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Este es un espacio que administramos Azucena Ester Joffe y María de los Ángeles Sanz donde los artículos sobre la creación teatral en Buenos Aires es el centro de la temática. Buscamos una relación fluida con el campo teatral de todo el continente.

La pecera de Ignacio Apolo

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La pecera de Ignacio Apolo

De pronto, en el silencio, unos pasos de mujer. Se oye abrirse una puerta. Leto y Pescado se tensan, espectantes, inmóviles. Se hacen señas de silencio. Se escucha cerrar la puerta y una luz se filtra de pronto por una grieta en la pared. Pescado, sigiloso y rápido, se acerca y espía.1

la pecera caba (1)Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La textualidad de Apolo fue estrenada en 2001, repuesta un año después en los escenarios del Centro Cultural Rojas y el Espacio IFT, y durante diecisiete años ha recorrido los escenarios más diversos, dentro y fuera del país. El anterior evento a la puesta que nos ocupa, fue su participación en el Festival de Teatro en Bogotá, en su 7 edición, este año, 2018. Sin embargo, la dirección de Mauro Oteiza, le da esta vez un giro diferente al texto en escena, cuando pone dos actrices para llevar adelante los roles de Pescado y Leto, los personajes masculinos y adolescentes que guarda el relato. No lo hace variando ni la estructura ni la semántica propuesta por Apolo, sino para darle una mirada distanciada a partir de los cuerpos que no responden a lo dicho por el discurso, pero donde el deseo por uno u otro género está mixturado, sin que importe la genitalidad. En un espacio sombrío, un sótano del colegio, donde se guarda una multiplicidad de objetos, los dos muchachos con los uniformes de gimnasia del colegio, se refugian de los problemas que atraviesan, en su casa y en la institución, a soñar con la posibilidad de tener sexo con una de las profesoras, la de matemática. Del juego inocente, de la trama va surgiendo un in crescendo en la necesidad de pasar a la acción de lo imaginado, que una vez concretado a medias, va a ponerlos en el abismo de sus vidas y de su propia amistad. Las actuaciones son muy buenas, y componen sus personajes con tal acierto, que el silencio espeso de la platea sigue sus acciones suspendido en la espiral de violencia que se desata entre esos cuerpos victimarios y víctimas a la vez. El espacio es habitado en su totalidad por los personajes, que con pequeños movimientos y el juego de luces nos introducen en el afuera: el baño donde está la profesora, y su espionaje a través de un pequeño haz de luz, la escalera que los lleva a la extra escena donde se juega la vida real. Mientras en el adentro, la fuerza física y el trabajo con el cuerpo desde una violencia desmadrada, nos intimida y nos pone en estado de expectación ante un desenlace que no sabemos a dónde los llevará. leto y pescadoUn texto potente, que es llevado a la acción con la fuerza de una corporalidad que trabaja sobre sí misma y sobre el otro, para dar cuenta desde la palabra y la gestualidad del drama de vidas sin futuro, sin una posibilidad de encontrar un destino que los redima. El peso de las palabras se ve potenciado por el de las acciones, que no dan respiro ni a los espectadores ni a los personajes, que sostienen la tensión entre la hostilidad y el amor, en un equilibrio peligroso. Una puesta que logra potenciar el escenario narrado, y nos deja sin aliento.

Ficha técnica: La pecera de Ignacio Apolo. Actúan: Anabella Degásperi (Leto), Denise Labbate (Pescado). Escenografía y Diseño de luces: Nicolás Caminiti. Música: Francisco Panzini. Diseño gráfico: Juan Anfossi. Dirección: Mauro Oteiza. Teatro Del Borde. Estreno: 05/08/2018. Duración: 70’. Funciones: domingos 18 hs.

1 La Pecera de Ignacio Apolo en Dramática Latinoamericana de Teatro/CELCIT N° 28, pp 3-4. [17/08/2018] https://www.celcit.org.ar/bajar/dla/28/ 

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Mi Fiesta de Bonard/ Casella

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Mi Fiesta de Bonard/ Casella

El cuerpo es lo único que se ve, atrapado en su dimensión táctil, explorando los materiales, transitando los pasajes entre la elevación de la gracia y la disrupción disonante. (Mairal)1

