Negro Animal Tristeza
de Anja Hilling
La cosificación de la naturaleza
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
La banalidad de los hechos en un encuentro buscado, un picnic en un bosque, una salida programada donde se desatan las pasiones pero con la liviandad de los tiempos. Las relaciones personales y la trivialidad de los sentimientos en el medio de ese animal vivo que es la naturaleza; que parece sólo paisaje, espacio funcional, un decorado para la acción, una cosa, una pintura, que se ve con los ojos que miran una pantalla de cine o televisión, sin emoción primaria, sin instinto atávico. La acción, los pies que horadan y violan la tierra; las manos de la inconsciencia que prenden fuego para una parrillada. El fuego y su naturaleza, el fuego y la naturaleza que se cobran la osadía. Imprudencia, desprecio; la mirada humana que objetiva, cosifica, y se apodera con la pisada del conquistador. La naturaleza herida que cosifica los cuerpos que arden por la negligencia humana, y que a su vez también serán cosificados luego por la cultura. 
La puesta de la pieza de Anja Hilling1 pone el punto de vista, en el doble registro de las palabras y los cuerpos al centro de una intriga que se estructura a través de las voces protagonistas del relato, banal al comienzo, brutal y cruel hacia el final. La palabra disociada del cuerpo. Los personajes narran con una actuación declamada sus experiencias de vida, pero luego, todo se convierte de una hoguera simbólica de pasiones y vanidades reprimidas en una realidad que el fuego convierte en una pesadilla de cenizas. Las imágenes entonces, guardan en el espacio una asimetría interesante y un juego inquietante con la funcionalidad de los cubos; así golpean en el espectador en el doble sonido de la música y de la palabra. Hilling es una joven dramaturga alemana que ha participado en varios Festivales Internacionales donde obtuvo amplio reconocimiento, sobre todo por su pieza Mi joven idiota corazón (2005) La muerte siempre está presente en sus obras como en Monsún (2006)2 y la temática de la maternidad y la paternidad también es concurrente en sus trabajos. En esta pieza que hoy presenciamos, la actitud del hombre en relación a su compromiso con la hija se ve diluida en la falta de deseo de su paternidad, y en la aparente dejadez de una mujer ante su bebé que se transforma luego en una instancia de lealtad, a su hija o a su propia voluntad de ser madre. 
Las circunstancias en que la muerte aparece son de carácter azaroso, un accidente, donde la inconsistencia de la conciencia de los personajes, puestos a un punto límite de sus relaciones produce que lo indeseado ocurra. Pero la trama no se queda sólo ahí, sino que también describe la diferencia entre la ciudad y el campo; la diferencia en la mirada sobre el mismo acontecimiento está presente en los personajes campesinos que ven las consecuencias del incendio desde la óptica de sus propios intereses, y no desde las pérdidas humanas, porque en realidad ven su presencia como una irrupción no querida de los citadinos en su territorio. Es interesante de que modo el dispositivo escénico y lumínico construye el clima necesario para la situación dramática. En el espacio lúdico los tres bloques de aglomerado –círculos, cuadrados,…- de pequeñas partículas de madera, tal vez porque así es la fragilidad de cualquier ser vivo ante la fuerza desmedida del fuego. Mientras la precisa iluminación recorta y envuelve a esos seres presagiando el final. Una historia que parece dividirse en tres momentos. El primero, la salida planificada, quizá ganaría el total de la obra si fuera algo más breve, pues el espectador se pierde entre los seis personajes vaciados de toda interioridad. Pero, en el segundo, cuando el incendio devora todo lo que encuentra, el ritmo interno se ha tensando y nos sumerge en un devenir donde los personajes parecen haber desaparecido.
Escuchamos fragmentos, cuasi monólogos, como “ánimas” que observan la tragedia. El último momento, es el después cuando todo vuelve a la calma y quedan las marcas en el cuerpo y en el alma, cuando se realiza el esfuerzo solitario de volver a la cotidianidad. La particular escritura escénica de Carla Llopis -docente, coreógrafa, bailarina, cantante y directora de teatro danza- nos entrega un hecho teatral sin fisura, donde los actores tiene solidez necesaria para llevar adelante esa disociación antes mencionada. Donde cada tono de la voz, cada gesto esta mediado por algo inquietante e incluso en cada movimiento coreográfico. Nada más alejado de una puesta en escena realista pero nunca olvidaremos la fuerte imagen visual del final.
Ficha técnica: Negro Animal Tristeza de Anja Hilling. Actores: Carlos Donigian (Oskar), Esteban Lamarque (Martin), Pablo Martínez (Flynn), Yanina Martino (Miranda), Jorgelina Pérez (Jennifer), Javier Torres Dowdall (Paul). Diseño y Realización de Vestuario: María Emilia Serrano. Diseño Escenográfico: Magalí Acha. Realización Escenográfica: Jean Pierre Guevara. Diseño Lumínico: José Binetti. Composición Musical: Juan Pablo Martini. Fotografía: Maxi Bort. Diseño Gráfico: Bárbara Delfino. Trailer: Soledad Guerrero. Prensa: Correydile. Producción: Yanina Martino. Asistente de Dirección: Romina Tischelman. Dirección y Puesta en Escena: Carla Llopis. ElKafka Espacio Teatral. Estreno: 12/02/2016. Duración: 80′.
1 Anja Hilling, nacida en 1975, culminó con éxito estudios de escritura escénica en la Universität der Künste, Berlín, donde estudió de 2002 a 2006 luego de diplomarse en ciencias del teatro y filología alemana en Múnich y Berlín. En Berlín escribió también su primera pieza teatral, con la que fue invitada al concurso Stückemarkt de las jornadas teatrales Berliner Theatertreffen 2003. Allí fue distinguida con el Premio Dresdner Bank para jóvenes autores dramáticos. En septiembre de 2007 es llevada a escena en francés y alemán su obra “Sinn” (“Sentido”), que Anja Hilling escribió para una coproducción de la Comédie de St. Etienne y el Thalia Theater, de Hamburgo. En octubre de 2007 es estrenada la obra “Schwarzes Tier Traurigkeit” (“Animal negro tristeza”), que escribió por encargo para el teatro Schauspiel Hannover, donde fue estrenada bajo la dirección de Ingo Berk.
2Monsún narra la relación de una pareja de lesbianas Coco y Melanie que intenta desesperadamente acceder a un niño. Ese deseo finalmente las separa. Cuando Melanie reflexiona en su automóvil acerca de cuáles van a ser sus palabras de despedida, arrolla a Zippo, hijo de Bruno y Paula. La irrupción de la muerte en un contexto moderno y ordenado empuja a los personajes a desarrollar nuevas relaciones y los saca de las dimensiones de la telenovela. La muerte es real. De un día para el otro huyen al campo, a Vietnam. Todos reaccionan con impotencia a sus experiencias. Bruno comienza a escribir un nuevo guión, pero uno realmente bueno, ya no tonterías. Las carencias se manifiestan en el recuerdo del niño muerto, en la reconstrucción de la propia historia, en el reordenamiento de las relaciones: ¿quién desempeña qué papel?, ¿quién recuerda qué cosa?”(Página web sobre nuevas obras alemanas de Goethe Institut)
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