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Este es un espacio que administramos Azucena Ester Joffe y María de los Ángeles Sanz donde los artículos sobre la creación teatral en Buenos Aires es el centro de la temática. Buscamos una relación fluida con el campo teatral de todo el continente.

Monumental. El debate

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Monumental. El debate

Un proyecto de Sofía Medici y Laura Kalauz

Si el eje cívico quedara vacante, ¿Qué pondría usted ahí?

image4Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Monumentos, una ciudad y sus monumentos, que significan, que declaran desde su muda presencia. Testigos del pasado y del presente, son marcas, heridas estéticas en la ciudad que se embellece al mismo tiempo que proclama su historia desde ellos. Un proyecto pone en pie de polémica la constitución de los monumentos que se hagan cargo de una realidad presente, encerrada en los límites de un tiempo que busca ser explicado y transgredido. Dos días de presentación y debate intenso en El Cultural San Martín, sábado 9 y domingo 10 de diciembre, 8 proyectos cuyos autores buscan convencer de su necesidad a un jurado integrado por: Guillermo Faivovich (artista), Nicolás Goldberg (artista), María Laura González (doctora en Artes), Valeria González (curadora), Yamil Kairuz (arquitecto y urbanista), Juan Laxagueborde (sociólogo), Florian Malzacher -Alemania- (curador, editor y dramaturgista) y Marcelo Valko (investigador). La idea del proyecto y su realización son de Laura Kalauz y Sofìa Medici. Los proyectos se presentaron en grupos de cuatro por día del evento, y luego fueron votados por el público asistente y por el jurado. Seleccionados

Durante la primera jornada, Laura Kalauz y Sofía Medici, presentaron el programa que empezó en el 2015 a partir del desplazamiento de la estatua de Colón. En julio del presente año se convocó a un concurso abierto a todos aquellos, artistas o no, que quisieran participar con un proyecto para el lugar que quedaría vacante después del desplazamiento de Juana Azurduy. Además agradecieron al jurado, a Plataforma Futuro por el financiamiento de esta instancia y a todo el equipo de El Cultural. El debate estuvo moderado por Mariano Llinás.

El primer proyecto presentado fue La cautiva de Sofía García Vieyra. La artista visual cordobesa, al ser la primera expositora, consideró pertinente realizar un brevísimo recorrido acerca de la historia del eje cívico y del imaginario nacional, y del diseño de la futura Plaza del Encuentro Nacional donde se ubicaría la obra ganadora del debate. Su propuesta fue recuperar la escultura del artista argentino Lucio Correa Morales, creada en 1905, la cual ya estuvo emplazada ahí. Comentó que aunque no se cuenta con la ficha técnica para poder saber quién la pidió, se supone que fue para el centenario del nacimiento de Esteban Echeverría. La misma estuvo inspirada en una india tehuelche que había perdido a sus hijos durante la Campaña del Desierto. Para la artista, esta figura discute e invierte, de alguna manera, el mito fundante del imaginario de la nación: la cautiva blanca que es robada por un indio feroz. Esta imagen surge antes del siglo XIV “traída por pintores, extranjeros y locales, formados en Europa gestándose una figura sublimada de la mujer sometida”. Esta idea de la cautiva blanca fue funcional a un relato historiográfico para justificar, en cierto modo, la Conquista del Desierto. Con los registros precisos, la artista da cuentan del destino de los prisioneros indígenas. El trabajo de archivo, fotos y microfilms de los diarios La Prensa y La Nación, muestran la forma en que se naturalizaba la exclusión de la familia nativa, en tanto “chinas y chinitos” eran solicitados para los servicios domésticos de las “importantes familias”, los hombres estaban destinados a las tareas más duras. Para Sofía García Vieyra es importante volver la mirada sobre una obra casi desconocida, actualmente emplazada en Plaza República Federativa de Brasil, porque es una de los pocos testimonios sobre el sufrimiento de estas mujeres. Y recuperar una pequeñísima representanción de esa etapa tan oscura de nuestra historia. ¿Cuál es la barbarie y cuál es la civilización?

Santiago Torrente, colombiano y Lic. en Comunicación Audivisual, propuso un monumento realizado con ladrillos de adobe para representar a cada uno de los países soberanos y no soberanos de las comunidades migrantes en Argentina. Dado que su realización será in situ, se convocará a un migrante de cada pueblo, sin importar su estatuto legal, ocupación, edad ni género. Su idea es enfatizar la migración, dos millones en la actualidad, no como en una promesa de unidad sino como una formación en constante movilidad a través del intercambio que genera y expone como plural a la identidad argentina. Comentó que la obra contará con dos instancias: la primera será performática y con una duración aproximada de un mes, este proceso de construcción será en sí mismo muy importante; la segunda será el monumento físico, o sea una instalación permanente en el parque donde se encontraban Colón y Azurduy “ya desterrados”. Se realizará una convocatoria abierta, on line o presencial, en distintos sitios públicos, y cada participante seleccionado extraerá su peso físico en tierra, luego trasladará la materia prima a su consulado, delegación o centro de colectividad para depositarla sobre el suelo del edificio durante un minuto como un acto de función simbólica y convertir esa tierra “en territorio de su territorio de origen”. Con “la tierra semiotisada” se realizará la producción de los ladrillos a partir de la técnica de pisadero, después se verterá en una moldura y su posterior secado. Todos estos pasos serán visible a los transeúntes. La escultura tendrá forma exagonal, como la representación geométrica de la célula, una estructura moldeable que, dependiendo de las comunidades que participen, se podría aumentar según avance la investigación. El Licenciado realizó un previo estudio sobre los Estados que se proclaman como independientes, siendo al día de hoy 151 en nuestro país.El emplazamiento será al aire libre y los ladrillos no estarán nomenclados, además contará con una sala de exhibición con todos los datos para la selección y construcción de la misma. Torrente propone una obra de adobe como cimiento y desde el territorio.

La tercera presentación fue realizada por el politólogo Gabriel Sarmiento, La vuelta del monumento a Juana Azurduy, y planteó que ante esta posibilidad es necesario primero problematizar algunos supuestos de la convocatoria. Para él, el espacio en cuestión no es una hoja en blanco sino que es como un palinsesto de huellas, marcas que se hicieron por la arquitectura y por los desplazamientos sucesivos de las monumentalidades y de los desplazamientos de las políticas públicas urbanas, … A un palinsesto material se le suma un palinsesto de signos y sentidos. Por lo tanto, este espacio está sobre-determinado por esas monumentalidades y por los contextos urbanos, sociales, políticos e históricos. El expositor comentó que constantemente la ciudadanía está resignificando las obras. Entonces ¿Juana Azurduy es un monumento caduco? ¿Qué idea de nación están plantando las estatuas de Colón y la de Azurduy? La imagen de Azurduy revela el entramado de identidades de la Argentina en una torsión compleja. Siendo un personaje que luchó y vivió en el Alto Perú, que su escultura integre el eje cívico es muy interesante para problematizar la idea de nación. Gabriel Sarmiento enfatizó la figura de esta mujer mestiza que combatió junto a su marido en las luchas de liberación convirtiéndose en una figura de enmancipación subversiva en varios aspectos: politico, militar e identitario. Y hoy sigue siendo un personaje que nos interperla desde la potencia, desde la lucha. Luego, se preguntó: ¿es posible representar nuestra historia? Ni Colón ni Azurduy son una acabada representación pero cuál de las dos nos representa mejor. Azurduy es la contracara de Colón, ya que con este último se inaugura un ciclo de colonización europea, en tanto que con la primera se recuerda la gesta por la liberación de un contin politólogo ente. O sea que “a una praxis de sometimiento se le superpone una de emancipación”. El politólogo propuso, además de su reubicación, liberar la obra de las limitaciones edilicias, de las rejas, de la mera contemplación estética y como aún pertenecemos a una sociedad patriacal, parecería que no acpetamos la imagen de una mujer que lucha en un ámbito masculino, tal vez sería necesario travestirla, momentáneamente, como un hombre. Concluyó que un nuevo y merecido emplazamiento en el eje cívico nos permitiría actualizar sentidos sobre nuestra historia pública y privada. Un dato interesante fue la presencia de su escultor, el artista Andrés Zerneri.

El cuarto proyecto del día fue El contrabandista del artista visual Lux Lindner. Una presentación performática, pues tuvo algunos elementos que la distanciaron de las tres anteriores. El exponente comenzó haciendo referencia a que la madre patria, España, tenía también a otros hijos más ricos -Nueva España, Nueva Granada y Cuba. Y que nosotros ingresamos a la historia como “el culo del mundo” y nuestro virreinato fue una creación tardía de España. Se centró en una fecha precisa: en agosto de 1806 varios caciques propusieron suspender la guerra que llevaban a cabo contra el virreinato ante la llegada de los “demonios rojos”, los ingleses; en tanto, los comerciantes de la colonia suspiraban por estos últimos. Para el artista ahí empieza la grieta: la Argentina. En esa época, el aborigen se había vuelto “simbiótico” con el hombre de Buenos Aires, al necesitar de él lo que se traficaba: yerba, azucar, alcohol, tejido,… Para ese entonces, “el indio rinde pleitesía al contrabandista en el poder”. Lux Lindner comentó que el proyecto se encuentra en su etapa inicial, y propuso ir en la búsqueda de alguna forma de representación de la “fuerza configuradora más antigua y permanente de la argentinidad”. Al hablar de nuestra mentalidad, hizo referencia a la dependencia de la moda, en su amplio sentido, y en el ámbito político, en especial. ¿Dónde buscar esta fuerza configuradora? El germen configurador de nuestra economía pasó por Bernardino Rivadavia y la Aduana pero hay que retroceder hasta la economía informal, pre-virreinal, para llegar al contrabandista. La necesidad creada en los pueblos originarios se vuelve más configurativa que el poder superior y posterior -religioso, militar, económico, … ¿Cómo realizar este monumento? Al intentar responder su propia pregunta contó que había realizado una conceptualización de lo que es el contrabando. ¿Un drenaje tramposo? Dibujando, llegó a dos tubos de diferentes tamaños, la gran tubería serían los flujos sancionados del poder: lo que ingresa o sale de forma legal; la pequeña tubería, sería la interferencia: lo que el contrabando deja, un flujo lateral -licores, libros prohibidos,… Si la pregunta por el ser nacional atravesó una buena parte del siglo XX, se volvió insignificante en el proceso de globalización. Esta pregunta es como “un cadáver mal enterrado”. Porque el contrabandista fue y es un oportunista económico, atento al aleteo de las mariposas en el jardín de la política. Cerró su exposición con unos versos de Leopoldo Lugones: desde que cae al montón hasta el día que se acaba, pinta el culo de la taba la existencia del varón.