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

WhatsApp-Image-2018-07-05-at-5.41.00-PMUn espacio delimitado por vasos de vidrio, un espacio vacío de humanidad hasta que el cuerpo de la mujer/ danzante ingresa desde la platea, un espacio que va tomando espesor, volumen a través de la música y el cuerpo que ingresa en ese cuadrilátero de lucha, donde la narración, el relato nos llevará a conocer una historia de sumisión sexual de una niña, de la violación de la subjetividad femenina en todos sus matices; desde la fuerza, hasta el uso -abuso de la palabra hecha ley en el psicoanálisis. Mayra Bonard mantiene en tensión su cuerpo -objeto de los otros, de la mirada y el prejuicio masculino, y nos brinda con profesionalismo el dominio de esa herramienta física en el trabajo con la contención o expansión de la energía. A partir de la música heterogénea que la acompaña, va dirigiendo su cuerpo en constante desequilibrio por el espacio, logrando sin embargo, mantenerse en los límites propuestos, con el dominio exacto de su energía corporal. Los vasos son la frontera entre el adentro y el afuera, y desde el movimiento de la danzante pasan a ser los vehículos de transporte de un cuerpo que busca encontrar su redención en la mirada del otro, pero que sólo la hallará cuando ella se haga cargo del dolor sufrido y lo exprese en él, con toda la violencia en una metafórica secuencia, donde el cuerpo es forzado y violado. Fiesta es un significante oximonórico con lo que sucede en escena; no hay fiesta porque la adolescente narrada desde sus trece años cuando relata su experiencia sexual, nos habla del deseo del otro y de la satisfacción del cuerpo masculino, a partir de una relación asimétrica entre los cuerpos y las situaciones en las que la sociedad ubica a ambos géneros. mi fiesta credito Pablo Bordenabe 2

La pregnancia escénica de Mayra Bonard nos atraviesa desde ese mismo momento en que sólo la vemos caminar de espalda. Con su andar pausado y firme, luego se convertirá en un texto-cuerpo resignificándose, constantemente, según la propia experiencia del espectador. Los elemento que utiliza son de uso cotidiano -una soga, el papel film, un cuchillo, las frutas,…- pero la intensidad, seguridad y organicidad de sus movimientos dan cuenta de una territorialidad adquirida. La precisa iluminación, oculta y devela, subraya las diferentes texturas y ritmos, las acciones y las pausas. Así en cada escena se generan fuerzas en el encuentro entre la intérprete y cada uno de nosotros. Una narrativa coreografía que se expande con la vulnerabilidad de lo vivido y, a su vez, rompe los límites, nos atrae y nos repele, nos provoca y nos sensibiliza. Una mirada inteligente y profusa que nos devuelve la “voz” de la corporeidad femenina. Bonard/ Casella/ Mairal son como las caras de un prisma que no sólo reflejan la luz sino que la dispersan en este devenir de un “cuerpo abierto” que se construye in situ a partir de nuestra memoria individual y colectiva.

Ficha técnica: Mi Fiesta sobre relatos de Mayra Bonard. Idea Inicial/ Performer: Mayra Bonard. Dirección: Carlos Casella. Textos: Pedro Mairal. Música: Diego Vainer. Luz: Matías Sendón. Espacio: Bonard, Casella, Sendón. Vestuario: Cecilia Allassia. Producción ejecutiva: Marlene Nordlinger. Asistencia de dirección: Cintia Dattoli y Agustina Annan. Diseño de imagen gráfica: Pablo Bordenabe. Fotos: Robert Bonomo. Dirección artística: Mayra Bonard y Carlos Casella. El Cultural San Martín: sala 3. Estreno: 13/07/2018. Duración: 60’. Funciones: viernes y sábados 21hs, domingos 19 hs (viernes día popular).

1 Según programa de mano

Las encadenadas de Juan Mako

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Las encadenadas de Juan Mako

Un thiller con memoria colectiva

LAS ENCADENADAS (19)María de los Ángeles Sanz

Las encadenadas es una laguna que se encuentra a 100km de Bahía Blanca, y podríamos pensar que el título de la puesta nos conduce a ese espacio geográfico, pero la textualidad de Juan Mako propone otra lectura: encadenadas a una situación policial sin quererlo como protagonistas impensadas de un crimen que no cometieron, las dos compañeras de trabajo, Graciela y Esther están ligadas como eslabones de una cadena de circunstancias que van tejiendo la tragedia. Una tragedia que comenzó treinta años antes cuando el pueblo fue tapado por la inundacióni, y todo aquél desastre es otra pieza de la cadena que da lugar a la situación que enuncia el título. Los personajes, no pueden liberarse de esa memoria que guardan, ni de los sentimientos que ese recuerdo les produce. Presencias de un trabajo muy particular, las dos están en el crematorio del pueblo, una maneja el horno, mientras la otra, cuida de la prolijidad de las cenizas que rescatan y lleva los libros con la información necesaria para que todo lo que ocurre en el lugar sea legal. Mako desde la dirección lleva la obra a dejar establecida la diferencia entre una y otra en la forma de pensar y de aceptar el pasado, y las dos actrices Mónica Driollet como Graciela y Cecile Cillòn como Esther, cumplen con talento y eficacia en dejar establecida esa contradicción que se establece en las miradas de ambas sobre los mismos sucesos. En un espacio ocupado por el crematorio, la mesa de inspección y un fondo oscuro donde el afuera instala su presencia, las acciones se suceden con buen ritmo, manteniendo a partir de diálogos cotidianos la intriga de aquello que sospechamos podría suceder a partir de una llamada de teléfono que desestabilizará el orden y el curso de la historia. El tercer personaje, Arizmendi, llevado a escena en este caso por Claudio Depirro, hasta ese momento sólo una referencia necesaria, se hace presente en escena y todo entonces toma un giro inesperado. De la anécdota y el costumbrismo de un pueblo de provincia, el relato se transforma en un policial que habla de aquello que no se olvida, y nos advierte que cuando no se curan las heridas, las consecuencias pueden ser una catástrofe. Ni Esther ni Arizmendi están dispuestos a olvidar la tragedia, ni quienes la produjeron, pero el silencio y la conformidad de los otros hace que guarden en sì un ansia de justicia que clama desde las vísceras. La violencia de la negación de la responsabilidad de quienes acabaron con la vida del pueblo, provoca la furia de las víctimas que busca como un cauce desbocado el momento azaroso de lograr justicia. El tejido de la trama textual es entonces la mixtura entre la historia, el gènero policial, y el realismo, que logra una pieza con una sintaxis sin desbordes, donde la muy buena dirección y las talentosas actuaciones hacen un relato sin fisuras. LAS ENCADENADAS (20)

