Archivo de la categoría: Teatro en Buenos Aires

(…) Tan Ruda de Creación colectiva del grupo

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(…) Tan Ruda

Creación colectiva del grupo

Carancho –arte escénico-

Un espectáculo de Mejor Cien Volando

Los hermanos sean unidos.

000166105 tan rudaMaría de los Ángeles Sanz

La pieza que construye el colectivo Carancho, y su puesta en escena dan cuenta a través de una sátira feroz, donde la parodia es su procedimiento constituyente, de una temática que se desarrolla en escena con un humor transgresor, de textura escatológica, de la mano de muy buenas actuaciones, excelentes en algunos pasajes, que logran la risa del espectador ante un juego circense como forma de presentación de la ley, como también de la emoción y del dolor producido ante las situaciones expuestas que conllevan: el abuso de menores, la degradación de las relaciones humanas, la injusticia de una ley atravesada por el patriarcado capitalista y que pone siempre en el banquillo de los acusados antes a la víctima que al victimario. Los personajes presentadores: el juez y el fiscal hacen un trabajo brillante de sus acciones, como así también aquellos que aparecen del otro lado de la balanza: la madre, sus hijos, la novia de la hija. La intencionalidad de una maternidad que necesita de un hombre para llevar a cabo su deseo: conformar una familia donde la pareja está formada por dos mujeres, es una situación presentada desde el prejuicio social, de esta manera, pareciera que para la mirada ciega de la ley, el abuso a la niña que fue se invalida por una acción juzgada desde ese presente no tolerado. La homofobia como enfermedad, en la voz de la perversión hace de los personajes un círculo siniestro. El interesante vestuario ha modificado su estética en cuanto a puestas anterioresi; obedece a la necesidad de darle al conjunto la idea de teatralidad, de representación, de un juego de mascaradas, que va dejando caer de a una, todas las mentiras y ocultamientos que se producen para proceder a ignorar la tragedia. El desdoblamiento del personaje de la hija, Espe, entre el presente de la narración, y el pasado, en busca del origen de una herida que no deja de producir una pérdida de referentes, daño y dolor, es un recurso que funciona con eficacia en el correr del relato, para entender en ese caos primario por donde pasa el punto de vista de los actores y de la dirección de Sol Rieznik Aguiar y Gonzalo Rivarola. Desde nuestra entrada al espacio escenográfico, como en un espectáculo de variedades nos recibe la amabilidad de una de los integrantes que nos ofrece una bolsa de pochoclo, un aroma que invade el espacio, y desde allí como la magdalena de Proust nos remite a nuestro propia infancia. El juego de luces y sombras, la música realizada para la puesta y los mùsicos en escena, y las coreografías que la conforman, tienen la fuerza de hacernos pensar en la cotidianidad de un carnaval inagotable, aún en aquellos lugares donde se dice perseguir la verdad y la justicia. El espacio escénico del teatro Del borde es utilizado en toda su superficie, y por lo tanto aporta con eficacia la movilidad necesaria, para que la cárcel – jaula donde acusados y testigos declaran y recitan versos del Martín Fierro, en clara oposición de lo que su textualidad propone y la realidad ejecuta. La ley también transgredida en los versos de Hernández, coloca el lugar del héroe en el de la víctima, y a la justicia en el sitio de la opresión y la mentira, analogía de la propuesta que resuelve del mismo modo el caso que presenta. Más allá de la enunciación de la unión de los hermanos necesaria para no ser devorados por un afuera hostil e injusto.000167110 tan ruda

Ficha técnica: (…) Tan ruda de Carancho, arte escénico. Elenco: Alón Kelmeszes, Bebu Zabala, Laura Morelli, Flor Iglesias, Verónica Romero, Sofía Aldana Schulze, Adrián Lezcano, Cristian Bernal Niño. Músicos: Marcos Iván Falaschi (piano); Juanma Hazzuni (guitarra); María Villarreal (percusión) Vestuario: Romina Ivanoff. Realización escenográfica: Cali Rivarola. DSG Iluminación: Santiago Lozano. Fotografía: Aldana Rivarola, Lucas Pappacena. DSG Gráfico: Bárbara Prats. Música original: Gustavo López Frutos. Dirección musical: Agustín Acri. Dirección general: Sol Rieznik Aguiar, Gonzalo Rivarola. Producción: Mejor Cien Volando. Teatro Del Borde.

iEn una versión anterior de grupo el vestuario y gran parte de la escenografía estaba construidos con objetos de desecho, con aquello que la sociedad acumula en los márgenes, objetos y sujetos de una historia que se permite construirse a sí misma desde la descremación y el desprecio al diferente.

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A la buena de Dios de Juan Ignacio Fernández

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A la buena de Dios de Juan Ignacio Fernández

92dd13c463bb9682a1d01c52a4d6f46aAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La década del setenta tuvo muchas contradicciones, pero además la paradoja de ser una apertura en todos los sentidos al mismo tiempo que daba inicio a una larga noche de terror que duró más de siete años. Aquellos recuerdos oscuros, que nos hacen temblar todavía, parecen querer volver con una excusa parecida pero con un cinismo aún mayor. La construcción de un otro, de un enemigo, para lograr poner en marcha un plan que necesariamente necesita de su exterminio para cumplirse, es un fantasma que nos persigue, con dolor e insistencia. La textualidad dramática de Fernández nos lleva a ese lugar de sombras donde la inocencia y el compromiso se pagaban con la vida, y a través de la memoria, nos hace pensar en caminos que como encrucijadas dolorosas se nos presentan nuevamente. ¿Dónde está Santiago Maldonado? ¿En qué perdido camino de piedra y agua se quedaron con su vida, sus sueños, su futuro? El de él y el de todos nosotros, que muere también con su pérdida. La dirección de Santana propone una diferencia en la concreción de esta historia, busca para indiferenciar en género la crueldad de un poder que se ejerce en sus esbirros, actores para los papeles femeninos, y actrices para los personajes masculinos. Las tres hermanas son interpretadas por José Escobar, Andrés Granier y Guido Botto Fiora. El periodista Juan, el comisario Manuel, y su ladero Jaime, tienen su cuerpo en escena en las actrices: Tamara Garzón Zanca, Maite Velo y Verónica López Olivera. Todos y cada uno componen con talento sus criaturas, hasta que vemos los personajes y sus acciones, sin pensar en el juego teatral del cambio de sexo. 000167383

