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Este es un espacio que administramos Azucena Ester Joffe y María de los Ángeles Sanz donde los artículos sobre la creación teatral en Buenos Aires es el centro de la temática. Buscamos una relación fluida con el campo teatral de todo el continente.

Iride Mockert: “El teatro es vida y energía, voz y cuerpo”

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Iride Mockert: “El teatro es vida y energía, voz y cuerpo”1

Daniel Gaguine

Es de esas actrices que no paran nunca. Siempre está con varios proyectos a los que dota de su talento y frescura. Ahora, forma parte del elenco de “El avaro”, dirigida por Corina Fiorillo. Iride Mockert encara un nuevo desafío en su carrera al tiempo que da su punto de vista sobre la ficción en la televisión argentina y sus próximos pasos en cine.

Entrevista realizada junto a Azucena Ester Joffe (Luna Teatral)

-Iride! Estás participando de esta nueva versión de “El avaro”…iride_mockert_caleidoscopio

– Si! Me enteré que Corina estaba con el proyecto de “El avaro” y me llamó. Esto fue el año pasado. Hablamos un día y ella habló con los productores para proponerme. El San Martín dio el “ok” y me dijo de hacer Elisa, la hija de Harpagón. Es muy buena esta posibilidad. Más en estas épocas de escasez. No solo fue genial por laburar con Corina -nunca había laburado con ella- sino que uno desea trabajar con gente talentosa y buena por sobre todas las razones. Además, la posibilidad de laburar un Moliere, algo que no lo hacía desde que estudiaba en el IUNA, en tercer año. Tenía un recuerdo muy lúdico de haber transitado ese material.

Con la propuesta en la mano, me empecé a preguntar “¿Cómo se hace Moliere?”. Después tenía el verano para entrenarme y pensé en hacer un curso con alguien que trabaje específicamente Moliere. Pero me di cuenta que uno tiene que ver la forma de trabajo con la directora. Cual era la idea y hacia donde iba. Después, me había comentado acerca del elenco. Con algunos ya había trabajado anteriormente y con otros, no. Está buenísimo el hecho de poder trabajar y vivir del trabajo que uno realiza. Más aún si te llaman para un proyecto en el teatro oficial.

-¿Cómo es hacer Moliere hoy en día?

– Son difíciles los clásicos y creo que cada vez lo van a ser más porque nos vamos alejando de ellos. Vivimos en una ciudad muy prolífica, de mucho teatro, con muchos perfiles. Entonces uno se pregunta cómo se hace determinado material y más aún, ¿por qué lo hago hoy? Pienso el esfuerzo que implica hacer una obra. El “¿por qué hacer este esfuerzo para contar esto? ¿Qué es lo que uno quiere?”. Era el gran interrogante que tenía cuando Cori me convocó. Ella apostó al juego, lo cual es universal en la comedia. Si no hay juego, no hay comedia ni humor. La obra arranca con una obertura -un agregado al texto de Moliere- en la primera escena que tiene a Elisa con su enamorado, Valerio (Julián Pucheta). Cuando uno empieza a hacer los ensayos en el teatro oficial, se comienza desde el principio, a montar la obra. Era el cagazo de iniciar todo y romper el hielo. Ver a donde iba el código y la mirada de Corina que planteó una hipótesis en el primer ensayo. “Ellos se juntan a definir como estar juntos pero se juntan a tener relaciones”. Eso, para mi, habilitó el juego y al cuerpo, el cual es crucial en Moliere. Si no hay cuerpo, no hay nada. El cuerpo tiene que estar muy implicado más allá del ritmo. Cuando sentís que el director habilita otros campos de sentido, que van más allá del texto, es una fiesta. Siento que la manera en que Cori hizo o eligió hacer Moliere está buena porque no es un clásico a la vieja usanza ni tampoco es algo todo corrido. Es algo que juega y oscila en la idea de hacer Moliere y volver a la actualidad.

-¿La construcción de tu personaje tiene una marca determinada?

– Creo que cada uno y todos, en mayor o menor medida, pusimos el cuerpo. Hay algunos personajes que tienen una composición hasta en la forma de caminar. Tal el caso de Antonio Grimau o Silvina Bosco. Después, cada uno le pone su sello. Mi personaje, en el texto, no tiene mucha gracia. Charlando con el grupo, decíamos que Moliere escribía para los hombres. Los personajes más importantes son masculinos. En este caso, el protagonista es un varón y sus hijos son como sus enamorados. “Quieren casarse con…” y se tienen que someter a un padre déspota. En realidad, los que llevan y traen, los que tienen más escenas de puerta, de comedia, son los criados. Cuando Cori me propuso el texto, leí la obra y dije “¿Cómo le ponemos la gracia y el humor al personaje?”. El texto es situacional. Moliere es una pelota que después se resuelve en un segundo. Típico de la comedia de esa época. Lo único que me dio gracia de mi personaje, fueron las reverencias con el padre (que son tres, según el texto) y exagero.

Estuvo bueno que Cori habilitó lo físico. Antes, con Pucheta, inclusive bailábamos pero dos semanas antes del estreno, eso voló. Quizás uno se copa con el juego y se deja de contar el cuento. Sobre todo en la primera escena, que abre la obra y cuenta toda la situación y la presentación de todos los personajes para que se entienda después todo lo que va a venir.

Corina tiene muy presente lo musical. De hecho, dice que sueña con dirigir una comedia musical. El actor no es solo una boca que habla sino que el cuerpo tiene que estar generando sentido. El teatro es vida y energía, voz y cuerpo, y hay que estar ahí.

-El monólogo de Harpagon, apareces tocando el oboe. ¿Cómo surge esa idea?

– Fue una idea de Corina. Quería que toque el oboe en algún momento y pensó que estaba bueno hacerlo en el momento en que Harpagon descubre que le robaron su dinero. Cori elige que ese monólogo sea de verdad y no con la morisqueta con la que se venía desarrollando el personaje. Que sea el dolor, casi de perder un hijo. Lo terrible es que está hablando de dinero. A Corina le parecía interesante que aparezca la hija viendo ese lado más siniestro y doloroso del padre. Quería que, además de ser un ambiente musical, también fuera una escena en la que es un espectador de la casa pero que él no está solo sino que todos lo estamos viendo. Inclusive él acusa recibo del público y somos todos cómplices de la situación.

-El público contribuye al clima festivo que tiene la obra…

– La gente está recopada. Recibo un montón de mensajes privados por Facebook, casi al nivel de lo que había sido “La Fiera”. Es muy loco y me sorprendió mucho. Mejor dicho, me alegra porque uno siempre estrena y le pone todo al espectáculo. Cree que está bueno lo que se está haciendo, con sus más y sus menos. Mi hermano, que fue a ver la obra, me decía que en la boletería no vendían más entradas. Es genial que el teatro produzca esto. Estar haciendo una obra en la que la gente la pase bien y se divierta a un precio accesible para todas y todos.

-Además, llenar el Regio no es fácil.

– Los técnicos nos decían que era inédito lo que pasó la primera semana cuando no salieron críticas ni nada. El sábado no lo podíamos creer y el domingo, que estaba nublado, había público en platea y pullman arriba. No sé qué razones que hay detrás de todo esto ni con qué tiene que ver. Entre la primera semana, con la función de prensa y demás, haciendo un cálculo vinieron dos mil personas. ¡Un montón de gente! También vinieron muchos colegas, los cuales te escriben si se copan con lo que ven. No hay lógicas con estas cosas. A veces, te pasa que estas en un proyecto al cual pensas que está buenísimo pero no termina saliendo de acuerdo a las expectativas.

-¿Te pasó tener una obra a la que le ponen todas las fichas y por algún motivo, no funciona?iride-mockert_caleidoscopio

– No, sinceramente no. Tengo obras que no volvería a hacer pero por suerte, con las últimas obras estuve muy contenta. El término “éxito” para mi no existe. Lo que si me cuentan colegas de más experiencia es que la pegas una vez en la vida. Te llena de alegría pero te pasa muy poco en la vida. Eso me han dicho. Siento que hubo proyectos en los que me fue muy bien como “La fiera” que también tuvo algo coyuntural. Pero después, en general, todas las obras fueron muy importantes para mi. No se mide en premios, críticas o plata. Se aprende de todo lo que uno hace. Incluso hubo proyectos en los que cobré muy poco y aprendí un montón.  En el teatro off pasa que no te está yendo tan bien pero rescatas que estas con un material que te encanta.