Ficha técnica: Las encadenadas de Juan Mako. Elenco: Mónica Driollet, Cecile Caillòn, Claudio Depirro, Torben. Escenografía: Sol Soto. Vestuario y caracterización: Paola Delgado. Iluminación: Alejandro Le Roux. Diseño sonoro: El pájaro Films. Asistencia artística: Tobías Cortés. Supervisión dramática: Gabriel Fernández Chapo. Producción: Otra / Producciones escénicas. Dirección: Juan Mako. Abasto Social Club. Estreno agosto 2018. Duración: 70 minutos.

i La misma se encuentra inspirada y con claras referencias a la “tragedia” acontecida en el pueblo turístico en ruinas llamado Villa Epecuén, ubicado en el partido de Adolfo Alsina en la provincia de Buenos Aires en el límite con La Pampa. Dicho pueblo quedó sumergido bajo el agua en el año 85 producto de una inundación producida por la creciente del lago Epecuén (Uno de los 6 lagos que componen el sistema de lagunas “Las Encadenadas del Oeste”), teniendo sus habitantes que someterse a una evacuación total y quedando el pueblo así desde aquel entonces deshabitado. (Información extraída de la gacetilla)

 

La vida extraordinaria de Mariano Tenconi Blanco

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La vida extraordinaria de Mariano Tenconi Blanco

La vida de estas dos mujeres es una vida tan inmensa y tan baldía como cualquier otra. Sin embargo, Aurora Cruz y Blanca Fierro tienen un milagro secreto: la literatura. Ellas son poetas pero son, antes que nada, lectoras. Con la amistad más famosa de la literatura argentina como telón de fondo, la de Fierro y Cruz en el Martín Fierro, La vida extraordinaria es un catálogo de homenajes.(Tenconi Blanco)1

000183490Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Como el propio Tenconi Blanco enuncia hay entre las dos mujeres una amistad literaria que les da marco, una amistad famosa y constitutiva de un género: la gauchesca. La amistad entre Fierro y Cruz, excede lo común y marca a fuego la lealtad entre pares, hombres. Para el gaucho, su amigo es mucho más importante que el amor, porque la amistad que se siente es también una forma del amor. El dramaturgo, en estos tiempos de reivindicación de la subjetividad femenina, pone en primer plano los lazos de esa amistad, pero invierte los términos, y los hombres pasan a ser, objetos de deseo, que van y vienen, según las circunstancias, pero donde lo inalterable, en paralelo con el carácter extraordinario de la vida, es la lealtad entre pares femeninos, lo que hoy la teoría llama: sororidad. Entre el principio y el fin, entre el Bing y Bang y el apocalipsis, la vida, ese concepto universal, que es la reproducción al infinito de nuestra propia experiencia, y la de todo ser vivo. La literatura, una de las formas de vivir en otro lugar que no es lo cotidiano, una manera de escapar o encontrarse, y una transgresión que a la mujer le costó un largo camino hacia encontrar por fin un su lugar. Leer y escribir dos maneras del pensamiento que nos fue negado por siglos. Escribir una manera de expandirnos en el mundo. Sin embargo, en la dramaturgia no aparece como un logro de género, ya que aquello que se escribe sigue siendo del orden de lo privado: poesía, un diario, cartas, para hablar y hablarse de un mundo también femenino desde el imaginario patriarcal: el amor, el sexo, los hijos. En ese universo prefijado, la amistad femenina es un camino a la transgresión, y el límite de la libertad. En un espacio donde la música está absolutamente presente, con los músicos en escena, la mirada se pierde hacia el fondo de escena en una pantalla que acompaña con imágenes el relato de la voz en off, y donde bancos y cubos de madera cumplen diferentes funciones, las actrices construyen desde el cuerpo y la gestualidad, más allá de las palabras, con talento a sus personajes. Thelma y Louise del sur de la Argentina, en la cruda geografía de Ushuaia, ellas llevaran al extremo su propio deseo, ajenas a un destino que las trae y las lleva, mientras cae la nieve.38001473_1964780473573623_5139631889602052096_n

