Archivo de la categoría: Teatro y Sociedad

Eléctrico Carlos Marx. Teatro, ensayo y aproximación de Manuel Santos Iñurrieta

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Eléctrico Carlos Marx. Teatro, ensayo y aproximación de Manuel Santos Iñurrieta

Por Los Internacionales Teatro Ensamble

20180521_104759War is over!

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Una sala que se adecua tras la colocación de un lienzo traslúcido como pantalla, no en el fondo del escenario sino como límite entre el espectador y la acción. El cuerpo del actor detrás de ella, nos interpela desde una escenografía que contiene un perchero que guarda el vestuario que va a acompañar su fluido y profuso relato, una serie de banquitos, una pequeña guitarra roja, objetos y símbolos de una revolución que necesita ser revisada. El actor se introduce en el cuerpo y el pensamiento de Carl Marx, el actor se declara un payaso, que busca esclarecer la palabra del economista y filósofo más famoso de los últimos tiempos, y para ello le pone el cuerpo y la voz a la escena. Marx y el presente, Marx y la tecnología que solemos frecuentar, su teoría y la lectura de la misma a partir del Twiter, el WhatsApp, el Facebook. En el medio de la presencia y en relación con ella, el rock, la música, y las figuras rebeldes de los sesenta: Los Rolling Stones. Dos personajes más aparecen haciendo pequeñas intervenciones: Atilio Borón, un singular taxista que mantiene un sabroso diálogo con el viejo Marx, y Raúl Serrano que propone la discusión estética, y la dialéctica del escenario. La dialéctica, viejo término que se renueva ante cada crisis mundial, concepto que se dio por muerto allá en los noventa, tras la caída del muro, y que sigue vivito y coleando por todos los rincones, y por las ya casi intransitables rutas de nuestro país. La lucha de clases, la dicotomía entre pobres y ricos, entre el capitalismo y el socialismo, que propone una nueva manera de relación pero que para ser sinceros, cada tanto, y contexto histórico mediante, necesita ser revisada. El actor toma para sí el desafío de ser uno de los personajes más admirado y más vilipendiado de la historia; creador de una teoría económica que luego daría lugar a más de una revolución, pero sobre todo a una, la Revolución Rusa de 1917, que cumplió ya sus primeros cien años. A partir de ahí, a fines del siglo pasado, y el comienzo de éste, la caída del muro, la de las torres gemelas y una nueva definición sobre la historia y su presencia, y el avance de una post – modernidad que suma los avances tecnológicos en materia de comunicación, y el avance de una verdad construida desde la mirada subjetiva, sin recurrir a los hechos, sino a los sentimientos y sensaciones de quien enuncia, la post- verdad, la figura de Marx debe ser traída a nuestra presencia desde la escena para con humor, a través de la parodia, mezcla de admiración e ironía, nos deje a los potenciales espectadores más dudas que certezas, como corresponde a nuestro tiempo, pero la posibilidad una vez más de comprender que el arte, el teatral, es una herramienta posible y necesaria, potencial arma de develamiento siempre lista para despertar conciencias, manipuladas desde otras formas de interacción lingüística. Una vez fuera de personaje, la verdad escénica, las figuras de Claudio Gallardou, y Diego Maroevic, y el diálogo con lo hecho, con el acto en sí. 000177558

Un acontecimiento teatral con mucho de humor e ironía, y, a la vez, profundo e inteligente que lleva adelante Manuel Santos Iñurrieta1. Hablar de su ductilidad y de su potencia actoral podría parecer redundante pero en este unipersonal convoca de manera perfecta a los distintos personajes, “padres”, reales y ficticios, de nuestra realidad y de nuestra historia. Santos Iñurrieta le otorga un ritmo especial a cada escena, a veces más intenso y en otras no tanto, que mantiene al espectador atrapado en una vorágine que se construye ante nuestra atenta mirada. A partir de su “payaso de valija” el dramaturgo, quien primero se considera actor, actualiza los escritos de Marx como si recobraran vida de una biblioteca cualquiera, y con la inmediatez de las redes sociales ese pasado se convierte en presente. El excéntrico vestuario acorde a la propuesta y la precisa iluminación, que se desplaza por distintos espacios y tiempos, terminan por crear el clima que requiere cada situación entre la comicidad y la teoría, entre la construcción del artificio y El Capital. Un continuum escénico atravesado por el teatro y por la praxis. Un hecho teatral vertiginoso, interesantemente brechtiano, que nos interpela desde su inicio. 000177557

Ficha técnica: Eléctrico Carlos Marx. Teatro, ensayo y aproximación. Por Los Internacionales Teatro Ensamble. Texto y actuación: Manuel Santos Iñurrieta. Asistencia técnica general: Marina García – Diego Maroevic. Diseño gráfico y audiovisual: María Eugenia Summa. Escenografía y utilería: Diego Maroevic. Vestuario: Marina García: Peluca y Pato: Alejandra y María Alonso. Música: Pablo De Caro. Fotografía: Agustina Haurigot. Sonido: Daniel Alvarenga. Iluminación: Horacio Novelle. Prensa: Débora Lachter. Comunicación visual-CCC: Claudio Medin. Participación en video: Raúl Serrano, Atilio Borón, Claudio Gallardou, Diego Maroevic. (Engels) Dirección General: Manuel Santos Iñurrieta y Los Internacionales Teatro Ensamble. Centro Cultural de la Cooperación: González Tuñón. Estreno: 12/05/2018. Duración: 60’. Funciones: sábados 22:30 hs.

