Archivo de la categoría: Comedia

DELICADAS de Alfredo Sanzol [II]

Estándar

“DELICADAS”: UNA COMEDIA SOBRE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA EN CLAVE DOMÉSTICA

DELICADAS_IMAGEN_ALTA_ (5)Por Laura Ferré para Agencia Télam. Buenos Aires, 20 de abril1

La compañía catalana T de Teatre, celebrada por más de un millón de espectadores en el mundo, estrenó aquí la comedia “Delicadas”, escrita y dirigida por Alfredo Sanzol, un recorrido por domésticas escenas de posguerra hilvanadas con intensas actuaciones y toques de humor, en la Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza.

Las actrices Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla y Ágata Roca fundaron hace 25 años el grupo que suele interpretar obras escritas para ellas por diferentes autores y directores, como sucedió con los teatristas locales Ciro Zorzoli y Javier Daulte, quienes hicieron lo propio con T de Teatre.

Su propuesta apunta a destacar el trabajo actoral y la historia, en una escenografía despojada y la puesta “Delicadas” no es la excepción.

Los retazos de la vida de cuatro mujeres atravesados por la guerra, sujeto omnipresente pero intangible (especialmente en los ambientes domésticos donde se desarrolla la trama) van y vienen a través de escenas y monólogos, como si fueran breves puntadas de un bordado minucioso.

La dinámica narrativa de la pieza parece imitar el movimiento necesario para que esa técnica de costura llegue a buen destino: desliza el hilo de la trama por debajo de las puntadas ya realizadas, y marca el pulso interpretativo de las actrices, quienes transitan sus recuerdos siempre ataviadas del mismo modo.

En un espacio escénico apenas poblado por un árbol y un esbozo de planta se despliega el tapiz de remembranzas, donde conviven momentos de honda carga emotiva junto con escenas desopilantes.

La comicidad se conjuga en un tono casi zumbón, muchas veces sostenido en la empatía que genera la desesperación o la torpeza de los personajes, con suficiente lugar para el desarrollo de la precisa labor de dos actores, Albert Ribalta y Jordi Rico.

Los integrantes del elenco se mueven por las evocaciones con una potente convicción y las transforman en hechos del presente dotados de una vigencia conmovedora, mientras interpretan e intercambian roles con idéntica fluidez.

La frase “debe ser la guerra” insiste en la puesta, la mayoría de las veces desde el silencio o en detalles del argumento, no como un peso del que es preciso deshacerse, sino que forma parte orgánica de la fisonomía de los personajes, con poética pero aterradora naturalidad.

La compañía T de Teatre tiene un romance con el público local que comenzó en 1997 cuando estrenaron ¡Hombres!”, dirigida por Sergi Belbel, una reunión de textos propios más algunos relatos encargados a cuatro dramaturgos.

Esta comedia viene de estar un año en la cartelera del madrileño Teatro Marquina, para seguir tres meses a sala llena en el teatro La Plaza.

Además, este año se verán otras dos piezas de Sanzol en la cartelera alternativa porteña: “La calma mágica”, dirigida por Zorzoli con la actuación de Claudio Tolcachir; y “La respiración”, que en 2017 ganó el Premio Nacional de Literatura en la categoría literatura dramática, que será dirigida por Lautaro Perotti y ambas harán funciones en Timbre 4, la sala de Boedo.

“Delicadas” puede verse a las 20.45, de martes a jueves; a las 22, los viernes; a las 20, los sábados; y a las 21, los domingos en La Plaza (Corrientes 1660, CABA).

Anuncios

Delicadas de Alfredo Sanzol

Estándar

LA COMPAÑÍA CATALANA T DE TEATRE VUELVE A LA ARGENTINA PARA ESTRENAR LA COMEDIA “DELICADAS”

DELICADAS_IMAGEN_ALTA_ (5)Por Laura Ferré para Agencia Télam, Buenos Aires, 17 de abril1.

La compañía T de Teatre de Barcelona, celebrada por más de un millón espectadores en el mundo, está en el país para presentar la comedia “Delicadas”, escrita y dirigida por Alfredo Sanzol, un recorrido por escenas de la infancia de posguerra que se estrenará mañana en la Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza.

La historia dice que fueron cinco jóvenes actrices devotas del buen teatro y del té como bebida (el nombre del grupo surge del cruce de aficiones), recién graduadas en el Institut del Teatre de Barcelona en 1991, las que apostaron a gestionar sus creaciones antes que consumirse a la espera de una propuesta laboral.

Aquella formación original (hoy permanecen cuatro intérpretes) se animó a la mordacidad de los “Pequeños cuentos misóginos” de la autora estadounidense Patricia Highsmith y a partir de los mismos presentaron en sociedad su primer espectáculo, que realizó su última función en España justo el mismo día en que falleció la escritora.

Desde entonces ya llevan más de 2.700 funciones por el mundo desde “un tratamiento de la escena casi despojado, donde los actores y el texto que precisan contar son lo más importante”, destaca una de la actrices, Mamen Duch, en charla con Télam sobre el escenario donde mañana estrenará la historia creada por el ganador del Premio Nacional de Literatura Dramática española en 2017.

El grupo ya estuvo aquí anteriormente con dos propuestas: “¡Hombres!”, dirigida por Sergi Belbel en 1997, una reunión de textos propios más algunos relatos encargados a cuatro dramaturgos que venía de estar un año en la cartelera del Teatro Marquina de Madrid.

Los tres meses a sala llena en el teatro La Plaza con su relato burlón, distante de los ya tradicionales recorridos sobre el universo masculino, confirmó su éxito porteño y las llevó a despedirse de la capital con la promesa de volver.

En abril de 1998 regresaron para estrenar “Criaturas”, una creación sobre el imaginario infantil, codirigida por David Plana y la compañía. Desde entonces su relación con la Argentina se intensificó y dos teatristas locales, Ciro Zorzoli y Javier Daulte, escribieron obras para ellas y las dirigieron.DELICADAS_IMAGEN_ALTA_ (4)

Télam conversó con las actrices Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla y Àgata Roca antes del estreno de “Delicadas”.