-¿Vas a hacer tele este año?

– Por ahora, no. Pero estamos en un momento muy difícil. Me parece terrible lo que pasó con “Fanny” y que se esté viviendo de latas turcas, talk show y programas de chismes. Tenemos que preguntarnos el porqué de una grilla de programación basada en eso. No puede ser que las dos únicas tiras de producción nacional compitan a la misma hora. Esa cosa indiscriminada de pelear por el rating y cual canal gana la programación anual. Deberían unirse para fomentar la producción nacional. No podemos vivir de latas turcas y que la gente termine eligiendo Netflix. ¿Por qué no apostar a realizar historias como “El marginal”, que le fue muy bien? ¿O programar películas nacionales, muchas de las cuales ya entraron en Netflix? Lo único que se está grabando es “Las estrellas” y la de Estevanez que va a salir la segunda mitad del año.

-¿Y cine?

– Estoy con un par de proyectos que todavía no se han definido. Uno es relacionado con el tema de trata pero estamos esperando al INCAA por el subsidio porque hacer cine, es carísimo. Dependemos de los fondos para terminarlo. Había una fecha de clausula y no se respeto por lo que estamos esperando.

Los decentes”, la película que había filmado y se proyectó en el Festival de Mar del Plata, se va estrenar en octubre porque el director está de viaje.

-¿En el futuro se verá una Iride directora?

– Directora no pero….más cercana a la dramaturgia. Estoy escribiendo, más que nada para que no me roben las ideas (risas). Estoy haciendo, con una ayuda, el esqueleto de mi próximo unipersonal. Creo que en dos meses ya arrancamos. En el unipersonal, voy a cantar y tocar el keytar.

-Lo último, ¿hasta cuándo sigue “El avaro”?

– Hasta el 3 de octubre porque viene el FIBA. ¡Esperamos poder seguir! La verdad es que se ensaya tanto que estaría bueno estar un tiempo importante. O poder ir de gira a ciudades como Mar del Plata. Sentimos que es una obra para toda la familia. De hecho, las primeras semanas de agosto vienen colegios y creo que va a ser una fiesta.

“El Avaro”. Teatro Regio. Jueves a sábado, 20.30 y domingo, 20 hs

1Gentileza de Daniel Gaguine: http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com.ar/2017/08/iride-mockert-el-teatro-es-vida-y.html [14/08/2017]

Lisandro Rodríguez. Toma la palabra

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Lisandro Rodríguez. Toma la palabra.1

Daniel Gaguine

El pasado 29 de julio, consultado por el diario La Nación sobre los motivos por los cuales no había obras del interior seleccionadas para el Festival Internacional de Buenos Aires, su director, Federico Irazábal dijo “Entiendo los cuestionamientos, pero son criterios. Y no hay montajes del interior porque le pedí al comité curatorial que eligiera lo mejor”. El malestar fue inmediato. Quien tomó la posta para defender tanto a Irazábal como la selección de las obras fue Lisandro Rodríguez, uno de los curadores convocados.

En una charla seria y distendida, con tres pavas  para el mate, Rodríguez respondió cada uno de los cuestionamientos realizados.

Advertencia previa: Esta entrevista responde a los cánones periodísticos. Refleja lo dicho por el entrevistado que se condice con su pensamiento. Lo especificamos antes que haya algún tipo de reclamo para que tengamos en cuenta su pensamiento y no lo que dice…lisandro_rodriguez_caleidoscopio

-Estamos con Lisandro Rodríguez. Va a salir tanto su palabra como su pensamiento. No voy a tener que interpretarte más allá de lo que dígas

– No, no. Va a salir lo que yo diga (risas). Te decía recién, cuando Federico Irazábal me llamó para hacer de jurado, curador, etc. De hecho era un problema. Decíamos “¿Cómo nos ponemos?”. En un punto éramos artistas que estamos eligiendo a colegas, compañeros. Me parece que está bueno que cambie el paradigma de que los que eligen, sea gente que está en el medio, que conoce y ve obras. Que la posta al año siguiente la tome otra gente. Abrirse a ese juego. Un desafío interesante más allá que es un trabajo pago. Eso no me convierte en un funcionario público de la gestión macrista ni en empleado de Irazábal.

-Se esbozó eso.

– Si. No me voy a enojar con lo que la gente esboza, escupe o saca chapa. Estoy tratando de hacer ver como eso, lo podemos pensar entre todos como forma del lenguaje. Como se articula con un pensamiento. No me siento funcionario ni tuve presiones en seguir una determinada línea. Tuve absoluta libertad para trabajar. Con Federico no chequeamos ni le preguntamos nada. Nos dijo “Elijan lo que quieran. Dentro de las obras que mandaron, elijan lo que quieran”. Si nosotros queríamos presentar diez obras de Quilmes, La Plata o Tucumán, lo podíamos hacer. En ese sentido, trabajamos sin ningún tipo de presión. Cuando vimos la lista dijimos “¡Qué bueno que hay cinco obras de danza! Es muy difícil con 650 obras. Se va armando criterios de formas de ver. Si uno manda una obra a un concurso (he mandado obras a concursos), sé que voy a ser juzgado bajo ese criterio. No puedo estar pensando que va a tener el mismo efecto una obra que se manda en video que otra que puede ver en vivo el jurado o el equipo seleccionador. Entonces, frente a eso, es cuando uno se expone a la mirada de un tercero. Obviamente, también pienso que cuando uno manda una obra a un concurso, uno mira al jurado.

-Eso es cierto.

– “¿Quien está? Uh, a este no le va a gustar”. Pero, ¿eso significa que la obra es mala? No. Incluso cuando viene que alguien viene a ver lo que hago, pienso que puede ser que no le guste. Se puede confirmar esto pero también está la sorpresa que le haya gustado. Me parece que, en ese juego, poner en términos tan absoluto al concurso, al cómo se selecciona en un concurso, es un poco engañoso para todos. Es como si fuera “una cosa o la otra”. Es “esto o lo otro”. Nos pasó que Bartís no había quedado en la selección. Decís que todos corren con la misma lógica, se los evalúa por igual y tienen las mismas chances. Pero en el momento de llegar el nombre de Bartís…es Bartís. ¿Influye en una selección que sea Bartís el que uno esté evaluando? Un tipo con semejante trayectoria. Es increíble que ahora haya que aclarar todo en cada momento.

-Es cierto. Es lo que estás diciendo, no lo que estas pensando….

-Estoy diciendo lo que pienso. Igual hay una frase de un amigo que siempre digo y es “La casa se reserva el derecho de contradicción”. Es muy buena la frase y la uso no para atajarme ni relativizar sino que uno empieza a tener sus contradicciones. Uno va armando su pensamiento, sobre todo en un trabajo. Hablo a través de mis obras pero también el trabajo es hablar con un periodista o dar a conocer las obras. Eso también empieza ser parte del lenguaje del material. Uno tiene que estar atento a ver como expresa lo que piensa y no estar atento a no decir lo que piensa, que es lo que hacen otras personas.

-Por eso es el lío que se armó con lo que dijo Irazabal, lo que no dijo o piensa. ¿Te sorprendió eso?

– ¿A quien le importa lo que pienso yo de lo que piensa Irazabal?

-Fue la defensa esbozada al respecto…

– Si. Las defensas y discusiones en Facebook…Es una plataforma sumamente interesante Facebook. Uso mucho esa plataforma. Creo que, habiendo sido seleccionado jurado/curador, o como se llame, del FIBA y del INT, este año, siento una gran crisis del lenguaje. Facebook es una plataforma donde la gente encuentra modos muchos más pregnantes para expresarse que en el teatro.  Ves y decís “Mirá todo lo que pensabas!”. Que lastima que algo de ese pensamiento y esa fricción no se pueda ver en el teatro. Es una crisis que nos pasa, a nivel generacional, donde la potencia y la violencia del lenguaje están puestas más en un espacio como Facebook más que en nuestras obras.