1 Manuel Santos Iñurrieta dirigió durante 17 años a El Bachín Teatro y en la actualidad a Los Internacionales Teatro Ensamble, con otra obra en la cartelera porteña: Buenos Aires Épica

https://lunateatral2.wordpress.com/2017/09/07/buenos-aires-epica-de-manuel-santos-inurrieta/ [15/05/2018]

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Piel de Cordero. Estoy Acá de Zuleika Esnal

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Piel de Cordero. Estoy Acá de Zuleika Esnal

Creemos profundamente en el teatro como arma de construcción masiva, de sanación y de verdad. Creemos en esto porque somos esto. Y entonces la denuncia se vuelve un arte que envuelve. Que llega y conmueve. Que golpea y cuenta. 1

000164006Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Tres mujeres y sus cajones nos esperan en escena, son sólo tres, pero su pregnancia invade todo el escenario, sin embargo, su trabajo está delimitado por un cuadrado dónde ellas llevarán adelante sus movimientos, una coreografía funcional a la palabra que surgirá de sus gargantas: voz, grito y llanto. Las historias se suceden y ninguna nos puede dejar indiferentes. Todas son espantosas, por la falta de humanidad de parte de aquellos que las protagonizan en su accionar violento, los victimarios, y la falta de posibilidades de defensa de aquellas que la sufren, las víctimas: niñas, adolescentes, jóvenes mujeres, que son torturadas, violadas, despojadas de su identidad de personas, para luego ser quemadas, muertas, tiradas como basura, al costado de una ruta, en un basural, dentro de un contenedor. La cosificación del cuerpo femenino, y la violencia ejercida sobre él, no es una novedad en una sociedad que durante siglos nos limitó en nuestra ciudadanía, considerando a la mujer al mismo nivel que los niños y los deficientes mentales, siempre bajo la tutela masculina; y una Iglesia que tardó siglos en entronar la figura de la virgen María, y que cuando lo hizo, fue con el sólo pretexto de inducir a la virginidad para conservar la línea paternal de los bienes; que discutió también por siglos, si contábamos o no con alma. Siempre ninguneadas en las disciplinas artísticas, vistas como prostitutas cuando nos atrevíamos a cruzar los límites y transgredir un universo de exclusividad masculina, las mujeres botín de guerra, y territorio de venganza de los pueblos2, somos las víctimas propiciatorias de las disputas ajenas, y los intereses de otros. Somos lo otro, lo distinto, el continente negro, que no puede ser comprendido, de una sensibilidad que ofende y a la vez provoca. Las historias cuentan como las violadas, lo son dos veces, en el momento donde actúa la manada, o el lobo aislado, y luego cuando hacen la denuncia. Momento en el que pasan a ser acusadas de busconas, por su manera de vestir o comportarse. Lo que no se cuestiona en el accionar masculino, si es objeto de reprimenda en la mujer. Siempre sospechada de ser Eva y su fatídica manzana. Los crímenes contra ellas, contra todas, son de lesa humanidad, porque son muchos, porque son universales, porque cuentan con el aval del Estado, que en sus dependencias: policía, abogados y jueces hacen la vista gorda, cuando no están directamente comprometidos en el delito: la trata. 24232910_10211988487321925_5772206266790690586_n

Piel de Cordero. Estoy Acá es mucho más que una obra de teatro, es una fuerte denuncia y un llamado de atención que nos involucra a todos, como sujetos sociales que somos. En el espacio escénico totalmente despojado no hay ficción sino testimonios que se cruzan y multiplican sin color local y un punto en común: mujeres latinoamericanas. Zuleika Esnal tuvo la difícil tarea de unir las verdades que le iban llegando, como pedazos de vidrios rotos que lastiman más allá del cuidado. En ese espacio de la sala habitamos todas las mujeres sin importar la edad, porque la potencia actoral de las actrices no tiene matices, no tiene medias tintas, es todo o nada. La intensidad expresiva, los dolorosos tonos e inflexiones de la voz y el sonido de las cajas peruanas, a modo de lamento y de rebeldía, hurga en nuestra piel. No hay nada que pueda distraer nuestra atención, ni el simple y cuidadoso vestuario de color negro, quizá a modo de luto por tantas voces acalladas, mientras la precisa iluminación solo acompaña sin sobresalto el descenso a los infiernos. El tiempo real de la obra es corto pero será eterno para nosotros, pues una vez concluida casi no podemos aplaudir y será imposible olvidar la experiencia. Sólo nos resta decirles a todas/os que hicieron posible la escenificación, sin caer en lugares comunes y con mucho respeto por las víctimas, de una realidad que nunca debemos invisibilizar: Muchas gracias por semejante entrega!!!000173328

Ficha técnica: Piel de cordero. Estoy acá de Zuleika Esnal. Elenco por orden alfabético: Cecilia Cósero, Antonia De Michelis, Zuleika Esnal. Diseño de movimiento: Omar Saravia. Música original: Willy Díaz. Diseño de Iluminación: Leandro Calonge. Ilustración: Vanesa Costabile. Asistencia de dirección y producción: Maxo Belevicius. Producción Ejecutiva: Gabriel Cabrera. Puesta en escena y dirección: Patricia Tiscornia. Patio de actores. Estreno: 2017. Duración: 55’. Funciones: lunes 20:30 hs.

1 Programa de mano

2 Durante la guerra civil española (1936 – 1939) para dar sólo un ejemplo, Gonzalo Queipo de Llano, referente de la falange española, una vez que ésta tomó la ciudad de Sevilla, desde la radio de esa localidad, emitió más de seiscientas soflamas incitando a violar a las mujeres republicanas, aunque griten y pataleen entre 1936 y 1938. Queipo de Llano utilizó la violación como propaganda de terror en la contienda. “La República, -decían las mujeres entonces – mujeres españolas, nos ha elevado a la categoría excelsa de ciudadanas, reconociéndonos la plenitud de derechos iguales al hombre”. ”La dictadura –de Franco- supuso para la mujer un drástico retroceso histórico en esa igualdad de derechos jurídicos y políticos, que la retrotrajo al papel doméstico y servil de la pasada centuria.” De la misma manera, actuaron los militares en la última dictadura cívica – militar en la Argentina. (Blogs de la memoria, por Félix Población, 5 / 4 / 2018. El salto digital.