Por último se realizó el debate sobre los cuatro proyectos y la votación del público.

En la segunda jornada, la del domingo, los cuatro proyectos que se sucedieron con su correspondiente debate posterior luego de la presentación de los integrantes fueron: El nacimiento de Venus un proyecto de Ana Inés Markman. El traslado al espacio original de la pieza escultórica de Lola Mora, es no sólo una reivindicación histórica, sino también de género para su presentadora, ya que la escultora salteña / tucumana, fue la primera mujer que se dedicó de manera profesional al trabajo escultórico, considerado en su momento impropio para una mujer. Si bien fue la mimada de los gobiernos conservadores, de Roca sobre todo, tuvo que hacerse un lugar en el campo que fue también condescendiente por su trabajo en Europa, previo a la labor que llevara adelante en la Argentina. Desde otra perspectiva, Parque de las siluetas, por el grupo de teatro Funciones Patrióticas, bajo la dirección de Martín Seijo, propuso un emplazamiento en la zona posterior a la casa Rosada de un recorrido de siluetas que se iluminarían en el momento que un cuerpo cualquiera, un transeúnte ocasional tomara el lugar donde están delineadas las siluetas. De esta forma, no sólo se recupera la memoria de los cuerpos desaparecidos, sino que se interpela al paseante a tomar el lugar de esos no cuerpos, y darse cuenta que todos podemos atravesar esa circunstancia en un país que tiene una trayectoria macabra con respecto a la desaparición de personas; en el pasado y en el presente, porque se propone no sólo recordar la etapa de la dictadura cívico – militar entre 1976 /83, sino los desaparecidos en democracia, los cuerpos insepultos que nos reclaman una y otra vez por verdad y justicia. Altamente significativo con la situación política que nos abarca, el tercer proyecto, La grieta, por Lolo y Lauti; un monumento que no va hacia la imposición de su forma y tamaño sino por el contrario nos sugiere una mirada en profundo en las divisiones que nos cruzan la vida social en nuestro país. La separación en los unos y los otros, constitutiva de nuestra subjetividad ciudadana, quedaría así plasmada en el suelo de la ciudad, como herida y cicatriz de nuestras diferencias sustanciales. Con unos 60 cm de ancho, un metro de profundidad, y una extensión en lo largo importante, sería un índice de la imposibilidad hasta el presente de cerrar los dos países que habitan un territorio que reconocemos como Argentina, pero que ofrece por lo menos dos maneras diferentes de sentir y sentirse argentinos. Para cerrar, Vacío produjo el asombro ante la negación de ser visto de su presentador y artífice Daniel Seico; con voz en off, presentó su idea de un vacío que por sus palabras es el vaciamiento ideológico y simbólico que el actual gobierno está llevando a cabo al desposeer de significado la mayoría de nuestros significantes. La presencia de la palabra vaciada de contenido, pero señalado ese vacío con el significante grabado en la piedra de su suelo, para que puede ser leído y pensado, es una provocación interesante de parte de Zeiko, para que abandonemos la pasividad ante los gestos que se nos ofrecen y ante el malestar que produce el desconcierto de lo distinto, reflexionemos sobre nosotros mismos. Los debates fueron no sólo polémicos sino cargados de intencionalidad, y las presentaciones buscaron la forma menos convencional para ya desde allí desacomodar la mirada y el pensamiento. Una jornada muy interesante, con posturas diversas que provocaron una rica polémica entre los integrantes y el público, que tras la votación resultó ganador con 10.000 pesos de premio y la promesa de llevar adelante el proyecto, el que presentó Lux Lindner, El contrabandista. Sin embargo, las realizadoras tienen en el futuro la intención de poner en acto todos y cada uno de los trabajos presentados, ya que los ocho proyectos presentados guardan más de un sentido que los aúna en la conformación de una identidad buscada, que daría cuenta del proceso de identificación histórico, sus transformaciones y sus muchas veces preocupantes recurrencias.foto-lindner3

Concepto y realización: Laura Kalauz y Sofia Medici. Tutoría: Patricia Hakim. Producción ejecutiva: Silvina Bernabé Flores. Asistencia de producción: Agustina Barzola Würth. Diseño web y logo: Jazmín Berakha. Prensa: Malena Schnitzer, Lucía Pechersky. Asistentes debate: Imanol López, Jannik Mioducki.

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Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2018

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Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2018

Timbre4 se prepara para recibir a la 6ta edición del TABA

7 países, 37 funciones, 11 espectáculos y 1700 entradas a la venta

Azucena Ester Joffe

El jueves 7 del presente mes se presentó en el bar de Timbre4 la programación detallada de la próxima edición de TABA 2018, a realizarse del 1 al 11 de Febrero. En una amena y distendida merienda la presentación estuvo a cargo del equipo de Timbre4 / TABA. Como ya es habitual contará también con el clásico Torneo de dramaturgia, entre otras actividades. Las entradas1 se pueden adquirir vía la web: www.timbre4.com

Claudio Tolcachir, con unas breves palabras, nos dio la bienvenida a todos los medios presentes y comentó sobre la búsqueda para hallar la mejor forma de festejar los 15 años del teatro: seguir apostando a realizar cosas distintas, generando nuevos proyectos y abriendo el espacio para todos aquellos que quieran participar. Nada más oportuno que comenzar el año con esta 6ta edición, con nuevos cruces en la participación de los diferentes países que originan, a su vez, los talleres.

El equipo recordó que Temporada Alta comenzó con obras catalanas y luego se fueron incorporando otras regiones a lo largo de las ediciones. El punto de contacto entre las propuestas escénicas es compartir el mismo espíritu que tiene Timbre4 en la forma de producir y difundir teatro a partir de la multiculturalidad. Las obras programadas viajarán por cuatro ciudades –Girona, Lima, Montevideo y Buenos Aires; será un recorrido atrayente para todos los elencos pues el itinerario se basa en las relaciones humanas establecidas en esos sitios. Un circuito que comenzó a partir del vínculo entre el Festival de Temporada Alta y Timbre4 y que, dentro de las mismas producciones, contiene dos líneas curatoriales: la del equipo catalán y la del argentino. Este último lleva a cabo la búsqueda de una sólida programación sólida latinoamericana, con el objetivo de armar una red de espacios con proyectos lúcidos desde una mirada contemporánea. El Torneo de dramaturgia transatlántico, como en años anteriores, es el cruce entre autores y actores, catalanes y argentinos, que deberán leer un texto de formato breve ante el público presente, con la particularidad que sólo tendrán dos horas para preparar el correspondiente round. Luego, mediante la votación popular, se determinará el campeón y subcampeón, promoviendo de esta forma el contacto entre dramaturgos de diversas culturas. Realizar este Festival en febrero no desalienta a sus organizadores sino que, por el contrario, para ellos es la mejor forma de ubicarse como equipo de hacedores teatrales en un lugar especial, dentro del mapa teatral porteño, para contar algo distinto como es TABA. Un intercambio artístico en pleno verano argentino que se viene realizando con muy buena recepción, aunque el año pasado disminulevemente debido a la coyuntura de nuestro país, pero la apuesta actual es ir por el 100%. Un acontecimiento escénico que se realiza de forma independiente y cuenta con el esfuerzo de todos los que intervienen. El equipo a cargo del Festival también comentó que en el 2018 se podrá participar de los tres workshops, además se suma un espacio de conversación e intercambio post-función y que ya cuentan con un afiche de difusión que unifica a las ciudades participantes.

Programación TABA 2018

Ramón no es nombre para un gato blanco (España / Badajoz) Una historia de contrasentidos grotescos

Interpretación y dramaturgia: José Antonio Lucia. Dirección: Pedro Luis López Bellot. Foto y video: Félix Méndez. Producción: Murática Teatro. Duración: 70’.

Cosas que se olvidan fácilmente (España / Cataluña) Un juego de cartas convertido en un montaje teatral para cinco espectadores

Creación, dirección e interpretación: Xavier Bobés. Vestuario: Antonio Rodríguez. Producción: Xavier Bobés y el Festival TNT- Terrassa Noves Tendències. Colaboración: L’Animal a l’Esquena. Duración: 90’.

