Romeo y Julieta de William Shakespeare por la Compañía El Encuentro
Una tragedia de papel
Un relato, dos narradoras, el universo de lo teatral.
María de los Ángeles Sanz
La transposición de los clásicos al espectador niño, siempre presenta una dificultad y un desafío: por su lenguaje, por la extensión de la pieza, y por la temática que muchas veces aborda conflictos que pueden herir su sensibilidad. Sin embargo, cuando se lo hace desde el cuidado, el amor al teatro y a su destinatario, el deseo de que ciertas piezas amadas puedan ser sentidas por los pequeños espectadores; estas dificultades se simplifican y el resultado es maravilloso. Es lo que sucede con Romeo y Julieta, la tragedia shakesperiana tal vez más conocida, en las manos de la Compañía El Encuentro, formada por Mona Moroni y Gisella Rataus; ambas llevan adelante a través de un trabajo exquisito y sutil, las acciones principales que nos cuentan la historia de amor de los protagonistas, sin desvirtuar su triste final. El deseo de que lo inevitable no ocurra de parte de los niños, es de conciencia reconocerlo, de los grandes también, hizo que antes del desenlace se permitieron una pequeña licencia poética y ofrecer a todos, la ilusión de una última mirada. Pequeña trasgresión que produce un alivio en el destinatario que ve así como los dos protagonistas tienen un tiempo necesario para la despedida a partir de la mirada. Las dos narradoras, vestidas de gris perla, y enguantadas con colores diferentes: azul para los Montescos, fuscia para los Capuletos, y a través de la creación del espacio con la ayuda de un gran libro que guarda troquelados los ámbitos donde transcurre la historia: la plaza, el dormitorio y el famoso balcón de Julieta, el convento de Fray Lorenzo, y el mausoleo de la familia, donde todo tendrá su destino fatal. Detalles, sutilezas, una voz que guarda la emoción de los hechos, en un dueto preciso, los pequeños personajes centrales como pequeños muñecos en sus manos, y los de papel para París, Mercucio y Tibaldo. Un juego teatral cargado de sensibilidad para pequeños espectadores, o no tanto, para iniciarlos en el conocimiento de los clásicos, para llevarlos de la mano de la imaginación al relato de una historia universal que nos conmueve a unos y a otros, por la fuerza del amor. El trabajo es llevado desde hace años por la Compañía a los colegios para acercar a los niños la posibilidad de acceder al teatro como género, y a la dramaturgia clásica desde su realización escénica. Una manera de enriquecer su imaginario, incentivar la creatividad, y producir una apertura hacia el interés por la lectura desde la curiosidad de encontrar otras historias, otros posibles mundos.
Ficha técnica: Romeo y Julieta de William Shakespeare dramaturgia de la Compañía El Encuentro: Mona Moroni, Giselle Rataus, Bernardi Sabbioni. Diseño escenográfico y Pop – Up: Alicia Gawlanski. Diseño de muñecos: Alicia Gawlanski. Asesoramiento y realización de dispositivos escénicos: Francisco Ramírez. Asistente de realización escenográfica: Graciela Zubiaurre. Diseño de vestuario: Mona Moroni, Giselle Rataus y Graciela Rapazzini. Realización de Pop – art: Jazmín Schumis. Realización escenográfica y muñecos: Alicia Gawlanski. Realización de vestuario: Susana Valverde. Diseño gráfico: Gráfica. Asistente: Malena Rodríguez Melión Dirección general: Bernardo Sabbioni. Supervisor de arte: Ana María Bovo. Espacio Artesón.
Azucena Ester Joffe
La geografía propuesta tiene su correlato presente en la música de tango que en un momento acompaña la lectura del diario por el padre, y en la marcha de San Lorenzo, que cantan las hermanas, Cuca y Beba, que es también otra huella en la ruta del desarrollo de la intriga. Una intriga que se sucede, como afirme antes, en un tempo circular, de esa manera Triana cierra la obra; “Beba- (
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
La pieza habla, además del conflicto central de la identidad materna, de una primavera libertaria donde los ricos pagan y los pobres cobran, pero no palos como habitualmente sucede, sino la recompensa a tantas penurias de la mano de una justicia, tal vez arbitraria, pero justa definitivamente. Curiosamente entonces el director toma la decisión de llevar al teatro esta pieza de Brecht, nuestro padre del teatro político, que parece que se dirige hoy a nosotros por más de un motivo. Por la necesidad de recuperación de identidad, de una familia, por la dicotomía entre pobres y ricos exacerbada por un gobierno que busca eliminar la clase media con sus medidas económicas, por más que ésta no sea capaz de darse cuenta, por la necesidad de justicia hacia el más débil. El grupo lleva adelante el proyecto con la composición de cada uno de más de un personaje en escena, ya que los que creo el dramaturgo alemán exceden en número sus posibilidades. Componen un todo homogéneo, donde se destacan la realización del personaje narrador por parte de María Marta Guitart, el de la bella y compasiva Grunter y el del juez, Pablo Flores Maini, que les dan a sus personajes frescura y pregnancia. En una coreografía que recorre el espacio escénico, el humor, las canciones, la música en escena, respetan una estructura que guarda relación con los acontecimientos, dividida en cuadros que recorren diferentes geografías construidas desde la palabra y con el mínimo de los elementos posibles. El vestuario recupera la temporalidad de la pieza. Y, la particular escritura escénica de Manuel Iedvabni hace habitar en el espacio escénico a estos seres que con muy buen ritmo nos atrapan desde el inicio.