En una estructura dividida entre lo que parece una anécdota digna de una comedia de enredos, un coche que se detiene porque se quedó sin nafta, los conflictos y celos de las hermanas, la que manda, la que obedece y la que se rebela; en una segunda etapa y con la llegada del personaje masculino, el periodista, todo cambia abruptamente, tal vez le hiciera falta algún fluir más claro de continuidad, para enfrentarlas a un real concreto que hasta ese momento escapa a su imaginario. La comedia se vuelve tragedia sin retorno. La llegada de la “ley” en busca de la disidencia con su función hace que la solidaridad y la bondad cristianas se vuelvan como un boomerang para los personajes que creen en la caridad y la fe, cuando descubren que esas formas de comportamiento están fuera de la ley de los hombres. En un espacio donde sólo aparece un tronco y paneles que mantienen la ilusión de un camino de sierra, los personajes nos remiten desde el bien escogido vestuario por Ana Nieves Ventura, a la década de los setenta: cuando los curas tercermundistas buscaban acercar el evangelio cristiano a una sociedad que viera en hechos lo que manifestaban las palabras desde el púlpito Y cuando mucha juventud vio en aquellas formas nuevas de sentir la cristiandad un camino de solidaridad, de hermandad que atravesaba los límites, las fronteras de su propio territorio y avanzaba hacia la idea nunca olvidada de la patria grande, generosa y latinoamericana; cuando la palabra era acción, en una instancia de poder que necesitaba precisamente del divorcio de ambos términos de la secuencia. Una obra fuerte, con una historia parecida a tantas otras en aquellos y estos tiempos, pero que en su misterio íntimo, en el cuerpo de los actores nos lleva a una reflexión inevitable y necesaria. 000165833

Ficha técnica: A la buena de Dios de Juan Ignacio Fernández. Elenco: José Escobar (Amalia), Andrés Granier (Sofia), Guido Botto Fiora (Estela), Tamara Garzón Zanca (Juan Ismael), Maite Velo (Manuel) y Verónica López Olivera (Jaime). Vestuario: Ana Nieves Ventura. Escenografía e Iluminación: Nacho Riveros. Musicalización: Tabaré Leyton y Tatiana Santana. Coreografía: Laura Figueiras. Ilustración /DG: Juan Francisco Reato. Fotografía: Agustina Luzniak. Asistencia de dirección: Julieta Varela. Dirección: Tatiana Santana. El Camarín de las Musas. Estreno: 14/09/2017. Duración: 60’. Jueves 20:30 hs.

In Spite of Wishing and Wanting de Wim Vandekeybus (Bélgica)

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11 FIBA del 5 a 21 de octubre de 2017 [II]

Festival internacional de Buenos Aires

FIBA2017Azucena Ester Joffe

El 5 de Octubre comenzó la 11va edición del FIBA para concluir el sábado 21. Durante los diecisiete días se realizará una interesante programación nacional e internacional, junto a talleres, charlas con los creadores, ciclo de cine, presentaciones de work in progress, y de libros y otras actividades gratuitas de teatro, danza, música y artes visuales.

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In Spite of Wishing and Wanting de Wim Vandekeybus (Bélgica)

A pesar del deseo y el anhelo

La interesante propuesta del coreógrafo y bailarín belga Wim Vandekeybus, junto a su grupo Última Vez, desafía el paso del tiempo. La obra se estrenó allá por 1999 y hoy sigue atrayéndonos la dinámica e “intuitiva” puesta en abismo de los sueños, con la exquisita banda sonora compuesta especialmente por David Byrne. Un material inagotable que mantiene cierto sentimiento colectivo: el miedo ante lo distinto, un síntoma de época que no conoce de fronteras idiomáticas. Un tema difícil e inacabado como lo es construir una narrativa coreográfica a partir de algo tan difuso e inmaterial como son los sueños y que nos atraviesa a todos. Estos sueños se suceden sin un orden cronológico, a veces incoherentes y otras parecen ser premonitorios. Soñar es ingresar a un enorme laberinto cuyos límites van desapareciendo a medida que avanzamos sin saber qué encontraremos en el siguiente paso.

Con un nuevo y sólido elenco masculino, cada escena entra en tensión con la siguiente. La solvencia estilística de cada intérprete nos sumerge en el clima onírico de aquellos sueños más agradables pero también en la angustia de las pesadillas donde el miedo es paralizante y las palabras no tienen sonido. Cuerpos disciplinados que se transforman en agresivos y esbeltos caballos o en aves que buscan migrar hacia un sitio mejor, mientras alguien o algo los controla, observa y castiga. Caer en picada en la oscuridad o ir pendiendo los dientes sin ninguna explicación, buscar a esa alma gemela que posee la otra mitad de la naranja,… Son las imágenes, los sonidos casi indescriptibles y los murmullos sueltos que no tienen anclaje en el mundo consciente de cualquier mortal.