PLUJA (España / Cataluña) Música, títeres, gesto y teatro visual. Un espectáculo íntimo y cercano

Intérpretes: Guillem Albà – Clara Peya. Creación: Marc Angelet, Andreu Martínez, Clara Peya – Guillem Albà. Dirección: Guillem Albà. Dirección musical: Clara Peya. Dramaturgia: Marc Angelet. Coreografía: Ariadna Peya. Duración: 40’.

Psicosis de las 4.48 (España / Cataluña) Anna Alarcón, Mejor actriz Premio BBVA de teatro 2016

Autora: Sarah Kane. Traducción: Anna Soler Horta. Actriz: Anna Alarcón. Dirección: Moisès Maicas. Producción: The Three Keatons. Duración: 80’.

Solo una actriz de teatro (Uruguay) Estela Medina, discípula de Margarita Xirgu

Texto: Gabriel Calderón. Dirección: Levón. Intérprete: Estela Medina. Escenografía y luces: Claudia Sánchez. Vestuario: Soledad Capurro. Banda Sonora: Fernando Condon. Dirección adjunta: Homero González Torterolo. Dirección técnica: Claudia Sánchez. Producción artística, dramaturgismo: Laura Pouso. Producción general: Laura Pouso. Duración: 70’.

Savia (Perú) Explotación, pueblos indígenas, tortura y capitalismo

Elenco: Leonardo Torres Vilar, Patricia Barreto, Cindy Díaz, Evelyn Allauca, Alejandra Bouroncle, Fiorella De Ferrari, Ricardo Velásquez, Luis Sandoval, Antonieta Pari. Dramaturgia: Luis Alberto León. Versión y dirección: Chela De Ferrari.

Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar (México) Versión a partir de Las Criadas de Genet

Intérpretes: Diana Magallón García – Mari Carmen Ruiz. Dirección: Damián Cervantes. Compañía: Vaca 35, Teatro en grupo. Duración: 50’.

Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar (México) Creación teatral desde Tres Hermanas de Chejov

Creación colectiva: Vaca 35 Teatro en Grupo. Dirección: Damián Cervantes. Producción ejecutiva: Sergio Ecatl. Producción: Vaca 35 Teatro en Grupo. Intérpretes: Mari Carmen Ruiz, Damián Cervantes, Gabriela Ambriz, Diana Magallón, José Rafael Flóres, Héctor Hugo de la Peña. Duración: 60’.

Pompeya (Chile) Marginación, migrantes y discriminación

Dirección e idea original: Rodrigo Soto. Dramaturgia: Gerardo Oettinger. Elenco: Guilherme Sepúlveda, Rodrigo Pérez, Gabriel Urzúa, Gastón Salgado. Diseño sonoro: Daniel Marabolí. Diseño integral: Gabriela Torrejón. Producción: Alessandra Massardo. Duración: 90’.

El Cruce (Argentina) Adaptación del cuento homónimo de Sebastián Borkoski y relatos de Horacio Quiroga

Actúan: Juan Kohner, Toño López, Andrés Main. Dirige: Gabriela Trevisani. Dramaturgista: Valeria Folini. Luthierías y objetos: Jani Toscano. Asistencia coreográfica: Juancho Capurro. Diseño de luces: Teatro del Bardo. Vestuario: Laly Mainardi. Fotografía: Felipe Toscano. Diseño gráfico: Eva Cabrera. Duración: 50’.

Reparar a los vivos / Réparer les vivants (Francia) Adaptación de la novela de: Malas de Kerangal

Adaptación, puesta en escena e interpretación: Emmanuel Noblet. Producción: Centro Dramático. Nacional de Normandie – Rouen. Duración: 90’.

A partir de este interesante encuentro teatral comienza la temporada de Timbre4 con una completa programación que incluye veintitrés obras durante el 2018. Estrenos y reposiciones, incluyendo algunas producciones propias, con una clara propuesta de generar nuevos públicos y de encontrar novedosas formas de difusión para llegar a todos los sectores. Porque “el teatro hace bien” y, en especial, en los difíciles momentos que estamos atravesando como sociedad.

Timbre4 es una casa y la casa es una escuela y la escuela es un teatro. Y cumplir 15 años es una Fiesta2

Marisol Cambre: prensa@marisolcambre.com.ar

Información y redes

Web: http://www.timbre4.com

Facebook: /teatrotimbre4

Instagram: teatrotimbre4

Twitter: @TeatroTimbre4

Hashtag: #disfruTABA

1Preventa: todas las obras a $200.- hasta el 31/12/2017 [según el material entregado de Prensa]

2Idem

 

Kinderbunch de Diego Manso

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Kinderbunch de Diego Manso

Esa furia helada la mantenía erguida con una fuerza que el cuerpo de ella nunca tuvo, y le venía de la maldad. (Paula Wajsman)

Me quedo ahí y disparo al aire (Ibsen, Hedda Gabler)

CCK correspondenciaAzucena Ester Joffe, María de los Angeles Sanz

Una mujer pequeña, vestida de negro, embarazada, se mueve a través del espacio, lo recorre, de pie, se arrastra, pone y quita sus zapatos, está inquieta, y luego comienza a hablar, a hablarse a sí misma, a contarle al ser que va a llegar la historia de una vida, la suya, su relación con el padre, con las armas, con sus amantes, con sus amores, con su amiga Tea, y con él mismo, el hijo producto de un braguetazo, es decir, de un matrimonio por conveniencia. El fascismo, el alemán, el italiano y el español, son el contexto que nutre esa vida que crece como una flor distinta en el medio de un campamento militar. Aprender a matar como placer, como hobby, tan excitante como el sexo, tan violento como él. Una piel de cordero que oculta la ira de haber sido derrotados en una guerra que formaba parte de un plan de purificación racial, de la construcción de un orden, la paz de los cementerios, todo ordenado y prolijo por fuera, escondiendo un infierno en su interior. Como Hedda Gabler el arma es una prolongación de su vida, como ella la relación con su padre es constitutiva de su subjetividad. Belén Blanco logra una performance excelente en la composición de ese personaje víctima y victimario a la vez, que guarda en sí misma las contradicciones entre el bien y el mal, una balanza que siempre se vuelve hacia la negatividad de su deseo oscuro. El personaje de Manso no dispara al aire, con un arma o toda ella como una, dispara al corazón de sus víctimas, su novio poeta, su mejor amiga, a su hijo, en un afán de matar el alma de su padre que la habita. El dramaturgo logra construir una textualidad que le saca la máscara de cordero al personaje de Ibsen, y nos lo entrega en carne viva, palabra tras palabra, hasta encontrar el camino de su destino. Germana juega con los límites, desde todos los lugares posibles, los imaginarios y los físicos, cuando abre la ventana y ensaya una mirada al abismo que no concreta. Kinderbunch, libro de cuentos para niños, solo que el relato no es un cuento, sino una verdad pesada y trágica que ya no puede sostener, y que necesita ser expulsada, dicha como un vómito imprevisto, para llegar hacia el final del camino. Belen Blanco en Kinderbuch_Foto por Bruno Perotti2-2

Durante noviembre del presente año, el ciclo Correspondencias, curado por Daniela Lozano, se presentó con dos obras cuyo punto de partida es el intercambio epistolar. Los martes, Correspondencias I, con música en vivo Ingrid Pelicori y Horacio Peña le dieron vida con sus voces al encuentro epistolario de grandes figuras. Los miércoles se presentó la obra que nos ocupa, Kinderbunch. Esperamos la pronta reposición de ambas para todos los amantes del buen teatro.Belen Blanco en Kinderbuch_Foto por Bruno Perotti1-1

Ficha técnica: Kinderbunch de Diego Manso (Trabajo escénico en proceso) Intérprete, producción, elección de Hedda Gabler: Belén Blanco. Diseño de imagen: Germán Gentile. [Foto: Bruno Perotti. Prensa: Débora Lachter] Asistente de dirección, producción, idea original Correspondencias / Hedda Gabler: Daniela Lozano. Dirección: Diego Manso. C C C: Hemeroteca. Miércoles de noviembre de 2017.

Bibliografía:

Wajsman, Paula, 2012. Punto atrás. Buenos Aires: Eduvim – Narradoras argentinas.

Buenos Aires Ballet [III]

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Federico Fernández

presenta

Buenos Aires Ballet

BABAzucena Ester Joffe

BAB1 completó su ciclo de Galas 2017 en el ND Teatro, en cada encuentro contó con una renovada selección coreográfica y con la participación de reconocidas figuras de la Danza. Con su marca registrada la 7° Gala, realizada el 11 de noviembre, fue sin temor a ser reiterativos, un placer para todos los presentes. La función anunciada para Diciembre, lamentablemente por razones de fuerza mayor, se canceló pero ya fue reprogramada para el 24 de febrero de 20182. Así que será un muy buen comienzo de año para el público cautivo del Buenos Aires Ballet.

En esta oportunidad la propuesta dancística tuvo una primera parte dedicada al ballet clásico con un vestuario en colores pasteles; la segunda parte, después de un breve intervalo, estuvo atravesada por la danza contemporánea, el tango y el jazz, con un vestuario en colores intensos.

Parte 1

Festival de las flores en Genzano, coreografía de August Bournonville, se estrenó en el Teatro Real de Dinamarca en 1858. El dúo de amor fue interpretado por Emilia Peredo Aguirre y David Gómez.

Coppelia de Arthur Saint-León, estrenada en la Ópera de París en 1870. Ayelén Sánchez y Emanuel Abruzzo le dieron vida a la singular pareja.

