Archivo de la categoría: Teatro en Buenos Aires

Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2018

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Festival Temporada Alta en Buenos Aires 2018

Timbre4 se prepara para recibir a la 6ta edición del TABA

7 países, 37 funciones, 11 espectáculos y 1700 entradas a la venta

Azucena Ester Joffe

El jueves 7 del presente mes se presentó en el bar de Timbre4 la programación detallada de la próxima edición de TABA 2018, a realizarse del 1 al 11 de Febrero. En una amena y distendida merienda la presentación estuvo a cargo del equipo de Timbre4 / TABA. Como ya es habitual contará también con el clásico Torneo de dramaturgia, entre otras actividades. Las entradas1 se pueden adquirir vía la web: www.timbre4.com

Claudio Tolcachir, con unas breves palabras, nos dio la bienvenida a todos los medios presentes y comentó sobre la búsqueda para hallar la mejor forma de festejar los 15 años del teatro: seguir apostando a realizar cosas distintas, generando nuevos proyectos y abriendo el espacio para todos aquellos que quieran participar. Nada más oportuno que comenzar el año con esta 6ta edición, con nuevos cruces en la participación de los diferentes países que originan, a su vez, los talleres.

El equipo recordó que Temporada Alta comenzó con obras catalanas y luego se fueron incorporando otras regiones a lo largo de las ediciones. El punto de contacto entre las propuestas escénicas es compartir el mismo espíritu que tiene Timbre4 en la forma de producir y difundir teatro a partir de la multiculturalidad. Las obras programadas viajarán por cuatro ciudades –Girona, Lima, Montevideo y Buenos Aires; será un recorrido atrayente para todos los elencos pues el itinerario se basa en las relaciones humanas establecidas en esos sitios. Un circuito que comenzó a partir del vínculo entre el Festival de Temporada Alta y Timbre4 y que, dentro de las mismas producciones, contiene dos líneas curatoriales: la del equipo catalán y la del argentino. Este último lleva a cabo la búsqueda de una sólida programación sólida latinoamericana, con el objetivo de armar una red de espacios con proyectos lúcidos desde una mirada contemporánea. El Torneo de dramaturgia transatlántico, como en años anteriores, es el cruce entre autores y actores, catalanes y argentinos, que deberán leer un texto de formato breve ante el público presente, con la particularidad que sólo tendrán dos horas para preparar el correspondiente round. Luego, mediante la votación popular, se determinará el campeón y subcampeón, promoviendo de esta forma el contacto entre dramaturgos de diversas culturas. Realizar este Festival en febrero no desalienta a sus organizadores sino que, por el contrario, para ellos es la mejor forma de ubicarse como equipo de hacedores teatrales en un lugar especial, dentro del mapa teatral porteño, para contar algo distinto como es TABA. Un intercambio artístico en pleno verano argentino que se viene realizando con muy buena recepción, aunque el año pasado disminulevemente debido a la coyuntura de nuestro país, pero la apuesta actual es ir por el 100%. Un acontecimiento escénico que se realiza de forma independiente y cuenta con el esfuerzo de todos los que intervienen. El equipo a cargo del Festival también comentó que en el 2018 se podrá participar de los tres workshops, además se suma un espacio de conversación e intercambio post-función y que ya cuentan con un afiche de difusión que unifica a las ciudades participantes.

Programación TABA 2018

Ramón no es nombre para un gato blanco (España / Badajoz) Una historia de contrasentidos grotescos

Interpretación y dramaturgia: José Antonio Lucia. Dirección: Pedro Luis López Bellot. Foto y video: Félix Méndez. Producción: Murática Teatro. Duración: 70’.

Cosas que se olvidan fácilmente (España / Cataluña) Un juego de cartas convertido en un montaje teatral para cinco espectadores

Creación, dirección e interpretación: Xavier Bobés. Vestuario: Antonio Rodríguez. Producción: Xavier Bobés y el Festival TNT- Terrassa Noves Tendències. Colaboración: L’Animal a l’Esquena. Duración: 90’.

PLUJA (España / Cataluña) Música, títeres, gesto y teatro visual. Un espectáculo íntimo y cercano

Intérpretes: Guillem Albà – Clara Peya. Creación: Marc Angelet, Andreu Martínez, Clara Peya – Guillem Albà. Dirección: Guillem Albà. Dirección musical: Clara Peya. Dramaturgia: Marc Angelet. Coreografía: Ariadna Peya. Duración: 40’.

Psicosis de las 4.48 (España / Cataluña) Anna Alarcón, Mejor actriz Premio BBVA de teatro 2016

Autora: Sarah Kane. Traducción: Anna Soler Horta. Actriz: Anna Alarcón. Dirección: Moisès Maicas. Producción: The Three Keatons. Duración: 80’.

Solo una actriz de teatro (Uruguay) Estela Medina, discípula de Margarita Xirgu

Texto: Gabriel Calderón. Dirección: Levón. Intérprete: Estela Medina. Escenografía y luces: Claudia Sánchez. Vestuario: Soledad Capurro. Banda Sonora: Fernando Condon. Dirección adjunta: Homero González Torterolo. Dirección técnica: Claudia Sánchez. Producción artística, dramaturgismo: Laura Pouso. Producción general: Laura Pouso. Duración: 70’.

Savia (Perú) Explotación, pueblos indígenas, tortura y capitalismo

Elenco: Leonardo Torres Vilar, Patricia Barreto, Cindy Díaz, Evelyn Allauca, Alejandra Bouroncle, Fiorella De Ferrari, Ricardo Velásquez, Luis Sandoval, Antonieta Pari. Dramaturgia: Luis Alberto León. Versión y dirección: Chela De Ferrari.

Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar (México) Versión a partir de Las Criadas de Genet

Intérpretes: Diana Magallón García – Mari Carmen Ruiz. Dirección: Damián Cervantes. Compañía: Vaca 35, Teatro en grupo. Duración: 50’.

Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar (México) Creación teatral desde Tres Hermanas de Chejov

Creación colectiva: Vaca 35 Teatro en Grupo. Dirección: Damián Cervantes. Producción ejecutiva: Sergio Ecatl. Producción: Vaca 35 Teatro en Grupo. Intérpretes: Mari Carmen Ruiz, Damián Cervantes, Gabriela Ambriz, Diana Magallón, José Rafael Flóres, Héctor Hugo de la Peña. Duración: 60’.

Pompeya (Chile) Marginación, migrantes y discriminación

Dirección e idea original: Rodrigo Soto. Dramaturgia: Gerardo Oettinger. Elenco: Guilherme Sepúlveda, Rodrigo Pérez, Gabriel Urzúa, Gastón Salgado. Diseño sonoro: Daniel Marabolí. Diseño integral: Gabriela Torrejón. Producción: Alessandra Massardo. Duración: 90’.