-A lo que iba es si te sorprendió esa virulencia…

– No me sorprendió. Si escucho a una persona -sea Irazabal o quien sea-, que dice eso que dice la nota que dijo Irazabal, te salto a la yugular. No solo por lo del interior. Si vos me preguntas “¿Por qué no hay ninguna obra del interior’” y te respondo “porque elegimos lo mejor”, es horrible. Es impresentable que te conteste eso. Es agresivo y discriminatorio. Hay un montón de cosas que se le puede adjudicar a esa frase que no está bueno. Frente a eso, entiendo la lógica reacción de la comunidad teatral del interior, porteña o de donde sea.  Ese final…la frase es una especie de falacia. Cuando Federico nos llama, no sabe que obras se presentaron. Es una trampa del lenguaje.

-Lo planteaba de un lado puramente periodístico. Acaso si lo dijo y se equivocó, ¿no podía pedir disculpas?

–  Es muy difícil eso. Vos no te equivocas por esa frase. Además, para mí, la frase es incoherente en su sintaxis. No tiene lógica. Eso es lo que pienso. Podes estar de acuerdo o no. Después, más allá de mi vínculo con Federico, lo que pienso que piensa él, como participante/seleccionador de obras, es y lo digo “Nunca Federico me dio esa bajada de línea”. Con lo cual, puedo hablar hasta ahí. Eso fue lo que hice y lo dejé claro. Nunca me dijo Federico “elegí lo mejor y por lo tanto, excluí las obras del interior”. Podría haber dicho también que “haya obras de CABA y un salpicado de otras regiones”, “tiene que haber cuatro obras de danza, cuatro obras del interior, cuatro del conurbano bonaerense”, “El reglamento permite que se presenten obras de hasta veinte años atrás pero no quiero que sean más allá de hace un año y medio”, “Dentro de las dieciséis obras seleccionadas haya cinco directoras mujeres”. Nunca nos dijo nada de esto.

-Ese fue un tema que salió, que no hay directoras…

– Decile a Maricel Alvarez (N de R, junto a Rodríguez y Luciana Acuña, conformaron el comité curatorial del Festival) que sea elegida no por su obra sino porque es mujer. Ese es un terreno conflictivo. No sé si tengo las herramientas necesarias para hablarlo y atañe a algo mucho más profundo. Es muy reduccionista ponerlo en la selección del FIBA pero también comprendo el reclamo de un montón de personas que entienden la cuestión de cupo como una cuestión política y situacional. Se sabe que no está bueno el cupo pero en este contexto es necesario hacerlo.

-Hubo directoras como Mariela Asensio que se manifestaron al respecto.

– No estoy de acuerdo con Mariela pero entiendo su postura y la respeto. Por eso la escucho. También veo que Mariela dice eso y hay otras mujeres que no quieren saber nada del cupo. También está el cupo para artistas trans ya que no hay artistas trans en el FIBA.

Lo que pasó fue que, con esa frase de Federico, es lógico que salte todo por el aire. No me sorprende. Yo estaría saltando. Pero esta frase tiene una concordancia directa con la programación de la que 1/3 es responsabilidad mía. ¿Por qué no voy a salir a decir lo que pienso sobre el trabajo? Esto se vuelve político pero no porque me vuelva un funcionario público. En este caso, me están llamando para hacer un trabajo específico que tiene que ver con un festival que excede al gobierno de turno y un montón de cosas. Tomé ese compromiso de hacerlo amorosamente pero no en el sentido que le da Macri o los políticos. Tiene que ver con el compromiso ético-político-estético con mi trabajo.

-También se criticó la elección de la obra de Mariana Chaud en la que aparece Luciana Acuña.

– Si. Es un tema candente. Lo entiendo y discutamos al respecto. Pero una cosa es decir eso y otra ponerse en ese puterío de programa de chimento. Está bien que haya saltado la gente pero no estoy pidiendo perdón al respecto. Elegimos la obra con absoluta convicción Maricel y yo. De todos modos, a veces uno peca de ingenuo por estas cosas. Ahí tengo que reconocer cierta ingenuidad en determinadas cuestiones. Puedo mostrar la obra de Mariana y estoy convencido al respecto. La elegimos de ese lugar y Luciana nos dijo “miren que ayudé un poco”. Para nosotros, estaba buenísimo el lenguaje con una conjunción de estética teatral y contemporánea, que nos representaba muy bien a Maricel y a mi. Eso por un lado. Quedó y nunca más hablamos a hablar de la obra. A tal punto, que me olvidé de esa situación…

lisandro-rodriguez-caleidoscopio-Ahora te la recordaron…

– Exacto. Voy a la ficha técnica de Alternativa Teatral donde veo que dice “Coreografía y asesoramiento, Luciana Acuña”. Cuando miro la obra, no siento la mano de Luciana. Tampoco es una obra coreográfica. Entonces digo, ¿qué pesa más ahí? ¿El crédito de una convención? Eso no justifica la elección pero también está bueno empezar a pensar estas convenciones del teatro contemporáneo. La obra es claramente de un ciclo de Invocaciones. Está bien, tiene eso pero no es una obra que dirige ella. Ni siquiera actúa. Me parece una cuestión de clases crediticias. Si ella figuraba como prensa, ¿cabía esta discusión?

-Para mi, sería peor todavía.

– ¿Y la asistencia de dirección?

-Siempre va a estar la discusión si es miembro del jurado.

– Lo estoy pensando en voz alta. Veo que hay cierta verticalidad que engloba un montón de cuestiones. Creo que nos acomodamos mucho a determinadas situaciones (también me incluyo). Estamos en un momento muy sensible. 

-Esta selección, con estas características, cae como la cereza del postre de lo que se vive. La gente del interior no se ve representada y parece lo de unitarios y federales. Esto más allá de las calidades…

– Es que lo de las calidades es sumamente aleatorio. No hace al asunto. Te puedo mostrar las 650 obras y vas a elegir obras diferentes porque te interesa, te convoca o el criterio que vayas armando. Es muy difícil. Para mí, es una discusión inevitable.

-¿Tuvieron algún criterio de selección?

– Lo sentí como un trabajo creativo. Lo viví como un ensayo. Como director, te encontras una vez y tenes un panorama, después otra vez y tenes otro. Vas seleccionando lo que es más particular. Ahí es donde decís “lo mejor”. Es muy reduccionista y elitista así como subjetiva. ¿Quién lo determina?

-El jurado a cargo en ese momento

– Pero ¿cómo podes generar consenso con algo tan subjetivo? Ahí empezamos con los criterios. Maricel Alvarez tiene una línea muy contundente y clara de lo que piensa del teatro. La verdad, aprendí mucho de Maricel y Luciana. La forma de mirar, lo que señalaban, lo que decían. El otro día, hablé con Rubén Sabadini que me decía que se veía claramente que la programación dialogaba con este gobierno. Eso era lo que le hacía más ruido. Sentía que no había espacio para la otredad, que estaba muy cerrado a una estética determinada.

-Por eso decía que la selección del FIBA era la frutilla del postre de este gobierno y de un discurso.

– No me molesta que se ponga en tela de juicio una decisión. Lo que no está bueno es que se tome algo personal y después, que no se discuta al respecto. Con todas las personas con las que me encontré, no hablamos de lenguaje. Creo que hay un gran problema que es el vaciamiento del lenguaje. Cuesta muchísimo hablar de eso.

Pero volviendo a Sabadini, me parecía bien lo que decía. Desde ese lugar, lo podes pegar a este gobierno. Ahí es donde vuelvo a pensar de porqué este gobierno es dueño de determinadas cuestiones. Eso por un lado. Por otro lado, vi un montón de obras de las que no conocía a sus integrantes. Gran parte de la comunidad teatral porteña –que muchos son los que están discutiendo y denunciando- no los conoce. No fueron a ver sus obras. Eso es un prejuicio de lenguaje. Ven una pantalla o un tipo haciendo música contemporánea y dicen “Es muy moderno”. Son prejuicios y yo también los tengo. Cuesta porque tengo una formación más clásica teatral pero no puede negar que forma parte de la escena.

-¿Te llamó gente del interior, algún periodista al respecto?

– No. Igual, es todo muy complicado. Uno se expone a esto.