El cisne de Mikhail Fokine. La exquisita y breve coreografía nos sumergió en el clima dramático del último e inevitable momento con la interpretación de Eliana Figueroa.

El corsario, coreografía de Joseph Mazilier, estrenada también en la Ópera de Paris en 1856. El Pas de trois fue ejecutado por Macarena Giménez, Maximiliano Iglesias y Federico Fernández.

Parte 2

Pájaro azul del gran maestro Marius Petipa, cuyo estreno fue en el Teatro Mariinski de San Petersburgo en 1898. Emiliana Peredo Aguirre y Jiva Velázquez interpretaron el famoso Pas de deux.

Souls (Dúo contemporáno) de la coreográfa Romina Simone e interpretado por Aldana Percivatti y David Gomez.

Francanapa de Astor Piazzolla, coreografía de Julián Galván / Magdalena Cortés, con los bailarines Macarena Giménez y Maximiliano Iglesias.

Through the nigth de Emanuel Abruzo e interpretado por Julieta Zabalza y Emanuel Abruzzo.

Adiós Nonino de Astor Piazzolla, coreografía de Federico Fleitas, interpretada por los primeros bailarines Eliana Figueroa y Federico Fernández. Un cierre de lujo.BAB face

En nuestras notas anteriores hemos destacado la solvencia estilística, la expresividad de los cuerpos y el precioso vestuario según corresponda a cada coreografía. Ya cerrando el difícil año que nos toco vivir queremos subrayar la función artística y social que lleva a cabo el Buenos Aires Ballet. Pues nos permitió, en cada noche especial, disfrutar del Ballet de primerísimo nivel en un ámbito ameno -y más acorde a nuestro empobrecido bolsillo. El aplauso cerrado al finalizar cada función no rompió la magia de las potentes imágenes visuales. Artistas que marcaron nuestra experiencia, sin depender de nuestro conocimiento previo, y habitaron el despojado espacio escénico con total entrega. ¡Gracias a las grandes figuras que se hicieron presente en cada Gala y a su director artístico, Federico Fernández!

Staff de BAB

Dirección Artística: Federico Fernández. Producción General / Manager: Karina Battilana. Técnico en Luces y Sonido: Julián Galván. Stage Manager: María Laura Matienzo. Jefa de Vestuario: Lorena Durou. Diseño / Video: Sergio Gómez. Fotografía: Carlos Villamayor. Fotos Back y Sociales: Josefina Loza. Prensa: Música Clásica B A / Gabriela Levité. ND Teatro.

1 Buenos Aires Ballet es la joven compañía creada en 2015 por Federico Fernández, primer bailarín del Teatro Colón, ante la necesidad de los artistas por habitar el escenario y poder crear ese clima casi místico que requiere el ballet clásico. Además de brindar la posibilidad de que cada espectador disfrute de un espectáculo de calidad a un costo realmente accesible. Junto a Karina Battilana, ex bailarina del Teatro Colón y productora general, hacen posible “una realidad artística de primer nivel”. La Compañía, que se sustenta con fondos privados, genera su propia producción y realiza una perfecta selección del repertorio en cada nueva Gala, y cuenta con un equipo de técnicos que son o fueron bailarines, y , por lo tanto, conocen muy bien la rigurosidad de la disciplina. https://lunateatral2.wordpress.com/2017/08/08/buenos-aires-ballet-2/ [02/11/2017]

Segunda Jornada El Tango en escena

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Segunda Jornada El Tango en escena

Intervenciones coreográficas en el collage escenográfico” creado por Eduardo Bergara Leumann

Azucena Ester Joffe

En el Museo Escenográfico Botica del Ángel durante dos días, 23 y 24 de noviembre, se llevó a cabo la segunda Jornada sobre nuestra danza ciudadana. Como afirma Andrea Castelli, es un punto de encuentro para “reflexionar sobre la actividad, con el propósito de generar un ámbito de discusión e intercambio de conocimientos y experiencias”1. Coreógrafos, directores, bailarines, docentes, críticos, periodistas,… concurrieron a la cita para debatir sobre distintos ejes: El tango, perspectiva desde la crítica y la difusión”; “Poética de la danza en el cine. Aniceto”,…; “Conversación performática sobre Títeres, Máscaras y objetos”; entre otros.

La Botica del Ángel tiene una fuerza intrínseca que es difícil de poner en palabras, ese mundo exuberante y barroco construido de múltiples historias, de retazos de memoria –privadas y públicas, fue el marco perfecto para el “Recorrido por las diferentes intervenciones coreográficas” que se realizó el viernes a la tarde. Cada breve coreografía tuvo un encanto especial a lo largo de la visita guiada, cada sala del Museo se transformaba en un espacio escénico habitado por los bailarines / performers. Los creadores convocados fueron: Gachi Fernández, Olga Besio, Margarita Fernández, David Señoran, Jose Garófalo y Pablo Fermani, quienes junto a su equipo de trabajo construyeron una narración coreográfica que dialogó con el espacio edilicio y focalizó nuestra atenta mirada. Una experiencia performática entre instalaciones pobladas de fotografías, de escritos, de obras plásticas, de recuerdos de Mi Buenos Querido2 y en la cual cada espectador disfrutó desde distintos puntos de vistas. Luego, llegó el cierre con las conclusiones, donde se expusieron algunos de los objetivos, el proceso creativo con sus singularidades y el aplauso final de todos los presentes.

 

Equipo de producción: Carina Mele – Mónica Berman – Andrea Castelli – Juan Federico Santucho – Natalia Battellini – Gerardo Azar – Sabrina Castaño  – Carlos Vizzoto.

2 La Botica del Ángel es un collage escenográfico creado por Eduardo Bergara Leumann en el museo que fue su casa, donde sorprenden obras de arte de muchos artistas plásticos: Raúl Soldi, Antonio Berni, Luis Felipe Noé, Marta Minujin, Guillermo Roux, Juan Carlos Castagnino, Carlos Gorriarena, Josefina Robirosa, Héctor Borla, Juan Carlos Benitez, Eduardo Pla, Raúl Lozza; manuscritos de Jorge Luis Borges, Ernesto Sábato, Manuel Mujica Lainez. Recuerdos de actores y cantantes, algunos de los cuales debutaron en La Botica como Susana Rinaldi, Marikena Monti, Nacha Guevara, Leonardo Favio, entre otros. En el recorrido por el lugar se encuentran homenajes a compositores de tango y folklore como Astor Piazzolla, Mariano Mores, Homero Expósito, Mercedes Sosa, Ariel Ramírez, María Elena Walsh, entre otros, y también se pueden apreciar las instalaciones armadas con fotografías y objetos históricos de un Buenos Aires que se fue perdiendo. Eduardo Bergara Leumann legó el Museo a la Universidad del Salvador. http://boticadelangel.usal.edu.ar/ [03/12/2017]

Temporada 2018 Complejo Teatral de Buenos Aires

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Temporada 2018 Complejo Teatral de Buenos Aires

El arte, las artes escénicas y la función pública

CTBAAzucena Ester Joffe

El Director General del Complejo Teatral de Buenos Aires, Jorge Telerman, el pasado 28 de noviembre, anunció la próxima Temporada 2018 en la sala Casacuberta. Telerman destacó que, al igual que en el presente año, la programación apunta a buscar la manera en que el público dialogue con cada propuesta escénica. Deteniéndose en algunas obras destacó que, particularmente aquellas que se presentarán en el Teatro San Martín, tienen una vocación de generar más preguntas, más dudas, que certezas […] Son momentos en que el arte, en general, y el teatro, en particular, pueden venir a generar espacios de reflexión y creemos que es una de las misiones del teatro y del teatro público, en particular.

Luego comentó que el Teatro Regio seguirá con la misma línea, la cual está dando grandes resultados, poniendo en escena los clásicos bajo una mirada contemporánea. Las localidades agotadas revelan que el dialogo con su público ha sido muy fecundo. Sobre el Teatro Sarmiento aclaró que será un año femenino -autoras, directoras y actrices. Y que se seguirá fortaleciendo la propuesta de lo emergente, de cierto riesgo, que caracteriza a este espacio. A continuación hizo referencia también al Teatro de la Rivera y a su mirada tanto en el publico del barrio como aquel que no lo es. Además mencionó la Temporada Internacional del Complejo -Uruguay, Reino Unido, Suiza, España, Y comentó sobre esas otras actividades Cinemateca Leopoldo Lugones, Hall Central TSM, Fotogalería,…- que funcionan como espacios de encuentro, como de iniciación a una cierta sensibilidad. También agradeció a los trabajadores del Complejo que se ponen al servicio de todos los creadores / artistas que se presentan en cada uno de los teatros.Telerman face CTBA

Jorge Telerman concluyó el lanzamiento de la próxima Temporada con la siguiente convicción:

Estamos absolutamente convencidos de que además de una programación intensa, de calidad y diversa, que recorre géneros, estilos, épocas, gustos, el Complejo tiene que funcionar cada vez más como un lugar de identidad, un sitio para compartir la experiencia estética que es tan central en una comunidad. Y son las políticas públicas, aunque no excluyentemente, las que permiten brindar esta posibilidad […] Cuando nos sentamos en una sala nos sabemos qué piensa o siente la persona que está a nuestro lado, sin embargo acordamos, durante una hora o más, compartir un evento artístico. A veces nos sentimos muy cerca de ese otro y una vez finalizado nos preguntamos por qué eso mismo no sucede en la comunidad. Cuando pensamos la programación del próximo año buscamos la excelencia de cada una de estas obras y también de qué manera podríamos sentir que tenemos un tesoro para compartir que, por distintos motivos, no somos capaces de trasladarlo a nuestra sociedad. Esa es la función que creemos que tiene el arte y las artes escénicas, en especial, sobre todo si se brindan desde un teatro público. ¡Ojalá que suceda!