El Cruce (Argentina) Adaptación del cuento homónimo de Sebastián Borkoski y relatos de Horacio Quiroga

Actúan: Juan Kohner, Toño López, Andrés Main. Dirige: Gabriela Trevisani. Dramaturgista: Valeria Folini. Luthierías y objetos: Jani Toscano. Asistencia coreográfica: Juancho Capurro. Diseño de luces: Teatro del Bardo. Vestuario: Laly Mainardi. Fotografía: Felipe Toscano. Diseño gráfico: Eva Cabrera. Duración: 50’.

Reparar a los vivos / Réparer les vivants (Francia) Adaptación de la novela de: Malas de Kerangal

Adaptación, puesta en escena e interpretación: Emmanuel Noblet. Producción: Centro Dramático. Nacional de Normandie – Rouen. Duración: 90’.

A partir de este interesante encuentro teatral comienza la temporada de Timbre4 con una completa programación que incluye veintitrés obras durante el 2018. Estrenos y reposiciones, incluyendo algunas producciones propias, con una clara propuesta de generar nuevos públicos y de encontrar novedosas formas de difusión para llegar a todos los sectores. Porque “el teatro hace bien” y, en especial, en los difíciles momentos que estamos atravesando como sociedad.

Timbre4 es una casa y la casa es una escuela y la escuela es un teatro. Y cumplir 15 años es una Fiesta2

Marisol Cambre: prensa@marisolcambre.com.ar

Información y redes

Web: http://www.timbre4.com

Facebook: /teatrotimbre4

Instagram: teatrotimbre4

Twitter: @TeatroTimbre4

Hashtag: #disfruTABA

1Preventa: todas las obras a $200.- hasta el 31/12/2017 [según el material entregado de Prensa]

2Idem

 

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Kinderbunch de Diego Manso

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Kinderbunch de Diego Manso

Esa furia helada la mantenía erguida con una fuerza que el cuerpo de ella nunca tuvo, y le venía de la maldad. (Paula Wajsman)

Me quedo ahí y disparo al aire (Ibsen, Hedda Gabler)

CCK correspondenciaAzucena Ester Joffe, María de los Angeles Sanz

Una mujer pequeña, vestida de negro, embarazada, se mueve a través del espacio, lo recorre, de pie, se arrastra, pone y quita sus zapatos, está inquieta, y luego comienza a hablar, a hablarse a sí misma, a contarle al ser que va a llegar la historia de una vida, la suya, su relación con el padre, con las armas, con sus amantes, con sus amores, con su amiga Tea, y con él mismo, el hijo producto de un braguetazo, es decir, de un matrimonio por conveniencia. El fascismo, el alemán, el italiano y el español, son el contexto que nutre esa vida que crece como una flor distinta en el medio de un campamento militar. Aprender a matar como placer, como hobby, tan excitante como el sexo, tan violento como él. Una piel de cordero que oculta la ira de haber sido derrotados en una guerra que formaba parte de un plan de purificación racial, de la construcción de un orden, la paz de los cementerios, todo ordenado y prolijo por fuera, escondiendo un infierno en su interior. Como Hedda Gabler el arma es una prolongación de su vida, como ella la relación con su padre es constitutiva de su subjetividad. Belén Blanco logra una performance excelente en la composición de ese personaje víctima y victimario a la vez, que guarda en sí misma las contradicciones entre el bien y el mal, una balanza que siempre se vuelve hacia la negatividad de su deseo oscuro. El personaje de Manso no dispara al aire, con un arma o toda ella como una, dispara al corazón de sus víctimas, su novio poeta, su mejor amiga, a su hijo, en un afán de matar el alma de su padre que la habita. El dramaturgo logra construir una textualidad que le saca la máscara de cordero al personaje de Ibsen, y nos lo entrega en carne viva, palabra tras palabra, hasta encontrar el camino de su destino. Germana juega con los límites, desde todos los lugares posibles, los imaginarios y los físicos, cuando abre la ventana y ensaya una mirada al abismo que no concreta. Kinderbunch, libro de cuentos para niños, solo que el relato no es un cuento, sino una verdad pesada y trágica que ya no puede sostener, y que necesita ser expulsada, dicha como un vómito imprevisto, para llegar hacia el final del camino. Belen Blanco en Kinderbuch_Foto por Bruno Perotti2-2

Durante noviembre del presente año, el ciclo Correspondencias, curado por Daniela Lozano, se presentó con dos obras cuyo punto de partida es el intercambio epistolar. Los martes, Correspondencias I, con música en vivo Ingrid Pelicori y Horacio Peña le dieron vida con sus voces al encuentro epistolario de grandes figuras. Los miércoles se presentó la obra que nos ocupa, Kinderbunch. Esperamos la pronta reposición de ambas para todos los amantes del buen teatro.Belen Blanco en Kinderbuch_Foto por Bruno Perotti1-1

Ficha técnica: Kinderbunch de Diego Manso (Trabajo escénico en proceso) Intérprete, producción, elección de Hedda Gabler: Belén Blanco. Diseño de imagen: Germán Gentile. [Foto: Bruno Perotti. Prensa: Débora Lachter] Asistente de dirección, producción, idea original Correspondencias / Hedda Gabler: Daniela Lozano. Dirección: Diego Manso. C C C: Hemeroteca. Miércoles de noviembre de 2017.

Bibliografía:

Wajsman, Paula, 2012. Punto atrás. Buenos Aires: Eduvim – Narradoras argentinas.

Temporada 2018 Complejo Teatral de Buenos Aires

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Temporada 2018 Complejo Teatral de Buenos Aires

El arte, las artes escénicas y la función pública

CTBAAzucena Ester Joffe

El Director General del Complejo Teatral de Buenos Aires, Jorge Telerman, el pasado 28 de noviembre, anunció la próxima Temporada 2018 en la sala Casacuberta. Telerman destacó que, al igual que en el presente año, la programación apunta a buscar la manera en que el público dialogue con cada propuesta escénica. Deteniéndose en algunas obras destacó que, particularmente aquellas que se presentarán en el Teatro San Martín, tienen una vocación de generar más preguntas, más dudas, que certezas […] Son momentos en que el arte, en general, y el teatro, en particular, pueden venir a generar espacios de reflexión y creemos que es una de las misiones del teatro y del teatro público, en particular.