Anatomía del destino de Gabriel Fernández Chapo

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Anatomía del destino de Gabriel Fernández Chapo

Solo en su forma negativa, el poder se manifiesta como violencia negadora que quiebra la voluntad y niega la libertad. Hoy el poder adquiere cada vez más una forma permisiva. En su permisividad, incluso en su amabilidad, depone su negatividad y se ofrece como libertad. (Byung-Chul Han, 28)

indexAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El neo liberalismo y las consecuencias de su inhumanidad son parte de la temática que desarrolla el dramaturgo Fernández Chapo en Anatomía del Destino. Por otra parte, a partir de ahí, es la libertad de poder construir nuestra identidad, de hacernos cargo de la misma y ejercer nuestro libre albedrío, el camino que sigue Clara, el sujeto de la acción de la obra. Clara necesita para poder seguir siendo ella misma, romper con los esquemas, y en el real concreto o dentro de su imaginación, ser aquello que le permita torcer el rumbo que tenían otros diseñado para ella. En un tono ligero de comedia, se van constituyendo a partir del vestuario las distintas instancias por las que el personaje va transitando, y los diferentes personajes con los cuales se enfrenta, en el cuerpo del actor Federico Justo, quien lleva adelante sobre todo dos personajes centrales para el desarrollo de la intriga: el chofer que la recibe en Ezeiza, y el guerrillero del tiempo; y la propuesta de la música en vivo. De Madrid a Buenos Aires, Clara se encuentra a sí misma, en una expedición por los vericuetos de la burocracia de una empresa, y en el conocimiento de una verdad que hará trastabillar sus convicciones, su comodidad, para hacerla comprender que estaba perdida en ese orden ajeno en el que se movía, como pez en el agua. Chapo utiliza la metáfora de la ballena, que es seguida por un microchip para determinar su rumbo, para hablar de su personaje y ver como ambas simbióticamente se mueven en el afán de hallar un camino propio. El animal, el mamífero del mar, domesticado por la tecnología, también por momentos escapa al control, en búsqueda de una ruta propia, que lo aleje de la mirada humana. Clara se evade, en su imaginario, o en la realidad de no acatar finalmente el punto de una encrucijada que tejieron para ella. 000166245Las actuaciones son muy buenas, mantienen un buen nivel de energía durante la intriga, que mantiene la atenta mirada del espectador, que sigue con interés las acciones hasta el final. El artefacto que conforma la escenografía, es funcional al trabajo con el cambio del vestuario, y a la iluminación en escena ya que en sí mismo su diseño permite ambas condiciones. En el dispositivo escénico a modo de un pequeñísimo hangar se cruzan los distintos espacios públicos. El conflicto de la protagonista se desarrolla de forma laberíntica ante la disyuntiva de una nueva decisión, entre la supuesta “estabilidad” y el cambio, la transformación.

Fernández Chapo -dramaturgo, director, investigador y docente universitario- comentó que el punto de partida de esta obra fue en parte Elige tu propia aventura –serie de libros juveniles- y su lectura sobre La teoría del caos. Una interesante mirada que nos obliga a “pensarnos a nosotros mismos” cuando debemos decidir sobre cuestiones ligadas al mundo laboral y esto nos lleva a sentirnos como en un punto de encuentro ambiguo, y quizá de quiebre, entre dos fuerzas contrarias.000166244

Ficha técnica: Anatomía del Destino dramaturgia de Gabriel Fernández Chapo. Elenco: Clara Díaz y Federico Justo. Música en vivo: Federico. Dirección de Arte y escenografía: Emilia Pérez Quinteros. Diseño y realización de iluminación: Carolina Rolandi. Diseño y realización de vestuario: Daniela Chihuailaf. Asistencia de vestuario: Franco Solís. Asistencia de escenografía y realización: Martín Fernández Abuchdid y José Basoalto Ortega. Diseño gráfico: Facundo Mazzeo. Prensa: Correydile. Dirección: Gabriel Fernández Chapo. El Ópalo. 2da Temporada, reestreno: 18/03/2018. Duración: 70’. Funciones: domingo 20 hs.

Bibliografía:

Byung-Chul Han, 2014. Psicopolítica. Buenos Aires. Herder Editorial.

Un enemigo del pueblo de Henrik Ibsen

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Un enemigo del pueblo de Henrik Ibsen

De Noruega a la Argentina, hoy como ayer la verdad es un concepto sin valor.

Ibsen en los tiempos de la pos verdad

4TqoZkoa0BB5UOreyskXAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Hay obras que el correr de los años hacen que pierdan vigencia porque su temática está muy ligada a la perspectiva epocal. Piezas que respondían a una tensión que ocurría en el momento de ser enunciadas y años después pierden su fuerza sobre un espectador que en su presente, se acerca a ellas como si lo hiciera a un libro de historia. Sin embargo, hay otras, que en las manos de un director comprometido con su actualidad, pueden ser leídas con una perspectiva actual. En esas textualidades que tienen más de un siglo, su tiempo propio, las contradicciones y los conflictos que atraviesan su presente se convierten también, en el de los potenciales espectadores. Este es el caso de la última versión de Un enemigo del pueblo bajo la dirección de Lisandro Fiks1, y con un elenco que se saca chispas de talento en el escenario del Teatro Regio. Las dificultades del personaje que tiene la conciencia necesaria para oponerse al negocio con la verdad de un problema que involucra la salud, la vida de todo un pueblo, es por desgracia, un tema que no ha dejado de estar en la agenda del día de hoy. Política, economía e información, tres componentes que deberían ir de la mano para el bien común, son los tres vértices de un ocultamiento que con el apoyo de un pueblo desinformado, o peor mal informado, conforman un coctel peligroso para llevar adelante el enriquecimiento inescrupuloso de unos pocos, con la máscara del bienestar de todos. El espacio que el teatro ofrece fue utilizado por la dirección para introducir en un texto, que trabaja con la cuarta pared, a un público que dadas las circunstancias socio – políticas se vio ansioso por participar. kxlNeJdllX9xTZvY9Nv9La escena hacia el fondo, el proscenio y la entrada por platea en la asamblea que se desarrolla en la intriga, hace que la energía desplegada desde los cuerpos de los personajes atraviese los cuerpos de los espectadores, y se convierta en un diálogo, que más allá de las palabras, se establece desde un fluido de intensidades. La escenografía diseñada en el escenario, sala de estar, cocina con grandes ventanales que dan a la extraescena, guarda como el realismo requiere el diseño de su funcionalidad a las acciones, sin dejar de ser estéticamente bella. De Noruega a un pueblo de Buenos Aires, de un mundo que es referencial a su tiempo y a su espacio, a otro que también lo es hasta en los pequeños detalles. La versión no tergiversa la poética de Ibsen, sino que logra hacerla presente, darle un influjo de vida, haciéndola necesaria y para el mal de todos, eterna. Ibsen escribe la textualidad dramática de Un enemigo del pueblo en 1882, y ciento cincuenta años después, sus conflictos y sus personajes siguen teniendo vigencia para nuestro presente inmediato. La música original de Fiks y la penumbra marcan las elipsis temporales, y nos sitúan en el presente de la enunciación en coincidencia con el del enunciado. Vestuario, música, y hábitos, no dejan lugar a dudas del tiempo histórico donde la situación está ubicad, la coyuntura inmediata. Con un público que aplaude de pie, mérito de una muy buena versión sobre la pieza de Ibsen, de las muy buenas actuaciones y de un contexto socio – político que produce en todos una empatía con el personaje de Stolkman, que nos lleva tras el recurso de romper la cuarta pared, a involucrarnos sin miedo en el relato propuesto, y a dejarnos atravesar por las voces, los cuerpos y las circunstancias de las almas que los habitan. F4M7OHj8pZzTOdPWLW3d