02_UV_InSpiteDesde el amplio espacio escénico, ya al ingresar a la sala, escuchamos una sonoridad algo metálica como si se intentara ubicarnos en otra dimensión. Las secuencias coreográficas se intercalan con otras más teatrales y/o con la proyección de vídeos. Si bien en la danza el movimiento es el lenguaje, la original idea de pensar que podríamos soñar en diferentes idiomas quizá no sería un argumento válido para evitar la utilización de la pantalla de traducción simultánea en los momentos de mayor discurso verbal. No todos los presentes pueden entender cuatro idiomas, con lo cual se pierde, lamentablemente, su intensidad dramática. Ésto sumado a que, tal vez a 17 años de su estreno, nuestra percepción está más saturada por los continuos estímulos visuales, las escenas prolongadas podrían provocar la pérdida de atención en el espectador común. Más allá de este breve comentario, el adecuado vestuario para cada sueño o pesadilla cierra esa intimidad inconsciente, agobiante y surrealista a la vez, instancia que está atravesada por el inevitable espacio público y el anonimato de la sociedad globalizada. Un tiempo que se contrae y se pierde de forma desorganizada en el Ello, entre las pulsiones y los deseos, cuando soñamos. Y, ese otro tiempo de la construcción mental que se dilata cuando intentamos reconstruir eso que aún hoy sigue siendo inaprensible. Los bailarines / actores con precisión subrayan la angustia y el temor de las pesadillas. Las coreografías corales o los solos tienen intensidad y perfección que de manera orgánica construyen en escena las fuertes imágenes visuales que nos interpelan más allá de nuestra cómoda butaca. Por momentos, rompiendo con la cuarta pared o perdiéndose en la penumbra de los pasillos. En otros, podemos recuperar cierta calma cuando en la gran pantalla, con subtítulos, se proyectan dos breves fragmentos del cortometraje The Last Words de Vandekeybus -basado en un cuento de Julio Cortazar y en otro de Paul Bowles, donde el “vendedor de gritos” accede a las solicitudes más bizarras1. La vital iluminación construye el clima entre la tensión y la pasión, entre el cuerpo y la mente, en ocasiones es directa y se percibe su volumen al atravesar el espacio lúdico desde los altos bárrales y, en otras, es más íntima y se corresponde al particular movimiento de cada intérprete que, como luciérnagas en una cálida noche, se mueven sin cesar a pesar del deseo y el anhelo.

La sesión de Q&A con los artistas, al terminar la función del viernes 06/10, fue moderada por la periodista Laura Ferré.

foto-Danny-Willems-2Ficha técnica: In Spite of Wishing and Wanting de Wim Vandekeybus. Compañía: Última Vez. Dirección: Wim Vandekeybus. Elenco: Rob Hayden, Eddie Oroyan, Yassin Mrabtifi, Guilhem Chatir, Grégoire Malandain, Luke Jessop, Luke Murphy, Flavio D’Andrea, Knut Vikström Precht, Cheng-An Wu, Baldo Ruiz, Wim Vandekeybus y Giovanni Scarcella. Música: David Byrne. Diseño de Iluminación: Francis Gahide y Davy Deschepper. Diseño de Sonido: Bram Moriau. Diseño de Vestuario: Isabelle Lhoas. Producción: Última Vez. Coproducción: KVS Brussels. Teatro Coliseo. FIBA 2017: 06 y 07 de octubre. Duración: 110’.

The Tiger Lillies Perform Hamlet (Dinamarca / Reino Unido)

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11 FIBA del 5 a 21 de octubre de 2017 [I]

Festival internacional de Buenos Aires

FIBA2017Azucena Ester Joffe

El 5 del presente mes comenzó la 11va edición del FIBA y durante diecisiete días se realizará una interesante programación nacional e internacional, junto a talleres, charlas con los creadores, ciclo de cine, presentaciones de work in progress, y de libros y otras actividades gratuitas de teatro, danza, música y artes visuales.

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The Tiger Lillies Perform Hamlet (Dinamarca / Reino Unido)

¡Ser o no ser: he aquí el problema!

Sweet suicide release me
From all of this pain
Another night of torment
Never sunshine always rain
And it never helps the kindness
That people try to show
Just makes it feel more tragic
Release me let me go
I am drowning in the greyness…
1

Una propuesta diferente, multidisciplinaria, que rescata el personaje de Ofelia y deja en primer plano las relaciones afectivas, en particular, de la familia disfuncional de la realeza. En The Tiger Lillies Perform Hamlet se ensamblan de forma perfecta dos expresiones artísticas en la realización de la adaptación de uno de los clásicos más representados, por su vigencia y autonomía que le son propias. Los responsables son, por un lado, el Theatre Republique de Copenhague y, por otro, la banda británica de culto The Tiger Lillies. Es una puesta en escena que se hace cargo del pasado y sus fantasmas pero, a la vez, de un futuro sombrío y de la construcción de otros fantasmas en un presente que se constituye como tal a partir de la mixtura de procedimientos. Si bien el texto primero contiene varios de sus núcleos en tensión –el asesinato del rey, la locura fingida, la muerte del consejero, el viaje a Inglaterra y el posterior regreso para su venganza- el texto segundo focaliza nuestra mirada en el bufón/clown y narrador (Martyn Jacques), quien rompe la cuarta pared y con su pregnancia escénica nos devuelve el actual mundo globalizado al que pertenecemos -donde “todo es pecado”, “esclavos”, “asesinatos”, “muerto el rey viva el rey”…