Luego comentó que el Teatro Regio seguirá con la misma línea, la cual está dando grandes resultados, poniendo en escena los clásicos bajo una mirada contemporánea. Las localidades agotadas revelan que el dialogo con su público ha sido muy fecundo. Sobre el Teatro Sarmiento aclaró que será un año femenino -autoras, directoras y actrices. Y que se seguirá fortaleciendo la propuesta de lo emergente, de cierto riesgo, que caracteriza a este espacio. A continuación hizo referencia también al Teatro de la Rivera y a su mirada tanto en el publico del barrio como aquel que no lo es. Además mencionó la Temporada Internacional del Complejo -Uruguay, Reino Unido, Suiza, España, Y comentó sobre esas otras actividades Cinemateca Leopoldo Lugones, Hall Central TSM, Fotogalería,…- que funcionan como espacios de encuentro, como de iniciación a una cierta sensibilidad. También agradeció a los trabajadores del Complejo que se ponen al servicio de todos los creadores / artistas que se presentan en cada uno de los teatros.Telerman face CTBA

Jorge Telerman concluyó el lanzamiento de la próxima Temporada con la siguiente convicción:

Estamos absolutamente convencidos de que además de una programación intensa, de calidad y diversa, que recorre géneros, estilos, épocas, gustos, el Complejo tiene que funcionar cada vez más como un lugar de identidad, un sitio para compartir la experiencia estética que es tan central en una comunidad. Y son las políticas públicas, aunque no excluyentemente, las que permiten brindar esta posibilidad […] Cuando nos sentamos en una sala nos sabemos qué piensa o siente la persona que está a nuestro lado, sin embargo acordamos, durante una hora o más, compartir un evento artístico. A veces nos sentimos muy cerca de ese otro y una vez finalizado nos preguntamos por qué eso mismo no sucede en la comunidad. Cuando pensamos la programación del próximo año buscamos la excelencia de cada una de estas obras y también de qué manera podríamos sentir que tenemos un tesoro para compartir que, por distintos motivos, no somos capaces de trasladarlo a nuestra sociedad. Esa es la función que creemos que tiene el arte y las artes escénicas, en especial, sobre todo si se brindan desde un teatro público. ¡Ojalá que suceda!

TEATRO SAN MARTÍN

Sala Martín Coronado

Danza: Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín

Sapiens o La domesticación del fuego de Lisi Estaras

Ensueño de Marcelo Savignone

La tempestad (reposición) Versión libre de la pieza de William Shakespeare / Coreografía y dirección: Mauricio Wainrot

Teatro:

El casamiento de Witold Gombrowicz / Dirección: Michal Znaniecki

Incendios de Wajdi Mouawad / Dirección: Aderbal Freire-Filho / Por la Compañía Teatro El Galpón (Uruguay)

Proyecto Pruebas: El hipervínculo (Prueba 7)Dramaturgia y dirección: Matías Feldman / Por la Compañía Buenos Aires Escénica

Esperando a Godot de Samuel Beckett / Dirección: Pompeyo Audivert

Sala Casacuberta

Danza: Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín

El reñidero a partir de la obra de Sergio De Cecco / Coreografía y dirección: Alejandro Cervera

Teatro:

La tempestad de William Shakespeare / Dirección: Penny Cherns (Gran Bretaña / Argentina)

El bramido de Düsseldorf de Sergio Blanco (Uruguay)

Campo minado de Lola Arias (Gran Bretaña/Argentina)

Cae la noche tropical de Manuel Puig / Dirección: Pablo Messiez

Títeres para grandes y chicos: Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín

La isla desierta (reposición)de Roberto Arlt / Dirección: Adelaida Mangani

Sala Cunill Cabanellas

Teatro:

Las amargas lágrimas de Petra von Kant de Rainer Werner Fassbinder / Dirección: Leonor Manso

La reunificación de las dos Coreas de Joël Pommerat / Dirección: Helena Tritek

Rabiosa melancolía de Marianella Morena (Uruguay)

Tres veces al amanecer de Alessandro Baricco /Dirección: Mónica Viñao

An oak tree de Tim Crouch (Gran Bretaña)

Hall Central TSM

Danza: Força forte. Coreografía y dirección Gilles Jobin (Suiza)

Carta blanca Taller de Investigación Coreográfica del Ballet del Teatro San Martín

Bailemos en el Hall – Actividad especial

Charlas – “Escenas compartidas”

Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea (CCMC) Edición XXII. Sedes: Sala Casacuberta, Sala Cunill Cabanellas y Hall Central del Teatro San Martín; Sala Sinfónica del CCK y Teatro de la Ribera

Sala Leopoldo Lugones

Retrospectiva Derek Jarman

Grandes clásicos restaurados del cine japonés

A 50 años del Mayo francés

A propósito de la visita de Gilles Jobin (Suiza) para presentar en el Teatro San Martín Força forte, se exhibirá su película WOMB

Festival DocBuenosAires

Veteranos de Lola Arias

La flor de Mariano Llinás

BAFICI

TEATRO REGIO

Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín:

La vuelta al mundo en 80 mundos (reposición) Versión libre de Luis Rivera López. Dirección: Sergio Rower

La Musa y el Poeta de Eduardo Rovner / Dirección: Adelaida Mangani

Teatro:

Miedo de Albert Pla / Dirección: Pepe Miravete (España – Argentina)

Un enemigo del pueblo de Henrik Ibsen / Dirección: Lisandro Fiks

Blum de Enrique Santos Discépolo y Julio Porter / Dirección: Mariano Dossena

If. Dramaturgia y dirección de Gabriel Calderón (Uruguay)

Madre Coraje de Bertolt Brecht / Dirección: José María Muscari

TEATRO DE LA RIBERA

Teatro musical:

Crimen pasional (reposición)de Ástor Piazzolla y Pierre Philippe / Dirección general: Marcelo Lombardero

Striptease. Curaduría: Diana Theocharidis / Dirección: Alfredo Arias, Maricel Álvarez, Florencia Vecino y Pablo Rotemberg

Divino amore de Alfredo Arias y René de Ceccatty / Dirección: Alfredo Arias   

Danza: Danza al borde. Curaduría: Diana Theocharidis

TEATRO SARMIENTO

Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín:

La biblioteca de los libros desordenados de Nelly Scarpitto, Mariana Trajtenberg, Claudia Villalba, Daniel Scarpitto y Julieta Alessi / Dirección: Román Lamas

Teatro:

Arde brillante en los bosques de la noche (reposición) Dramaturgia y dirección: Mariano Pensotti

Retrospectiva Piel de Lava. Colores verdaderos / Neblina / Tren / Museo Dramaturgia y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández

Workshop sobre la creación grupal por el Grupo Piel de Lava
Petróleo. Dramaturgia y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández

Animal romántico. Dramaturgia y dirección: Agostina Luz López

Entrega de los Premios Luisa Vehil 2017

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Entrega de los Premios Luisa Vehil 2017

logoUna tarde de noviembre

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Llegó el día de que los ganadores se hicieran presentes en la entrega de los Premios Luisa Vehil, en el teatro que lleva el nombre de la recordada actriz. Todos los nominados, o casi todos se hicieron presentes, algunos ausentes con aviso, otras tareas los reclamaban, otras ausencias que lamentamos por lo sorpresivas. Éramos tantos, que el espacio se convirtió en baldosa. En un clima de alegría expectante, nos ubicamos en la sala teatral para dar las menciones y los premios, previo lunch en el hall, y todos mancomunados por los deseos y por las preocupaciones que el campo cultural tiene hoy día y que fue un comentario que no podía obviarse en una reunión donde todos amamos con pasión lo que hacemos, arriba o abajo del escenario. Una noche feliz a pesar de todo, angelada por el trabajo reconocido, porque todos los nominados estaban allí por el respeto y el talento desplegado en la obra. Una tarde de noviembre distinta, otra fiesta para el teatro que comenzó con unas breves palabras de Rubén Hernández Miranda y de Linda Máximo. Luego pudimos disfrutar de dos temas interpretados por la saxofonista María De Vittorio,  a continuación, con la cálida conducción de Camila Mestre y Federico Opstaczuk y colaboración de María Emilia Cornier, se comenzó con la entrega de diplomas y la apertura de los sobres para dar a conocer a los ganadores de cada rubro:

Actriz

Lorena Vega por Yo, Encarnación Ezcurra

Actriz de reparto

Lorena Székely por Abandonemos toda esperanza

Actor

Luis Machín por I.D.I.O.T.A. y El mar de noche

Actor de reparto

Ariel Pérez De Maria por Pasolini Invocación V

Dirección

Omar Pacheco por Dashua

Autor nacional

Matías Feldman por Pasolini Invocación V

Escenografía

Jorge Ferrari por El inspector

Iluminación

Omar Pacheco por Dashua

Vestuario

Emiliana De Cristófaro por Pasolini Invocación V

Espectáculo musical

Asesinato para dos

Música original

Ian Shifres por Tierra Partida, lo demás no importa nada y Donde duermen los grillos

Revelación

Lala Buceviciene por Tierra Partida, lo demás no importa nada y Donde duermen los grillos

Facundo Godoy por Auto de Fe entre Bambalinas

Cecilia Greco por La noche de Rita

Matías Odorico por Uz el pueblo

Lucía Villanueva por Uz el pueblo

Mención especial

Mirta Alvarez por su interpretación en guitarra y laúd en Bájame la lámpara -concierto de palabras

María De Vittorio por su interpretación de saxo en La noche a cualquier hora

La Guiada (Visita guiada del Teatro Cervantes – Teatro Nacional Argentino)

Leonardo Reale, creador y director general de la gala benéfica DANZAR POR LA PAZ

Imágenes de Susy Evans, Briski y Bartís leyendo textos de Eduardo “Tato” Pavlovsky

Trayectoria

Miguel Ángel Solá

Helena Triket23915483_10215231685089955_4692651655529660274_n

 

Bajo el bosque de leche (Under Milk Wood) de Dylan Thomas

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Bajo el bosque de leche (Under Milk Wood) de Dylan Thomas

Es una noche de primavera, sin luna, sin estrellas, negra como una Biblia en las silenciosas calles empedradas del pueblo, en el bosque encorvado de galanteadores y conejos, cojeando invisible hacia un mar negroendrino, cuervinegro, lentinegro, columpiador de barcas pesqueras1

pMUsyOpumnMurfBpTAhzAzucena Ester Joffe

Poner en escena esta “pieza radiofónica encargada por la BBC”2, estrenada en 1954 después de la muerte del poeta galés, es todo un desafío. En la obra que nos ocupa, a través de la particular escritura Dylan Thomas, para muchos el escritor y poeta más importante de la lengua inglesa del siglo XX, no encontramos una historia principal sino que son diversas y breves historias particulares -voces- que se van encastrando en un perfecto canevas a lo largo de un día cualquiera en primavera. El personaje narrador, la Primera Voz, surge entre las penumbras y se desplaza con suavidad invitándonos al silencio y a compartir el sueño de cada uno de los habitantes del pequeño pueblo de pescadores. Y así van surgiendo, después de finalizada la jornada, las distintas criaturas en un relato que podría resultar simple o podría parecer que nada pasa pero, por el contrario, es poéticamente polifónico. La mixtura de procedimientos tiene como hilo conductor la oralidad que se escurre entre los distintos espacios y la exquisita pregnancia de Ingrid Pelicori, quien con su relato nos lleva por un continuum de veinticuatro horas, atravesando las relaciones, privadas y pública, de la pequeña localidad galesa.

AQ4czeU0hWhEvZ09fvZTEl amplio espacio escénico mantiene la polifonía del texto, la precisa escenografía da cuenta de cada espacio con muy pocos elementos, mientras la “escurridiza” iluminación de forma parcial -con diferente intensidad y color- nos ancla en algún sitio preciso para que nuestra imaginación pueda resolver los límites edilicios. Al inicio, a través de los videos mapping, la noche nos sorprende -la inmensidad del mar o del bosque y la intimidad que se oculta…- y nos adentramos en la profundidad del mundo onírico que luego, con la luz del día, nos devuelve la monotonía que se pierde en la cotidianidad pueblerina. Por momentos, como en un largo travelling, recorremos a Llareggub sin prisa, con algo de parsimonia y, en otros, recordamos alguna colorida panorámica capturada por nuestra memoria en un viaje cualquiera. Estas potentes imágenes visuales están atravesadas, en un ensamble perfecto, por la excelente música en vivo y los diversos y precisos sonidos. El cuidadoso vestuario termina por cerrar cada historia mínima destacando con simpleza las singularidades. El trabajo actoral no tiene fisuras, por un lado, Luis Campos le otorga la carnadura necesaria a su Capitán Cat y, por otro, el resto del elenco con solvencia escénica se multiplica en otros personajes, ante nuestra atenta mirada, en un devenir de pequeños “retazos”, llenos de amor y desamor, de alegrías y tristezas, de juventud y ocaso,… Del texto primero, el guión radiofónico, se mantiene su matriz y se refuerza esa oralidad desde distintas perspectivas, como un prisma que nos invita a dejarnos llevar por lo onírico y la poesía para transformarnos en voyeuristas en estado de vigilia.0OQHGjoDCkuqGGs1jWNh