Ficha técnica: Un enemigo del pueblo de Henrik Ibsen. Adaptación, traducción, música original y dirección: Lisandro Fiks. Elenco: Juan Leyrado (Doctor), Raúl Rizzo (Intendente), Edgardo Moreira (Velasco), Viviana Puerta (Juana), Bruno Pedicone (Victor), Romina Fernandes (Paula). Coordinación de producción: Adrián Andrada. Producción técnica: Matías Ledesma. Asistencia de dirección: Rosana Rodríguez, Daniela Sitnisky, Jeremías Sapire. Asistencia de vestuario: Josefina Minond. Asistencia de iluminación: María Cecilia Font Nine. Música original: Esonoes (tango) de Lisandro Fiks. Interpretado por Rodrigo Soko (flauta), Santiago Martínez (violín), Amalía Rosenberg (piano) Lisandro Fiks (contrabajo), Emanuel Gaggino (batería). Escenografía y vestuario: Micaela Sleigh. Iluminación: Agnese Lozupone. Teatro Regio. Estreno: 13/04/2018. Duración: 100’. Funciones: de jueves (día popular) a sábados a las 20.30 y domingos a las 20 hs.

1 Es la tercera versión que esta polémica pieza de Henrik Ibsen sube a sus escenarios: las anteriores de 1972 y 2007, se basaron en la reconocida versión que el dramaturgo norteamericano Arthur Miller escribió en 1950. (programa de mano)

Soy tu seguidora de Daniela Regert

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Soy tu seguidora de Daniela Regert

Del face con amor000171102

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Un monólogo particular, que se convierte en un cuasi diálogo entre el espectador, y la pantalla a fondo donde desde la ventana del Facebook, va incorporando la imagen de un amor de internautas. Los giros, los tics, que conllevan el manejo de las redes sociales, se van desplegando en el interior del discurso. El destinatario que la pieza conlleva es de una edad acostumbrada al manejo de Facebook, Instagram, Twiter,…, es decir, un espectador que conoce los códigos, y a quien el lenguaje de los medios le parece natural. Sin embargo, podemos decir que la puesta encierra una advertencia, porque la historia de amor que propone, tiene un grado de neurosis importante, es unilateral, y se vuelve casi peligrosa, no sólo para aquél a quien va destinada, sino para la misma enamorada que poco a poco va perdiendo el registro de los límites, entre lo que se puede y no se puede hacer, entre la realidad concreta y la virtual. La actriz construye con eficacia el personaje desbordado que se le pide, Francesca Giordano, tiene gracia y fluidez en el espacio escénico, que utiliza en los 60 minutos que dura la pieza manteniendo la expectativa, provocando la risa y el asombro. No son habituales las obras que tienen como centro las redes sociales, es común su uso en el transcurso de la acción pero no que la historia ponga en el centro la temática de una realidad que crece cada vez más. 000175058

Una obra necesaria que fue un Proyecto de Graduación de la Licenciatura de la UNA, en especial para los más jóvenes, pues ironiza la cotidianidad que nos atraviesa. En tanto, las imágenes proyectadas de gran tamaño parecen dar cuenta de esa realidad virtual que se ha naturalizado de tal modo que nos aísla de nuestros afectos. En el espacio escénico resuenan esas palabras sueltas que todos conocemos -stalkear, postear, likear,…- y la espera del “me gusta” que produce un “placer inmediato”. Al comienzo, la protagonista intenta sincronizar sus labios al ritmo de una canción, quizá a modo de metáfora de una realidad algo perversa que sólo se retroalimenta con ese otro virtual.

Ficha técnica: Soy tu seguidora de Daniela Regert. Actúa: Francesca Giordano. Diseño de vestuario y escenografía: Andrea Grosso. Diseño de luces: Julia Maya Duarte. Asistencia de dirección: Flor Tevez. Dirección: Daniela Regert. La Carpintería Teatro. Reestreno. Duración: 60’.