-Tu exposición fue muy importante. Hablaste más que Irazabal por lo que él dijo y que tus dos compañeras del jurado cuando se criticó la selección

– Pero no es eso solamente. Te explico. Maricel no habla en Facebook. En mi caso, suelo hacerlo. Soy consecuente con eso. Para el que no lo hace es como que te diga “venite a jugar al desierto del Sahara” y Facebook es un depositario de bosta. Entonces, hay que estar dispuesto emocionalmente. Es un gran trabajo de salud exponerse a esa situación, que todo el día te estén arrinconando. Con Lucho Bordegaray nos quedamos hasta las tres de la madrugada discutiendo sobre este tema.

También hay algo que pienso es porqué la gente del interior va a estar interesada en Buenos Aires. La entiendo si, como posibilidad de trabajo.

-¿Y de legitimidad?

– No. La entiendo como trabajo. No me interesa la legitimidad en tanto no me brinde trabajo. Esto lo digo por mí. Trabajo por el cual te pagan, por hacer lo que querés y lo que crees. Desde ese lugar entramos en una discusión en la que hablamos de posibilidades de trabajo. No de otra cosa. Desde ese lugar, hay un reclamo legítimo de cualquier persona, viva en Formosa, Quilmes, Santa Cruz o donde sea.

-El problema es que volvemos en la frase en cuestión.

-Ahí es donde digo que hay una construcción de poder, de creer que estar en determinados lugares te convierte en algo determinado. Por un lado, es cierto. Pero es muy paradójico. El teatro independiente se jacta de un montón de cosas y está en una discusión muy berreta. No se habla de lo que se tiene que hablar. Si hablásemos de lenguaje –ponele-, tenes los banners que ponemos en los halls de nuestros teatros para que venga y se saque una foto la famosa de turno, para sacar chapa con esa mierda. Eso lo hacen las salas independientes. Con agentes de prensa que ponen carteles con tu apellido en una sala para veinte personas. Es una estupidez. No se habla del trabajo ni se discuten las obras. No tenemos espacio para esto. Entonces cuando aparecen cosas repudiables como esta frase, va todo para ese lado. Es como una pareja, discute y sale todo lo que tenías adentro. “Esta selección es el fiel reflejo de este gobierno”. Entonces digo “Pará la mano”. Empecemos a separar porque no todo es lo mismo. ¿Por qué le vas a dar con un caño a los jurados? ¿Por qué todos creemos que tenemos que sentarnos en el panel de “Intrusos”? Te pueden decir “hablo por medio de las obras que elegí. Después, si querés, “nos sentamos y discutimos”.

-Pero ahí estaría hablando a través de las obras de un tema que no compete como el ser jurado.

– Cómo que no? Mi trabajo es ser jurado y hablo de las obras que elegí.

-Ok, te van a gustar las obras que vos haces dentro de esa línea.

– Es probable pero no hablaría de “gustar”. Tengo este criterio de selección para este festival. Es válido. Te puede gustar o no. No estoy de acuerdo que, porque no hayan salido a hablar, se las critique. Yo salí a hablar y a explicar algo muy concreto. No hace falta que lo vuelvan a explicar. Hablé por mí pero doy cuenta de una situación. Enumeré cada cosa y estoy dando a conocer una explicación respecto a lo que se cuestionaba. Ahí es donde la gente piensa que, porque somos jurados, somos funcionarios públicos y nos pueden decir lo que se les cante. Primero, no soy funcionario público y segundo, no me podes decir lo que se te cante. Tengo una vida, un laburo, vení a preguntarme cosas a una obra pero creer que, públicamente, voy a acusar y hacer un juego retórico para dármelas de inteligente….¡Pará la moto!

-Con la elección de obras de hace unos años, parece que la selección es para programadores extranjeros. No la vieron antes y ahora la pueden ver.

-Entiendo que una parte de las bases estaban abiertas a obras de otros años. Muchos programadores no habían venido y Federico sentía que en esta edición iban a venir muchos más. Por eso, quería darle la oportunidad a obras viejas para que se puedan presentar.

-Voy a poner una imagen fea. Es como un “Mercado libre” de obras.

– No. No lo veo así. Lo que entiendo es que abre (no digo que este de acuerdo) y no hay límite histórico de obras. Se podría haber presentado Bartís con “El pecado” y habría que evaluarla. Lo que sé es que él tenía ese criterio. No sé si está bueno o no. El criterio era ese y como todo, es discutible. ¿Está mal o bien? Es discutible.lisandro-rodriguez_caleidoscopio

-Nuevamente el tema es la explicación. Leo eso respecto de los programadores de afuera, pienso ¿el Festival sería para programadores más que para el público?

– No sé. Creo que el Festival es un espacio donde se ve teatro de distintos lugares del mundo y de nuestro país. Eso representa una sumatoria de obras. Los programadores vienen a una especie de mercado. Las obras son un producto. ¿Crees que no?

-Desearía tener una visión más romántica al respecto…

– Soy super-romantico pero digo una obra como producto. Seguramente, ahí nos meteríamos en un debate mucho más interesante que este que estamos teniendo ahora. Es producto de un ensayo, de un tiempo, de una dedicación. Pero no deja de ser un producto en el que el arte se mueve asi.

-Pero de esa manera, el festival termina más cerca del MICA que de otra cosa

– Es probable. Pero, todo el mundo se muere por viajar!

-Ah ok!

-No lo digo como juicio de valor negativo. Lo que digo es que viajar no solamente es una legitimación, chapa y toda la pelotudez sino que es un espacio concreto de trabajo. Acá hay una puja por espacios de trabajo. Esa es la legitimidad de los reclamos y está bien que sea asi. Cuando hablo de productos, hablo de que las obras seleccionadas son obras que se vuelven productos para determinadas personas que tienen el poder de hacerlas viajar a otros festivales. Moverlas, producirlas, representarlas, lo que sea. Te lo dice alguien que viajó muy poco en relación con otros colegas que produjeron menos cosas que yo o menos visibilidad. No soy una persona de viaje y estuve en los FIBA anterior con obras. Me encantaría hacerlo porque es un lugar de trabajo.

-¿Te arrepentís de esta experiencia como jurado?

– No, para nada. Es más, me gustaría tomar mucha de las cosas que estamos hablando. Es muy complicado. Ahí aparece otro tema que lo dije en las redes sociales que es el cuidar a Federico y a Marcelo. Dentro de esta gestión y con todo lo que conocemos de este gobierno, son dos personas valiosas más allá de las diferencias que podemos tener estéticas o de lenguaje. Son lugares muy difíciles de ocupar. Son espacios que implican mucha política a la vez que no. Es una zona muy difícil. Se pueden encontrar un montón de cosas que se pueden denunciar, y cosas que no están muy visibles, con un trabajo muy de hormiga e interno. Esto lo conocemos muy bien en el INT y sabemos que está enquistado desde hace muchos años. Pero nadie lo quiere hacer. Me acuerdo que, cuando estaba en ESCENA, decíamos de postularnos para el INT. Todo bien pero es un trabajo muy grande, un dolor de huevos. ok. Nadie te obliga a agarrar ese hierro caliente pero cuando aparecen personas como Federico o Marcelo Allasino, está bueno. Están haciendo un trabajo muy importante en el INT, dando batalla a una discusión con un montón de herramientas  diferentes de personas que estuvieron. En un punto, subieron la vara de la discusión y abrieron otras zonas. Está bueno poder ver otras cosas.

-Con todo este lio y tomando esto que decis que son personas valiosas, una declaración desafortunada, aclarada a medias, termina conspirando contra las buenas intenciones.

– No hablo de “buenas intenciones” sino de un laburo concreto. Te metes en la página del INT y ves la línea de subsidios, como está diseñada y como podes presentarte. Hay un montón de cosas que faltan. Haría un montón de cosas pero es muy complejo todo. Está todo hermanado a cuestiones que me exceden. Esas discusiones son muy complejas y hay que darlas. Pero no todos están dispuestos a darlas. Entrega su tiempo por un sueldo y su tiempo por eso. Tanto Alasino como Irazabal, como representantes de un equipo de trabajo, son personas que (te gusten o no) entienden el trabajo escénico. Conocen eso. En la medida que vea que hay cosas para adelante, digo que hay que cuidarlos.