– Télam: ¿En qué se basa su romance con la Argentina?

– Mamen Duch: (Risas) Creo que en una forma de sensibilidad similar. Trabajamos con ese director exquisito que es Zorzoli en la puesta “Premios y Castigos” y aprendimos tanto… mientras que Daulte nos escribió la pieza “Cómo puede ser que te quiera tanto”. Veo, también, mucho teatro argentino: Spregelburd trae unas puestas impresionantes a Barcelona, vi todas las puestas de Veronese (Daniel) y las de Tolcachir (Claudio), quien casi vive medio tiempo en España… y me interesa mucho la sutileza de vuestro compatriota radicado en España, Pablo Messiez (el año pasado entregó una versión de “He nacido para verte sonreír”, de Santiago Loza, en el marco del FIBA) .

– Ágata Roca: Teníamos muchísimas ganas de venir, ya que guardamos un grato recuerdo. Hemos celebrado nuestro 25 cumpleaños resucitando un poco esta obra (que no es la última del grupo), la que ha viajado más lejos. Siempre trazamos paralelismos entre Buenos Aires y Barcelona, porque nos unen muchas cosas a nivel de cómo vivimos las emociones.

– T: ¿Encargar obras a directores es una marca del grupo?

– M. D.: Sí, es que no encontrábamos textos para 5 mujeres (luego fuimos 4) de la misma edad, y convocar a un artista externo al grupo aporta vida, te mantiene alerta, especialmente cuando se trata de alguien que es autor y director. Además, hay pocas obras con personajes potentes femeninos…

– T: Una compañía con años de trayectoria, ¿cómo hacen para no repetir sus hits?

– Carmen Pla: Desde el principio teníamos claro que queríamos interpretar cosas que nos motiven y disfrutarlas, ya que para eso elegimos trabajar como actrices. Después de cierto tiempo ya definimos nuestra constante de trabajo, que consiste justamente en que carecemos de una constante (Risas).

– M.D: Intentamos hacer lo que nos apetece para permanecer sin estancarnos y no caer en cumplir siempre con lo que el público espera….De hecho, podríamos continuar haciendo espectáculos al estilo de “¡Hombres!” dentro de una estética bien de los ‘90, una apuesta segura. Pero optamos por seguir adelante con riesgo.

– T: ¿El humor de la compañía también se reinventa?

– Marta Pérez: Sí, ha ido mutando: al principio era directo y vasto, ahora cada vez se torna más sutil y refinado. Hemos crecido, nos hemos hecho mayores.

– T: ¿Su propuesta tiene una lectura de género?

– A.R.: Somos una compañía femenina y evidentemente nos identificamos con lo que está pasando en el mundo con los movimientos de mujeres y decimos en voz bien alta: “Ya era hora, Igualdad de posibilidades”. Hasta ahora, las cosas fueron en dirección contraria y no nos fue muy bien que digamos. Parece mentira que en este siglo debamos hablar aún de esto.

Los actores Albert Ribalta y Jordi Rico también integran el elenco de “Delicadas”, que desde mañana hará funciones a las 20.45, de martes a jueves; a las 22, los viernes; a las 20, los sábados; y a las 21, los domingos en La Plaza (Corrientes 1660, CABA).

Camuflaje de Enrique Federman

Estándar

Camuflaje de Enrique Federman

000173133Una comedia furiosa”

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

En el sur, en un refugio de los bosques de nuestro sur, se desarrolla una historia desopilante que se presenta como una suma de fragmentos, que luego van conformándose en relatos donde la verdad y el sentido único de todo es puesto en cuestión. Nada es lo que parece, en este presente donde todo es un simulacro, un camuflaje, que esconde los verdaderos rostros, las verdaderas intenciones. Los personajes y sus máscaras, no las que se ven, sino las ocultan y se ocultan a la vista de los otros, se presentan como un entramado casual en ese lugar, donde otros han permanecido, y sus diálogos entrecortados son transformados en pequeños monólogos, que no terminamos de saber que parte de verdad encierran. Dos mujeres y tres hombres, la ley y su transgresión, el humor y el juego como ingredientes necesarios para la construcción de una poética que se propone en la antípodas del realismo, que lo parodia y lo cuestiona, y que se deja llevar en sus acciones por algún tics al público, que nos traiga al presente de la enunciación. Un texto que fue concluido en 2015, y que ante los cambios ocurridos en la sociedad, introdujo ciertas frases y personajes que forman parte de nuestra realidad más cercana: los mapuches, el matrimonio igualitario, por ejemplo. Federman escribe una comedia que se permite además del juego y sus propias reglas como afirmaba Alain Badiou, también la incorporación de temas que merecen una reflexión, la naturaleza y la civilización, y la construcción de una falsa naturaleza que desplaza a la autóctona, en plantas, animales y personas. Las actuaciones son muy buenas, componen con acierto esos personajes que por momentos rozan lo siniestro, lo monstruoso, de los que solo sabemos algunos aspectos de su personalidad, y tienen en los encuentros dialógicos una muy buena performance. 000173219El marco de las acciones está delimitado por la sala del refugio con tres puertas, dos dan al afuera, la tercera al interior de la cabaña, interior que no se nos permite ver, mesa y sillas y un tono madera clara en todo, que se mantiene en los uniformes de los guardabosques, y que contrasta con los colores brillantes de las invitadas a la cabaña. La iluminación, a pesar de los apagones, nunca aparece cerrada sino que mantiene pequeñas luces que le dan clima al silencio, a ese tiempo detenido entre acción y acción, a una elipsis temporal que no sabemos cuánto tiempo implica en el relato. Todo parece una sucesión de flashes, de impresiones fotográficas, donde la mirada sobre el otro, está en el objeto binoculares, para mirar el paisaje, espiar y ser espiados. Un presente continuo, que pone en duda lo real del tiempo lineal, y que nos ofrece la perspectiva de una línea espiralada, que una y otra vez puede volver sobre sus pasos, volverse sobre sí misma, con pequeñas modificaciones. Sujetos fragmentados, relatos que también lo están, humor que esconde lo horroroso, son los ingredientes que ofrece la puesta dirigida por el mismo dramaturgo, y un relato que pone en el centro de la discusión nuestra relación con una tierra, la del sur, y con la naturaleza en general, el conflicto con una verdad que se desmorona ante la posibilidad de distintas miradas posibles, y un sentido que estalla para que el espectador se lleve consigo la tarea de construirlo con aquellos momentos que lo hayan atravesado en el tiempo real de una puesta de teatro. 000173082