hamlet 1El punto de contacto en esta performance es un espacio lúdico siempre en movimiento, en construcción de posibles sentidos. La escenografía cumple un importante rol dramático desde su inicio con la mesa del banquete en falsa perspectiva, subrayando la sensación de irrealidad y los sentimientos confusos de la familia real. A modo de un tablado, la enorme pared permite la entrada y salida de los personajes por puertas y ventanas; en algunos momentos, el dispositivo lentamente se desplaza hacia el piso como deglutiendo a algunos de estos seres. La apropiada iluminación va clausurando las distintas situaciones dramáticas con la opulencia, muy bien dosificada, de los colores intensos y brillantes -rojo, azul,.. En tanto, el uso de las proyecciones -agua, fuego,…- genera otros espacios suspendidos, evidente en la noche que el espectro del rey asesinado se construye a partir de la relación virtual-representación, primero abarcando a los personajes que se agrupan hasta que finalmente la imagen queda estática sólo en el rostro de Hamlet (Caspar Phillipson). El acertado vestuario y el maquillaje resaltan la individualidad y la atemporalidad de cada criatura -por ejemplo, para Gertrudis un vestido corto con aire flamenco y larga cola de volados, en tanto para Hamlet un atuendo que responde a un carismático joven de nuestra sociedad. Además, el uso de los arneses -en el encuentro de los amantes- o los largos hilos que sostienen a las marionetas humanas -son los cómicos que representarán el drama del protagonista- nos permiten pensar en la creativa fusión de lo espectral con lo brechtiano, lo circense con el cabaret, el humor irónico con lo romántico, lo lírico del amor con la oscuridad de la traición y la venganza. El sólido elenco con un amplio registro de lo cómico y lo dramático sumado a los excelentes músicos en vivo -piano, acordeón, kit de percusión, contrabajo baby bass,…- que ejecutan 21 canciones con melodías oníricamente sombrías, le otorgan textura y plasticidad poco habituales a las potentes imágenes visuales y auditivas. Imágenes que, a modo de conjuro, en el sentido de un encantamiento, evocan, a partir de la corporalidad que habita el espacio escénico, la textualidad dramática del clásico otorgándole una dimensión más poética. Dos tiempos distintos en un sólo espacio en cuyos dobleces nos sumergimos para disfrutar un hecho teatral musical complejo y sin fisuras.

The Tiger Lillies Perform Hamlet fue estrenada en el 2011 y desde entonces ha recorrido varios países; el próximo será Chile en la 4ta extensión del FIBA. La sesión de Q&A con los artistas, al terminar la función del viernes 06/10, fue moderada por el dramaturgo y director Luis Cano.

hamlet 2Ficha técnica: The Tiger Lillies Perform Hamlet. Autoría: William Shakespeare / Compañía: Republique. Dirección: Martin Tulinius. Elenco: Caspar Phillipson, Andreane Leclerc, Charlotte Ulrika Engelkes, Zlatko Buric, Pelle Nordhøj Kann, Martyn Jaques, Adrian Stout y Jonas Geoffrey. Música: The Tiger Lillies. Dirección musical: Martyn Jaques. Diseño de Iluminación: Adalsteinn Stefansson. Diseño de Sonido: Mikkel Secher Kroner. Diseño de Vestuario: Astrid Lynge Ottosen. Producción: Republique. Coproducción: The Tiger Lillies. Teatro San Martín: sala Martín Coronado. FIBA 2017: 05/ 06 y 07 de octubre . Duración: 145′.

1 Dulce suicidio libérame / De todo este dolor / Otra noche de tormento / Nunca hay sol siempre lluvia / Y nunca ayuda la bondad / Que la gente trata de mostrar / Sólo hace que se sienta más trágico / Liberame déjame ir / Me estoy ahogando en lo gris…

Fragmento de Release me, album Hamlet de The Tiger Lillies. http://www.songlyrics.com/the-tiger-lillies/release-me-lyrics/ [07/10/2017]

 

Presidio de Lucio Bazzalo

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Presidio de Lucio Bazzalo

unnamedSísifo y su piedra eterna

María de los Ángeles Sanz

En un espacio formado por un cuadrado perfecto, cuatro por cuatro, y uno que ajeno a él lo circunda, los actores – bailarines conforman un universo intenso en fuerzas antagónicas, donde la vida y su reiterada cotidianidad amenaza la libertad y la felicidad. Presidio es la metáfora de la vida misma que encierra a sus criaturas dentro de los cuatro muros de la vida, donde escapar a la rutina parece imposible, y desde allí el amor también es una utopía. Una silla, como escenografía necesaria, y los cuerpos que atraviesan los muros, murmurando el deseo, a veces ininteligible para el espectador. Los sonidos, armonías musicales, y distorsiones de los ruidos del afuera en simultaneidad al movimiento de los cuerpos, que en parejas o tríos van jugando un rito inacabado, son una constante en su desarrollo. En contraste de colores, blanco para el vestuario, negro en el cuadrado de la escena, el choque de fuerza de los personajes imprime una tensión que dura todo el tempo de la intriga, que llega a su clímax en el momento final con la música en un volumen que lo impregna todo. Una coreografía que trabaja hacia arriba y a ras del suelo, y un trabajo con la actuación del cuerpo como marioneta, manejado de personaje a personaje, en imágenes que van desde el deseo desenfrenado hasta la violencia explícita del desprecio.url La reiteración de los movimientos, y de las situaciones, la confusión de lenguas que imposibilita la comunicación, el desdoblamiento de los personajes, la simultaneidad de las acciones, el movimiento constante alrededor del cuadrado donde se presentan las situaciones, simulacro de un tiempo que pasa sin detenerse jamás, son todos procedimientos que provienen de una poética que trabaja con el absurdo, y con la idea del sinsentido de lo cotidiano. Diálogos que se establecen no con el soporte de la palabra sino con la escritura en los cuerpos, y la tensión de lo no dicho, o de lo balbuceado, actuaciones que apelan a una gestualidad exagerada, donde la mirada, y el desequilibrio son sinónimos de la irracionalidad de los hechos. Mientras todo parece escaparse de la normalidad, ésta imprime su poder a partir de ese espacio cuadrado y cuadriculado, dos veces autoritario que priva los personajes de salir de esa prisión de la que quisieran escapar y no pueden. A pesar de todo, el humor cínico, negro y escatológico del absurdo también sobrevuela las acciones, y las lleva hasta el límite con lo grotesco. Una textualidad dramatúrgica difícil, tal vez, de hacer entrar en su código al espectador, pero que una vez que este es atrapado por su ritmo logra a través de las secuencias comprometerlo con la evidencia de lo expuesto: la violencia, la ausencia de comunicación real en las relaciones personales, y el lenguaje como un elemento distorsionador de las mismas.url3