IX Festival Latinoamericano de Poesía

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imagen festival_luAgosto Poético

El martes 15 de agosto a las 19 hs. comienza la Novena Edición del Festival Latinoamericano de Poesía en el Centro. La apertura estará a cargo de la actriz, cantante y poeta Virginia Innocenti, quien junto a Sergio Zabala presentará el espectáculo “En la Luna, Canciones de amor”. Participaran poetas nacionales como así también de España, Cuba, Paraguay, Ecuador, Uruguay, Colombia y Bolivia. El festival incluye mesas de lectura; dos encuentros de debate y reflexión; un panel teórico coordinado por el crítico Jorge Dubatti; una Feria de editoriales de poesía, junto con dos programaciones especiales (Ciclo Agosto Poético) con diferentes espectáculos, en su mayoría estrenos, tanto de teatro como de música, ligados en su contenido a la experiencia poética.  En el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini (Av. Corrientes 1543) y en el Museo Etnográfico (Moreno 350). ENTRADA LIBRE Y GRATUITA // + Info: http://festivalpoesiaenelcentro.blogspot.com.ar/

Buenos Aires Ballet [II]

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Federico Fernández

presenta

Buenos Aires Ballet

babdestacadogrande-2-637x288Azucena Ester Joffe

Después de cerrar los festejos del 9 de Julio en Tucumán, el 15 del mismo mes se presentó nuevamente Buenos Aires Ballet (BAB) a sala llena a pesar de las inclemencias del tiempo. La quinta Gala en el ND Teatro, al igual que las anteriores, fue una función renovada de clásicos cuyos intérpretes fueron los principales bailarines de las distintas Compañías. Para agendar: la próxima Gala será el 2 de Septiembre también en el ND Teatro. Además, el 8 de Septiembre BAB fue invitado a la Gala Internacional de Ballet y Danza “Danzar por la Paz” a beneficio de UNICEF, en Ciudad Cultural Konex.20031946_10213334564909587_6115430932144073636_n

En esta oportunidad, con los primeros bailarines y figuras del Teatro Colón y del Teatro Argentino de La Plata, volvimos disfrutar de lo sublime y de la perfección de la danza clásica y también de la fusión de esta disciplina con la creatividad y la fuerza de la danza contemporánea. El inicio y el cierre de la primera parte estuvo a cargo del primer bailarín y mentor de BAB, Federico Fernández. Primero, Raymonda del coreógrafo Michel Fokine1 con la primera figura Julieta Paul Kler, y al finalizar el pas des deux del II acto de El Lago de los cisnes de los coreográfos Marius Petipa2 y Lev Ivanov3 con la primera bailarina Eliana Figueroa. Los intérpretes de El Talismán de M. Petipa fueron Romina Panelo y David Gómez; luego Carnaval de Venecia de M. Petipa a cargo de Camila Bocca y Maximiliano Iglesias; a continuación el pas de trois de El Corsario de Joseph Mazilier4 interpretado por Ayelén Sánchez, Jiva Velázquez y Emanuel Abruzzo. Después de un breve intervalo pudimos disfrutar de Cuerdas de Emanuel Abruzzo -historias íntimas sobre los diferentes tipos de manipulación que ejercemos a veces sin darnos cuenta en una relación confusa entre manipulador y manipulado- con los bailarines: Federico Fernández, Julieta Paul Kler, Eliana Figueroa, Ayelén Sánchez, Maximiliano Iglesias, Emanuel Abruzzo, Emilia Peredo Aguirre, Camila Bocca y Jiva Velázquez.20140014_10213333881972514_7266719442522824458_n

Un cierre perfecto donde cada integrante de la Compañía dio cuenta de su solvencia estilística, en una relación distinta entre los cuerpos, por la expresividad de los mismos, el espacio y el suelo. Cada coreografía fue ejecutada con el virtuosismo al que ya nos tiene acostumbrados el BAB, la elegancia en los movimientos, la liviandad de los personajes, junto al precioso vestuario nos sumergió en un mundo mágico. En el espacio escénico despojado cada cuadro se transformaba en una potente imagen visual y auditiva. Solo teníamos que dejarnos llevar, entregarnos a disfrutar de aquello que desde el espacio lúdico se nos brindaba. Una quinta velada de primerísimo nivel de ballet en un ámbito distinto -y acorde a nuestro bolsillo– que puso entre paréntesis nuestro diario trajín. Una noche imperdible gracias a las primeras figuras y a la dirección artística de Federico Fernández; para todos los amantes de la danza y para aquellos que empiezan a descubrir que no es necesario el lenguaje verbal para transmitir emoción y sentimientos. Son cuerpos virtuosos que habitaron el espacio escénico y demostraron su pasión por el arte y, en especial, por la danza. Sólo no resta decir, muchas gracias!!

Buenos Aires Ballet es la joven compañía creada en 2015 por Federico Fernández5, primer bailarín del Teatro Colón, ante la necesidad de los artistas por habitar el escenario y poder crear ese clima casi místico que requiere el ballet clásico. Además de brindar la posibilidad de que cada espectador disfrute de un espectáculo de calidad a un costo realmente accesible. Junto a Karina Battilana, ex bailarina del Teatro Colón y productora general, hacen posible “una realidad artística de primer nivel”6. La Compañía, que se sustenta con fondos privados, genera su propia producción y realiza una perfecta selección del repertorio en cada nueva Gala, y cuenta con un equipo de técnicos que son o fueron bailarines, y , por lo tanto, conocen muy bien la rigurosidad de la disciplina.20031892_10213334955039340_638250778968343158_n

Ficha técnica: Buenos Aires Ballet. Federico Fernández (Primer Bailarín del Teatro Colón), Julieta Paul Kler (Primera Figura del Teatro Argentino de La Plata), Eliana Figueroa (ex Primera Bailarina del Ballet Nacional DANZA y actual Bailarina del Teatro Colón), Ayelén Sánchez (Solista del Teatro Colón), Maximiliano Iglesias (Solista del Teatro Colón), Emanuel Abruzzo (Ballet Estable del Teatro Colón), Emilia Peredo Aguirre (Ballet Estable del Teatro Colón), Camila Bocca (Ballet Estable del Teatro Colón), Jiva Velázquez. (Ballet Estable del Teatro Colón), David Gómez (Ballet del Teatro Argentino de La Plata), Romina Panelo (Figura del Teatro Argentino de La Plata). Dirección Artística: Federico Fernández. Producción General / Manager: Karina Battilana. Técnico en Luces y Sonido: Julián Galván. Stage Manager: María Laura Matienzo. Jefa de Vestuario: Lorena Durou. Diseño / Video: Sergio Gómez. Fotografía: Carlos Villamayor. Fotos Back y Sociales: Josefina Loza. Prensa: Música Clásica B A, Gabriela Levité. ND / Teatro. Estreno: 15/07/2017.

Michel Fokine (1880-1942) –maestro de ballet, coreógrafo y bailarín ruso- introdujo un importante cambio en la estructura del ballet clásico a partir de la idea de un ballet sin argumento, provocó la renovación de las estructuras coreográficas estableciendo una nueva relación con las otras artes, logrando una mayor autonomía expresiva y consideraba que el cuerpo del bailarín era el protagonista.

2 Marius Petipa (1822-1910) -maestro de ballet, coreógrafo y bailarín francés- radicado en la Rusia Imperial, desarrolló la técnica a un nivel máximo de virtuosismo transformando el ballet en un gran espectáculo, estructurado en composiciones grupales y solos para destacar a las bailarinas, en especial, de aquel momento. Las producciones fueron majestuosas y su ejecución brillante.