Ficha técnica: Camuflafe de Enrique Federman. Elenco: Germán Rodríguez (Luis), Néstor Caniglia (Nardone), Soledad Bautista (Caty), Eugenia Guerty (Chela), Lisandro Fiks (Supervisor). Vestuario: Analía Morales. Escenografía: Mariana Tirantte. Iluminación: Omar Sergio Possemato. Música original: Pablo Martín. Diseño gráfico: María Forni. Asistencia artística: Juliana Ascua. Dirección: Enrique Federman. La Carpintería. Reestreno. Duración: 90’. Funciones: miércoles 20 hs.

 

No dejes nunca de mirarme por favor de Bernardo Cappa en colaboración con Pedro Sedlinsky

Estándar

No dejes nunca de mirarme por favor de Bernardo Cappa en colaboración con Pedro Sedlinsky

La actualidad de Chejov

A ella el teatro le gusta, le parece que con el teatro, presta un servicio a la humanidad, al sagrado arte; en cambio, yo creo que el teatro contemporáneo no es más que rutina y prejuicios. (Trepliov, La Gaviota, A. Chejov)

no dejes nunca..Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Como hablar de cosas serias que nos atraviesan dentro y fuera de la escena sin solemnidad se pregunta y nos pregunta Bernardo Cappa desde su última puesta, No dejes nunca de mirarme por favor; para hacerlo recurre a un clásico que el campo teatral de Buenos Aires transita asiduamente, Chejov, y su pieza más recordada, La Gaviota. El amor, la desesperanza, el triunfo y el fracaso, el teatro y la literatura, las relaciones filiales descarnadas, lejos del imaginario de todos, están presentes pero en clave de vaudeville, estado de comedia, que se agradece desde el lado del espectador, que no deja de sentir la tensión que se oculta tras el absurdo de las situaciones, y al mismo tiempo se ríe francamente de las mismas. Porque la vida, ya sabemos, es una cadena de absurdos matizados por nuestro deseo íntimo de ser felices a como dé lugar. En un espacio casi aséptico, con las inevitables puertas, para las entradas y salidas necesarias de los personajes, un sillón y un banco funcionales a las acciones, una computadora que nos trae a un presente de la enunciación contemporáneo, un micrófono que cumplen la función de poner en primera persona el discurso; todo preciso y sin desbordes para la continuidad de una intriga que conocemos pero vemos distanciada, no por el tiempo pasado, sino por una actualidad que nos hace sentir el centro de la problemática atravesada por la espiralidad de un tiempo que es fiel a sí mismo, o por unos personajes que guardan en sí las mismas debilidades, y dolores. no dejes nunca...3Todos están allí, pero el vestuario nos habla de hoy, y Nina es ella misma, pero en el siglo XXI, y Trepliov es él, pero aprendió que su vida vale más que cualquier decepción que le produzca el amor de una mujer, y la falta de calidez de una madre, o la suerte o verdad de un fracaso que no es más que el revés de la máscara del éxito. La mirada del otro, logra que nos constituya una identidad que se lanza al ruedo desde allí, que nos construye pero no nos conforma, por eso necesitamos las imágenes de una biografía que va definiéndose a través de las imágenes. Cappa no deja pasar la oportunidad de discutir el teatro hoy a partir del nudo gordiano chejoviano, y nos plantea la necesidad de una transgresión que no aparece en un universo cultural que decae desde la égida de una vanguardia lejana que todavía nos marca con sus leyes. El elenco, sin altibajos, construye la ficción sobre la base de una comedia pero que nos deja mucho para pensar sobre nuestra necesidad diaria, como el “me gusta” facebookero, de ser aceptados. Un final a medida de la propuesta de los autores desde una perspectiva que busca en un clásico el centro de la problemática para trabajar nuestros propias circunstancias, y no reproducir una textualidad desde una puesta arqueológica. Chejov nos habla hoy, pero desde un presente que desdramatiza sus palabras sin por eso desviar el clima de un conflicto que atraviesa las edades y las geografías. no dejes nunca...2

Ficha técnica: No dejes nunca de mirarme por favor de Bernardo Cappa en colaboración con Pedro Sedlinsky. Actúan: Pablo Caramelo, Celina Font, Aníbal Gulluni y Maía Lancioni. Diseño de vestuario y escenografía: Pía Drugueri. Diseño de luces: Ricardo Sica. Asistencia de dirección: Agustina Dalmasso. Fotografía: Natalia Pinilla. Prensa y difusión: Carolina Alfonso. Dirección: Bernardo Cappa. El Camarín de las Musas. Estreno: 19/01/2018. Funciones: viernes 21 hs. Duración: 75’.

Bibliografía:

Chejov, Antón, 1999. La Gaviota, Tío Vania, Las tres hermanas. Buenos Aires: Bureau Editor.

