyectos para el 2018: nuevos espacios de poesía, de artes visuales y de cruces performático, de danza, de música,…

El nuevo director concluyó la presentación con el último párrafo del “texto de misión”:

Concebimos el teatro público no como un servicio obligado a satisfacer una demanda preexistente, o que esté al servicio de determinada política oficial, sino como una institución que ofrezca a la ciudadanía expresiones artísticas en las cuales reflejarse o negarse, que discuta los modelos dominantes, que estimule la diversidad, que pueda transformarse en una plataforma para el desarrollo de nuevas asociaciones de artistas y públicos que piensen crítica y activamente su arte y su época.