Por casualidad o por esas cosas del destino las iniciales de ambas actrices contienen las mismas letras, Valeria Lois y Lorena Vega; la amistad entre ellas le otorga una química especial a sus criaturas. Como la protagonista de La rosa púrpura del Cairo2, en algunos momentos, Aurora Cruz y Blanca Fierro parecen emerger de un tiempo literario, no cronológico, entre los recuerdos y las cartas. En tanto, la narradora omnipresente (Cecilia Roth) las habilita entrar y salir de los dos personajes femeninos para darle la voz a aquellos otros tan cotidianos como la vida misma. Por su pregnancia escénica VL y LV nos atraviesan en las escenas compartidas o en los monólogos con una intensidad poco habitual. Y le ponen “el cuerpo” con la ductilidad que requiere el texto primero, porque son como las dos caras de la misma moneda: “la vida es una y la misma”. El ritmo sostenido desde su inicio, el humor y el drama, la fresca inocencia de niñas y la tristeza adulta por las pérdidas, nos propone un recorrido con diferentes trazos y texturas que pone en juego nuestros afectos, experiencias y pequeñas revanchas que le damos a la vida. Mariano Tenconi Blanco nos sugiere de manera poética que dejemos aflorar a los recuerdos como en esa primera carta:

Buenos Aires, 22 de Abril

Querida Blanca,

[…] ¿Vos seguís escribiendo? Yo conservo nuestros dos primeros poemas, uno que te envié yo y tu respuesta. El que te envié yo seguro también lo conservarás vos, espero. Te los transcribo.

El mío decía:

Te quiero dar la bienvenida.

Ya no estoy sola en la vida.

Nunca nada nos podrá dividir.

Querida Blanca gracias por existir.

Y el tuyo decía:

Quien coseche lo siembre

de Enero a Diciembre

como piojo y liendre

Amigas para siempre. (13)

Ficha técnica: La vida extraordinaria de Mariano Tenconi Blanco. Elenco: Valeria Lois (Aurora Cruz), Lorena Vega (Blanca Fierro). Vos en off: Cecilia Roth. Músicos en escena: Elena Buchbinder, Ian Shifres. Producción: Yamila Rabinovich. Asistencia de dirección: Ana Calvo. Coreografía: Jazmín Titiunik. Diseño Audiovisual: Agustina San Martín. Música original y dirección musical: Ian Shifres. Iluminación: Matías Sendón. Vestuario: Magda Banach. Escenografía: Ariel Vaccaro. Dirección: Mariano Tenconi Blanco. Teatro Cervantes: Orestes Caviglia. Estreno: 02/08/2018. Duración: 120’. Funciones: jueves, viernes, sábado y domingo 21 hs.

Bibliografía

Tenconi Blanco, M. (2017). “La vida extraordinaria” en Teatro/18. Concurso Nacional de Obras de Teatro. (pp. 4-80). Buenos Aires: Inteatro.

1Según programa de mano

2 Película escrita y dirigida por Woody Allen (1985)

Cruel (Basada en la tragedia de Ricardo III) de Marcelo Savignone

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Cruel (Basada en la tragedia de Ricardo III) de Marcelo Savignone

Me interesa profundamente hablar del poder como un lugar donde habitamos y padecemos, donde nuestra vida se consume y la codicia es el símbolo de la existencia. (M. Savignone)1

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

3 Cruel Ph Cristian HolzmannShakespeare es la eterna tentación para el campo teatral porque sus temas y el desarrollo de sus personajes no tienen fecha de vencimiento. Las personalidades que se configuran en su teatro, las tensiones que enfrentan, los sentimientos que expresan hablan de todos y cada uno, ahora y siempre. Por eso, elegir en este momento Ricardo III no es casualidad, sino una lamentable causalidad. La obra que pertenece a la tetralogía2 sobre la historia de Inglaterra, es la más larga luego de Hamlet, Savignone obtiene con precisión, profundizar con claridad la semántica de la textualidad shakesperiana en la elección de las escenas fundamentales de la obra, dejando de lado todas aquellas, que si bien conforman el universo de Ricardo III, no son necesarias para mostrar de modo cabal su pérfida y maquiavélica personalidad. Una síntesis que permite una enunciación concentrada del original, y logra un ritmo intenso que no decae en ningún momento. En un espacio despojado donde solo una mesa pesada de madera funciona en su movilidad para concretar espacios, como corresponde, construidos en su mayoría desde la palabra; los personajes desarrollan sus intereses, sus rencores, sus odios, pero sobre todo la gran ambición del poder que los envuelve como una nube sobre sus cabezas. El actor / director compone un Ricardo III que juega con los matices de una subjetividad múltiple, que encierra en su rencor y resentimiento el fuego para concretar su venganza, es decir, para hacerle pagar a la naturaleza y a sus progenitores el cuerpo deforme que contiene su alma. Todo el mundo contra él, y Ricardo contra todos, en una tela maquiavélica que se teje con su fuerza y con la debilidad de sus potenciales enemigos. Un clima de sombras, que se extiende por la escena, en el espacio y en los cuerpos desde un vestuario, negro, símbolo de la tragedia que se suma en cada crimen, en cada engaño, en la constatación de la traición permanente que el personaje ejerce sobre todos. Una puesta que pone en acto el pasado y el presente, con el hilo conductor del cuerpo del actor, en su Ricardo III, que lleva adelante la intriga y arrastra tras de sí el destino de todos y cada uno de los integrantes de esa dinastía trágica. Cualquier contacto con la realidad, la culpa es de Shakespeare. 4 Cruel Ph Cristian Holzmann