TEATRO SAN MARTÍN

Sala Martín Coronado

Danza: Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín

Sapiens o La domesticación del fuego de Lisi Estaras

Ensueño de Marcelo Savignone

La tempestad (reposición) Versión libre de la pieza de William Shakespeare / Coreografía y dirección: Mauricio Wainrot

Teatro:

El casamiento de Witold Gombrowicz / Dirección: Michal Znaniecki

Incendios de Wajdi Mouawad / Dirección: Aderbal Freire-Filho / Por la Compañía Teatro El Galpón (Uruguay)

Proyecto Pruebas: El hipervínculo (Prueba 7)Dramaturgia y dirección: Matías Feldman / Por la Compañía Buenos Aires Escénica

Esperando a Godot de Samuel Beckett / Dirección: Pompeyo Audivert

Sala Casacuberta

Danza: Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín

El reñidero a partir de la obra de Sergio De Cecco / Coreografía y dirección: Alejandro Cervera

Teatro:

La tempestad de William Shakespeare / Dirección: Penny Cherns (Gran Bretaña / Argentina)

El bramido de Düsseldorf de Sergio Blanco (Uruguay)

Campo minado de Lola Arias (Gran Bretaña/Argentina)

Cae la noche tropical de Manuel Puig / Dirección: Pablo Messiez

Títeres para grandes y chicos: Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín

La isla desierta (reposición)de Roberto Arlt / Dirección: Adelaida Mangani

Sala Cunill Cabanellas

Teatro:

Las amargas lágrimas de Petra von Kant de Rainer Werner Fassbinder / Dirección: Leonor Manso

La reunificación de las dos Coreas de Joël Pommerat / Dirección: Helena Tritek

Rabiosa melancolía de Marianella Morena (Uruguay)

Tres veces al amanecer de Alessandro Baricco /Dirección: Mónica Viñao

An oak tree de Tim Crouch (Gran Bretaña)

Hall Central TSM

Danza: Força forte. Coreografía y dirección Gilles Jobin (Suiza)

Carta blanca Taller de Investigación Coreográfica del Ballet del Teatro San Martín

Bailemos en el Hall – Actividad especial

Charlas – “Escenas compartidas”

Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea (CCMC) Edición XXII. Sedes: Sala Casacuberta, Sala Cunill Cabanellas y Hall Central del Teatro San Martín; Sala Sinfónica del CCK y Teatro de la Ribera

Sala Leopoldo Lugones

Retrospectiva Derek Jarman

Grandes clásicos restaurados del cine japonés

A 50 años del Mayo francés

A propósito de la visita de Gilles Jobin (Suiza) para presentar en el Teatro San Martín Força forte, se exhibirá su película WOMB

Festival DocBuenosAires

Veteranos de Lola Arias

La flor de Mariano Llinás

BAFICI

TEATRO REGIO

Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín:

La vuelta al mundo en 80 mundos (reposición) Versión libre de Luis Rivera López. Dirección: Sergio Rower

La Musa y el Poeta de Eduardo Rovner / Dirección: Adelaida Mangani

Teatro:

Miedo de Albert Pla / Dirección: Pepe Miravete (España – Argentina)

Un enemigo del pueblo de Henrik Ibsen / Dirección: Lisandro Fiks

Blum de Enrique Santos Discépolo y Julio Porter / Dirección: Mariano Dossena

If. Dramaturgia y dirección de Gabriel Calderón (Uruguay)

Madre Coraje de Bertolt Brecht / Dirección: José María Muscari

TEATRO DE LA RIBERA

Teatro musical:

Crimen pasional (reposición)de Ástor Piazzolla y Pierre Philippe / Dirección general: Marcelo Lombardero

Striptease. Curaduría: Diana Theocharidis / Dirección: Alfredo Arias, Maricel Álvarez, Florencia Vecino y Pablo Rotemberg

Divino amore de Alfredo Arias y René de Ceccatty / Dirección: Alfredo Arias   

Danza: Danza al borde. Curaduría: Diana Theocharidis

TEATRO SARMIENTO

Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín:

La biblioteca de los libros desordenados de Nelly Scarpitto, Mariana Trajtenberg, Claudia Villalba, Daniel Scarpitto y Julieta Alessi / Dirección: Román Lamas

Teatro:

Arde brillante en los bosques de la noche (reposición) Dramaturgia y dirección: Mariano Pensotti

Retrospectiva Piel de Lava. Colores verdaderos / Neblina / Tren / Museo Dramaturgia y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández

Workshop sobre la creación grupal por el Grupo Piel de Lava
Petróleo. Dramaturgia y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández

Animal romántico. Dramaturgia y dirección: Agostina Luz López

Por Más Teatro en la Escuela

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Por Más Teatro en la Escuela

Susana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

El 14 de noviembre, en la Facultad de Filosofía y Letras, se reunió el colectivo Por Más Teatro en la Escuela, integrado por la UNA, la EMAD, Andamio 90, el Programa Teatro Escolar, las Escuelas de Intensificación en Artes, referentes de las Escuelas Medias y Profesorados Docentes de Nivel Terciario, a fin de intercambiar opiniones sobre la mejor manera de continuar con las acciones orientadas a lograr la inclusión de la materia Teatro en los niveles primario y medio en todas las escuelas de la Ciudad de Buenos Aires.

Hagamos un poco de Historia:

  • El 28 de agosto de 1986 el Concejo Deliberante de la MCBA sancionó con fuerza de ordenanza la incorporación al diseño curricular de las escuelas de nivel primario de jornada completa dependientes de la Secretaría de Educación de la MCBA la materia Arte Dramático – Decreto N°6034. (No fue instrumentada)

  • El 14 de agosto de 1991 la Cámara de Diputados de la Nación aprueba un Proyecto de Ley emanado de la comisión de Educación que establece con carácter obligatorio la enseñanza de expresión teatral en todos los establecimientos de nivel primario y medios dependientes del Ministerio de Educación de la Nación.

  • En agosto de 1992 se realiza en el Centro Cultural San Martín el Encuentro Nacional de Teatro en la Educación Formal y No Formal.

Como antecedentes, recordemos también, el material de investigación presentado por Roberto Vega, pionero de la enseñanza Teatral, coordinador fundador del Programa de Teatro en Instancias Educativas Complementarias.

“Si bien la inclusión del lenguaje teatral en las escuelas públicas dependientes de la Dirección General de Educación data de 1990 con el nombre de Juegos Teatrales dentro de la Coordinación de Educación No Formal en los programas “Sábados en la escuela” y “Verano en la escuela”y en mayo de 1991 ingresa en la educación Formal primaria a modo de taller optativo (…) La incorporación del Lenguaje Teatro en el nivel primario dentro de la currícula data del año 1995.”(Lic. Cimarosti María Julia)

A partir de ese momento se presentan importantes documentos de actualización a través de la Dirección de Currícula (1997-1998-1999-2001). En el año 2005 se incorpora oficialmente el Teatro en el documento Intensificación en Artes del Marco Curricular para la Escuela Primaria. Este documento oficializa la propuesta de las Escuelas Intensificadas en Artes dentro del sistema formal, contando con docentes incorporados en la POF (Planta Orgánica Funcional) y menciona el Proyecto de Teatro en 5° grado. Es bueno señalar que las Escuelas Intensificadas en Artes en estos últimos años han incrementado su número en cada Distrito Escolar.

También es importante señalar la promulgación, en diciembre de 2006, de la Ley de Educación Nacional N°26.206 que en su artículo 41 dice lo siguiente:

Todos/as los/as alumnos/as, en el transcurso de su escolaridad obligatoria, tendrán oportunidad de desarrollar su sensibilidad y su capacidad creativa en, al menos, DOS (2) disciplinas artísticas. En la Educación Secundaria, la modalidad artística ofrecerá una formación específica en Música, Danza, Artes Visuales, Plástica, Teatro y otras que pudieran conformarse, admitiendo en cada caso diferentes especializaciones. La formación específica brindada en las escuelas especializadas en artes, podrá continuarse en establecimientos de nivel superior de la misma modalidad.

En la jornada del día 14 se trabajó de la siguiente manera: se dividieron los asistentes en cinco grupos. Cada miembro de los grupos pudo disponer de los documentos elaborados por integrantes del colectivo: Antecedentes en el proceso de incorporación de la enseñanza de Teatro en la Educación Pública de CABA. (Lic. María Julia Cimarosti). Reseña Histórica del Programa “Teatro Escolar”y Síntesis del Recorrido del Teatro en la Educación en el nivel primario y su aparición en los diseños curriculares. (Prof. Paula Ferrer). Comisión Pedagógica (Gustavo Armas). Por más Teatro en la Escuela (Cristian Vélez). Media mañana se destinó a la lectura, comentarios e intercambio de opiniones entre los miembros de cada grupo. A continuación hubo una puesta en común para que cada grupo comentara, a la luz de lo leído, las conclusiones a las que había arribado en relación al objetivo de la jornada: de qué manera trabajar para alcanzar la inclusión de Teatro como materia curricular en los tres niveles de enseñanza: inicial – primaria y media.