Vientre [El hueco de donde venimos] de Marcos Arano y Gabriel Graves

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Vientre [El hueco de donde venimos] de Marcos Arano y Gabriel Graves

Cuando la historia necesita ser desenterrada

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanzunnamed

Desde la calle acompañamos el cortejo, el grupo de lloronas y los músicos que le dan un toque de color diferente a cualquier entierro común. Maquilladas esperpén- ticamente, las mujeres ya en la sala, no cesan de llorar mientras nos enfrentamos al momento crucial que la tierra como un gran vientre reciba el cuerpo de ella, el cuerpo femenino que está dentro de la caja. Colores fuertes para los féretros en verde y rojo, y un clima entre el llanto y el festejo. Metáfora de la vida, y su ciclo entre el principio y el fin. La mujer no quiere ser enterrada, sino que en ese cementerio tan particular, otras mujeres de nuestra historia se enfrentan a sus enterradores, y desordenan el espacio donde todo parece tranquilo y seguro, mientras se encuentre sepultado. Un joven y un viejo, pala en mano, intentan por todos los medios, en un contrato eterno con la muerte, otra mujer, mantener el status quo que sostiene la debilidad física y mental de las Evas de todos los tiempos; su necesidad de ser gobernada, educada y silenciada por la presencia masculina; única voz con fuerza suficiente para correr los velos de la historia, para escribirla en primera persona. En un mes donde el 8M, está tan cercano como el 24 de marzo, donde las mujeres fueron y son protagonistas de los acontecimientos ocurridos hace 42 años, Marcos Arano y Gabriel Graves, construyen desde una estructura a cuadros y de la mano de los géneros populares, los que les permiten desacralizar, parodiar, y escribir una farsa feroz, un recorrido sobre el relato oficial de nuestra historia para deconstruirlo, invertir sus términos y sacar a la luz la presencia femenina en todos los tiempos y formas: desde la rebeldía por amor de Camila O’Gorman, hasta la huelga de las escobas de 1907 en los conventillos porteños, desde la negación a la complicidad con los asesinos de sus clientes, los obreros, de las putas de San Julián, hasta la figura eternizada de Eva Perón; políticas, intelectuales, científicas, van desfilando por la escena, con firmeza en sus convicciones sin olvidar el humor; interpelando al espectador, para entre- tenerlo y provocarlo. América como naturaleza a explorar y conquistar es el gran cuerpo que recibe el maltrato que sus mujeres sufren en la medianía de su consideración, y la culpa ancestral de haber pecado, y condenar a la humanidad a sufrir el destierro del paraíso. IMG_9375Vientre… es una metáfora, de la mujer como dadora de vida, vientre es la tierra que nos cobija al final, vientre es el hueco profundo donde la creación anida, donde la voluntad es el humus de la historia. Podemos decir que la dupla Arano / Graves con esta segunda obra ya tiene una marca registrada y un público cautivo, sin olvidarnos de la dirección musical de Ian Sifres. Si en Tierra partida, lo demás no importa1 abordan un determinado período de nuestra historia nacional en Vientre [El hueco de donde venimos] también recorre nuestra historia pero desde otro eje más preciso. Es una perfecta mixtura donde cada interprete da cuenta de su energía particular que hace a un todo perfectamente encastrado. Los continuos desplazamientos no son caóticos, las canciones y la música en vivo, el vestuario y la escenografía, y la precisa iluminación construyen un espectáculo dinámico, fresco, con mucho humor pero no por eso superficial o digerible sino que, por el contrario, nos hace reírnos de nosotros mismos y pensar en la violencia estructural de nuestra sociedad. Dos obras en cartel y una sola definición: un hecho teatral sin fisura.IMG_9252

Ficha técnica: Vientre [El hueco de donde venimos] de Marcos Arano y Gabriel Graves. Dirección Musical: Ian Sifres. Dirección: Marcos Arano. Elenco: Alejandro Jorge Dubal, Carolina Maldonado, Florencia Catenaccio, Lala Buceviciene, Luciana Ramos, Luna Ventura, Manuel Oucinde, Manuela Bottale, Marcelo Sapoznik, Paola Sanabria, Rocio Rodriguez Paz, Rodrigo Frascara, Victoria Pescara, Viviana Lastiri. Músicos: Agustín Vanucci, Bruno Leichman, Eugenia Blanco, Franco Lopez Lameiro, Gina Locatelli, Jazmín Laurenza, Olivia Dalez. Cantantes: Eugenia Encina, Liliana Isaguirre. Diseño de luces: Alejandro Velazquez. Escenografía: Marcelo Valiente. Vestuario: Jazmin Savignac. Utilería: Ileana Vallejos. Coreografía: Gabi Goldberg. Diseño de esqueletos: Paola Sanabria. Máscaras: Andrea Picón, Nicolás Roura Picón. Diseño de arte: Romina Salerno. Prensa: Más Comunicación, Cecilia Dellatorre / Analía Cobas. Asistencia de Dirección: Julia Pinedo, Carolina Portnoy. Producción Ejecutiva: Viviana Lastiri. Co-Producción: Fundación CYC Arte Industrias Culturales. La Carpintería. Estreno: 18/03/2018. Duración: 80’. Funciones: domingos 20 hs.

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A continuación compartimos el comentario de Marcos Arano, quien respondió amablemente a nuestra pregunta en relación a la insinuada nariz del clown.

M. A. Es una decisión estética que tiene que ver con varias cosas:

1. Están muertas y representan a otras mujeres. La nariz de clown es más vital.

2. Son payasos que muchas veces bajan línea y pivotean entre lo ingenuo y lo combativo. El que esté pintada hace que el recurso sea más difuso. 

3. A nivel estético buscábamos algo más oscuro que la nariz roja y no nos convencían las narices negra. Optamos por este especie de intermedio. La nariz roja de látex, como cualquier máscara tiende a asimilarse rápidamente como código y deja de verse el recurso de distanciamiento. En esta obra buscamos que ese recurso sea diferente y obvio porque “a veces también hay que aclarar lo obvio”. 

4. La nariz pintada se va borrando a medida que transcurre la obra. Así sucede con lo payasesco y naif del principio del espectáculo. De a poco, salimos de la ficción y el mundo onírico y delirante del payaso para comenzar a reflexionar sobre nuestra realidad. Es una invitación a hacer ese viaje con la obra.

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1Tierra partida, lo demás no importa se estrenó en el 2016 y realizará funciones durante el presente mes de abril los viernes 22 hs, también en La Carpintería.