Ficha técnica: Presidio de Lucio Bazzalo. Elenco: Heidi Fauth, Gisel Gainsborg, Rodrigo Martínez Frau, Martina Federica Medaña. Música original: Alejandro Kauderer. Coreografía: Gisel Gainsborg. Diseño de vestuario y Utilería: Ana Nieves Ventura. Diseño de iluminación y Fotografía: Akira Patiño. Prensa y Difusión: Carolina Alfonso. Dramaturgista: Heidi Fauth. Asistente de dirección y producción: Bárbara Majnemer. Dirección: Lucio Bazzalo. Patio de Actores.

Abandonemos toda esperanza de Alfredo Martín

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Abandonemos toda esperanza de Alfredo Martín

a partir de En Familia de Florencio Sánchez

Matarse, en cierto sentido, y como en el melodrama, es confesar. Es confesar que se ha sido sobrepasado por la vida o que no se comprende ésta (Albert Camus)000165482

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Para el absurdo de la vida, dice Albert Camus, el hombre sopesa la esperanza que le hace concebir un orden posible: “… esperanza de otra vida que hay que “merecer”, o engaño de quienes viven no para la vida misma, sino para alguna gran idea que la supera, la sublima, le da un sentido y la traiciona” (2004: 16). Desde el personaje de Eduardo, Alfredo Martín realiza una lectura que parte de una filosofía, y que pone en el cuerpo del personaje la carga de la tragedia de toda una familia. Ya no es Damián el emergente por donde el punto de vista de Sánchez habla sino es Eduardo quien se expresa como aquél que toma para sí la tarea de dar cuenta del absurdo de mantener la esperanza. Un espacio, la sala de Andamio 90, que Héctor Calmet convierte con talento en el habitus de una familia de clase media acomodada, en la década del 30: por el vestuario, por la radiofonía, inexistente en la época en que Sánchez escribió la pieza En Familia (1905), por la mención a la crisis económica; una escenografía continente de los personajes y que tiene una extensión hacia foro y hacia la platea, con quien se relacionan, a quien interpela, en una ruptura de la cuarta pared, que ya Alfredo Martín había buscado en Los derechos de la salud (1907), pero esta vez más directamente. Sánchez escribe su teatro de tesis para poner en discusión la realidad ciudadana, en relación a los interrogantes que lo preocupaban a la hora de construir su universo teatral: el ser y el parecer, las máscaras sociales, la ética, la hipocresía de una sociedad que siente que todo se desvanece, y no quiere sentirse responsable de su decadencia, buscando la culpabilidad fuera de las paredes de la casa. 000165479La evasión a través del juego, el alcohol, o el teatro son constantes que aparecen en su escritura. Una escritura que construye personajes cuyos imaginarios los alejan de lo real concreto, de la lucha de la vida cotidiana, a pesar de sentir los rigores de su actitud. En Abandonemos toda esperanza, el núcleo potente de sentido de la textualidad dramática de Sánchez se mantiene con firmeza y cada cambio producido no hace más que reforzar su significación primaria. Todo está allí para que Sánchez esté presente a través de una lectura inteligente que provoca que la tesis de hace cien años cobre fuerza y actualidad. El padre, Jorge, destruido y envilecido por la pérdida económica, en la interpretación de Marcelo Bucossi, y su mujer, Mercedes, la madre que no atina a conciliar el caos familiar, Julia Funari, tienen un diálogo de excelencia, cuando caen las caretas y todo de pronto ve la triste cara de la verdad. Las actuaciones muy buenas, en general, mantienen su tipo en cada uno de los integrantes del elenco; y los personajes se exponen no por la construcción de las palabras, sino por una creación que logra que las subjetividades sean absolutas protagonistas. Desde las hermanas tilingas y egoístas, y sus relaciones con un cafisho, encerradas en su propio mundo de miseria, hasta el hijo aprendiz de ladrón; mientras el revés de ese espejo que Sánchez nos propone aparece en el hijo mayor, Damián, que busca la redención de todos y en su esposa, Delfina, que ve como todo es un absurdo pero acepta por amor lo que su esposo se propone. El diferente, es Eduardo, la punta del iceberg de una familia desangelada, sin valores, ni amor filial, que sin embargo le reclama lo que no es capaz de dar, convirtiéndose así, en el emergente de la suma de los problemas familiares. De lo social a lo individual, Martín produce una puesta que indaga en la profundidad psicológica de los personajes a través de las palabras de Sánchez pero yendo un paso más allá.000165477

Ficha técnica: Abandonemos toda esperanza de Alfredo Martín a partir de En Familia de Florencio Sánchez. Intérpretes: Nicolás Barsoff (Damián), Julián Belleggia (Tomasito), Marcelo Bucossi (Jorge, el padre), Cinthia Demarco (Laura), María Fernanda Iglesias (Delfina), Mariano Falcón (Eduardo), Julia Funari (Mercedes, la madre), Luciana Procaccini (Emilia), Gustavo Reverdito (Antonio) y Lorena Székely (Asunción). Escenografía e Iluminación: Héctor Calmet. Realización Escenográfica: Analía Schiavino-Fernando Díaz. Vestuario: Jéssica Menéndez. Entrenamiento Corporal: Armando Schettini. Diseñador Gráfico: Gustavo Reverdito. Imagen y Video: Ignacio Verguilla. Fotografía: Gabriel Oscar Pérez. Prensa: Silvina Pizzaro. Asesoramiento Artístico: Marcelo Bucossi. Asistente de Dirección: Laura Canteros. Dirección y Puesta en Escena: Alfredo Martín. Teatro Andamio 90. Estreno 03/09/2017. Duración: 90′. Domingos 20 hs.