Un sombrero de paja italiana de Eugène Labiche

Estándar

Un sombrero de paja italiana de Eugène Labiche

Una comedia de enredos del teatro al cine, del cine al teatro siempre con muy buen humor

000157570Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La comedia de Labiche tiene varias puestas en su lengua de origen, el francés, como así también en lengua castellana; el lenguaje del cine, desde su formato mudo tuvo su primera versión en 1927; es porque Labiche escribe una comedia vaudeville de gran comicidad y un ritmo intenso, que produce personajes bien delimitados que provocan la hilaridad del espectador, ante lo absurdo de las situaciones1. El teatro El Vitral es el escenario donde un grupo de jóvenes actores nos presentan bajo la dirección de Antonella Placenti, una nueva versión de la pieza que mantiene el ritmo necesario que la intriga sugiere, con muy buenas actuaciones, que provocan la risa de un espectador ávido de encontrar en el teatro un buen momento de distracción. Confusión, mentiras, verdades a medias, complicidad con el público, los famosos apartes, todo uno para lograr conquistar con recursos genuinos la atención del espectador. En un espacio que se expande del espacio escénico al escenográfico, los personajes ingresan y salen del escenario por el pasillo central de la sala, en su constante caravana de persecuciones donde el novio que busca encontrar el sombrero de paja italiana el día de su boda, es perseguido por el cortejo con su suegro a la cabeza. Con un vestuario que remite al tiempo del enunciado los personajes construidos desde allí se reafirman a partir de las acciones, y la manera de trabajar la gestualidad y la postura corporal. Caída de telón y no apagones marcan el paso de un acto al otro, situación que permite el teatro a la italiana que ofrece la sala, y una elección de la directora que recrea así la tradición de un género que busca el aplauso del público a cada paso, para confirmar de ese modo la eficacia de sus procedimientos. 000161171 Un somberoDe las actuaciones, se destacan el personaje del novio y el del suegro en la composición de sus criaturas, pero todos en general tienen su tono, su forma definida, y logran componer un cuadro de armonía donde la comicidad encuentra su lugar, en cada situación, en el correr de las desopilantes acciones. La dirección de Antonella Placenti encuentra el tono, y logra que sus actores también se metan en la dinámica que requiere la comedia para su efectividad en el espectador. Es interesante el modo en que la comedia, se estrenó en 1851, y el film homónimo dirigido por René Clair, en 1927, se actualizan ante nuestra mirada con estos personajes típicos del vaudeville -el militar, el joven elegante, la novia y el marido engañado, entre otros- que van produciendo estas situaciones de comicidad antes detalladas. Una situación solemne, la boda, que sin violencia y con humor picaresco va encadenando las distintas escenas. Una puesta en escena necesaria para todos los simples mortales, pues tiene ese algo de humanidad chaplinesca casi ya perdida por nuestra sociedad globalizada.000161167 Un sombrero

Ficha técnica: Un sombrero de paja de Italia de Eugène Labiche. Elenco: Jazmín Szmetan, Mago Sánchez, Natalia Unsain, Daniel Ledesma, Lorena Dauff, Martín Portilla D’Arcangelo, Horacio Oscar Gómez, Braulio Crocitta, Florencia Ostryj, Daniela Jiménez, Tomás Martín Almandos, Camila Armenia Fuster, Agostina Leszczynski, Juan Ezequiel Mayana. Vestuario: Francisco Ramìrez. Diseño de Maquillaje: Fernanda Torres. Fotografía y Diseño Gráfico: Gustavo Reverdito. Supervisión Artística y Escénica: Gustavo Reverdito. Asistencia de Dirección: Ana Pasulevicius. Dirección: Antonella Placenti. Teatro El Vitral.

1 La obra se estrenó en el Théâtre du Palais-Royal de París el 14 de agosto de 1851, con Pierre-Alfred Ravel en el papel de Fadinard, Cécile Azimont, Lhéritier y Jean-François Kalekaire. La obra se representó en el Teatro Español de Madrid en 1952, con música de Jesús Guridi, dirección de Modesto Higueras e interpretación de Adela CarboneManuel ArbóMari Carmen Díaz de Mendoza y Fernando Igoa. Existen cuatro adaptaciones a la gran pantalla dirigidas respectivamente por los franceses René Clair (1928) y Maurice Cammage (1944), con Fernandel, por el checoslovaco Oldřich Lipský (1972) y por el ruso Leonid Kvinikhidze (1974). En 1945 el compositor italiano Nino Rota compuso la ópera El sombrero de paja de Florencia inspirado en esta obra de teatro. (Wikipedia)

Acasusso de Rafael Spregelburd

Estándar

Acasusso de Rafael Spregelburd

La comedia es una cosa seria

000158613María de los Ángeles Sanz

El taller de teatro La Odisea dirigido por Gastón Courtade lleva adelante una puesta donde el humor delirante cargado de ironía de la pieza de Rafael Spregelburd Acasusso (2007) desborda en los noventa minutos que transcurre en escena con muy buenas actuaciones, y un ritmo que no decae. Un ritmo que exige a los actores un tempo intenso, que solo se detiene por segundos en los apagones que señalan el paso del tiempo entre situación y situación. Con el marco de una escenografía funcional, los tipos humanos que construye el discurso desde una buscada exageración, desfilan los personajes que producen la rápida identificación por parte del espectador, que a la vez que se ríe abiertamente de acciones y dichos, también tiene elementos que le provocarán luego un instante de reflexión sobre una sociedad que basa sus principios en la familia y la educación. Spregelburd deconstruye ese imaginario y nos muestra el revés de la trama, aquello que uno puede intuir o saber pero que todo allí, en el espacio escénico, hace que nos brote la carcajada porque parece demasiado. Las diferencias de clases entre educandos y educadores, es una frágil línea que deja a todos muchas veces en offside, fuera de los límites de lo legal, tanto para unos como para otros. Cada uno de los personajes tienen una composición que va como requiere el género, desde el exterior: vestuario, maquillaje, voz, postura corporal; construcción que favorece la empatía a través del reconocimiento. En una propuesta de dirección que aprovecha el espacio para, respetando la textualidad dramática, construir diferentes puntos de fuga, donde una secuencia central compite con pequeñas acciones simultáneas que obligan a una mirada que se desplace necesariamente y elija que privilegiar. No es tarea fácil, evitar la superposición de situaciones, pero el procedimiento le da a la puesta una agilidad donde se busca evitar huecos en la acción. El timbre, los símbolos: la bandera y el himno, son junto al guardapolvo blanco un distintivo de clase. El grupo en escena funciona en armonía al mismo tiempo que logra construir las diferentes subjetividades que componen ese universo llamado escuela. La directora y su revés la vice, la secretaria, la fonoaudióloga, el profesor de gimnasia, la nueva, la infaltable vendedora de ropa y bagatelas, la maestra que retoma sus clases, los problemas salariales, las reuniones con el sindicato, y la esperanza puesta en las piernas de una promesa futbolística, son los elementos que lo conforman. El afuera también se hace presente en la figura de la madre de los alumnos, ejemplo de una difícil relación, tomando la parte por el todo, y en la noticia de los atracadores del banco de Acasusso, que tras su golpe afortunado son considerados héroes, en ese territorio donde hay de todo menos dinero. El dinero, elemento esencial para llevar adelante los sueños de todos los integrantes de ese micromundo donde se tejen voluntades encontradas. El dramaturgo escribe la obra y se la dedica a la educación pública y a su hermana docente:

A mi querida hermana, Roberta, que llegó a casa llorando amargamente el día de su primera suplencia en una escuelita de Merlo; tal vez el humor despiadado, urgente de esta obra no sea más que el intento estéril de hacer justicia y revertir la impresión con la que ese día quedó grabado en mi memoria. A la educación pública. A todos los que luchan por lo preservación del futuro. R.S. (11)000158617

De esta manera, exorciza un recuerdo que toma otra dimensión a partir del discurso escénico; situación que reproduce el grupo La Odisea, cuando nos permite a través del humor, y de la risa franca, poner fuera los demonios de un tiempo presente que tiene una vez más a la educación en el ojo del huracán. Porque más allá de lo desopilante de las situaciones, lo que aparece es el inquietante estado de precariedad en que se encuentra nuestra docencia, por lo excesivo del número de obligaciones que debe llevar adelante el educador en nuestras escuelas públicas. Acasusso satiriza a la docencia, pone hasta el límite del absurdo la mayoría de sus acciones, pero también nos permite ver tras la burla, la constante lucha por sobrevivir. 000158662

Ficha técnica: Acasusso de Rafael Spregelburd. Elenco: María Antonio, Tatiana Borjas, Ewa Czarnecka, Florencia Feldman, Laura Judith Moin, Daniel Righetti, Natalia Vallone. Actores invitados: Marcelo Frasca, Jorge Váldéz. Dirección y puesta en escena: Gastón Courtade. Fotos y diseño gráfico: Fernando Lendoiro. Asistencia de dirección: Liliana Perez. Código Montesco Teatro. Este espectáculo surge del taller “avanzado 2016” de La Odisea.

Bibliografía:

Spregelburd, Rafael, 2008. Los verbos irregulares. Buenos Aires: Colihue Teatro. Dramaturgias argentinas.

La discreta enamorada de Lope de Vega

Estándar

La discreta enamorada de Lope de Vega

Una comedia de enredos ejemplar

ladiscretaAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Lope de Vega y su inacabable ingenio escribe La discreta enamorada en el siglo XVII, luego compondrá su El arte nuevo de hacer comedias, proponiendo un marco teórico a lo que se llamó: La comedia nueva, o la comedia tragicómica, que luego todos trataron de igualar1 tras el éxito de público que sus textos producían y que no era entendido por la Academia que quiso probar al dramaturgo pidiéndole que redactara la teoría que ya estaba afianzada desde la práctica. Lo hizo, y sólo fue reafirmar aquello comprobado.

(40) y cuando he de escribir una comedia,

encierro los preceptos con seis llaves,

saco a Terencio y a Plauto de mi estudio

para que no me den voces, que suele

dar gritos la verdad, en libros mudos,

(45) y escribo por el arte que inventaron

los que el vulgar aplauso pretendieron

porque como las paga el vulgo, es justo

hablarle en necio para darle gusto. (Perinelli, 2011: 333)

La propuesta de Santiago Doria, nos acerca al talento del dramaturgo del Siglo de Oro español, y lo hace recreando la fuerza de la palabra, sin una escenografía rebuscada2, sino buscando responder a la palabra como centro del trabajo como aconsejaba el autor en su tiempo y apostando a la composición de los personajes; es decir, confiando en su equipo de actores para darle brillo a una pieza reconocida del autor, una de sus comedias más conocidas. Respetando su lenguaje en verso, la agilidad de sus acciones, el procedimiento de los apartes, y con un vestuario que más allá de él nos remite al siglo XVII, la puesta nos deja como espectadores disfrutar de una historia de amor y enredos, donde la malicia y la lucha de los géneros no deja de estar presente. Las actuaciones cumplen con su performance con eficacia, y nos brindan un momento de brillante comicidad, aquella que atravesará los siglos para recordarnos sus recursos en nuestro teatro popular. Si bien hay una adaptación, la esencia del texto dramático se mantiene logrando un relato dinámico y con un tiempo justo. Los movimientos coreográficos, los continuos desplazamientos, la música que nos recuerda a la zarzuela y la melodía intrínseca de los versos construyen una narración que tiene su propia musicalidad. Más allá de la presentación de la obra y de su cierre interpretada de forma coral. En tanto la perfecta iluminación termina de crear ese universo de comedia en el cual la bella Fenisa intenta conquistar a Lucindo, mientras el Capitán Bernardo -padre de éste- pide la mano de la joven. Una puesta en escena que de forma acabada construye estos enredos amorosos para el disfrute del espectador.000157232