Y Finalmente salvarnos de Lisa Caligaris – Verónica Dragui

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Y Finalmente salvarnos de Lisa Caligaris – Verónica Dragui

Singular propuesta basada en un caso real”1

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanzflyer y finalmente salvarnos

Con las características de un suspense propio de la reconstrucción de un crimen a partir de huellas que se suman para armar un todo, Lisa Caligaris y Verónica Dragui, construyen una textualidad dramática que se teje entre el adentro y el afuera del tiempo y el espacio, en la construcción de un texto enmarcado. Una historia mínima, contada desde un monólogo que se diversifica en otras cuatro voces, personajes a partir de la representación de cada sujeto por el objeto que lo identifica: un par de anteojos (el médico), un diario (el marido), un bastón (la cuñada), un pañal (la hija). La narradora por fuera del plató señalado por una línea que conforma un cuadrado, en un atril, donde conserva elementos que necesita para su diálogo con el espectador, va como un detective desentrañando las peripecias, las acciones que conllevan el camino de la enfermedad dentro de la sociedad, en su pequeño núcleo, la familia. Un mal contagioso en un pequeño pueblo en la década del ‘60, que tiene además de costumbres y prejuicios arraigados, un mundo donde reina el patriarcado, que hace que el hombre sea el que decida por sobre los derechos de su esposa. A partir de la pequeña historia, el tema de los límites entre la salud y la enfermedad, el papel del Estado ante los peligros del miedo por el dolor y la muerte va dejándose entrever en el transcurso de la intriga. url1.jpgUn tema tabú, en un pequeño pueblo, donde el desconocimiento y la mezquindad juegan un papel fundamental en el desarrollo de las acciones de los personajes. A todos desde la ciencia, hasta el amor, le falta la mirada compasiva sobre el otro, sentirse por un momento en el lugar del otro para entender y comprender su situación. La actriz y dramaturga va tejiendo hacia el espectador un entramado donde quiere involucrar con la historia nuestra conciencia, interpelando nuestra mirada, en una propuesta que nos arrastra hacia los hechos, y nos convierte de voyeurs en activos integrantes, debemos elegir, nosotros también somos parte de ese relato. En ese espacio lúdico super acotado los pocos y pequeños elementos dan cuenta de “pueblo chico, infierno grande”. En tanto, Lisa Caligaris le otorga la perfecta textura a la joven conferencista, que intenta seguir adelante a pesar de que las imágenes del video nunca aparecen, tiempo presente de la historia. Y también a esa otra mujer, Raquel, que actualiza el cruel pasado dicho, por momentos, a media voz. Una gruesa línea de tiza blanca es el efímero límite espacio-temporal, como lo es entre la vida y muerte. Un relato breve en dos registros distintos, pura teatralidad que atrapa al espectador desde su inicio.url2

Ficha técnica: Y finalmente salvarnos de Lisa Caligaris – Verónica Dragui. Actuación: Lisa Caligaris. Diseño de Espacio: Verónica Dragui. Colaboración Escénica: Lisandro Rodríguez. Asesoramiento en Vestuario y Objetos: Azul Borenstein. Diseño de iluminación: Diego Quiroz. Fotografias: Mili Morsella Fotografías. Diseño gráfico: Manuel García. Prensa y difusión: Carolina Alfonso. Distribución: Paz Begué – VERDEVER. Dirección. Verónica Dragui. El Camarín de las Musas: sala Vidriera. Reestreno: 18/03/2018. Duración: 50’. Funciones: domingos 18 hs.

1Según gacetilla de Prensa

 

Berlín en Buenos Aires de Jessica Schultz

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Berlín en Buenos Aires de Jessica Schultz

La identidad es siempre un territorio frágil que se desvanece cuando nos acercamos. Es entonces cuando volvemos a la tarea de reconstruirla una y otra vez frente a los múltiples intentos de la globalización por extinguirla y frente a la amenaza de fuerzas políticas y culturales que intentan imponer sus valores. La memoria y el olvido juegan un papel esencial en la construcción de las identidades ligadas a los genocidios del siglo XX. Por eso creo, que es a través del arte que lograremos rescatarnos del olvido. (Jessica Schultz)i