3 Lev Ivánov (1834-1901) -bailarín y coreógrafo ruso creador, entre otras coreografías, de los actos blancos del ballet El lago de los cisnes. https://es.wikipedia.org/wiki/Lev_Ivanov [01/08/2017]

Joseph Mazilier (1801-1868) -bailarín francés, balletmaster y coreógrafo, más conocido por sus ballets Paquita (1844) y Le Corsaire (1856). https://en.wikipedia.org/wiki/Joseph_Mazilier [01/08/2017]

Comentó que el germen de Buenos Aires Ballet fue la compañía que creara Julio Bocca en su momento. https://www.pagina12.com.ar/20975-un-desfile-de-pas-de-deux-clasicos [18/06/2017]

El homosexual o la dificultad de expresarse y Eva Perón de Copi / El día de una soñadora (y otros momentos) sobre textos de Copi

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El homosexual o la dificultad de expresarse y Eva Perón de Copi

El día de una soñadora (y otros momentos) sobre textos de Copi

1Azucena Ester Joffe

En la primera semana de Julio, en el Teatro Cervantes, se estrenaron dos obras de Copi El homosexual o la dificultad de expresarse y Eva Perón, con un entreacto a modo de monólogo a partir de El baile de las locas y de Río de la Plata, también del dramaturgo, junto con algunos fragmentos de dos entrevistas realizadas entre 1970-1971, bajo la dirección de Marcial Di Fonzo Bo. La particular e incisiva escritura de Copi impugna cualquier categoría establecida, un indiscutido emergente de los 60 que aún, lamentablemente, sigue despertando reacciones anacrónicas e incomprensibles. Su textualidad dramática permite distintas lecturas y deja en claro que hay que abandonar los prejuicios personales y colectivos para comenzar a saldar la deuda que tiene nuestro campo teatral con “su producción vasta, multifacética, irrisoria y cuestionadora de todo orden establecido”:

El cómic, la narración, la actuación, la escritura teatral o la dirección escénica forman parte del mismo despliegue material de una obra sólida que adquiere constantemente nuevas dimensiones significativas, en las que lo monstruoso ocupa un lugar destacado y festivo. En la vastedad de sus textualidades, Copi explicita un interés claro por hacer foco en personas disidentes cuya disimilitud los hace auténticos miembros de la comunidad de los desplazados de toda esfera normativa. Monstruos que atraviesan y constituyen su universo. (Lozano, 2015:197)2

Una propuesta interesante y un punto de vista distinto a partir de la escritura escénica, Di Fonzo Bo, que habilita la libertad el universo de Copi. Destacamos además las muy buenas actuaciones del elenco que le dan la carnadura precisa a cada personaje provocando el distanciamiento necesario y, a su vez, focalizan nuestra atención inmersa en las escenografíasgrandilocuentes. Aunque, quizás la idea de unir ambas obras por un entreacto a modo de continunn puede resultar un poco agotador para el espectador actual que vive sumergido en su cotidiana vorágine.3

Ficha técnica: El homosexual o la dificultad de expresarse de Copi. Traducción: Joani Hocquenghem. Con: Juan Gil Navarro (Madre), Rosario Varela (Irina), Hernán Franco (Gardo), Carlos Defeo (Garbenko), Rodolfo de Souza (General Pauchkine). Entreacto: Gustavo Liza dice CopiEva Perón de Copi. Traducción: Jorge Monteleone. Con: Benjamín Vicuña (Eva Perón), Carlos Defeo (Madre), Juan Gil Navarro (Ibiza), Rodolfo de Souza (Perón), Rosario Varela (Enfermera). Música original: Ettienne Bonhomme. Iluminación: Bruno Marsol. Vestuario: Renata Schussheim. Escenografía: Oria Puppo. Asistencia de escenografía: Martina Nosetto. Asistencia de vestuario: Laura Copertino. Asistencia de iluminación: Facundo David. Asistente de sonido: Franco Amorosino. Producción: Silvia Oleksikiw, Lucía Quintana, Maxi Libera. Asistencia de dirección: Ana Calvo. Dirección: Marcial Di Fonzo Bo. Estreno: 08/07/2017. Teatro Cervantes: sala María Guerrero. Duración: 145′.

Biliografía
Lozano, Ezequiel (2015). “Derivas, proyecciones, paradojas y desafíos” en Sexualidades disidentes en el teatro. Buenos Aires, años 60. CABA: Biblos: 191-224.
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El día de una soñadora (y otros momentos) Sobre textos de Copi

Adaptada y dirigida por Pierre Maillet

4María de los Ángeles Sanz

Marilú Marini y Copi, Copi y Marilú Marini, una pareja que lleva en el escenario una trayectoria que abarcó un tiempo de exilio en París, aunque no fuera un acontecimiento tan claro de definir cuándo comenzó o que significó. De ello se habla también en esta puesta que dirige Pierre Maillet:

Ella inventa ante nuestros ojos una especie de Blancanieves, más cercano a Brigitte Fontaine que a Walt Disney. Y en espejo a todo ese material poético y ficcional, atravesamos el Río de la Plata, un texto escrito en 1984. Concebido como el prefacio de una novela que no tuvo el tiempo de escribir, en el cual Copi habla como nunca antes de sí mismo, de sus orígenes, de Uruguay, de la Argentina donde él estaba prohibido, del exilio y de su relación con la escritura. (Pierre Maillet, programa de mano)

Ingresando desde la platea, botella de agua en mano, con ligereza y sonriente, la actriz se apropia de la escena, y sienta con su pregnancia el valor de su arte, y la madurez de su poética escénica. Su cuerpo y su voz son dos herramientas que maneja a la perfección, y su transitar por el espacio la hace verse a la vez imponente y frágil, sutil sobre el escenario pero a la vez dueña y señora de la escena. En español con acento, y en francés va recuperando los textos que alguna vez pensó y escribió Copi, y los transita para hacernos sentir su fuerza, para que conozcamos su mundo tan partícula. La mujer sentada, organiza desde una esquina del espacio un universo que se despliega. El día de una soñadora como afirma Pierre Maillet en el programa de mano, es: “(…) un bello poema teatral, enigmático, puesto por Jorge Lavelli en el ’68 con Emmanuelle Riva como protagonista.” El personaje que compone Marilú Marini funciona como doble del dramaturgo, y expone desde su monólogo, o cuasi diálogo sus pensamientos, sus deseos, sus dudas y sus miedos. El humor y la ironía juegan con la belleza del lenguaje, conforman una lengua filosa y tierna a la vez, construyen sin parar una melodía de sonidos que exponen un relato, que conforman una historia personal y única.5

Ficha técnica: El día de la soñadora (y otros momentos) Sobre “El día de una soñadora” y “Río de la Plata” de Copi. Elenco: Marilú Marini. Piano: Lawrance Leherissey Voz en off: Marcial Di Fonzo Bo, Michael Lonsdale y Pierre Maillet. Producciòn TC – TNA: Maximiliano Libera. Asistencia de dirección: Mónica Quevedo. Colaboración artística: Ernesto Donegana. Subtitulado: Mónica Bartolomé Producciones. Traducciones: Eduardo Muslip y María Sila por El día de una soñadora; Edgardo Dobry por Río de la Plata. Adaptación: Pierre Maillet. Sonido: Manú Leonard. Iluminación: Bruno Marsol. Vestuario: Raoul Fernández. Traje (vestuario del pianista): Julien De Caurel. Escenografía y vestuarios realizados por los talleres de la Comedie de Cûen: Alexis Claire, Patrick Demière, Pierre – Amaury Hervieu, Antoinette Magny, David Marain, Serge Taral, bajo la dirección de Benoit Gondouin. Dirección: Pierre Maillet. Sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes.

Lo lindo de calzarse es pisar en cualquier lado de Julián Rodríguez Rona

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Lo lindo de calzarse es pisar en cualquier lado de Julián Rodríguez Rona