Luego de un receso de una hora para almorzar, los asistentes a la jornada se reunieron nuevamente para pensar y señalar estrategias que facilitaran el acceso al objetivo planteado.

-En primer lugar, elaborar un documento donde se puntualice y respalde con documentación la necesidad de dar cumplimiento a la Ley Nacional de Educación 26.206 y de atender a los sucesivos documentos: ordenanzas, proyectos de ley y especificaciones curriculares que avalan la importancia de la enseñanza del TEATRO en la escuela. Asimismo, mencionar los aspectos positivos que la enseñanza del TEATRO aporta en el desarrollo de los contenidos conceptuales y actitudinales de lo cual da fe el informe anual que aportan aquellas escuelas que tienen TEATRO en su currícula.

-Presentar este documento a las autoridades pertinentes en el área Educación y también a las comisiones de educación de cada una de las bancadas políticas que conforman el Concejo Deliberante de CABA, a fin de buscar la comprensión y apoyo de los legisladores como fuerza que colabore en la concreción del objetivo deseado.

-Informarse sobre el camino recorrido en la Prov. de Buenos Aires donde existe el Teatro como materia en todos los niveles de enseñanza. Pedir el asesoramiento de Roberto Vega que fue parte en la concreción de este proyecto. Además, tomar como modelo el camino recorrido por Intensificación en Artes, en CABA.

-Y algo muy importante, hubo amplio consenso sobre la necesidad de una preparación idónea en los docentes de TEATRO.

-Creación de la Supervisión de Teatro. Titularización de los docentes que se desempeñan en Jornada Extendida.

-Creación de cargos y fundamentalmente, evitar la pérdida cuando la NES (Nueva Escuela Secundaria) pretenda modificar la cantidad de horas en Educación Artística.

-Concientizar a los gremios sobre el importante rol que tiene como asesores y defensores de un proyecto que evidencia una trayectoria de lucha constante.

Finalmente se acordaron grupos de trabajo para llevar adelante las estrategias diagramadas. Una Jornada productiva en cuanto se dialogó con responsabilidad y se fortaleció la convicción de que sólo con la lucha constante se podrá alcanzar el objetivo.

Entrega de los Premios Luisa Vehil 2017

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Entrega de los Premios Luisa Vehil 2017

logoUna tarde de noviembre

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Llegó el día de que los ganadores se hicieran presentes en la entrega de los Premios Luisa Vehil, en el teatro que lleva el nombre de la recordada actriz. Todos los nominados, o casi todos se hicieron presentes, algunos ausentes con aviso, otras tareas los reclamaban, otras ausencias que lamentamos por lo sorpresivas. Éramos tantos, que el espacio se convirtió en baldosa. En un clima de alegría expectante, nos ubicamos en la sala teatral para dar las menciones y los premios, previo lunch en el hall, y todos mancomunados por los deseos y por las preocupaciones que el campo cultural tiene hoy día y que fue un comentario que no podía obviarse en una reunión donde todos amamos con pasión lo que hacemos, arriba o abajo del escenario. Una noche feliz a pesar de todo, angelada por el trabajo reconocido, porque todos los nominados estaban allí por el respeto y el talento desplegado en la obra. Una tarde de noviembre distinta, otra fiesta para el teatro que comenzó con unas breves palabras de Rubén Hernández Miranda y de Linda Máximo. Luego pudimos disfrutar de dos temas interpretados por la saxofonista María De Vittorio,  a continuación, con la cálida conducción de Camila Mestre y Federico Opstaczuk y colaboración de María Emilia Cornier, se comenzó con la entrega de diplomas y la apertura de los sobres para dar a conocer a los ganadores de cada rubro:

Actriz

Lorena Vega por Yo, Encarnación Ezcurra

Actriz de reparto

Lorena Székely por Abandonemos toda esperanza

Actor

Luis Machín por I.D.I.O.T.A. y El mar de noche

Actor de reparto

Ariel Pérez De Maria por Pasolini Invocación V

Dirección

Omar Pacheco por Dashua

Autor nacional

Matías Feldman por Pasolini Invocación V

Escenografía

Jorge Ferrari por El inspector

Iluminación

Omar Pacheco por Dashua

Vestuario

Emiliana De Cristófaro por Pasolini Invocación V

Espectáculo musical

Asesinato para dos

Música original

Ian Shifres por Tierra Partida, lo demás no importa nada y Donde duermen los grillos

Revelación

Lala Buceviciene por Tierra Partida, lo demás no importa nada y Donde duermen los grillos

Facundo Godoy por Auto de Fe entre Bambalinas

Cecilia Greco por La noche de Rita

Matías Odorico por Uz el pueblo

Lucía Villanueva por Uz el pueblo

Mención especial

Mirta Alvarez por su interpretación en guitarra y laúd en Bájame la lámpara -concierto de palabras

María De Vittorio por su interpretación de saxo en La noche a cualquier hora

La Guiada (Visita guiada del Teatro Cervantes – Teatro Nacional Argentino)

Leonardo Reale, creador y director general de la gala benéfica DANZAR POR LA PAZ

Imágenes de Susy Evans, Briski y Bartís leyendo textos de Eduardo “Tato” Pavlovsky

Trayectoria

Miguel Ángel Solá

Helena Triket23915483_10215231685089955_4692651655529660274_n

 

Las dificultades y desafíos que se presentan en el momento de escribir una Historia del Teatro para Niños

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Las dificultades y desafíos que se presentan en el momento de escribir una Historia del Teatro para Niños.

Una historia del Teatro para Niños en Buenos Aires, alguno de los problemas con que hay que enfrentarse

Susana Llahí chumbitoplus@yahoo.com.ar

María de los Ángeles Sanz – msalunanueva@gmail.com

La investigación iniciada forma parte de un proyecto donde estudiamos el Teatro para Niños en Buenos Aires desde sus orígenes. Analizamos el hecho teatral en forma totalizadora: producción del texto dramático y del texto espectacular, circulación y recepción. Para ello, dimos suma importancia a los cambios que se produjeron en el eje sincrónico por las transformaciones que se explican en el contacto con la serie social: especialmente por sus vínculos con la escuela, la psicología aplicada a la infancia, el teatro para adultos y la apertura a un público ampliado, elementos todos que determinaron la consecuente evolución en el eje diacrónico.

En primer lugar tuvimos que analizar cuándo nace el Teatro para Niños en Buenos Aires. Qué tipo de teatro con y para niños había existido con anterioridad. Y en consecuencia, ¿Cuál era la mirada que sobre la infancia tenía la medicina, la escuela y la psicología a comienzos del siglo XX? Tuvimos que considerar de qué manera se periodizaría la historia y hasta que período abarcaría ya que en un solo intento no podríamos cubrir cien años. También vimos la necesidad de analizar el teatro que hacían para los niños los partidos políticos que a comienzos del siglo XX presentaban un fuerte compromiso social: anarquistas, comunistas, socialista, incluso, la misma iglesia católica. La inclusión del circo y de los títeres.

Hoy y aquí me referiré a algunos puntos claves que tuvimos que considerar:

1-El primer interrogante que se nos presentó fue, en qué momento podía considerarse que comenzaba el género en nuestro país, específicamente en la Ciudad de Buenos Aires que era el espacio al que habríamos de circunscribirnos. Hipotetizamos en base a la siguiente argumentación: si bien es cierto que en nuestro país hubo teatro con niños y en algunos casos, especialmente dedicado a ellos ya en los albores del teatro nacional podemos considerar que el Teatro para Niños, como sistema,1 recién comenzó a partir de la iniciativa de José Ramos Mejía cuando desde su cargo de Presidente del Consejo Nacional de Educación (1906-1913) antes de concluir su mandato y como una herramienta para la consolidación del sistema educativo argentino centralizado, solicitó la creación de un Teatro Infantil Municipal. El proyecto finalmente se concretó el 23 de diciembre de 1913 y pasó a depender directamente de la Dirección de Parques y Paseos. El teatro Infantil Municipal incluyó a niños y adolescentes y en su escuela se brindaba una formación integral que abarcaba el canto, la danza y la declamación. Unos años después por el impulso del Concejal González Maseda y con el apoyo del proyecto presentado por el actor y en ese momento concejal, Florencio Parravicini, el 27 de diciembre de 1928 se creó el Teatro Infantil Labardén, un paso importante para que el género alcanzara cierta representatividad. Es decir, por primera vez el género tenía espacios para el aprendizaje y para la representación, horarios, autores que escribían para él, una crítica y además, tenía oportunidad de evolucionar en sus formas tanto en lo textual como en la puesta en escena a partir del contacto con la serie social y fundamentalmente con la modernización que se estaba dando en el teatro para adultos.

Por lo tanto, el Teatro Infantil Municipal, lejos de constituir un sistema autónomo pasó a trabajar en complementariedad con el sistema educativo público. Hablamos de complementariedad porque las puestas se realizaban en horario extra escolar, preferentemente durante el fin de semana pero comprometiendo la asistencia de los niños como si el espectáculo formara parte de la currícula. El operativo político que apuntaba a la construcción de la Nación necesitaba desarrollar un fuerte proceso de inclusión de los diferentes grupos sociales. En un momento donde ni la radio ni el cine habían logrado el desarrollo suficiente como para penetrar en la sociedad, el teatro era el espectáculo por excelencia y el recurso escolar y extraescolar más adecuado para impartir aquellos conceptos fundamentales que aspiraban a homogeneizar el entramado social. En consecuencia, esta disciplina artística se transformó en una herramienta sumamente importante para que la educación delineara objetivos que ayudaran a concretar el proyecto de país. Es necesario aclarar que frente a la regularidad del Teatro Infantil Municipal (Lavardén a partir de 1923) que presentaba puestas durante todos los fines de semana en los parque públicos o en escuelas, sociedades comunales, clubes de barrio, etc., las funciones de lo que hoy llamaríamos circuito comercial, eran absolutamente esporádicas. A partir de la creación del teatro del Pueblo, Leónidas Barleta comenzó a incluir en su repertorio Teatro para Niños con cierta regularidad, previo a la función destinada a los mayores y el Teatro Independiente Juan B. Justo realizó esta tarea durante seis años consecutivos.