Ficha técnica: Cruel (Basada en la tragedia de Ricardo III) de Marcelo Savignone. Adaptación: Patricio Orozco y Marcelo Savignone. Actúan: Marcelo Savignone (Ricardo) Sergio Berón (Conde de Rivers y Asesino II) Luciano Cohen (Lord Hastings) Agostina Degasperi (Brakenbury y Asesino I) Andrea Guerrieri (Isabel) Marta Rial (Margarita) Mercedes Carbonella (Duquesa) Belén Santos (Lady Ana y Príncipe) Pedro Risi (Jorge, Eduardo y Catesby) Víctor Malagrino (Duque de Buckingham). Realización de máscaras: Alfredo Iriarte. Realización de objetos: Cristian Cabrera. Asistencia de dirección: Chusa Blázquez y Antonela Scattolini Rossi. Colaboración artística: María Florencia Álvarez, Gabriela Guastavino. Vestuario: Mercedes Colombo. Iluminación: Ignacio Riveros. Escenografía: Gonzalo Córdoba Estevez. Música original: Sergio Bulgakov. Fotos: Cristian Holzmann. Diseño gráfico: ED. Social Media & Video: Rakia Comunicación. Prensa: Marisol Cambre. Concepción y dirección: Marcelo Savignone. Centro Cultural Recoleta: La Capilla. Estreno: 07/08/2018. Duración: 75’. Funciones: sábados 21 hs.

1 Según programa de mano

2 La tetralogía entera fue compuesta al inicio de la carrera de Shakespeare: la fecha más probable de su escritura se sitúa entre 1591 y 1592.

 

 

Rodando de Alejandro Acobino y Germán Rodríguez

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Rodando de Alejandro Acobino y Germán Rodríguez

Un tiempo que no nos pertenece, pausas que tienen otro valor

000028683Azucena Ester Joffe

Sobre la co-escritura dramática y la escénica de este interesante unipersonal, comentó Alejandro Acobino que fue el resultado: “de un proceso muy divertido, un trabajo experimental de prueba y error en el que indefectiblemente quedó una gran cantidad de textos en el camino […] toda está búsqueda se convirtió en algo así como un procedimiento”. (Jacobs, 2011:28)

Rodando se ha presentando en distintos espacios teatrales y en esta oportunidad, durante el mes de julio, la sala Redonda del C. C. 25 de Mayo fue el marco perfecto, con sus columnas conteniendo al espacio lúdico y a una puesta en escena que tiene una fuerte impronta fílmica. La precisa iluminación posee un protagonismo vital porque define el espacio íntimo en el que se materializan el narrador, el protagonista, los personajes principales (Mina, la ciclista que se dirige a Santa Rita, y Teo, el conductor del Torino) y los secundarios de un guión dicho en voz alta. Imágenes auditivas que dan cuenta que rodar puede ser lo más fácil o lo más complicado…”1 Una road movie que nos lleva por un recorrido sinuoso, poético e inteligente con momentos de cierto humor e ironía. Una textualidad que se hace carne en el cuerpo del intérprete, pues cada palabra y cada silencio tiene su preciso tiempo. No hay acción, sólo es un relato descriptivo e inquietante, que nos atrapa desde su inicio permitiendo, a la vez, que nuestra imaginación se haga cargo, por ejemplo, de los carteles verdes con letras blancas, del camino de ripio, del póster en la gomería,… Un hombre cuya silla de ruedas parece ser la prolongación de su cuerpo, con sus piernas tullidas y sus botas texanas. Germán Rodríguez, entre algún cigarrillo y varias elipses, tiene los tonos e inflexiones de voz que requiere esta narrativa casi coreográfica, con solidez y ductilidad expresiva nos arrastra a seguir este guión imaginario, de un primer plano o de un largo travelling. La precisión en cada detalle a la hora de “filmar” va creando los distintos climas con la sensación de estar también nosotros buscando una locación o de tener la urgencia de pedalear sin parar. Esa figura en penumbras del comienzo, pronto se transforma en las distintas voces que la atraviesan y, a su vez, nosotros expectantes, somos atravesados por ellas. Y por momentos, mediante un control remoto, escuchamos algo de música como única compañía de ruta. Focalizamos nuestra mirada en un saber que sólo lo tiene ese narrador omnipresente que se escurre como agua entre los dedos. Decir que es un hecho teatral sin fisuras puede parecer redundante, pero sólo fue posible gracias al compromiso y talento de la dupla Acobino2 / Rodríguez.rodando

Ficha técnica: Rodando de Alejandro Acobino y Germán Rodríguez. Intérprete: Germán Rodríguez. Colaboración Artística: José Mehrez. Diseño de iluminación: Sergio Cucchiara. Escenografía y vestuario: José Mehrez, Alejandro Acobino. Fotografía: Silvana Rodríguez. Prensa: Caro Alfonso. Dirección: Alejandro Acobino. Centro Cultural 25 de Mayo: sala Redonda. Ciclo Redonda Independiente. Duración: 60’. Funciones: sábados de julio de 2018.