000174098 BerlinMaría de los Ángeles Sanz

Una foto se guarda en los archivos del periodismo argentino de la década del ’30, miles de personas en un ámbito cerrado, rodeados de banderas negras y sus esvásticas, uniformes, hombre y mujeres, y el saludo con el brazo levantado. Cuando uno la ve lo primero que piensa es en la Alemania nazi, y en algún lugar en Berlín, pero no, es Buenos Aires 1938, sitio el Luna Park; una reunión que es signo y metáfora de la Argentina de aquellos años, y una clara prueba de la presencia alemana del Tercer Reich en el paísii. Las imágenes y los acontecimientos fueron en su momento recogidos como un hecho sobresaliente por el diario La Prensa de Buenos Airesiii. Desde ese lugar, uno puede entender sin problema alguno, que los personajes de la pieza escrita por Jessica Schultz, se sientan, por lo menos Hanns, como pez en el agua, en un territorio ajeno, luego de terminada la guerra, pero que conserva y recibe con los brazos abiertos a los jerarcas del régimen. Pero la crueldad y la monstruosidad de aquellos años no tienen límites, y en nombre del amor, se puede cometer un crimen más, torcer el destino y mantener a la víctima viva pero presa en los pliegues de una historia que termina ahogándola. La pequeña sala no convencional del Teatro de la Comedia es el espacio adecuado para contarnos un relato que pudo haber pasado. En la intimidad de la sala somos testigos como espectadores, del subsuelo de una casa donde el poder subsiste y donde se guardan piezas de arte y recuerdos que contienen el amor y el espanto. 000174096 BerlinUn piano y un baúl, marcan el pasado y el presente, en una cinta de moebius; del teatro en Berlín, a la casona en Buenos Aires; la música del piano, la voz de Helga es el vaso comunicante entre el ayer y el hoy. Hanns es un verdugo que utiliza el amor para castigar a su presa con el silencio, y la construcción de una identidad que lo protege a èl de no perder su objeto de deseo, como una pieza màs. Las muy buenas actuaciones, nos sumergen en ese recorrido del horror, donde el afuera puede ser a la vez un peligro, y una salvación. La verdad trata de escapar del corset de esa identidad que oculta el dolor, Helga no puede ya con su culpa aunque todavía todo no haya sido develado. La estructura entre los encuentros personales y las canciones le dan un ritmo constante a la puesta, la vuelven dinámica, provocan un alivio en el espectador que sigue la tensión dramática que la textualidad propone. El vestuario imprime la época, más allá de que sus personajes nos ubiquen en su narración en tiempo y espacio. La primera imagen fuera del espacio escénico, iluminada a través de los vidrios de la puerta ventana, antes del ingreso de los personajes a la sala, nos remite al cine; y resulta todo lo intimidante y misteriosa que la acción requiere. Jessica Schultz trasmite desde el cuerpo y la voz la desesperación de quien necesita volver a ser ella misma, luego que ha necesitado para sobrevivir construir otra, tan ajena a su persona, tan contraria a sus sentimientos. Berlín está lejos, sin embargo, los largos brazos del nazismo tienen en esa casa un baluarte que se extiende al sur, a Bariloche, y la disyuntiva es dejarse llevar por la inercia de los acontecimientos, o rebelarse en un único acto de coraje. Una pieza que nos brinda como en espejo, las infinitas espirales del encubrimiento, del no saber, los nazis ayer, los militares hoy, tienen en el ocultamiento del destino de sus víctimas un arma que sostienen de la mano de la complicidad. Es la memoria colectiva, es la responsabilidad de cada uno, quien romperá el velo que cubre la verdad, para develarla y por fin hacer justicia. era-el-10-de-abril-de-1938-cuando-mas-de-15-mil-argentinos-festejaron-entre-esvasticas-y-banderas-nacionales-0520-g1

Hemeroteca:

Redacción del diario Perfil. “Difunden fotos nunca vistas del enorme festejo nazi en el Luna Park” 20/ 5 /2013.

Ficha técnica: Berlín en Buenos Aires de Jessica Schultz. Elenco: Jessica Schultz y Fernando Migueles. Diseño de vestuario: Juan Miceli. Música original: Diego Mizrahi. Diseño de iluminación: Carlo Argento. Maquillaje: Amalia Arcas. Restauración de elementos escénicos: Pablo Graziano. Coach de piano. Gaby Toker. Coach de idioma: Flavia Vitale. Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia. Fotografía: Josefa Fernández. Prensa: Silvina Pizarro. Asistente de producción: Solange Álvarez Argento. Asistente de dirección: Cythia Corn. Dirección: Carlos Argento. Teatro La Comedia. Duración: 90 minutos.

i Programa de mano

ii El matutino español El Mundo publicó hace unos días una serie de fotos pocas veces divulgadas en nuestro país que muestran a miles de personas en el estadio Luna Park de Buenos Aires expresando su apoyo al III Reich de la Alemania Nazi. Era el 10 de abril de 1938 y se trataba de la demostración más grande que se realizó fuera de Europa en pro del nazismo, que se hallaba en plena efervescencia en Europa. Las imágenes, según el diario cedidas por la administración del Luna Park, muestran a unos 15.000 argentinos nazis festejando el “Anschluss”, es decir, la anexión de Austria por parte del régimen de Hitler. Ese mismo día, el líder nacionalsocialista ganaba con el 99% un plebiscito sobre su permanencia en el poder y la embajada alemana en Buenos Aires quiso festejarlo. (Perfil, 5/2013)

iii Según la crónica del diario La Prensa, aquel domingo 10 de abril de 1938, las columnas al estadio Luna Park comenzaron a llegar pasadas las 9 de la mañana. “Era un público numeroso y entusiasta”. Las delegaciones austríacas y alemanas arribaron portando sus banderas e indumentarias nazis. (Perfil, 5 /2013)

Ex Antuan de Federico León

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Ex Antuan de Federico León

El teatro de Federico León es un teatro duro. Duro en el sentido en que se dice, por ejemplo, que la ciencia y la pornografía son duras. Lo que le interesa no es el riesgo –que es la versión decente y sensible del vértigo– sino el peligro, así, a secas. Su trabajo de escritura y de puesta en escena no ha hecho otra cosa que cepillar, rebajar, limar, opacar todos los brillos, la seducción y los glamours extorsivos de la representación. (Alan Pauls)1

FLYER EX ANTUAN-01Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

En una entrevista Federico León dice que el texto de Ex Antuan, es una dramaturgia que no tiene pensado montarla en un escenario. “A ‘Ex Antuán’ no la hice nunca; fue la única obra que terminé y quedó como un material dramatúrgico que no trabajé nunca más, pero seguramente, de hacerlo, la hubiera reescrito”, afirma en La Gaceta de Tucumán. Más allá de la declaración del autor, que puede como todos cambiar de opinión; éste se mantuvo fiel a su propuesta de no ser él director de su textualidad dramática, y en el año 2010, Ex Antuan tuvo una puesta que dirigió Teodora Ciega Caníbal en Tucumán. Nuevamente, hoy en 2018, se nos ofrece una segunda puesta en el Teatro Payró, donde tenemos la oportunidad de que en una poética de teatro integrando2, nos ofrezcan de la mano de la dirección de María Pía Molina Brescia, una lectura de su texto. Una historia de amor no convencional, que atraviesa el tiempo y que guardada en la memoria, revive en el relato del personaje, para dar cuenta de que los sentimientos no tienen ninguno de los límites que la convención social propone. Estela y Antuan viven en las costas del Uruguay la maravilla del deseo y la felicidad de estar juntos. Los dispositivos en escena que aparecen de forma mecánica, van construyendo espacio, ambientando la historia narrada, llevando al espectador, del presente al pasado, para traerlo luego a una realidad, donde Antuan vive con su madre, quien también quiere a partir de cumplir con su deseo, su título secundario, construirse una vida diferente. 000175138.jpgUn círculo familiar distinto, sin figura paterna, con un amigo que se acerca para llevarse lo que puede o necesita, metáfora del estado de carencia en el que viven, y que el recuerdo de una plenitud quiere borrar. El planteo de puesta es la narración de un discurso con algunos momentos de pequeñas acciones ilustrativas, donde los actores están de frente al espectador, en una sola línea recta. En un espacio despojado el elenco construye de manera perfecta esta particular historia, donde cada breve gesto o silencio tiene su peso específico y nos atraviesa más allá del artificio escénico.