La mirada sobre la infancia en la primera mitad del siglo XX

2-En la primera parte del siglo XX nacieron conjuntamente las ciencias de la educación y la psicología del niño, dos ciencias que transformaron la mirada sobre la infancia. Hasta comienzos del siglo XX la infancia era una etapa oscura, mal definida y nada valorada. La pedagoga sueca Hellen Key, en su libro El siglo del niño (1900), es la primera que miró al niño como una identidad autónoma y enfocó el tema dándole un valor pragmático. El texto de Key ejerció gran influencia entre especialistas y educadores. (Annick Ohayón/ clarín 2 de diciembre de 2007).

¿Cuál era la mirada que tenía nuestra sociedad, específicamente desde la escuela la institución más importante orientada hacia la niñez en el momento en que el país se estaba construyendo identitariamente? Las posiciones más conservadoras del normalismo pedagógico pusieron énfasis sobre el comportamiento del niño dentro del grupo escolar y consideraron que el aula era un conjunto en donde se estudiaba al “niño tipo”. Al mismo tiempo, la psicología infantil comenzó a ser reconocida como una disciplina útil para la comprensión del niño como sujeto pero, siempre que contara con el auxilio de las ciencias biológicas y naturales y de las ciencias morales. Por ello, muchos pedagogos vieron como un obstáculo para la aplicación de la psicología, el excesivo enciclopedismo de la educación y a las ciencias criminológicas que sólo veían el problema de la anormalidad y de la delincuencia infantil.

Por otro lado, la década de la democracia ampliada de 1920, encontró a los socialistas abocados en la higiene social rivalizando con la Sociedad de Beneficencia, preocupados por los efectos de las enfermedades venéreas en el futuro de la población y al advertir la elevada incidencia de enfermedades mentales terminales en los hospicios. El doctor Alfredo Fernández Verano creó en 1921 la “Liga de profilaxis social” que planteaba una política focalizada en la prevención concreta de higiene infantil. José Alberti, entre 1928 y 1930, dirigió el proyecto de Tonina y Morzone en el Instituto de Psicología Correctiva y Escuela de Niños Débiles. Esta mirada científica, de corte médico psicologista se detuvo especialmente en considerar la importancia de las enfermedades sociales (alcoholismo, sífilis, tabaquismo, etc.) y de la pobreza.

Los pedagogos que adherían a las distintas corrientes de pensamiento sostuvieron un trabajo arduo para relativizar la mirada del conservadurismo normalista que fue la que siempre prevaleció en nuestra educación y que, en consecuencia, era la mirada que sobre la infancia también tenía la sociedad en general.

Hasta este momento, con dificultades y con sus diferencias, las distintas corrientes educativas se preocuparon por estudiar la naturaleza del niño con el fin de acompañarlo en un crecimiento sano, físico y psíquico. A partir del gobierno de Perón resulta interesante analizar cómo, la formación de la personalidad infantil se constituyó en el principal objetivo en el discurso educativo acerca de la infancia. El Primer Plan Quinquenal buscó vincular educación y política lo cual implicaba en un primer paso, una relación estrecha entre el maestro que tenía la misión de transmitir los conocimientos y el niño que debía lograr un buen desarrollo instrumental para desenvolverse en la vida y en un segundo paso, moldear la personalidad de ese niño para que fuera según indicaba el mismo Perón: “hombres prácticos”, “buenos argentinos”, “buenos operarios” (Presidencia de la Nación,1946:23-25, en Carli,2002:281

De qué manera esta mirada sobre la infancia se proyectó en la producción de Teatro para Niños

3-La educación primaria en nuestro país tuvo, desde sus inicios, un neto corte “normalista”. Los criterios del positivismo pedagógico2 es lo que rigió la formación de los docentes, aunque el krausismo tuvo una impronta sumamente importante. El imaginario del normalismo fue fuertemente influenciado por el higienismo, que atendía los hábitos higiénicos, alimentarios y sexuales, que se acentuó con la llegada de los inmigrantes (a fines del siglo XIX).

Las piezas del Teatro para Niños de la época marcan la preocupación que para las clases dirigentes significaba el entramado social que enfrentaba el país. Próspero G. Alemandri, Clemente Greppi, Ricardo Moner Sans, Juan José Frugoni, constituyen los autores que escribieron para el incipiente Teatro Infantil Municipal. Un paneo por la producción de estos autores marca, de qué manera, sus textos necesitaban seguir aquellos pasos que imponía la pedagogía escolar. Ejemplificaremos sólo con dos autores:

La pieza de Juan José Frugoni, Corazón herido, estrenada el 8 de julio de 1919 en la plaza del Congreso por el Teatro Infantil Municipal aplicaba, casi estrictamente la preceptiva del higienismo. La puesta mostraba como, frente al niño de la clase acomodada el chico de la calle se presentaba como una amenaza, socialmente irrecuperable, capaz de atentar contra la naturaleza y contra su propia vida. Además, marcaba el deterioro del lenguaje ante el avance del lunfardo y el uso de vulgarismos.

En contraposición, dos piezas de Ricardo Moners Sans: El vendedor de diarios y La lazarilla (presentadas en la misma época), son un claro ejemplo de la línea Krauso-positivista que sin abandonar del todo la concepción disciplinaria del positivismo colocaba entre paréntesis su determinismo y construía una interpretación de la naturaleza infantil que consideraba la bondad del niño, su espontaneidad y el reconocimiento de su capacidad.

A este corte netamente pedagógico y su relación con la posición ideológica que prevaleciera en la educación no escapó tampoco el llamado teatro comercial, la compañía de Angelina Pagano puso en escena El sueño de Pelusita de José León Pagano, Carlos Schaeffer Gallo, Enrique García Velloso y Francisco Villaespesa el 8 de julio de 1927 y El príncipe de la paz, el 24 de diciembre de 1930 en el Teatro Argentino, obra de Lola Pita Martínez con música de Sebastián Piana, quien además dirigía la orquesta, “con la presencia de los Reyes Magos, los Arcángeles, mendigos y vendedores, invitados a la fiesta de Herodes, soldados, etc. etc., todo montado en medio de una importante riqueza cromática, que transformaba el espectáculo en un verdadero regalo visual.” Si la primera de las piezas tenía el estilo pedagógico propio de los primeros autores del siglo, esta última era de neto corte confesional que coincidía con la introducción en las escuelas de la enseñanza de la religión.

Cuáles fueron los autores que establecieron diferencias

Por fuera de las instituciones militantes, Alfonsina Storni, que desde muy joven simpatizó con el Partido Socialista, produjo cambios sustanciales con la producción que dedicó al Teatro para Niños en el período comprendido entre 1928 y 1938, momento de su muerte. En el sistema teatral del momento Alfonsina fue una mirada distinta, los procedimientos que definieron su poética facilitaron cambios importantes en el aspecto semántico. De esta manera, lúdicamente incorporó el derecho del niño a la transgresión, a equivocarse, el derecho a la fantasía, a soñar con mundos y personajes lejanos, el derecho a reflexionar sobre su propia capacidad para diseñar hipótesis sobre posibles resoluciones sin necesidad de que la historia lo indique literalmente. La producción para niños de Alfonsina, a través de sus personajes, antropomórficos o no, clamaban por los derechos individuales y en una de las piezas Un niño en el camino se plantea un duro reclamo ante la injusticia del hambre y la miseria.

Otro aporte renovador

A partir de 1924, Álvaro Yunque (Arístides Gandolfi Herrero) comenzó a publicar cuentos y obras de teatro orientados al público infantil. Miembro del grupo de Boedo, Yunque creía, al igual que sus compañeros de ideales, que el arte tenía carácter social y que como instrumento de cultura podría cambiar el mundo. Con perfil anarquista, girando luego hacia el socialismo, este autor se convirtió en uno de los protagonistas de la generación del ´22. El conjunto de sus diez obras para Teatro para Niños, que recién se publicaron en 1949, además de exaltar valores fundamentales en la formación de la niñez ya sea a través de personajes de la historia argentina o en las fábulas protagonizadas por animales, planteaba los vicios que degradaban al ser humano producto del analfabetismo y la pobreza pero, lo más interesante es que comenzó a incluir en sus piezas procedimientos expresionistas y otros, propios del teatro Pirandelliano

En el período del gobierno de Juan Domingo Perón, la preocupación principal fue la de poner la cultura al alcance de los niños, en especial, a los de la clase humilde, hubo embajadas importantes que visitaron el interior del país. Salvo dos piezas El Conductor (1948) de Alberto Larán de Vere y Un árbol para subir al cielo (1953) de Fermín Chávez, con una semántica imbuida por la ideología peronista, no hubo un corpus importante que se orientara en ese sentido. El Teatro Infantil Labardén, por ejemplo, continuó con el repertorio anterior al gobierno peronista, incluyó conjuntos pertenecientes al movimiento folklórico incentivado por el régimen y a partir de 1951, luego del Himno Nacional Argentino, del Himno del Instituto Labardén y de la Marcha de las Malvinas se comenzó a incluir la interpretación de la Marcha Peronista y Evita Capitana o Canto a Eva Perón de Alberto Franco, al inicio de cada función.