Ficha técnica: La discreta enamorada de Lope de Vega. Elenco (por orden aparición): Irene Almus (Belisa), Ana Yovino (Fenisa), Mónica D’Agostino (Gerarda), Mariano Mazzei (Lucindo), Pablo Di Felice (Hernando), Francisco Pesqueira (Doristeo), Gabriel Virtuoso (El capitán Bernardo). Asistentes de dirección: Gastón Ares y Jazmín Ríos. Asistente de iluminación: Sofía Montecchiari. Realización de sombreros: Traipi. Realización de vestuario: Stella Giorgio. Iluminación: Leandra Rodriguez. Vestuario: Susana Zilbervarg. Música Original: Gaby Goldman. Producción Ejecutiva Rosalía Celentano. Prensa: Haydée Marochi. Fotografía y diseño: Fernando Lendoiro. Dirección Santiago Doria. Centro Cultural de la Cooperación: sala Solidaridad. Estreno: 12/05/2017. Duración: 90′.

Bibliografía:

Perinelli, Roberto, 2011. Apuntes sobre la historia del teatro Occidental. Tomo 2. Buenos Aires: Instituto Nacional del Teatro.

Tal como dice Rozas, la doctrina de El arte nuevo estaba mediatizada por la ironía, la erudición y la fantástica experiencia de dramaturgo de Lope. A partir de ella todos se declaran sus discípulos, todos tuvieron El arte nuevo como bandera, como un texto que se conformará sólidamente como la Poética de la Comedia Nueva o Tragicomedia” (Perinelli, 2011: 331)

 

2 (…) en la compañía nadie ejercía el oficio de director teatral, al menos según la consideración que actualmente ha ganado el rubro. La dirección escénica dependía en absoluto del poeta; él, desde su texto, decía como debía montarse la obra. Las indicaciones, importantes e insoslayables, estaban incluidas dentro de los versos o en alguna magra acotación. De modo que los poetas de la comedia nueva imponían una manera de leer sus piezas, fácilmente decodificable durante el Barroco pero que suele complicar a los adaptadores y directores contemporáneos, que suelen cometer el error de forzar la voluntad dramática que late dentro del texto para generar dispositivos afines con una teatralidad moderna, que ningún modo, es la de aquellos tiempos. (Perinelli, 2011: 284)

Código Tartufo. Molière 1975 de Merceditas Elordi

Estándar

Código Tartufo. Molière 1975 de Merceditas Elordi

Dorina: ¡Cómo sabe escudarse el traidor detrás de lo que todo el mundo respeta!

000151348No te metas… por algo será…

Azucena Ester Joffe

Desde su título, como aglutinador sémico, la obra entrecruza ficción –Tartufo comedia en versos alejandrinos estrenada y prohibida de inmediato en 1664y realidad -la fuga de la cárcel de mujeres del Buen Pastor, Córdoba, el 24 de marzo de 19751. Si Molière2 quiso dejar al descubierto la hipocresía de aquellos falsos devotos que tenían gran influencia sobre el rey de Francia, Luis XIV, la obra que nos ocupa hurga en nuestra memoria colectiva y nos interpela al recordarnos la triste frase “no te metas… por algo será…”. No debemos olvidar que el terrorismo de Estado destruyó el entramado social; por temor y por “cierto desconocimiento” muchos ciudadanos comunes negaron lo que sucedía e incluso fueron delatores. Y hoy ante tantos hechos de violencia e inseguridad, de corrupción, de atropello, de malestar social,…, sigue resonando el “no te metas…”. Por lo tanto es necesario recurrir al humor para plantear una mala costumbre que ya se ha naturalizado en nuestra sociedad. La escritura dramática, Merceditas Elordi, de forma interesante deja al descubierto el núcleo duro de la historia, ésto le otorga al relato un contrapunto introspectivo instalando la pregunta sobre cuál sería nuestra decisión a tomar en determinados momentos. Un punto para reflexionar sobre la función y el compromiso del quehacer teatral, en general, y de cada individuo como sujeto social, en particular.

58fb635b4df88_645x362

Gentileza de Télam

Al inicio, el colorido vestuario de aire cortesano nos remite a una obra que está por comenzar, el ensayo general a pocos días de su estreno, donde cada integrante busca la perfecta unión del texto y la construcción de su personaje. En el espacio escénico los pocos elementos y los grandes paneles de lienzo permiten a los intérpretes los continuos desplazamientos y crear, a su vez, a partir de las acciones, otro espacio más íntimo para instalar el debate. Tal vez si la primera parte fuera algo más breve ganaría en intensidad la obra, pues la segunda parte nos ubica en ese 24 de marzo con la aparición de la joven que ha escapado de la prisión e interrumpe el ensayo, y les suplica que no la entreguen pues ella no ha cometido delito, sólo decir sus sueños en voz alta. El elenco, con algunos altibajos, logra crear la tensión entre la duda y el miedo, el compromiso y la indiferencia: ¿ellos realmente saben lo que todos saben? Una situación límite que va dejando al descubierto la toma de posición de cada uno. La metateatralidad y la memoria colectiva son los dos pilares de Código Tartufo. Molière 1975, estamos seguros que a medida de que cada criatura -el trepador Tartufo, el gran burgués Orgón, la fiel criada Dorina, la bella Mariana,…, y la joven militante Alicia- vayan transitando este recorrido en las próximas representaciones se convertirá en un hecho teatral acabado. La música, las coreografías y la iluminación le otorgan el ritmo preciso a la propuesta escénica. Por otro lado, la comicidad como herramienta social focaliza nuestra mirada sobre determinados personajes, en especial en Dorina. Un relato con final incierto que permite varias lecturas; quizá la más obvia sería que dejemos comportarnos como el ñandú que baja su cabeza hasta el suelo ante cualquier peligro intentando pasar desapercibido. ¡Basta de silencio y de omisión! codigo

Ficha técnica: Código Tartufo. Molière 1975. Intérpretes: Ariel Osiris, María Laura León, Belén Fernández Díaz, Mauricio Méndez, Julia Azar, Agostina Botta y David Señoran. Equipo creativo. Concepción: David Señoran, Ariel Osiris y Merceditas Elordi. Dramaturgia y adaptación: Merceditas Elordi. Música Original: Sergio Postigo-Federico Casalinuovo. Diseño de Escenografía: Edgardo Aguilar. Diseño de Vestuario: Federico Casalinuovo. Diseño de Maquillaje: Lucerito Joss. Diseño de Iluminación: David Seiras. Fotografía & Diseño Gráfico: Adrián Arellano. Prensa: Duche&Zarate. Asistente de Dirección: Dayanna Quecano. Coaching Actoral: Merceditas Elordi. Dirección General: David Señoran. ElKafka Espacio Teatral. Estreno: 07/04/2017.