Antuan: ¿Te acordás cuando era chico cómo te tocaba las tetas? Vos te reías, creo que tenías 37. ¿Ahora cuánto tenés?

Ex mogólica Estela: Los mogólicos no solemos acordar.

Antuan: Recordar se dice.

Ex mogólica Estela: Mala memoria.

La iluminación los envuelve mientras él acaricia desprolijamente y con ternura sus pechos, luego bailaran un lento con la música del viejo Walkie Talkie, .., tratando de recuperar algo el tiempo perdido. La escritura escénica (María Pía), sin golpes bajos, da cuenta de que todos somos distintos, cada uno con sus particularidades. Un hecho teatral para ver y disfrutar, que nos interpela como sujetos sociales que somos.000175135.jpg

Ficha técnica: Ex Antuan de Federico León. Actúan: Paula Flaks, Rocío Florit, Coral Gabaglio, Mariano Rótolo, Emanuel Torres. Asistente de dirección: Juan Pedro Hansen. Diseño de iluminación: Javier Rincón. Diseño de vestuario: Paola Delgado. Escenografía: Nacho Riveros. Diseño gráfico: Verónica Rincón. Prensa: Sonia Novello. Dirección general: María Pía Molina Brescia. Teatro Payro. Duración: 60’. Estreno: 16/03/2018. Funciones: viernes 22:30 hs.

1 En el blog “Saquen una pluma dramaturgia rodante”, 24/7 / 2011. Reseña de Textos Reunidos, de Federico León, por Alan Pauls.

2 La actriz Rocío Florit pertenece a la compañía de arte inclusiva Las Ilusiones. Desde el 2009 “es un espacio de educación no formal que favorece el crecimiento intelectual, corporal y social de personas con discapacidad intelectual”. http://www.lasilusiones.com.ar/index.html [26/03/2018]

Rayito de sol. Un amor sin tiempo de Natalia Villamil

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Rayito de sol. Un amor sin tiempo de Natalia Villamil

Sobre mí, decido yo.

rayito con mariposaQué he sacado con el lirio, ay, ay, ay 
Que plantamos en el patio, ay, ay, ay
No era uno el que plantaba, ay, ay, ay
Eran dos enamorado’, ay, ay, ay
Hortelano, tu plantío, ay, ay, ay 
Con el tiempo no ha cambiado, ay, ay, ay

(Violeta Parra, Lamento mapuche)

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Una puesta conformada por una tríada de mujeres: textualidad, interpretación y dirección, que promete una lectura diferente de situaciones comunes donde la mujer es el centro del conflicto, al menos su locus de controversia, una promesa que se cumple. En un espacio despojado, solo un artefacto que simula un quiosco, que luego se convertirá en un pequeño nido de amor, diseño funcional al relato de José Escobar, el cuerpo de la actriz nos cuenta su vida, y en ella la fuerza que se necesita y el despojamiento para cumplir con el mandato de ser, y lograr una pizca de paz y felicidad. El cuerpo femenino entre el deber ser, madre y esposa, y el amor, que es un bicho que cuando pica no se encuentra remedio ni en la botica, como decían las viejas, se presenta como un campo de batalla, como un jardín de otros que sólo puede florecer al contacto con lo masculino. El cuerpo femenino, campo arrasado por la medicina desde el vamos, desde el sentirse mujer, por el matrimonio, con amor o sin él, y por último, por el deseo, que finalmente lo hace libre, para moverse hacia donde lo lleva la tormenta de sentimientos que lo atraviesa, para poder tomar la decisión desde la autoconciencia de que se quiere y con quien. Los hijos como amor y dolor al mismo tiempo, y la mirada de los otros sobre ese cuerpo femenino y sus acciones, es el que se propone el texto de Natalia Villamil, entre el humor sencillo y la declaración de principios y expresa con la estructura del monólogo, para una actriz que interiorice el complejo mundo que allí se describe. 000173797Leticia Torres logra construir esa mujer que el texto propone, lo hace verosímil y querible, lleva con ritmo sin pausa y muy buena energía el diálogo con un espectador, al que le hace llegar el caudal inagotable de sus palabras para explicarle a todos, aquello que la sociedad vería sólo desde el prejuicio patriarcal: el dominio que la mujer debe ejercer sobre sí misma, al aceptarse en sus contradicciones, y ser capaz de decidir, a pesar de la mirada cuestionadora que sabe caerá sobre ella. La pregnancia escénica de la intérprete nos atrapa desde el inicio porque le otorga la textura perfecta al sujeto de la acción, que es sensible y fuerte a la vez. En tanto la iluminación la contiene en un habitad que le es adverso y la música parece ser su liberación. Un hecho teatral sin fisura y un relato que nos interpela a partir de un código común y sin golpes bajos.000173799

Ficha técnica: Rayito de sol. Un amor sin tiempo de Natalia Villamil. Con: Leticia Torres. Escenografía: José Escobar. Vestuario: Paula Molina. Música original: Daniel Quintás. Iluminación: Sebastián Evangelista. Diseño gráfico: Sebastián Villamil. Producción: Bárbara García Di Yorio. Asistente artística: Natalia Villamil. Dirección: Cintia Miraglia. Espacio Callejón. Estreno: 16/02/2018. Duración: 55’. Funciones: viernes 20 hs.