Bibliografía:

Camus, Albert, 2004. El mito de Sísifo. Buenos Aires: Editorial Losada: 13)

Después te cuento de Adriana Gómez Piperno

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Después te cuento de Adriana Gómez Piperno

después te cuentoYo he nacido independiente

Y ando contra la corriente

De Eva soy hermana

Y tentarse es cosa humana

(Tita Merello)

Azucena Ester Joffe, María de los Angeles Sanz

La pieza de Adriana Gómez Piperno nos lleva de la mano de la femineidad para entender una relación que pareciera no cortarse ni aún después de la muerte. Conflictiva como es, la relación de una madre con su hija, y de ésta con la suya, aparece en la fecha señalada del cumpleaños de la primera, que ubicada en un cuadro de pintoresca geografía como marco, es testigo, primero muda y luego ostentosamente visible, del monólogo de la hija que necesita confesarse a sí misma las dudas, los sentimientos encontrados que la atraviesan. Si en la obra anterior de la dramaturga, Te quiero poco, y todo lo demás (2011) el sillón de Freud era el elemento estructural de la obra, en esta la mujer del cuadro, la cocina y la tortilla, son los elementos necesarios para dar cuenta de un relato que abarca toda su corta vida. El personaje tiene un momento de metatetralidad, cuando le confiesa a su madre que su pareja, le declara que la quiero poco, motivo de su separación, un guiño a la pieza anterior. La música en vivo, que retrotrae un éxito de Tita Merello De contra mano1, que habla ya en aquella época, los treinta del siglo XX, de la búsqueda de la mujer de un empoderamiento, como acostumbramos a decir ahora, de una libertad a contramano de la sociedad patriarcal. 2urlUn espacio trabajado en tres niveles de representación, dónde lo plástico, el cuadro, la palabra y la acción, el monólogo en la cocina, sabor del vino y la comida y la música en un lateral, forman una síntesis del sentido de la pieza que enriquece su espesura a partir de los diferentes significantes. Una búsqueda de explotar los sentidos, el olor a cebolla no es ajena al lugar, para que el espectador a través de ellos y con humor, pueda reflexionar lo que la dramaturga propone en escena. Cecilia Pertusi construye a la hija de forma acabada, con la frescura y cierta ingenuidad que denota la necesaria mirada retrospectiva a aquella relación perdida que se actualiza justamente en este día especial. Mientras Cristina Dramisino, la madre, con humor intenta aconsejarla y no se puede resistir a la tentación de volver a saborear un bocado de tortilla y la copa de vino servida por Ana, quizá como un ritual premonitorio. Una historia sencilla que se desarrolla en un espacio íntimo, una confesión escrita y en voz alta que en algún momento todos hemos realizado. Porque “las cosas no terminan” de un día para otro.3url

Ficha técnica: Después te cuento de Adriana Gómez Piperno. Actúan: Cecilia Pertusi (Ana) y CCristina Dramisino (Madre). Música en vivo y pintura: Sonia Kovalivker. Diseño de escenografía e iluminación: Eduardo Pérez Winter. Vestuario: Nury Bertone. Gráfica: Florencia Huerga. Fotografía: Victoria De Feo. Prensa y difusión: Carolina Alfonso. Asistencia en dirección: Oscar Duarte. Adaptación y dirección: Juan Arena. Club Cultural Matienzo. Estreno: 08/09/2017. Duración: 60′. Viernes 20:30 hs. Gira DTC: octubre en El Camarín de las Musas y noviembre en Nün Teatro Bar.

1De contra mano es una Ranchera cuya música le pertenece a Francisco Canaro y la letra de Luis César Amadori.

Una fuga de agua de Gonzalo de Otaola (gota)

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Una fuga de agua de Gonzalo de Otaola (gota)