Ahora bien, indudablemente lo que nos resultó una verdadera “caja de sorpresa” fue y es (porque aún estamos trabajando en él) el Teatro Infantil Municipal: contamos con copia de los resúmenes anuales desde 1933 hasta 1955 donde constan las presentaciones por radio, en parques, sociedades de beneficencia, escuelas, clubes barriales, programas de mano de las presentaciones en el teatro Municipal San Martín, Teatro Boedo y Teatro Colón, (en 1935 llegaron a realizar 69 presentaciones) críticas periodísticas pero con muy pocos textos dramáticos y esto, constituye un verdadero problema dado que la precedencia de los autores muestran un abanico sumamente ecléctico en cuanto a su ubicación laboral e ideológica: en un mismo año se presentaron piezas de Alfonsina Storni, Álvaro Yunque, el Rdo. Padre Juan Marzal y del Teniente Coronel César R. Cassia. Pudimos acceder a los textos de los dos primeros y al del sacerdote y el teniente coronel?, ¿a qué ideología respondía?

¿Cómo periodizar?

4-Luego de analizarlo bastante decidimos aplicar el criterio de que cada período estaría marcado por el momento en que se dieran cambios importantes en cuanto a la constitución de una poética. Luego de analizar este período de cincuenta años, nos dimos cuenta de que recién en la década del ’60 comienzan a darse esos cambios. Lo hecho por Alfonsina Storni, Álvaro Yunque, los aportes del Teatro Independiente e incluso un teatro superador desarrollado por Hedy Crilla, no alcanzaba para mostrar la evolución del género. Es así que decidimos que el primer período alcanzaría hasta 1955. Hasta allí llegará nuestro primer trabajo.

11 –Karl Lukwig von Bertalanffy (1901-1972), biólogo y filósofo austríaco reconocido fundamentalmente por su teoría de los sistemas. En su origen fue una concepción totalizadora de la biología (denominada organicista). Posteriormente, el término comenzó a ser usado en otras disciplinas al considerárselas como un organismo que debe conceptualizarse como un sistema abierto, en constante intercambio con otros sistemas circundantes por medio de complejas interacciones. Fue en este momento, en el de la creación del Teatro Infantil Municipal, en que por primera vez el teatro comenzó a interactuar con otros integrantes de la serie social: pudo contar con dramaturgos, espacios, horarios y crítica preocupados específicamente por el género y sentar, de alguna manera, un modelo estético.

22– El positivismo es un pensamiento filosófico que afirma que el único conocimiento auténtico es el conocimiento científico y que tal conocimiento solamente puede surgir de la afirmación de las teorías a través del método científico. El positivismo se deriva de la epistemología que surge en Francia a inicios del siglo XIX de la mano del pensador francés Saint-Simón, de Auguste Comte y del británico John Stuart Mill. Uno de sus principales precursores en los siglos XVI y XVII fue el filósofo, político, abogado, escritor y canciller de Inglaterra Francis Bacon. 1 –Karl Lukwig von Bertalanffy (1901-1972), biólogo y filósofo austríaco reconocido fundamentalmente por su teoría de los sistemas. En su origen fue una concepción totalizadora de la biología (denominada organicista). Posteriormente, el término comenzó a ser usado en otras disciplinas al considerárselas como un organismo que debe conceptualizarse como un sistema abierto, en constante intercambio con otros sistemas circundantes por medio de complejas interacciones. Fue en este momento, en el de la creación del Teatro Infantil Municipal, en que por primera vez el teatro comenzó a interactuar con otros integrantes de la serie social: pudo contar con dramaturgos, espacios, horarios y crítica preocupados específicamente por el género y sentar, de alguna manera, un modelo estético.

Bajo el bosque de leche (Under Milk Wood) de Dylan Thomas

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Bajo el bosque de leche (Under Milk Wood) de Dylan Thomas

Es una noche de primavera, sin luna, sin estrellas, negra como una Biblia en las silenciosas calles empedradas del pueblo, en el bosque encorvado de galanteadores y conejos, cojeando invisible hacia un mar negroendrino, cuervinegro, lentinegro, columpiador de barcas pesqueras1

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Poner en escena esta “pieza radiofónica encargada por la BBC”2, estrenada en 1954 después de la muerte del poeta galés, es todo un desafío. En la obra que nos ocupa, a través de la particular escritura Dylan Thomas, para muchos el escritor y poeta más importante de la lengua inglesa del siglo XX, no encontramos una historia principal sino que son diversas y breves historias particulares -voces- que se van encastrando en un perfecto canevas a lo largo de un día cualquiera en primavera. El personaje narrador, la Primera Voz, surge entre las penumbras y se desplaza con suavidad invitándonos al silencio y a compartir el sueño de cada uno de los habitantes del pequeño pueblo de pescadores. Y así van surgiendo, después de finalizada la jornada, las distintas criaturas en un relato que podría resultar simple o podría parecer que nada pasa pero, por el contrario, es poéticamente polifónico. La mixtura de procedimientos tiene como hilo conductor la oralidad que se escurre entre los distintos espacios y la exquisita pregnancia de Ingrid Pelicori, quien con su relato nos lleva por un continuum de veinticuatro horas, atravesando las relaciones, privadas y pública, de la pequeña localidad galesa.

AQ4czeU0hWhEvZ09fvZTEl amplio espacio escénico mantiene la polifonía del texto, la precisa escenografía da cuenta de cada espacio con muy pocos elementos, mientras la “escurridiza” iluminación de forma parcial -con diferente intensidad y color- nos ancla en algún sitio preciso para que nuestra imaginación pueda resolver los límites edilicios. Al inicio, a través de los videos mapping, la noche nos sorprende -la inmensidad del mar o del bosque y la intimidad que se oculta…- y nos adentramos en la profundidad del mundo onírico que luego, con la luz del día, nos devuelve la monotonía que se pierde en la cotidianidad pueblerina. Por momentos, como en un largo travelling, recorremos a Llareggub sin prisa, con algo de parsimonia y, en otros, recordamos alguna colorida panorámica capturada por nuestra memoria en un viaje cualquiera. Estas potentes imágenes visuales están atravesadas, en un ensamble perfecto, por la excelente música en vivo y los diversos y precisos sonidos. El cuidadoso vestuario termina por cerrar cada historia mínima destacando con simpleza las singularidades. El trabajo actoral no tiene fisuras, por un lado, Luis Campos le otorga la carnadura necesaria a su Capitán Cat y, por otro, el resto del elenco con solvencia escénica se multiplica en otros personajes, ante nuestra atenta mirada, en un devenir de pequeños “retazos”, llenos de amor y desamor, de alegrías y tristezas, de juventud y ocaso,… Del texto primero, el guión radiofónico, se mantiene su matriz y se refuerza esa oralidad desde distintas perspectivas, como un prisma que nos invita a dejarnos llevar por lo onírico y la poesía para transformarnos en voyeuristas en estado de vigilia.0OQHGjoDCkuqGGs1jWNh

Ficha técnica: Bajo el bosque de leche (Under Milk Wood) de Dylan Thomas. Traducción Ingrid Pelicori (excepto canción de Polly Garter y textos de la filmación). Versión escénica: Mariano Stolkiner y Gustavo García Mendy. Elenco: Ingrid Pelicori (Primera Voz), Luis Campos (Capitán Cat), Belén Pasqualini (Rosie Probert, Lilly Smalls, Señora Dai Bread 1, Vecina, Gossamer Beynon), Picky Paino (Señorita Prince, Señora Dai Bread 2, Vecina, Niña, Geisha), Iván Espeche (Sansón, Señor Cherry Owen, Willy Nilly, Niño), Ariel Staltari (Waldo, Dai Bread, Nogood Boyo, Señor Beynon, Niño), Abril Piterbarg (Matti Richards, Niña, Señora Cherry Owen, Vecina), Alejandra Perlusky (Señora Ogmore Pritchard, Guía de turismo, Señora Organ Morgan, Polly Garter, Señora Beynon, Niña), Gustavo García Mendy (Organ Morgan, Músico), Miguel Rausch (Simbad Sailors, Niño, Músico), Martín Keledjian (Músico). [Faltan las apariciones en vídeo y voz en off]. Operadora de video: Pauli Coton. Operador de sonido: Rafael Sucheras. Coordinación de producción: Federico Lucini. Producción técnica: Matías Ledesma. Asistencia de dirección: Martín Ferreyra y Leo Méndez. Apuntadora: Cata Rivero. Asistencia de vestuario: Esmeralda Aragonés. Asistencia de escenografía: Vanessa Giraldo. Asistencia artística: Eleonora Di Bello. Música original y canciones: Gustavo García Mendy (excepto Eli Jenkins ‘Prayer. Arreglo coral: Gustavo García Mendy). Diseño y realización de video: Pauli Coton. Diseño de sonido: Rafael Sucheras. Iluminación: Julio López. Vestuario: Micaela Sleigh. Escenografía: Magali Acha. Dirección: Mariano Stolkiner y Gustavo García Mendy. Teatro San Martín: sala Cunill Cabanellas. Estreno: 28/09/2017. FIBA 2017: 6 y 7 de octubre. Duración: 110’.

2Según programa de mano