Ficha técnica: Bajo el bosque de leche (Under Milk Wood) de Dylan Thomas. Traducción Ingrid Pelicori (excepto canción de Polly Garter y textos de la filmación). Versión escénica: Mariano Stolkiner y Gustavo García Mendy. Elenco: Ingrid Pelicori (Primera Voz), Luis Campos (Capitán Cat), Belén Pasqualini (Rosie Probert, Lilly Smalls, Señora Dai Bread 1, Vecina, Gossamer Beynon), Picky Paino (Señorita Prince, Señora Dai Bread 2, Vecina, Niña, Geisha), Iván Espeche (Sansón, Señor Cherry Owen, Willy Nilly, Niño), Ariel Staltari (Waldo, Dai Bread, Nogood Boyo, Señor Beynon, Niño), Abril Piterbarg (Matti Richards, Niña, Señora Cherry Owen, Vecina), Alejandra Perlusky (Señora Ogmore Pritchard, Guía de turismo, Señora Organ Morgan, Polly Garter, Señora Beynon, Niña), Gustavo García Mendy (Organ Morgan, Músico), Miguel Rausch (Simbad Sailors, Niño, Músico), Martín Keledjian (Músico). [Faltan las apariciones en vídeo y voz en off]. Operadora de video: Pauli Coton. Operador de sonido: Rafael Sucheras. Coordinación de producción: Federico Lucini. Producción técnica: Matías Ledesma. Asistencia de dirección: Martín Ferreyra y Leo Méndez. Apuntadora: Cata Rivero. Asistencia de vestuario: Esmeralda Aragonés. Asistencia de escenografía: Vanessa Giraldo. Asistencia artística: Eleonora Di Bello. Música original y canciones: Gustavo García Mendy (excepto Eli Jenkins ‘Prayer. Arreglo coral: Gustavo García Mendy). Diseño y realización de video: Pauli Coton. Diseño de sonido: Rafael Sucheras. Iluminación: Julio López. Vestuario: Micaela Sleigh. Escenografía: Magali Acha. Dirección: Mariano Stolkiner y Gustavo García Mendy. Teatro San Martín: sala Cunill Cabanellas. Estreno: 28/09/2017. FIBA 2017: 6 y 7 de octubre. Duración: 110’.

2Según programa de mano

Orlando. Una ucronía disfórica de Emilio García Wehbi

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El destello del ex poeta Virgilio

9711 Obra Orlando de Emilio García Wehbi Foto Carlos FurmanNora Mezzano noramezzano4@yahoo.com.ar

La propuesta de Emilio García Wehbi Orlando. Una ucronía disfórica, en el Complejo Teatral General San Martín, toma como punto de partida la novela de Virginia Woolf, Orlando. Una biografía e invita a una diversidad perceptual tal que propicia una multiplicidad simultánea de sentidos. Eso sí, requiere de un espectador que se permita lecturas abiertas, descentradas, fragmentarias.

En un escenario sin bambalinas permanecen durante toda la función, que se inicia antes del ingreso del público, a un lado un asistente de imágenes, del otro un cuarteto de cuerdas (de la UNTREF) y tres personajes protagónicos: Maricel Álvarez, como Orlando; el propio García Wehbi como un biógrafo; y Horacio Marazzi como un ex poeta (según nos anuncia el programa).

La presencia de Marassi es la más actoral y teatral de las tres. En su cuerpo, a la manera de un palimpsesto vivo, pueden leerse una variedad de citas e intertextos. El ex poeta viste una camiseta de fútbol de la selección argentina, la n°10, que en el reverso lleva impreso el nombre de Virgilio, el poeta romano. Virgilio no es Homero. Messi no es Maradona. Mismos estamentos no garantizan la misma grandeza. Pero Virgilio y nuestro ex poeta insisten en recordar a Homero: “Los dioses tejen desdichas en las vidas de los hombres para que no les falte qué cantar, decía.”

Completa el vestuario del actor Marassi un slip blanco, zapatos negros con zoquetes y un estetoscopio que utiliza durante el ingreso del público para auscultar a los espectadores a los que el actor aleatoriamente se va acercando. Su rostro/máscara está maquillado a la manera de un payaso/mimo siniestro, un Guasón contemporáneo. Sobre una base blanca líneas en rojo cruzan y chorrean de sus ojos y se dibuja una triste y sangrante boca. Salvo por la camiseta argentina, el atuendo de Marassi replica el que él mismo usó en otro espectáculo de García Wehbi titulado Hecuba y el gineceo canino, estrenado cinco años atrás con el mismo elenco.

También es huella, metaforizada en su máscara y en su retórica de actuación, la historia e identidad profesional de Marassi. El actor inicia su carrera en los años de la dictadura en la Compañía de Mimo de Angel Elizondo. La propuesta de Elizondo rompió entonces estereotipos respecto de la figura clásica y naif del mimo e indagó en nuevas posibilidades expresivas del género.

El personaje de Marassi, como mencionamos más arriba, es el más teatral. Una suerte de decadente, patético y ansioso presentador que hace un uso recurrente del “etcétera” para concluir sus pronunciamientos. La reiteración del mismo no hace más que señalar que si bien quedan cosas por decir, cuestiones que tienen existencia, se decide suprimirlas, acallarlas, ¿autocensurarse?, para avanzar, para acelerar los tiempos y no detenerse en lo que él señala. El etcétera lo vuelve así redundante y por ello banal.

El personaje se autodefine como un “semi presentador retirado del salón de fiesta Olimpo”. Y este significante, Olimpo, de inmediato se dispara sobre dos significados desplegados en la obra de Webhi. Uno ligado al recinto de los dioses griegos, dioses de los que Orlando abjura en su discurso. Y el otro el nombre que se le dio, en tiempos de la dictadura, al centro clandestino de detención, tortura y exterminio que funcionó en el barrio de Vélez Sarsfield de la Capital Federal. En su puerta se podía leer el macabro “Bienvenidos al Olimpo de los dioses”. “Bienvenida” que remite a la irónica frase de Homero que nos recuerda nuestro ex poeta.

Finalmente, el programa de mano nos sugiere leer al personaje de Marassi en clave del “Angelus Novus” de Paul Klee. Esta pequeña pintura acompañó durante toda su vida al filósofo Walter Benjamín y se hace presente en su teoría pesimista sobre el devenir de los tiempos. Es allí el “ángel de la historia” que corre espantado y al que Benjamín lo hace mirar hacia atrás, despeinado como el ex poeta de Marassi, desalineado, avanzando e intentando capturar los destellos de los vencidos que desde el pasado aparecen fugazmente en nuestro presente.

El palimpsesto que nos propone Marassi parece jugar con el sinfín de imágenes que se proyectan velozmente en pantallas alejadas imposibles de ser vistas al mismo tiempo, con la verborragia y multitud de citas explícitas que locuta Orlando, con un paredón repleto de graffittis que ella/él y el biógrafo continuarán escribiendo sobre el fondo a lo largo de la propuesta. Y juntos proponen una obra que sólo permite retener fragmentos: de textos, de actuación, de historias, de Historia, de imágenes, de sentidos… Por ello, nuestra lectura es una deriva de las tantas posibles a la que la intertextual puesta de García Wehbi nos invita.1009 Obra Orlando de Emilio García Wehbi Foto Carlos Furman

 

Amado padre y esposo de Julieta Ledesma

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Amado padre y esposo de Julieta Ledesma