El tiempo es la distancia más larga entre dos lugares1

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Azucena Ester Joffe

La escritura dramática y escénica de Gonzalo de Otaola en esta obra, su ópera prima, construye una historia íntima y común a todos nosotros. El reencuentro de todos los hijos ante el inminente fallecimiento de la anciana madre y la inevitable venta de la casa familiar. ¿Cómo será esa situación particular entre los cuatro hermanos? Los hijos adultos y la adolescente nieta esperan, durante una larga noche de vigilia, el llamado con la inevitable noticia. Mientras los secretos de familia, esos que todos saben pero nadie comenta, empiezan a surgir a partir de un pequeño libro de poesías escrito en la juventud por el hijo varón. En tanto, las tres hijas dan rienda suelta a los recuerdos de la infancia en un clima que oscila entre la comedia y el drama. Por momentos ríen como niños y recuperan la frescura e inocencia de aquellos años ya lejanos y, en otros, como adultos que cargan sobre sus almas los años de distancia, de un tiempo no compartido. El elenco le otorga de forma perfecta la carnadura a cada personaje, con sus características propias y sin altibajos, con ritmo sostenido desde el inicio. 000163635En el centro del amplio espacio escénico observamos el cómodo living y a ambos lados: el patio, la cocina, un dormitorio en desuso y otros espacios que nos son vedados dando cuenta de que la casa, en una época, albergó a toda la familia. Con un mobiliario que ha quedado detenido en aquel tiempo cargado de emociones y de conflictos. El vestuario, acorde a la individualidad de cada integrante, termina por cerrar un relato que nos involucra; en tanto la iluminación, en consonancia a esta puesta en escena realista, subraya los distintos estados de ánimo que afloran en las diferentes escenas. El relato deja al descubierto que los vínculos familiares nunca son tan trasparentes como pretenden ser, en especial cuando surge una necesidad dicha a media voz: la “bendita” herencia. Como sucede en general, esto ocasiona recuerdos felices y divertidos pero también aquellos otros que son preferibles olvidar. Así como una fuga de agua se escurre entre los dedos, se escurre el tiempo de la infancia y adolescencia en la búsqueda de evadir cierta incomprensión de los padres.000163640

Ficha técnica: Una fuga de agua de Gonzalo de Otaola (gota). Elenco: Silvina Katz, Luli Torn, Mara Guerra, Caro Pfaffenbauer y Jorge Gentile. Vestuario: Jam Monti. Escenografía: Esteban Siderakis. Diseño de luces: Sebastián Francia. Asesor coreográfico: Diego Jaraz. Fotografía y diseño: Daniela Patané. Prensa: Marcos Mutuverría / DucheZarate. Producción: Casa de Fieras. Asistencia de dirección: Rocío Literas. Supervisión general: Javier Daulte. Dirección: Gonzalo de Otaola (gota). Espacio Callejón. Estreno: 01/09/2017. Duración: 60′. Viernes 20:00 hs.

1 Según la gacetilla de Prensa, esta frase es de Tennessee Williams

Boceto para la siesta de un fauno de Mariela Ruggeri

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Boceto para la siesta de un fauno de Mariela Ruggeri

Un conjuro para invocar en cuerpo y alma al gran Nijinski

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Vaslav Nijinski

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Principios del siglo XX, las vanguardias rompen con toda una manera de sentir el arte que consideran adocenado por la burguesía y sus instituciones. La danza no escapa a esa crítica que deconstruye la rigidez de lo clásico y establecido y tiene cultores que aman la libertad de movimientos. Es un recorrido que han hecho la poesía, la música, la pintura, como una revolución copernicana, y que Vaslav Nijinski atravesará con la furia de su convicción. Sensualidad, fauvismo, expresionismo, futurismo, son las nominaciones de las propuestas que llevaran a los artistas a poner en primer plano una subjetividad convertida en forma creativa. Los Ballet Russes, 1909-1929, renovaron la danza académica y la modernidad enunciada por su creador, Diaghilev, fue solidificando un espeso entramado a partir de la mixtura de temas y procedimientos. En este marco, Nijinsky fue el gran coreógrafo y bailarín que despertó fuertes polémicas por las modificaciones formales que realizaba en sus obras, en especial: L’après-midi d’un faune (La siesta de un fauno) y Le Sacre du Printemps (La consagración de la primavera).

No me gusta dios cuando es malo, yo soy dios, Nijinsky es dios, los doctores no entienden mi enfermedad, mi cuerpo no está enfermo, mi alma lo está, sufro, sufro, soy sólo un hombre, no soy dios, yo sé que los socialistas me entenderían mejor, pero yo no soy socialista, yo soy parte de dios, soy del partido de dios, no quiero guerras ni fronteras, el libro existe y tiene un hogar en todos lados, yo vivo en todos lados, no quiero tener ninguna propiedad, no quiero ser rico, no soy un animal sediento de sangre, soy un hombre, dios está en mí, yo estoy en dios, lo deseo, lo busco, quiero que estos manuscritos sean publicados para que así todos puedan leerlos, soy un buscador, por eso siento a dios, dios me busca y así nosotros nos encontraremos.1

Boceto para la siesta de un fauno de forma precisa crea el clima íntimo, casi onírico y alejado de la realidad en el cual, suponemos, estaba inmerso el coreógrafo. Como una larga noche de vigilia donde los fantasmas de Nijinsky se materializan a través del cariñoso y no menos doloroso diálogo con su hermana, Bronislava Nijinska2. Mientras la Narradora intenta dilucidar el intenso proceso creativo. Es interesante como el joven bailarín, Lucas Díaz, se desdobla sin transición entre en el intérprete del fauno que como poseído por un genio de los bajorrelieve griegos -con desplazamientos simples pero el cuerpo distorsionado, la cabeza y caderas de perfil, el torso de frente, los brazos en posición angular,… Y en otros momentos, es el hombre atribulado por el rechazo de sus pares, del público y de la crítica, sumado a los incipientes síntomas de su temprana esquizofrenia. En un espacio despojado cada personajes tiene su lugar, su propio sitio, que la iluminación de modo acertado recorta como temiendo romper el encanto de un presente suspendido que se actualiza ante nuestra atenta mirada. Dos tiempos, el ayer y el hoy, que confluyen en un todo orgánico. La textualidad de Mariela Ruggeri, directora y coreógrafa, construye una obra breve e inteligente necesaria y mantiene el núcleo duro de la historia: el cuerpo y alma del gran maestro Nijinsky. En relación con la música nos comentó: “la obra original, La siesta de un Fauno [1912], tiene la música del Preludio a la siesta de un fauno de Debussy. En el caso de Boceto…., al ser una obra sobre la construcción del original tiene el mismo preludio pero, además, en ciertos momentos tiene música de John Cage”.Preludio para la Siesta de un Fauno 2017 (Máximo) 127b

Una interesante narrativa coreográfica y dos jóvenes bailares que con solvencia escénica nos envuelven en un continunn creativo. Se podrá disfrutar hasta el último miércoles de septiembre, con lo cual esperemos su pronta reposición en la cartelera porteña.