Una metáfora del agua y la vida

lo lindo de calzarseAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El agua se desplaza sin que haya obstáculo que le impida su paso definitivamente, igual que la vida que se abre paso a través de los infinitos caminos de su otra cara, la muerte. El agua y la vida se conjugan en las imágenes y las palabras de la pieza de Rodríguez Rona para construir un acontecimiento, no una historia, desde una lógica temporal, sino imágenes y relatos que se tejen fragmentariamente, de forma horadada, para dar cuenta de los tres personajes que habitan la escena. Un espacio escénico que conforman rollos de cartón prensado y dos mesas que son a la vez, camino, tierra, lugar de la no humedad, lo que aparece sobre el río, isla. Pero ellos se desplazan también por ese universo acuático, con o sin piragua, y lo hacen porque tienen herramientas, recursos para enfrentarse a la furia del agua, que a veces se complace en la amistad con las criaturas vivientes, y otras las ignora con total indiferencia arrastrándolas a su paso incesante. Una joven pareja, y un personaje que viene del pasado y que guarda entonces una carga de relatos que los jóvenes ignoran, que los traban en la relación con el hombre que los representa, pero que cuando saben, entienden, pueden establecer un hilo conductor de diálogo. Metáfora de la historia del país, del que las nuevas generaciones deben conocer la mochila de sucedidos otros, que al desconocerlos vuelven una y otra vez, como imágenes fantasmales que nos impiden el paso hacia adelante. Construir y saber no a partir de la nada presente, sino desde el pie que hacemos en la memoria, de la tierra sólida al agua que fluye. Los tres participantes de esta relación en su estado de asimetría están muy bien conformados por las performances de los cuerpos y la voz de los actores, que llevan adelante una puesta por momentos desconcertante pero que sin embargo logra atraparnos hasta el inusitado final. La pareja del presente de la enunciación trabaja en espejo con la pareja del pasado donde el enunciado es tumultuoso, y nos ofrece un diálogo en ausencia. lo lindoLa obra ofrece un espacio diferente para los espectadores con marcada porteñidad, que nos devuelve a una mirada abarcativa de otros paisajes, como el de nuestro litoral. La música compañera necesaria en la búsqueda de unir lo distinto, es un complemento que desempeña un rol interesante en el planteo de la dirección. Es interesante el rol dramático que cumple la perfecta escenografía, pues contiene a los personajes sin un clima claustrofóbico, sin opresión, y con el ritmo lento que tienen las crecidas en nuestro delta. No hay lugar para la desesperación ni el malhumor en los isleños porque saben que solo tienen que esperar que comience a bajar el río nuevamente sin prisa. Un ritmo interno que de forma acabada se transmite a partir del trabajo actoral y que la iluminación acompaña de forma precisa, sin clausurar o cerrar ninguna escena, ya que así es la cotidianidad isleña. Un hecho teatral cuyo tiempo real es breve y sin embargo construye un relato sin fisuras.lo lindo de

Ficha técnica: Lo lindo de calzarse es pisar en cualquier lado de Julián Rodríguez Rona. Elenco: Andrés Caminos, Eugenia Blanc, Iván Moschner. Diseño de vestuario y escenografía: Cecilia Zuvialde. Diseño de iluminación: Matías Pendón. Música: Brian Zditowski y Julián Rodríguez Roma. Realización escenográfica: Nicolás Botte. Asesoramiento coreográfico: Luciano Posso. Diseño gráfico: Lucía Vanin. Fotografía: Nicolás Levín. Prensa y difusión: Carolina Alfonso. Asistencia de dirección y promoción: Natalia Badgen. Dirección: Julián Rodríguez Roma. Teatro: El Portón de Sánchez. Estreno: 23/05/2017. Duración: 40′.

Gurisa de Toto Castiñeiras

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Gurisa de Toto Castiñeiras

Una lectura de la gauchesca talentosa y diferenteC_p3BhtXUAY66G8

Quizás las dos mujeres por un instante se sintieron hermanas; estaban lejos de su isla querida y en un increíble país.1

El mundo, para el europeo, es un cosmos, en el que cada cual íntimamente corresponde a la función que ejerce; para el argentino, es un caos2

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La pampa como escenario a la constitución de una violación, la de la tierra, en el cuerpo de la mujer, considerado naturaleza pura, y en la puesta en abismo de un género, la gauchesca, que resulta también de una apropiación del lenguaje, la manera, y los personajes que la élite toma como referencia de un sentimiento que oscila entre la admiración y el desdén. La gauchesca como género, atravesado por el melodrama, coloca a la figura femenina supeditada a los avatares de la narración sometida al deseo del hombre. Desde el romanticismo de Esteban Echeverría y su propuesta del desierto en La cautiva, el tema del indio como depredador de la civilización es una constante que renueva sus miradas, las reproduce o las invierte. La propuesta de Toto Castiñeiras lleva ese condición hacia un punto sin retorno, donde a partir de los procedimientos del teatro físico, y la parodia, logra contar una historia que ya es leyenda: los malones arrasando la civilización y la dicotomía entre la Pampa Bárbara y Europa, en las medio hermanas que se reencuentran luego de la muerte de la madre. Un relato que recuerda a Borges, y su cuento “Historia del guerrero y de la cautiva”. La media hermana que viene de Londres para quedarse, y su pariente pampeana que sueña con los paraísos europeos y dejar la barbarie. El choque de las dos miradas, en el cuento al autor le sirve para expresar sus dos líneas genealógicas, su sangre entre inglesa y federal, la chusma y el five o’clock; para el director de Gurisa desde nuestra mirada, es una forma de hablar de lo iniciático de nuestra sociedad, de allí de ese culto a la violencia desatada, de esa antinomia venimos, y es constitutiva a nuestra idiosincrasia. La Pampa como un espacio de luces y sombras, de perseguidos y cazadores, que ven en el otro sólo lo animal, de desprecio por la vida, de lucha de intereses; campo propicio, escenario único para desarrollar la potencia de los cuerpos, desde una dirección que se involucra en el tempo literario, pero que vuelve la narración intemporal, situando al espectador en ese presente único, abarcativo y doloroso. El grupo a partir de una precisa y potente coreografía construye una geografía, un relato, sus personajes protagonistas, en entregas fragmentadas que van incorporando a partir de las reiteraciones, el canto y la poesía, las huellas, los indicios necesarios para incorporar al espectador a la historia. El juego de la iluminación en manos de los actores desde un comienzo, ilustra cada universo en particular, se ciñe al momento de la acción y provoca un choque de fuerzas con la vacuidad de las sombras que lo rodean. Luces y sombras, día y noche, adentro de la estancia y afuera, son todas metáforas de la dicotomía que la puesta afirma desde el principio: la tierra, la naturaleza inhóspita, los valores de una cultura no propia, de la que algunos de los personajes desean apropiarse sin medir consecuencias. La aceptación y el rechazo, lo propio y lo ajeno, las raíces y las ramas de una entidad construida a golpe de lanza y chusa. El otro cruce literario que tiene la pieza la podemos encontrar en un texto de César Aira que parodia el relato gauchesco, El vestido rosa de la década del ochenta.

En cuanto Asís; no bien se hubo apartado del arroyo se topó con una banda de indios, melenudos, engrasados, fantásticos en su pequeña multitud caracoleante. Se movían como agua pintada en remolinos que desconcertaban al ojo. Eran fantasmas, entre lo individual o colectivo […] Y gritaban, no hacían más que gritar; era menos que una palabra articulada, pero más que la voz en la boca. Se comunicaban su risa anómala por la manifestación en el vacío del objeto de sus violencias […] Decidieron llevárselo de regalo a su rey bárbaro allá en el sur, que no tenía un gabinete de curiosidades pero a quien no le faltaba espacio para un ejemplar raro. (1984: 25)

gurisa-01El objeto de deseo en El vestido rosa es un muchacho ambiguo, en Gurisa son también cuerpos masculinos, que en su ambigüedad de género reclaman a Dios un milagro: “La Rosa- Soy la pobre gurisita. La gurisita sin senos…Soy la chiquita llorando: ¿Por qué no tengo senos? Tata Dios, haga un milagrito en mi cuerpo”. Secuencia que abre el relato, aún antes que comience la acción, que luego se repite varias veces en la misma secuencia una vez comenzada, que se vuelve sobre la misma para acentuar una identidad provocativa desde los cuerpos de los actores, que se manejan según las circunstancias, hombre o mujer, pero que el vestuario de largas polleras, ambigua nuevamente. La textualidad escénica de Gurisa nos permite decir que es un hecho teatral que hace estallar los límites de cualquier categoría o género. Una propuesta interdisciplinaria e inteligente que para algún espectador podría ser hermética o difícil; pues es un devenir que nos atrapa y a su vez parece rechazarnos, en el cual necesariamente debemos abandonar el rol de receptor pasivo. El excelente trabajo actoral le atribuye a cada personaje su precisa carnadura y habitan en el espacio lúdico a partir de la intensa narrativa coreográfica. La particular escritura, dramática y escénica, de Toto Castiñeiras construye potentes imágenes visuales y auditivas otorgándole a la obra un lenguaje expresivo y un ritmo constante, una mixtura imposible de olvidar. Lamentamos que no haya sido seleccionada para el FIBA 2017.