1 Entre 1974 y 1975 fue llegando a la cárcel del Buen Pastor un número cada vez más grande de presas políticas. En los primeros meses de 1975, unas 40 detenidas de diferentes organizaciones: Partido Revolucionario de los Trabajadores-Ejército Revolucionario del Pueblo (PRT-ERP), Montoneros, Peronismo de Base (PB), Fuerzas Armadas de Liberación (FAL), Partido Comunista (PC), se encontraban alojadas allí. Ubicadas en un principio en el pabellón de presas comunes y luego trasladadas a un pabellón especial donde se encontraban aisladas, algunas de ellas comenzaron a planificar una fuga que se concretó el 24 de mayo de 1975…

http://www.iai.spk-berlin.de/fileadmin/dokumentenbibliothek/Iberoamericana/40-2010/40_Tello.pdf [29/04/2017]

2Es comúnmente celebrado el hecho de reconocer en la comedia del Tartuffe una de las obras maestras de Molière y de la literatura dramática francesa de todos los tiempos. Sin duda, el éxito de esta obra y de su representación -sin menoscabo de las cualidades literarias y dramatúrgicas de su creador-, está motivado en buena medida por la polémica suscitada por el tema tratado: la falsa devoción, la hipocresía religiosa. Molière escoge como personaje central todo un carácter que provoca un cataclismo de opiniones desfavorables en quienes se veían atacados por el autor mediante la conducta de Tartuffe. Semejante situación no deja indiferente a las clases poderosas de la época: Iglesia y Estado (Compañía del Santo Sacramento, príncipe de Conti, presidente de Lamoignon), a pesar de la insistencia con que el autor pretende demostrar que su crítica sólo recae contra quienes no practican «correctamente» la virtud… http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/el-hipcrita-de-molire-en-la-traduccin-de-jos-marchena-1811-0/html/01d5d8ee-82b2-11df-acc7-002185ce6064_3.html [01/05/2017]

Una espina en el zapato de Nazareno Molina

Estándar

Una espina en el zapato de Nazareno Molina

Lo que importa es la familia

18109777_10212948473725697_700985862_nMaría de los Ángeles Sanz

La comedia en el sistema teatral argentino desarrolla desde siempre un punto temático: la familia. Atravesada por las contradicciones sociales y políticas, la familia es el centro de todas las discusiones porque es el corazón de la sociedad en nuestro imaginario, con una fuerza que deviene de nuestra identidad latina. Las historias se multiplican en el tiempo, y si bien a veces pareciera que la partida la gana el vodevil, la comedia ligera de múltiples personajes donde la confusión en un tema menor es su estructura; sin embargo, la cartelera en este momento nos presenta comedias que a pesar de contener su buena dosis de humor, encuentran con su temática la forma de presentar en escena un friso de nuestras más duras problemáticas como sociedad: la violencia que nace de una violación y sus consecuencias, la ambición que quiebra la hermandad, el trabajo con la droga como camino a la riqueza y al poder, la traición, la enfermedad, el abuso de clase y la lucha por una lucidez que como un brillo escondido surge de quien menos se lo espera y nos enfrenta a todos con la verdad de nuestra propia condición. Esto es lo que la compañía Friwox Teatro dirigida por Nazareno Molina ofrece en la sala Liberarte; cuando nos presenta Una espina en el zapato, una puesta que como un espejo cóncavo nos devuelve un conjunto de personajes que presentan en torno a sus relaciones familiares la otra cara de la utopía de la familia feliz que guardamos en nuestro imaginario. En un espacio construido con las generaciones puestas en equilibrio, la vejez a la izquierda, la niñez a la derecha, y un centro ocupado por la mesa familiar donde las edades medias son las que deciden sobre todos. Una mujer, Modesta, sufre de Alzhemir, y pareciera vivir en un mundo cada vez más pequeño del que se van borrando los recuerdos, pero no todos.

Es a la vez un personaje narrador que nos va introduciendo en su vida, a partir precisamente de esa memoria que pareciera estar perdida para siempre. Su marido, Roque, sus hermanos: Gladys, Yolanda, Evaristo, sus sobrinas, todos se reunirán en una noche de revelaciones, la de Nochebuena, donde las acciones y las palabras contradicen las intenciones de paz y amor. En el medio de todos, Nicolasa, testigo de todas las bajezas, o de casi todas ya que a pesar de saber muchas cosas de la familia, esa noche también recibirá una cuota más de una verdad que aún se mantenía oculta. El ritmo de la puesta es dinámico, con un solo apagón en la mitad, elipsis de tiempo necesaria para el cambio de situación, las secuencias se suceden entre el humor negro y cínico de Nicolasa, que sirve de antídoto a las palabras y los hechos llenos de hipocresía de los hermanos. Las buenas actuaciones mantienen la armonía del trabajo, cada cual lleva adelante su personaje y lo conforma haciéndolo creíble, reconocible para el público. El trabajo de Nazareno Molina, construye desde lo físico un personaje grotesco en su figura pero verdadero y fiel en su manera de pesar las acciones de uno y otro. El sostendrá el final de la puesta cuando reciba como un dardo envenenado la última estocada de la boca de donde se escapan todas las certezas. Nazareno Molina, tiene una mirada aguda para el retrato de la vida de sus personajes, es por eso, que el espectador de sus obras empatiza con ellos y mantiene el interés hasta la última instancia. Siempre guarda una carta en la manga, un secreto que se irá deslizando de a poco que nos hará intuirlo para luego asestarnos el golpe final de la palabra reveladora. La compañía que nace en 1996, cuenta con dos grupos uno que está representando la pieza en Entre Ríos y el que lo hace en Buenos Aires. Una espina en el zapato es una comedia que busca a través de entre – tener al espectador, darle una mirada desnuda y veraz, despojada de los finales edulcorados de las comedias blancas, para enfrentarlo consigo mismo, con sus carencias, con la ferocidad de un individualismo que nos destruye. 18109755_10212948474125707_342473787_n