AMADOMaría de los Ángeles Sanz

Julieta Ledesma construye una textualidad dramática que sorprende no por la temática sino por el desarrollo casi bizarro de la misma. Una familia, un contexto atravesado por la gauchesca, en los apartes en verso del personaje de Lautaro, que funcionan como enlace entre situación y situación, la pasión desmedida de este por los caballos que lo lleva a una identificación total con el animal, las relaciones sinuosas de la madre y la hija, con los hombres del pueblo, la muerte y la traición rondando la estancia. Un pueblo donde la mixtura de nuestra composición poblacional se ve reducida a criollos y turcos, y donde aquellos, los otros, los distintos son los que planean de forma inmoral quedarse con los bienes de la viuda, y triunfar en la carrera donde la yegua correrá como símbolo de la epifanía de todos. La figura del turco como traidor y ladino, se arrastra en nuestro teatro desde el célebre sainete de Armando Discípulo Mustafá. Aunque aquél tenía del autor la mirada piadosa del inmigrante, que veía en su inmoralidad el deseo profundo de volver a su patria, de dejar de ser un distinto en todo. En la escritura de Ledesma los personajes turcos construidos desde la palabra, nunca presentes en escena, son construidos sobre la imagen de lo mafioso, de los que no reparan en nada por obtener ganancias materiales, y son la otra cara del seudo veterinario que sus acciones están motivadas por la venganza. Un malestar ante el bienestar y el triunfo de los demás que lo sigue como su sombra desde la niñez. Qué se siente triunfar siempre, se pregunta en un soliloquio que nos revela una verdad enmascarada en su aparente voluntad de ayuda, de su rostro de buen vecino. AMADO1

Todos los personajes ocultan un otro, son para el afuera y evitan ser hacia dentro, aquello que los impulsa: el deseo, el amor, la ambición, la venganza. El caballo como símbolo de la nobleza, es también síntoma en la simbiosis con Lautaro, ambos están enfermos y lo están por lo que no pueden tolerar. La carrera es metáfora de una vida que debe jugarse el todo por el todo para vencer la adversidad, la encrucijada que el destino ha tejido para ellos. El espacio está extendido hacia la platea por donde ingresan algunos de los personajes, por un biombo que simula la casa, por un espacio abierto donde hacia el fondo se encuentra la caballeriza, el stud, por un caballo de madera de tamaño pequeño, como para un niño donde el hijo practica ser el jockey que desea ser; y una pequeña mesa donde la madre realiza una y otra vez las cuentas que le dan el estado de abandono en que su viudez la dejó. Las luces intermitentes por momentos, marcan además la intermitencia en las acciones, que parecen ir hacia alguna parte para torcer su camino a la siguiente. La música turca nos recibe al ingreso, y nos regala en la voz de la abuela una canción del mismo origen. Su personaje encierra más de un secreto culposo del que no se hace cargo, pero que fue en un pasado el detonante, el punto de inflexión del presente de todos. Una carrera, una posibilidad de salir de la encrucijada de deudas, pero también de afirmar una subjetividad femenina que puede llevar adelante su deseo, una transformación que se va construyendo a lo largo de la intriga, un perdedor que siempre lo será, un mundo pequeño pero no único, en una sociedad que se rige por valores donde la moral, y la lealtad no forman parte. Las actuaciones sin ser parejas son muy buenas y logran en el espectador mantener la expectación necesaria para comprometernos con una historia que le debe mucho al melodrama; y componer imágenes de una belleza de violencia arrolladora. En síntesis de lo micro a lo macro, una vez más dibuja tu aldea y hablarás del mundo. Julieta Ledesma es la guionista y directora de la película Vigilia donde muchos de los procedimientos y las temáticas que se desarrollan en la puesta ya estaban presentes, sobre todo la relación padre / hijo, que en el caso de Amado padre y esposo funciona desde la ausencia.AMADO2

Ficha técnica: Amado padre y esposo de Julieta Ledesma. Elenco: Alba Castillo, Santiago Fraccarolli, Pablo Ríos, Gilda Scarpetta. Voz en off: Alejandro Markman. Escenografía: Esteban Siderakis. Diseño de luces: Pigu Gómez. Diseño de sonido: Nicolás Bari, Matías Niebur. Música original: Nicolás Bari, Matías Niebur. Diseño gráfico: Santiago Fraccarolli. Producción: Carolina Lusa. Producción General: Julieta Ledesma, Dolores Montaño. Prensa: Carolina Alfonso. Dirección: Julieta Ledesma. Duración: 60m. Teatro: Camarín de las musas.

Arde brillante en los bosques de la noche de Mariano Pensotti

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Arde brillante en los bosques de la noche de Mariano Pensotti

ardeAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

En el arte siempre hay un elemento disparador de imágenes, palabras, situaciones, y personajes que se cruzan para dar cuenta de un pensamiento recurrente que el creador guarda siempre con diferentes códigos y expresiones. En este caso, es la conmemoración de los 100 años de la Revolución Rusa, un acontecimiento que luego de la caída del Muro de Berlín ha perdido tal vez su brillo universal. Disparador que luego y a través de una metateatralidad que va desarrollándose como una matrioska: teatro de marionetas reproduciendo los cuerpos manejados por el sistema, teatro dentro del teatro que pone en abismo la temática de la revolución, y la mirada sesgada que Europa tiene sobre Latinoamérica y viceversa, y el cine como un lenguaje que traerá hacia el punto central de nuestro ombligo el lugar que ocupa la información y los medios de comunicación. La estructura de la puesta elaborada entonces en tres niveles que conllevan los tres lenguajes elegidos, van conformando una profundidad en la composición que desde la escenografía nos sitúa en los diferentes espacios – temporales: el rojo intenso para la discusión académica sobre los conceptos del marxismo, los aportes de la revolución, y el lugar del intelectual en un mundo que ya no encuentra en los antiguos significantes, por más prestigio que atesoren, casi una ausencia de significado; la sala familiar de una familia europea que recibe a la hija pródiga que vuelve de Colombia luego de haber abrazado la causa de la guerrilla, y que intenta explicar un mundo distante, sin darse cuenta de la problemática que el mundo propio encierra, y que necesita también un cambio copernicano; el espacio del cine, donde todos somos espectadores pasivos, actores y espectadores de un corto que nos pone en acto de la desinformación de nuestros medios de información. Todos ellos irán poniendo en el juicio del espectador, la situación de las ciencias sociales, su repercusión en la Academia, el lugar de la mujer en la misma, las relaciones con las nuevas generaciones, la sexualidad entendida como objetivación del otro, el sexo no importa; y una subjetividad femenina que no haya aún las reglas del juego propio, aquel que no sea solo un cambio de roles en la lucha entre dominador – dominado. arde brillante1