Ficha técnica: Gurisa de Toto Castiñeiras. Actúan: Juan Azar (El Chancho), Francisco Bertín (La Humita), Marcelo Estebecorena (La Rosa / Mamucha), Nicolás Deppetre (La Marica), Pablo Palavecino (Mary), Fred Raposo (El Indio / Casimira). Música original: Javier Estrin. Iluminación: Omar Possemato. Aparatos lumínicos: Valeria Junquera. Diseño de vestuario: Daniela Taiana. Realización de vestuario: Eli Di Bussolo. Diseño gráfico: Romina Salerno. Coreografía “Soy la pobre”: Valeria Narvaez. Comunicación y Prensa: Debora Lachter. Fotografía: Lucas Shlott. Producción ejecutiva: Karmen López Franco, Valeria Casielles. Asistencia técnica: Enzo Bonardi. Asistencia de dirección: Maqui Figueroa. Dirección: Toto Castiñeiras. Teatro El Portón de Sánchez. Estreno: 2016. Duración: 60′.

Bibliografía:

Aira, César, 1984. El vestido rosa, Las ovejas. Buenos Aires: Ada Korn Editora.

Borges, Jorge Luis, 1968. El Aleph. Buenos Aires- Barcelona. Empecé Editores.

_______________, 1960. Otros Inquisiciones. Buenos Aires: Empecé Editores.

1 Borges, El Aleph, 59

2 Borges, Otras Inquisiciones, 52

Las ramas del violín… cuando el bosque se hace música

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Las ramas del violín… cuando el bosque se hace música000158143

Susana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

Carolina Erlich, directora de la Compañía “El Bavastel Títeres”, posee una amplia trayectoria como intérprete, autora, directora y productora ejecutiva de puestas tanto de títeres para adultos como para niños, actividad artística que tiene como origen su formación en el Taller de Titiriteros del Teatro San Martín. Además, en la actualidad está a cargo de la coordinación y producción del Festival de Títeres para Adultos de Buenos Aires. En esta oportunidad presenta Las ramas del violín.

En el programa de mano aparecen citadas las palabras que Atahualpa Yupanqui dedicara al origen de la guitarra. Carolina Erlich, homologa el nacimiento del violín a las palabras de Yupanqui ¿acaso la música no está en la naturaleza misma? ¿En el trino de los pájaros, en las ramas de los árboles cuando las acuna el viento? La música de ese dulcísimo instrumento nos llega, en vivo, en la interpretación de Ignacio Goya y nos acompaña en el transcurrir de la puesta enmarcando el recorrido de Luis, quien desde su nacimiento sintió la música. Antes de hablar ya podía reproducir, musicalmente, todos los sonidos que escuchaba y luego… se dio cuenta de que en su vida debía estar el violín y así inicia un viaje mágico introduciéndose en el ropero de su habitación, como Alicia en la madriguera del Conejo Blancoi, sólo que Luis no persigue a nadie, simplemente al deseo por lograr los elementos para construir su violín. De esta manera… va encontrando, en distintos árboles la madera para las piezas que necesita, las arranca con dulzura, con amor… hasta que de pronto aparece un caballo, articulado como si fuera de juguete, sin embargo, ese caballo le da las crines para las cuerdas de su violín pero también le traza el recorrido para los distintos hallazgos.000158142

Luis es un muñeco que remite al referente real, hermosas sus facciones; el caballo en cambio es un personaje de cuento maravilloso. Un viaje de ensueño donde, sin embargo, está la voz de la mamá de Luis que llega desde el mundo real. Y en este aspecto hay que destacar el manejo de voces de Erich, voces reales que dialogan, que se alternan sin interrupción, con tonos dulces, propios de un niño y de una mamá joven.

Una puesta muy hermosa que los niños siguen con muchísima atención a pesar de que por momentos, cuando Erlich cambia los árboles en la escena quedan espacios sólo llenados por la música de Ignacio Goya.000158144

Las ramas de un violín. Teatro: Pan y Arte. Avenida Boedo 876. T.E.;  4957-6702

Dramaturgia: Carolina Erlich. Intérpretes: Carolina Erlich. Reemplazantes: Lucía Marachli Levy. Músicos: Ignacio Goya. Diseño de luces: Soledad Ianni. Realización de objetos: Gabriela Civale. Realización de títeres: Gabriela Civale- Música: Mario Gulla García Asistencia de dirección: Viviana Aronno. Producción ejecutiva: Carolina Erlich. Dirección: Mario Luis Marino

Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll

Hilitos de un viaje, la belleza de un viaje original …

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Hilitos de un viaje, la belleza de un viaje original …

000158070Susana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

El grupo “Ligeros de Equipaje” presenta en “Pan y Arte” – Casa de Títeres, una puesta muy original, con mucho humor que plantea cómo viajar a partir de canciones y propuestas de la bisabuela.

Las protagonistas de esta historia reciben una carta de su bisabuela a quien no conocen, que les propone hacer un viaje que deben armar a medida que, paso a paso vayan resolviendo los acertijos que encuentran en cada tramo.

Adquiere verdadera centralidad la escenografía, pues a partir de grandes carreteles que se encuentran en los dos extremos de proscenio, las protagonistas desenrollan hilos que enganchan en el extremo opuesto del escenario. Esos hilos de colores son caminos, paredes, ríos y todos los elementos que el viaje necesita como sustento geográfico. Hay pruebas a sortear que parecen ilógicas como si pertenecieran a la estética del absurdo, pero no lo son porque tienen como ilación coherente la necesidad de llegar a la casita de la que les habla la bisabuela en la carta.

Cada tramo es una escena de ese viaje desopilante. Los chicos disfrutan con los acertijos y la escena en la que deben atravesar el río está muy bien lograda. Puesta absolutamente teatralista, las protagonistas desarrollan una gestualidad exagerada que conviene a las escenas-tramos absolutamente extravagantes. Los ritmos son del folklore nacional lo que da un toque telúricos a ese viaje que se supone se desarrolla por nuestro país, aunque bien podría ser en cualquier parte del planeta (por supuesto, salvando la música y el idioma). Parte del viaje se proyecta en una pantalla a foro, no todas esas proyecciones son claras, es un detalle que la dirección debería cuidar. Hay un momento en que las protagonistas salen de escena mientras siguen las proyecciones y la música, ese procedimiento despierta curiosidad, nos preguntamos por qué o para qué. Reitero la originalidad de la escenografía a partir del mecanismo de los carreteles.

Una puesta alegre, con belleza visual. Los chicos disfrutan con esa historia planteada desde el disparate, festejan mucho cada uno de los acertijos y se plantean valores sumamente rescatables: el respeto por los mayores, el interés por encontrar fotos de la bisabuela en la casita, pora saber cómo es. En la construcción de sentido se observa una auténtica búsqueda de identidad.000158069 (1)

Teatro: Pan y Arte. Avenida Boedo 876. T.E: 4957-6922.

Hilitos de un viaje de María José Colonna, Paula Sánchez, Valeria Zlachevsky. Actúan: María José Colonna, Valeria Zlachevsky Vestuario: Betanha Almendra Escenografía: Sol Abango, Betanha Almendra, Esteban Ruben Autiero. Sombras: Florencia Sartelli Letras de canciones: Marina Baigorria, María José Colonna, Paula Sánchez, Valeria Zlachevsky. Fotografía: Ariel Castelli. Ilustrador: Teresa Checchi. Diseño gráfico: Carla Ferreyra. Prensa: Ayni Comunicación. Producción ejecutiva: María José Colonna. Producción general: Ligeros De Equipaje. Puesta en escena: Paula Sánchez. Dirección: Paula Sánchez. Compositor: Marina Baigorria

Día de la Pachamama (Madre Tierra)

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Día de la Pachamama (Madre Tierra)

María de los Ángeles Sanz

Todos los 1 de agosto la tierra es celebrada por sus hijos conscientes de lo mucho que le deben, le brindan ofrendas y danzan y bailan para rendirle un merecido homenaje, de ella todo proviene y a ella todos vamos en muchos de las formas que se nos permite. Porque somos hijos de la madre tierra, que nos cobija desde el fondo de sus entrañas generosas. Asì lo ejemplifica con maestrìa la foto del cuadro de la plàstica boliviana, Rosemary Mananì. El pueblo de Bolivia festeja este dìa todos los años como una epifanìa, y poco a poco los pueblos que componemos esta tierra vamos entendiendo este rito ancestral. 20429696_10212784933633566_3414187597148660122_n