Bibliografía:

Jacobs, D. (2011. Año XI, N.º 27, Enero / Abril). “Conversación con Alejandro Acobino. ¿Hacia un teatro imposible?” En Picadero del INT: 27-30.

1Según programa de mano.

2Alejandro Acobino (1969-2011) nos dejó cuatro obras estrenadas y dos obras inéditas.

Dos en la multitud. Débora Infante – Juano Villafañe

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Dos en la multitud. Débora Infante – Juano Villafañe

Recital poético y presentación del CD 17 Cicatrices y del libro Públicos y Privados

unnamedAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La palabra y la poesía, la música y la poesía, juntas las dos armonías la del verso y la de los instrumentos en escena es lo que ofrecen a un espectador atento y conmovido en la sala Solidaridad, Débora Infante y Juano Villafañe. La voz del poeta primero, dejando que sus versos sean compartidos por todos y la voz y su color impresionante en la intérprete, nos llevan por un camino de ensoñación. Él de riguroso negro, ella también pero con un vestido bordado lleno de color y vuelo, como una mariposa de la noche que nos dejara el perfume de su canto. Los músicos en escena llenaban el espacio que delimitado por la iluminación, nos presentaba el ritual del protagonismo cada vez que uno u otro tomaban el micrófono para deleitarnos con un mundo subjetivo, que al mismo tiempo, desde su individualidad nos interpelaba. Las poesías de Públicos y Privados, de Juano Villafañe, en la voz de la cantante tomaban una carnadura diferente, aquella que le proporcionaba la calidez de una forma de expresión maravillosa. A los versos del poeta se sumaron los de la propia Infante, quien conmueve con el mundo que nos propone desde la infancia hasta la edad del amor, y del balance, como en 17 Cicatrices. La música a los versos de Villafañe también es de Infante; y entonces el enlace entre uno y otro es un encaje de relojería. Una entrega entre los dos intérpretes que logran un clima de tiempo suspendido, un tiempo que les es propio pero que nos permite ingresar en el nuestro para viajar hacia atrás o hacia adelante, y pensar nuestra experiencia de vida entre el amor y el fracaso del amor, entre la esperanza y la desazón, siempre con la calidez de la palabra poética y sus imágenes poderosas.

Ficha técnica: Dos en la multitud. Producción artística: Débora Infante – Juano Villafañe. Producción musical: Débora Infante y Hugo Dellamea. Dirección musical: Hugo Dellamea. Músicos: Hugo Dellamea (guitarra), Ariel Sánchez (percusión), Fernando Botti (contrabajo), Chungo Roy (piano). Fotografía: Javier Fuentes. Vestuario: Elena Faranda. Prensa: Claudia Cacchione. Comunicación: Juan Yacar. Comunicación visual – CCC: Claudio Medin. Técnicos: Horacio Novelle, Darío De los Santos, Matías Noval, Carla Giovanini. Centro Cultural de la Cooperación: Solidaridad. Duración: 60’. Presentación: 31/07/2018.

 

Petróleo con el Grupo Piel de Lava

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Petróleo con el Grupo Piel de Lava

Arriba, el tiempo libre se cubre de polvo, de mitos oscuros de la zona, de desafíos físicos. Abajo, la piedra se fractura para extraer la última gota, lo poco que queda.1

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Dh8rQpLWkAE7KcGPiel de Lava es el grupo de teatro integrado por actrices talentosas que ponen en acto: palabra y cuerpo, temáticas que involucran el contexto a la vez que desarrollan una situación particular. En el teatro Sarmiento, se lleva adelante la puesta Petróleo, su quinto trabajo, que pone en crisis las relaciones machistas de cuatro obreros del sur patagónico, en una boca de extracción de oro negro, mientras nos relata la situación injusta del trato que reciben por la patronal, y el recuerdo fantasmal de la lucha anarquista que retorna cada tanto para que no se olvide la historia, para que la memoria siga latente. Una escenografía -artefacto móvil, que despliega en su interior tres espacios delimitados y conformados con los objetos necesarios: un dormitorio común, tres cuchetas; una cocina comedor y un baño. Afuera un generador de energía, que mantiene todo eso en las condiciones indispensables para la vida que asegure la continuidad del trabajo. La historia se teje en un principio con la imagen oscura de la noche patagónica y los obreros manejando los elementos que logran la extracción, todo es como el petróleo que le da nombre a la pieza: los overoles, los cascos y los cuerpos cubiertos por ellos se nos aparecen en esa oscuridad que significa un territorio inhóspito y desolado. En oposición la luz y el brillo dentro de los espacios individuales; adentro el calor, afuera el gélido paisaje del sur, sus sonidos, el de la extracción y el del recuerdo de la lucha pasada. Lo particular y su historia, y en el engranaje con lo general, con las decisiones de los dueños de la tierra. Con humor escatológico por momentos, el relato va cruzando las individualidades de cada uno de los personajes, que hacen una encrucijada entre sus particulares historias de vida y la importancia de un trabajo que es signo de la explotación y a la vez una marca de distinción, no es para cualquiera.OWogE9KujmsGlfwg4MEy