La cuestión de género atraviesa los 90 minutos que desarrolla la puesta dirigida también por Pensotti, y tienen su fuerte presencia en las muy buenas actuaciones de un grupo de actores y actrices que trabajan sus personajes con soltura y convicción. Pone además en el epicentro de la discusión la otra cara a cien años de una revolución que proponía la liberación de las clases obreras, la trata de personas para el trabajo esclavo en la presencia de la comunicadora social que por otras razones que no son la investigación, se topa con la realidad y no puede hacer nada, solo intentar salvar su propia vida. El trabajo es intenso y el espectador no tiene momento en que su expectación se vea defraudada; no sólo por las temáticas que se suceden y se enlazan sino por la acumulación de procedimientos, que no son sólo una suma de variables sino que cada uno tiene una presencia que le da sentido al todo. Juego, teatro en estado puro de teatralidad, poéticas que aparecen no para ser parodiadas, sino para dar cuenta desde disciplinas diferentes de un tema central: la revolución, la liberación declarada, se encuentra en el mundo más allá de las conmemoraciones, o de los actos degradantes, en un punto ciego. El mundo no busca la revolución ha cedido a la comodidad de aceptar que su libertad y sus decisiones se presenten en las manos de dirigentes de corte fascista que deciden los destinos de todos: el mundo está en peligro, y los viejos axiomas ya no son útiles, los conceptos deben revisarse, las formas también, y el arte, el teatro debe una vez más, revisar sus poéticas, para dar cuenta de un imaginario social mundial que ya no responde a las viejas consignas. Como en Hamlet el teatro no es divertimento para la corte o para las masas es el lugar donde enfrentarnos con algunas verdades que preferimos no ver. Es un dardo en el centro del pensamiento reflexivo, para aquellos que suponemos tener más información: la academia, el periodismo; el lenguaje otra vez nos resulta insuficiente, desprovisto de recursos, vaciado de significado. arde brillante2

Ficha técnica: Arde brillante en los bosques de la noche. Dramaturgia y dirección Mariano Pensotti. Elenco: Susana Pampón, Laura López Moyano, Inés Efrén, Esteban Bigliardi y Patricio Aramburu. Coordinación de producción: Adrián Andrada / Julieta Sirven. Asistencia de producción: Facundo Savarino. Producción técnica Ángel Ariel Porro. Asistencia de dirección: Fabián Barbosa. Producción artística: Florencia Wasser / Grupo Marea. Realización de marionetas: Román Lamas. Realización de rostros de las marionetas: Marcos Berta. Asistencia de escenografía Gonzalo Córdoba Estévez, Tatiana Mladineo y Luciana Peralta. Asistencia de escenario: Malena Juanatey y Tatiana Mladineo. Asistencia artística: Juan Schnitman. Imagen Sergio Calvo. Música: Diego Vainer. Escenografía y vestuario: Mariana Tirantte. Realización de la película: Guion y dirección: Mariano Pensotti. Elenco: Inés Efrén, Susana Pampón, Laura López Moyano, Patricio Aramburu, Esteban Bigliardi, Alejandra Flechner, Sebastián Carbone, Ariel Dávila, Pablo Kun Castro, Christian González Saponare, Luis Biasotto, Matthiew Perpoint, Leandro Orellano, Mauricio Minetti y Manuel Guirao. Asistencia de dirección: Juan Schnitman. Ayudante de dirección: Lionel Braverman. Dirección de fotografía y cámara: Soledad Rodríguez. Asistencia de cámara: Mercedes Laborde. Gaffer: Sandra Grossi. Reflectorista: Laura Docampo. Operador de Steadycam: Nicolás Meyer. Asistente de Steadycam: Nicolás Roca. Arte y vestuario: Mariana Tirantte. Asistencia de arte y vestuario: Tatiana Mladineo, Luciana Peralta y Gonzalo Córdoba Estévez. Maquillaje y peinado: Mariana Jara. Música: Diego Vainer. Sonido: Nahuel Palenque. Asistencia de sonido: Lucio Fontana y Sofía Straface. Producción general: Paolo Donizetti / Los Salvajes Cine.  Asistencia de producción: Azul Aizemberg. Producción: Iguazú Lili Cristalvo. Montaje: Andrés Estrada. Animaciones: Andrea Torti. Corrección de color: Andrés Gatti / Obol. Teatro Sarmiento. Estreno: 29/09/2017. FIBA 2017:12 y 13 de octubre. Duración: 90’.

Letal de Paola Traczuk

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Letal de Paola Traczuk

22894272_526547601015508_6978951753125110367_nEllos no tiemblan, nosotros tampoco

Azucena Ester Joffe

La escritura, dramática y escénica, de Paola Traczuk tiene una impronta especial. Letal es una obra que corre los límites de la ficción de tal modo que es difícil definir si la obra dialoga con el espacio o es el espacio quien interviene en la obra. Una propuesta interesante que se estrenó, en noviembre del 2016, en el sótano de un edificio de oficinas cercano a Av. Córdoba y Uruguay, y de la cual trataremos de dar pocos detalles para que cada espectador realice su propia experiencia.

El artista plástico Carlos Regazzoni nos permite ingresar a su singular y amplio atelier, antiguos galpones de la estación terminal de Retiro, donde también funciona el Museo de Artistas Emergentes y el Bodegón Ferroviario El gato viejo. Un sitio que de por sí suspende nuestra cotidianeidad, entre los altos edificios de Av. Del Libertador y la Autopista Illia, y por donde debemos realizar un breve recorrido entre los gigantes de hierros y chatarras que, aún sin forma definida, parecen escoltar nuestros pasos. El inusual espacio destinado para la representación puede llegar a generar cierta sensación de incomodidad en el público reducido. Las precarias luces parpadean y el ruido del afuera irrumpe constantemente -aviones, trenes, autos, ….pero también nos invade la sonoridad del espacio virtual representado -la confusión y el desorden que provocan los gases lacrimógenos. Este es el clima necesario, de tensión y de inseguridad, para el desarrollo dramático. La historia hurga en nuestra memoria: ha desaparecido el cadáver del general y el pueblo exige que el cuerpo sea exhibido en el palacio mayor para su despedida. ¿Qué pasa cuando un cadáver desaparece? ¿Qué sucede si no hay cuerpo para maquillar?1 Dos personajes oscuros, un decadente artista visual, Rocco, devenido en maquillador de muertos2 y su asistente, Irving, quien sin voluntad permite que se lleve a cabo el siniestro plan. Para lograr maquillar perfectamente a un muerto, es necesario que todavía esté vivo. Ambos actores de forma perfecta le otorgan a estos seres la sólida carnadura para que todos participemos de una fatídica noche en la clandestinidad. Un espectro atraviesa sus miradas, sus tonos y sus gestos. El espacio lúdico está saturado de viejos trastos que contienen la memoria de años de historia y entre ellos un maniquí de fuerte presencia; en tanto la iluminación y el vestuario cierran un relato breve e intenso que nos convirtió en testigos desde su primer minuto. Sin dar más detalles sólo diremos que es un hecho teatral que se “oculta” del circuito teatral porteño.letal