Ficha técnica: Boceto para la siesta de un fauno de Mariela Ruggeri. Intérpretes: Alba Virgilio (Bronislava / Narradora), Lucas Díaz (Vaslav Nijinski). Música: Claude Debussy / John Cage. Luces: Horacio Novelle. Fotografía: Máximo Parpagnoli. Vestuario: Marcelo Morato. Prensa y Difusión: Paula Simkim & Daniel Franco. Comunicación visual – CCC: Claudio Medín. Asistencia de Dirección: Daniela Mena Salgado. Dirección y Coreografía: Mariela Ruggeri. C. C. de la Cooperación: sala Solidaridad. Estreno: 06/09/2017. Duración: 60′. Miércoles de Septiembre: 21 hs.

1 Fragmento The diary of Vaslav Nijinsky. Ed. Romola Nijinsky. New York: Simon and Schuster, 1936

2 Bailarina y coreógrafa, su obra más conocida es Les Noces (Las Bodas) estrenada en 1923, y marcó un cambio por su particular concepción en la que se preanunciaba el futurismo.

Por ese palpitar! – Gitano X Gitano

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Por ese palpitar! – Gitano X Gitano

MMM_0762-El flamenco le rinde tributo a Sandro-

Susana Llahí chumbitoplus@yahoo.com.ar

Baldomero Cádiz, cantante, guitarrista, bailarín y director posee una excelente trayectoria que se inicia en 1976 cuando con su hermano Basilio forman la compañía “Los Tarantos”. De origen canario, Baldomero Cádiz ha desarrollado su formación en el arte flamenco en el seno de una de las familias gitanas de mayor arraigo en nuestro país. Con Los Tarantos o ya alejado del grupo cuando decidió profundizar en la danza flamenca, ha realizado giras exitosísimas por escenarios nacionales e internacionales. En este espectáculo el cantaor quiso llevar a escena el fuerte lazo que unió a Sandro con el pueblo gitano. Quiso emparentar la pasión, la garra y la seducción que desplegaba el cantante con aquella que es patrimonio de la raza gaditana y que se manifiesta en el canto y la danza flamenca.

Alejandro Veroutis, con una breve narración en off al estilo de relato enmarcado, da inicio a la puesta contando detalles que evidencian el compromiso estético que unió a Sandro con la gitanería. Para ello, también recuerda cuando nuestro gran cantante los incluyó en su película Gitano. De esta manera, en el escenario, como si fuera un gran tablao se van desgranando aquellas emblemáticas canciones de nuestro “Gitano de fuego”: Así, Porque yo te amo, Noche de amantes, Me amas y me dejas, Rosa, Rosa … y este momento, nos retrotrajo a aquellos recitales donde sus “nenas” clamaban de amor; el mismo entusiasmo arrancó Baldomero, no por sensuales movimientos de pelvis (como acostumbraba Sandro) sino, por su pasión pero fundamentalmente, por su voz, su elegancia y distinción. Se te nota tuvo un ritmo más rockero recordando grabaciones que Sandro realizó con Charly García. Una hermosa interpretación de A los de fuego por Gabriel Espósito y ya con ritmo de Bulerías Somos gitanos y Quiero llenarme de ti y La vida continúa con ritmo de Tiento- Tangos. La voz de Baldomero tuvo el quiebre y el sonido tuvo el palmoteo y la marcación instrumental, propio de estos ritmos flamencos. Pero acaso… ¿ese quiebre no estaba también en la voz de Sandro? ¿Cuánto de flamenco había en la voz y en la fuerza instrumental de sus interpretaciones? Luego, Baldomero cantó la hermosa rumba, Tengo y Dame fuego. De más está decir, que las palmas y las exclamaciones acompañaron la actuación del cantaor y él mismo invitó al público a corear aquellos estribillos de las canciones de Sandro que han quedado como leiv motiv cuando se menciona su música. Fuera de programa, ya como bis, cantó Penumbras.MMM_0906

Destacables los coros de Gabriel Espósito, Pamela Tello (quien también tuvo interpretación como solista) y de Mariana Vergara. Y por supuesto, una mención especial para los músicos: Hernán Malagoli (piano), Aníbal Colli (teclados), Juan Romero Cádiz (Percusión flamenca), Daniel Miríadas López (Bajo). Daniel Oliva, joven y talentoso bailarín le dio a la noche la completud del flamenco.

Un espectáculo de excelencia, donde brilló no sólo la voz sino también la calidad del bailarín, en el desplazamiento escénico y en el manejo de las manos y del cuerpo, recursos que pusieron en evidencia su sólida trayectoria y la auténtica identidad gitana de donde brota el sentido profundo de su raza.MMM_0845

Por ese palpitar-Gitano X Gitano. Teatro Astral– Avenida Corrientes 1639- Fechas: 13-20-27 de septiembre y 04-11 de octubre – 20:30 hs. Además de los artistas mencionados en el cuerpo de la crítica: Bailarines: Darío Oliva. Yamil Rabaj. Gastón Stazzone. Yanina Martínez. Mónica Romero. Vestuario: Pablo Bonet. Ambientación: Patricia Marchitto. Iluminación: Paco Urdiales. Música original: Gabriel Espósito. Dirección de producción: Ricardo y José Luis Gallo. Alejandro Veroutis. Idea. Libro. Diseño coreográfico y Dirección general: Jorge Mazzini.