La presente temporada del CTBA nos permitió desde abril, siempre en el Sarmiento, disfrutar de la Retrospectiva –Colores verdaderos (2003), Neblina (2006), Tren (2010) y Museo (2014)- y del Workshop -ocho encuentros- de este por demás interesante Grupo, cuyos dos ejes constructivos son la investigación y la improvisación. Un desafío que renuevan constantemente desde su formación, por el 2003. Las cuatro jóvenes intérpretes escriben, actúan y dirigen en el Grupo, manteniendo cada una su individualidad y su carrera artística. Una vez más, en Petróleo, nos sorprenden en la construcción de este particular universo empetrolado y habitado por la masculinidad: El Palla, El Formo, El Cari y Montoya. Trabajadores curtidos y queribles, acostumbrados a la soledad de la estepa, al frío y al viento, que nos atrapan más allá de la caracterización y con la especial energía centrípeta nos sumergen en la ficción. Con la impronta que las caracteriza nos hicieron atravesar el excelente relato. Obviamente, el público aplaudió de pie a las Piel de lava y al equipo de profesionales / técnicos que intervienen en este sólido y vital hecho teatral. Q3ZwRQnPqXI9GPyOZmrU

Ficha técnica: Petróleo con el Grupo Piel de Lava. Elenco: Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa, Laura Paredes. Coordinación de producción (CTBA): Mariana Mitre. Producción técnica (CTBA): Claudio Del Bianco. Asistencia de dirección (CTBA): Fabián Barbosa, Sofía Palomino, Daniela Sitnisky. Meritorio de vestuario: Daniela Dell Acqua. Asistencia de vestuario: Estefanía Bonessa. Asesoramiento artístico y entrenamiento corporal: Andrés Molina. Música y diseño de sonido: Zypce. Iluminación: Matías Sendón. Vestuario: Gabriela A. Fernández. Escenografía: Rodrigo González Garillo. Dramaturgia y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández. Teatro Sarmiento. Estreno: 26/07/2018. Duración: 80’. Funciones: de jueves a sábados a las 21 hs y domingos a las 20 has. (jueves día popular)

1 Según programa de mano.

 

El mundo es más fuerte que yo de Juan Coulasso y Victoria Roland

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El mundo es más fuerte que yo de Juan Coulasso y Victoria Roland

Nada es tan real como la ficción…nada precisa tanto de la ficción para tener sentido como la propia realidad. (Roman Polanski)

USAR ESTA - poner que la sacó Nora Lezano - El mundo es mas fuerte que yo - CoulassoAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La convención nos dice que el teatro es ficción, pero en el instante que la representación ocurre es un tiempo real, que comparte el escenario y la platea, y formará parte de ambos en la historia de sus vidas. Relatos, estamos construidos por relatos, nuestra subjetividad es una suma de historias que se condensan en una sola línea de tiempo nuestra vida. El teatro y la verdad, lo real y el teatro, la ficción. Para construir una nueva manera de pensar el teatro lo primero es deconstruir la tradición que le dio origen, de la tragedia al drama moderno, la ruptura de todos los procedimientos que la convención teatral nos propone son derribados por la puesta del grupo que utiliza la performance para dar cuenta de los entretelones del trabajo teatral. El concepto de personaje, la escenografía destartalada aunque guardando el recuerdo del espacio living, la relación con el espectador, la música que impide escuchar los diálogos en vez de servirle de marco, o resaltar su semántica, el vestuario, la localización de actores, director y público, hacen que toda la propuesta contenga una fuerza diferente, no carente de humor, que propone un trabajo de reflexión sobre lo real concreto y la ficción y sobre el rol que juega el teatro como disciplina artística en la representación de la realidad cotidiana, por ejemplo, una reunión de ensayo, o una experiencia sísmica al otro lado de la cordillera. El realismo y su afán de reflejar un referente que lo excede, es puesto de cabeza por el trabajo actoral y por una temporalidad que destruye todo orden y la supuesta lógica que se requiere. Desde la entrada hacia una escena donde la preparación de la misma cuenta con la participación de todos, hasta el monólogo de la actriz / personaje, que cruza su verdad profesional con la verdad literaria de las mujeres que interpreta, Ifigenia o la mujer que sufre un desastre natural, su propuesta apela a la empatía de un espectador que sigue el curso de las palabras y se involucra, ¿se involucra? La duda siempre está presente en torno a lo que sucede delante de nuestros ojos. Desde un teatro en los márgenes del centro del campo, Chacarita, la necesaria interrogación sobre el metier, sobre lo que los artistas se proponen, lo que el espectador espera encontrar en la propuesta, y aquello que los críticos, con nuestro propio parámetro analizamos, es puesta en abismo, desde interrogantes que no hayan respuesta, sino por el contrario que proponen nuevas preguntas, para ingresar en el campo teatral un aire de búsqueda sin certezas sobre las cuestiones que siempre nos atraviesan. 000158704