Ficha artística: Letal de Paola Traczuk. Actúan: Mauricio Minetti y José Guerrero. Realización de escenografía y vestuario: Lara Yussem Diseño y realización de luces: Lucas Coiro. Diseño sonoro: Ignacio Sanchez. Fotografía y vídeo: Noelia Solmi. Diseño en gráfica: María Lourdes Clavellino. Asistencia de dirección: Bela Carabajal. Producción y comunicación: Euge Tobal. Dirección: Paola Traczuk. Espacio El gato viejo – Carlos Regazzoni. Duración: 40’. Función: martes 20:30 hs. Reservas: 15-6909-9372 / reservasletal@gmail.comletal1

1Según gacetilla de Prensa

2 La tanatoestética es el arte de preparar y maquillar muertos

 

Diarios del Odio de Silvio Lang

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Diarios del Odio de Silvio Lang

imageCantar para no sucumbir

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Hay algunas situaciones que no pueden ser atravesadas sin un poco de humor y de música. Eso es lo que nos dice Silvio Lang y su grupo de actores y cantantes que desde ese lugar y en dos espacios diferentes, el del protagonismo de las canciones y el de las masas que cuerpo a cuerpo luchan por un espacio, y se agreden con una violencia inusitada, nos presentan en Diarios del Odio, musicalizadas, algunas de las editoriales que estigmatizaban a los gobiernos de Néstor Kirchner y Cristina Fernández. Los K, los kukas, choriplaneros, chorros sin más, negros grasa, y un largo etcétera que viene a reemplazar en el sentimiento a los famosos descamisados del gobierno de Perón, allá por la década entre el ‘45 y el ‘55. Desde la voz de los artistas surge el odio racial e irracional de las palabras que aparecían y aún hoy aparecen en las páginas de los dos diarios más tradicionales del país, y que cubren de norte a sur y de este a oeste, todas las bocas de información posibles, negando la posibilidad a una multiplicidad enriquecedora en la información: Clarín y La Nación. Con historias diferentes, ambos diarios, representativos cada uno de un sector de poder diferente, tienen destinatarios diferenciados también. Sin embargo, a sus lectores en la década anterior, los unió el odio hacia las personas de los presidentes peronistas kirchneristas, cuando estos osaran intervenir en el curso normal de sus intereses: develando la forma de apropiación de Papel Prensa, participando de los derechos humanos en sus asociaciones, con la ley de Medios, que buscaba democratizar su poder monopólico, ocupándose del campo en la figura de la famosa ley 125 que dividió al país entre los que estaban a favor y los que estaban en contra, sin saber algunos los intereses que ambos matutinos tenían con la gente de la rural. A un lado, el dúo “Los Ángeles de Rawson” guarda hacia atrás las máscaras que asumirán cuando el tema lo requiera, con un trío de voces hacia el otro lado del escenario, que vestidos de impecables pantalones y camisas blancas, portando laureles de gloria en su cabeza y máscaras, el relato armado desde la prensa escrita para construir una subjetividad opositora no pensante, se traduce en el centro de la escena con la marcha militar del resto y la fuerza de choque de esos cuerpos que buscan entre ellos la víctima para hacer centro de su deseo de odio. Cuerpos semidesnudos, pintados de rojo y negro; cuerpos transpirados, expuestos, violentados, que atravesarán la platea y conformarán una imagen que guarda en la memoria otra foto congelada, de alguien perseguido intentando escapar y ser rescatado desde arriba en la fatídica jornada de Ezeiza. diarios2

Diarios del Odio es una experiencia performática provocadora e incómoda, en constante tensión de una realidad ficcionalizada. Es la contundente “indagación escénica y musical del poemario homónimo de Roberto Jacoby y Syd Krochmalny” y el primer proyecto de ORGIE (Organización Grupal de Investigaciones Escénicas). Desde su estreno en el Campus UNGS, en abril, la obra se ha presentado en distintos espacios por fuera del circuito teatral -C C Paco Urondo, C C de la Memoria H. Conti, C C Caras y Caretas- debido a una clara decisión política. Para su director la obra está relacionada con estas Instituciones, que interviene y con las cuales dialoga, pues son estos los espacios de formación de discursos que oscilan entre fuerzas políticas y sociales. Es una “obra que trabaja como un discurso pasional y se vuelve performativo, que es el discurso del odio”1. Es el alegato de la violencia verbal, lamentablemente constitutiva de nuestra sociedad, lo que habita el espacio escénico. Si bien no hay una denuncia ni una toma de posición, se ponen en escena ese odio manifiesto. Los cuerpos construyen una corporeidad social atravesada por intensidades, públicas y privadas, y, a su vez, sin invisibilizar las particularidades de cada intérprete. Son cuerpos que se relacionan entre sí e interpelan directamente cada sujeto espectador extendiendo los límites del espacio lúdico. La particular escritura, escénica y dramática, de Silvio Lang construye fuertes imágenes visuales y auditivas, y de forma incisiva no clausura los posibles sentidos sino que, por el contrario, hace estallar cualquier intento de una mirada univoca o de definir y establecer algún tipo de categoría a este hecho escénico que atraviesa nuestra subjetividad, sin previo aviso.diarios3

Ficha técnica: Diarios del Odio. Indagación escénica y musical del poemario homónimo de Roberto Jacoby y Syd Krochmalny. Dramaturgia y dirección: Silvio Lang. Con: Marcos Arriola, Marcio Barceló Mannelli, Eva Calderone, Augusto Chiappe, Juan De Rosa, Tomás Deías Spreng, Julián Dubié, María Jesús González Landeta, Ramiro Guggiari, Rodrigo Hache, Julia Hadida, Soledad Marrero, Hugo Martinez, Javier Olivera, Rodolfo Opazo, Nahuel Vec, Valentin Piñeyro, Juanse Rausch, Flor Sanchez Elía, Nehuen Zapata, Gianluca Zonzini. Diseño de maquillaje y de máscaras: Emanuel Nem. Diseño de luces: Fernando Berreta. Diseño y edición de sonido: Marcos I Zoppi. Diseño Audiovisual: Tomás Deías Spreng. Video: ORGIE, Lac, Sebastián Freire, Daniela Horovitz, Magalí Matilla, Julián Merlo, Yasmín Reguero. Diseño gráfico: Julián Dubié. Entrenamiento corporal: Pablo Fermani. Entrenamiento Coreográfico: Rodolfo Opazo. Asesoramiento de vestuario: Endi Ruiz. Asesoramiento Teórico: Santiago Azzati y Pedro Yague. Asistencia general: Jimena Mejuto y Estefanía Piotrkowski. Asistencia de dirección: Braian Alonso, Sofia D´Amelio y Ramiro Guggiari. Asistencia De Escenas: Ignacio Cerbino. Coordinación de producción: Silvina González, Damasia Lacroze, Malena Levy. Dirección musical: Valentín Piñeyro. Compositor: ORGIE, Valentin Piñeyro. Estreno: Campus UNGS en abril de 2017. C C Caras y Caretas. Duración: 85’.