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
La máscara política y la máscara teatral se intercambian productivamente, mientras el cuerpo de Starosta nos dirige una conferencia sobre la teoría de los puntos necesarios de la política partidaria, y los del teatro. El Starosta director deja paso al personaje que se manifiesta en el espacio con una clase de cómo mantener la tensión de un cuerpo máquina, de cómo construir relato desde la gestualidad. Una primera parte donde el monólogo del dramaturgo español es pronunciado mientras el cuerpo / personaje recorre la escena y la llena con su sola presencia que está atravesada por maderas, que son no una escenografía contenedora sino una carrera de obstáculos a un recorrido que gira sobre sí mismo. Elementos, utilería, que será en sus manos materia prima para la producción del objeto necesario a la constitución del relato, a la continuidad de una reflexión que no cesa. Una teatralidad de interesante factura para llevar una disertación filosófica sobre el metier de la actuación y sus implicancias a escena, sin caer en los diálogos mayéuticos posibles. Del teatro que bucea en sus procedimientos a partir de los noventa como una constante en nuestra dramaturgia, Starosta, es un buscador, un investigador sobre la productividad de los procedimientos sin reiterarlos faltos de problematización, como una necesidad de efectismo escénico. Si las poéticas tienen siempre sus seguidores fervientes, en el centro de su corazón anidan aquellos que comienzan a interrogarse sobre las mismas, con el escarpelo de la filosofía. Este acontecimiento teatral, que excede cualquier categoría, tiene un intenso ritmo intrínseco que focaliza nuestra mirada desde su inicio. Una propuesta inteligente y polifónica que permite diferentes lecturas y nos interpela en tanto sujeto espectador que somos. Como lo expresa el creador de El Muererío Teatro en su “Manifiesto para una génesis”:
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
Admirada por los filósofos como Platón, recuperada por los poetas como Petrarca, Byron o Rilke, sigue envolviéndonos con su sensualidad, y ofreciéndonos las palabras justas para enaltecer los sentimientos: “yo te buscaba y llegaste, y has refrescado mi alma que ardía de ausencia.” (24); Horovitz teje una tela delicada con las palabras de la poetisa, y logra un entramado que recupera un relato, donde el amor no tiene género ni edad, se da así, como un destino, como lo inevitable: “Ay dulce madre, no puedo tramar la lanzadera / muerta de amor por un niño por culpa de Afrodita” (39). Los dioses siempre presentes en el horizonte griego son los responsables de un corazón que se rinde ante la belleza y la juventud, y que sólo deseo enaltecer el alma a través de los sentidos. La iluminación de forma acertada refuerza ese clima en tonalidades sepia, sin romper el encanto que nos remite a aquel momento mítico de transmisión oral. La poetisa cantaba sus poemas acompañada por la lira hace unos 2600 años y hoy la intérprete actualiza su figura musicalizando su arte. Una interesante propuesta que nos lleva a bucear en la historia de esa audaz mujer que habría iniciado el camino de la poesía lírica romántica. Además de ser la excusa perfecta para volver a ver 
Las actuaciones acentúan ese tiempo de comedia ligera, y los personajes acentúan lo farsesco, lo grotesco de las situaciones. Es buena la caracterización de Antonio Grimau en la piel de Harpagón, y las de Silvina Bosco como Frosina y Iride Mokert como Elisa, los demás acompañan con oficio el trabajo que les corresponde, dando al grupo un tono armónico. Los músicos en escena son un condimento que apoya el recorrido de la pieza con gracia, y que como el resto de los procedimientos va dirigida al ritmo requerido por el sentido propuesto de comedia, a pesar de algunos apartes que tratan de acercar la problemática a nuestro tiempo. La música es original de Rony Kesselman y tiene en sus ejecutantes un muy buen desempeño. Al igual que es eficaz el trabajo coreográfico propuesto por Mecha Fernández, que logra una muy buena performance en el espacio escénico, que es dibujada por el cuerpo de los actores que se desplazan con fluidez por él. Un clásico en clave musical, una comedia que entretiene y es el respiro necesario para nuestro trajín cotidiano. La platea lo pasa muy bien y así lo demuestra con el aplauso al finalizar cada función.
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
Por otra parte, es una manera que tiene la poética de la puesta de universalizar la temática, que nos dice que no necesitamos palabras, palabras que a veces esconden la verdad, para entender, comprender, y despertar nuestras conciencias. En un mundo donde la mirada es fundamental, bombardeados como estamos por flash de instantáneas que muestran y ocultan, el teatro nos da la imagen, nos interpela desde el ver para que podamos decodificar un mundo que deshumanizado en el tratamiento al otro nos enfrenta a las luces y las sombras de nuestra carencia de amor, de solidaridad, de libertad. Omar Pacheco y su grupo dan cuenta de su firme compromiso, primero, con la vida y, luego, con el teatro. Las potentes imágenes visuales de manera sumamente poética fusionan, como en un estado de vigilia, la musicalidad intrínseca de los cuerpos con la corporalidad violenta que caracteriza a toda nuestra sociedad globalizada. Sin caer en el lugar común de la violencia explícita se lleva a cabo el ritual una vez más. Un punto de encuentro que atraviesa a cada espectador según su vivencia y su sensibilidad. 
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