El mundo es más fuerte que yo es provocativamente una experiencia distinta y atrapante que, quizá, puede incomodar al espectador desprevenido. Una performance perturbadora, donde el perfecto encastre entre la iluminación, la música -la bateria y la caja- y los sonidos, acordes a la situación escénica, nos atraviesa con un ritmo sostenido y arrollador. Imposible no destacar a Victoria Roland, quien no construye personajes sino acontecimientos difíciles de controlar dentro de esa impronta que nos coloca en el inexplicable límite de las categorías preestablecidas. Un acto creativo que nos cuestiona y nos sacude desde su inicio, por lo tanto necesario ante tanto teatro pochoclero.

Ficha técnica: El mundo es más fuerte que yo de Juan Coulasso y Victoria Roland. Según el reverso del programa de mano: “Victoria Roland actúa la presentación… Matias Coulasso actúa de baterista… Flor Sánchez Elia actúa de asistente en vivo… Nadia Lozano y Marina Ollari son las asistentes de dirección reales. Además Nadia hizo el video y los trailers. Bárbara Togandera asesoró artística y musicalmente… Carmen Pereiro Numer asesoró coreograficamente… Endi Ruiz realizó la dirección de arte… Nora Lezano sacó las fotos… Matías Sendón diseño la luz… Juan Coulasso estará dirigiendo esto hasta el final pero la obra no es ni será nunca de nadie.” Rosetti Espacio Cultural. Duración: 80’. Funciones: sábados 18.30 hs.

La memoria fría de Martín Goycoechea

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La memoria fría de Martín Goycoechea

Por no querer olvidar, dudo de la veracidad de mis recuerdos1

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

unnamedDos parejas parecen ser testigos involuntarios de una tragedia, un accidente o un crimen. Ante la desazón que les produce la incertidumbre de los hechos, todo lo guardado de las relaciones se expone con una alta densidad de violencia, física y verbal, y un lenguaje escatológico que no se niega ninguna posibilidad de herir al otro. De las medias palabras a la verborragia desatada, los personajes nos van arrojando sus miserias, y el estado de indefensión en que se encuentran en esa circunstancia particular, y en lo general en el resto de sus vidas. Los hombres que aparecen con una debilidad mayor que sus parejas mujeres, quienes llevan la voz cantante de los sucesos, y que guardan un rencor y una imposibilidad de darse al otro. En una el único deseo es ser madre, sin importarle nada la necesidad de su pareja, y la otra confiesa que no lo ama, y que no sabe que es ese sentimiento en realidad. Una configuración de la subjetividad femenina, egoísta, egocéntrica, que sería la causa de la violencia que luego se insinúa se desatará al final. Una mirada que ubica al sujeto femenino en una posición de victima que busca la mano ejecutora de su victimario en cada una de las acciones, tanto físicas como verbales que asumen. En un espacio inhóspito, desolado, una casa en el medio de la nada, un paisaje de accidente, que es la secuencia de una fuga de los cuatro por motivos particulares y diferentes, la escenografía guarda la dualidad adentro, afuera, pero sin que lo que sucede extraescena tenga trascendencia para el desarrollo de la intriga. Las actuaciones son buenas, y logran el clima de tensión que la textualidad se propone, dejando establecida la dicotomía entre hombres y mujeres, y sus relaciones con el presente y el pasado de sus vidas. Una intriga entre policial y de ciencia ficción, que es además cuestionada por uno de los personajes, como estructura del relato, volviendo la escritura sobre sí misma. La mixtura de géneros, o el trasvasamiento de un género en otro es una habitualidad en un tiempo teatral que descree de los procedimientos identificatorios excluyentes, y que se propone renovar el tejido textual a partir de la mirada oblicua desde la perspectiva de un realismo que incluya el suspenso, o la intriga ligada a lo escatológico y criminal. La puesta lleva ambas condiciones con acierto y mantiene la expectación del público hasta el final. unnamed2

Ficha técnica: La memoria fría de Martín Goycoechea. Elenco: Ideth Enright, Luz Quinn, Guillermo Flores, Manuel Reyes Montes. Diseño de iluminación: Ricardo Sica. Diseño y realización escenográfica: Ariel Vaccaro. Prensa: Carolina Alfonso. Asistencia de dirección: Celeste Veleda. Dirección: Martín Goycoechea. Abasto Social Club. Estreno; 14/07/2018. Duración: 50’. Funciones: sábados 20.30 hs.

1 Según gacetilla de Prensa