Ficha técnica: Una espina en el zapato de Nazareno Molina: Actúan: Silvia Dell’ Aquila, Nazareno Molina, Juan Carlos Torréns, Marcela Varcasia, Cecilia González, Sandra Sylveira, Oscar Cubile / Jackie Tyrrell, Valentina Gencarelli / Valentina Latella Frías. Puesta en escena: Nazareno Molina. Escenografía y utilería: Grupo Friwox. Diseño de iluminación: César Álvarez. Operador de luces y sonido: Oscar y Pablo Toledo. Vestuario: Grupo Friwox. Maquillajes y peinados. Grupo Friwox. Locución: Alberto Dorati. Fotografía: Maggie Zacarías. Diseño gráfico: Sala B diseño y comunicación. Asistente de dirección: Pablo Toledo. Dirección general: Nazareno Molina. Producción general: Grupo Friwox. Sala Liberarte.

La alegría de Ignacio Apolo

Estándar

La alegría de Ignacio Apolo

La alegría no es la felicidad

Om Navo Bhagavate Vasudevaya (Saludo al morador omnipresente, omnipotente, inmortal y divino que vive en mi interior)1

000153064Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La familia y sus disfunciones, la familia y una clase social, la clase media, con su manera de ver y sentir; la política más contemporánea como contexto de una problemática centrada en el pequeño universo de una familia. Una dramaturgia que vuelve su mirada a la clase a la que pertenece y una vez más, ahora en viso de comedia, se toma el pelo a sí misma, en una crítica que contiene dolor y empatía. Madre, hijo e hijas y el novio más joven, necesaria reafirmación de juventud, de estar todavía dentro del sistema. Moto, ropa rockera, new age, vida sana, y la salud como fundamento, a pesar de que nada sirve contra la realidad. Antídotos, la música, el amor, las fiestas, el alcohol, las drogas, la búsqueda de la alegría, de cualquiera, artificial sin sentido profundo. Dentro de un mundo capitalista que reniega de su condición, que no se asume como tal; así afirma Wolfgang Streck. Para sostenerse el sistema capitalista incentiva cuatro tipo de comportamientos: coping- enfrentar la adversidad con inacabables paciencia y optimismo; hoping- creer de forma ilusa que a uno le espera un futuro mejor a pesar de las circunstancias en que uno se encuentra; doping- acudir a ayudas externas como por ejemplo, las drogas o el alcohol; shopping- ser un obediente miembro de la sociedad consumista. Todos y cada uno de ellos están presentes en los personajes que construye Apolo para una pieza teatral que trabaja con temas duros que golpean a nuestra sociedad, pero atravesados por el humor, la música y la mística de las religiones orientales; donde somos malas copias de un manera de pensar el universo, que seguimos tras la forma y el lenguaje, los mantras, sin comprender su hondo significado. 000153025Porque como clase media seguimos la zanahoria de lo foráneo como mejor para la vida, venga de donde venga, sin indagar en nosotros mismos y que es lo que necesitamos para crecer. Formas de pensamiento que asimilamos como propias, mientras dejamos de lado nuestra manera, la ignoramos porque no queremos vernos. Formas de pensar impuestas, desde la estructura corporal que está de moda en los grandes centros del norte, hasta el sentido de la comida, o como debemos cuidar el cuerpo y nuestra salud. La enfermedad como una peste que debe ser ocultada también, y vestida de desenfreno de juventud permanente para negar lo inevitable, que en algún momento se nos acaban las pilas. La alegría es eso que se da en la superficie de nuestras acciones, en el vértigo de una vida hecha para no pensar demasiado en lo que nos duele. Una escenografía funcional: una heladera, un sillón, una mesa, un microondas, pero que también cumplen otras tareas. Una disposición en diagonal que permite los desplazamientos, la música que distiende y enfoca las miradas en los cuerpos que se expresan. Los cuerpos, territorios, mapas donde construir un relato que las palabras no alcanzan a expresar, y que los cuerpos si desde un lenguaje que va desde la sexualidad hasta la enfermedad, síntoma y signo de una necesidad siempre presente, la del amor, la ternura y la escucha atenta que permite por fin conocernos en el otro. 000153028

Ficha técnica: La alegría de Ignacio Apolo. Actúan: Matias Alarcon, Lucas Barca, Rosario Ruete, Andrea Strenitz, Martina Viglietti. Escenografía e Iluminación: Félix Padrón. Sonido y musicalización: Daniel Quintàs. Coreografía: Rosario Ruete. Coaching actoral: Malena Bernardi. Diseño gráfico: Belén Garófalo Asistencia: Julia Lucesole. Dirección: Ignacio Apolo. Teatro El Extranjero. Estreno: Marzo 2017. Duración: 80′.

1 Om Navo Bhagavate Vasudevaya es un mantra hindú dedicado a Vishnu y a Krishna. Se le conoce como el mantra de la liberación. Tiene 12 sílabas y se recita para alcanzar la libertad.