Archivo de la categoría: Teatro en Buenos Aires

Warangas. Night Show

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Warangas. Night Show

Groserías con talento y mucho humor

WarangasAzucena Ester Joffe

¡Pasen y vean! Warangas es un espectáculo musical que desde su estreno tiene el reconocimiento del público y de la crítica, además de contar con varias nominaciones. Ya desde su título, aunque con W, plantea un desafío para aquellos espectadores quizá más “estructurados” pero no deja de ser un antídoto para el malhumor y la depresión.

Una propuesta “zafada” atravesada por elementos del music-hall, el cabaret y el café-concert, por lo cual se ubicaría, por así decirlo, en el borde de lo que el público más convencional llamaría, en general, de “buen gusto”. El hilo conductor de los diferentes sketches está dado por lo guarango, lo callejero, lo vulgar pero este recurso de malas palabras no resulta agresivo pues están dichas en el tono justo y con la comicidad necesaria para provocar nuestra risa constante, sin caer en el subjetivo “mal gusto”. El sólido elenco, que se tomó la licencia de hacer lo que ellos querían, tiene una química especial y nos contagian de ese delirio.

El ritmo sostenido, las canciones, los monólogos o los cuadros grupales, dan cuentan del amplio registro actoral de cada intérprete. El presentador, la mujer barbuda, el adivino, el clown, entre otros, no sólo rescatan a esos personajes tan entrañables sino también satirizan nuestra actual coyuntura política y económica (entre tantos tarifazos y desocupación,…, mejor no seguir con la larga lista) y abordan distintas cuestiones de género. Con un vestuario acorde a cada breve escena, con sus rostros maquillados de forma payasesca y la gestualidad exagerada, las distintas criaturas ingresan desde diferentes sitios de la sala. La música en vivo, algunas coreografías y la iluminación, terminan por crear el clima hilarante con la complicidad del público que participó espontáneamente. Un Night Show que recibió el merecido aplauso final. Todos nos retiramos con una sonrisa y con cierta sensación a que nos faltó un “bis”.warangas.Prensa

La compañía Warangas tuvo que mudar su Night Show de El Camarín de las Musas, por cuestiones edilicias, al Maipo Kabaret.

Ficha técnica: Warangas. Night Show. Elenco (por orden alfabético): Celeste Campos, Ana Devin, Roberto Peloni, Julian Sierra, Pablo Sultani, Georgina Tirotta. Músicos: Pablo Citarella o Marcelo Macri (piano), Raul Oliveira (guitarra y Arreglos vocales). Coreografía: Georgina Tirotta. Vestuario: Ana Devin. Realización de vestuario: Luli Gemelli. Pelucas y tocados: Leonardo Colonna. Bufandas: Palega Ortito. Asesoramiento Anal: Daniel Marrone. Fotografía: Nacho Lunadei. Diseño gráfico: Pablo Sultani. Escenografía: Nelson Mandela. Blanqueamiento Anal: Morgan Freeman. Producción ejecutiva: Natalia Eugenio. Producción homosexual: Juan José Chota. Producción general: Ezequiel Comeron & Roberto Peloni. Drogas: Doris Day. Comunicación: BMZ Comunicaciones. Dirección general: Roberto Peloni. Maipo Kabaret. Estreno: abril del 2018 (El Camarín de las Musas). Duración: 80’. Funciones: martes 20:30 hs.

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Pasadas de sexo y revolución de Silvio Lang

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Pasadas de sexo y revolución de Silvio Lang

La política como fiesta. ¿Cómo siguen nuestras vidas procesando la revolución sexual? Pasadas de sexo y revolución es un show formativo de las luchas de mujeres, lesbianas, travestis, trans y maricas por una sociedad de nuevo tipo. Pero también una fiesta pagana con el público. El humor marica y un erotismo desmedido producen una poética anal de los placeres del cuerpo como barricada sensible.1

unnamedAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El espacio, Teatro El Cubo, cerca de la una de la mañana, la fila de jóvenes de todas las edades se encuentra a casi una cuadra de la entrada, la noche es cálida y amerita confidencias y conversaciones que tienen que ver con el concepto de género, y la violencia sobre la mujer. Están frescas en la memoria las denuncias sobre el Nacional Buenos Aires, la cita es casi etaria, pero Lang convoca a todos, porque los amantes del teatro sabemos que seguramente nos ofrecerá algo que va a sorprendernos, por su audacia verbal y física. Los performers se acercan cámara en mano, recorren la fila y graban el momento que se repetirá en noviembre y diciembre. En citas bacanales, fiestas donde todo estará permitido, porque dentro de la sala, donde algunos permanecen sentados, y otros de pie, hay una barra donde se venden bebidas alcohólicas. El clima se densa por momentos con los cánticos en contra del patriarcado, porque esta vez es la sexualidad y su diversidad la invitada a desarrollar fuera y dentro del espacio escénico, su revolución. También en contra de un gobierno de la ciudad y nacional represor. Un grupo intenso en escena, que se apodera de la platea por momentos, al costado un dúo vocal que sigue el transcurso de las acciones desde las canciones, el color y el semi desnudo de los cuerpos, es una invitación a la libertad de los sentidos. Copy of pasadas-30Los cuadros se reiteran alternativamente entre lo grupal, y la aparición de dos personajes, con un vestuario barroco, como el maquillaje, que despliegan como en las murgas la letanía de un pensamiento que necesita ser expresado y lo es, en las calles, en las plazas, en las marchas, en el deseo expreso de los cuerpos que sin miedo se atreven a besarse en los espacios públicos aunque sean reprimidos por una ley que no tiene altura ética para tomarse a sí mismo el ejercicio de juzgar2. Construyen a conciencia una nueva poética, que parte de lo diferente y que quiere ser reconocida como válida, en un universo hetero que impone su ética y su estética. El director trabaja siempre en los bordes, en los límites de lo político, porque la sexualidad también es una cuestión política, y los derechos que se permiten hablan de una sociedad y hacia donde dirige sus pasos.

El Cubo explota, literalmente, en cada Show y posterior Fiesta -más de 45 performers en escena y un DJ invitado para la ocasión. Pasadas de Sexo y Revolución es provocación, es delirio, es políticamente teatral. Interpela todos nuestros sentidos porque, como ya nos tiene acostumbrados, Silvio Lang siempre va por más:

Manifiestos, canciones de protestas, poemas anónimos, consignas políticas, acciones de agitación y arte, teoría de fanzine de los activismos de la imaginación político-sexual desobediente, en Argentina, desde los años 70’ hasta nuestros días, son para la Organización Grupal de Investigaciones Escénicas (ORGIE) dispositivos poéticos-políticos a remontar3.

Próximas funciones: 03/11/2018 y 01/12/2018 (Show: 00.00 / Fiesta: 02.00)Copy of pasadas-15

Ficha técnica: Pasadas de sexo y revolución de Silvio Lang. Performers: Alejo Petriz, Ana Borré, Araceli Atmadjian, Bautista Viera, Brenda Bidal, Darío Mendes Duarte, Emanuel Nem, Eva Calderone, Facundo Risso, Fernando Cantora, Flor Sánchez Elías, Dimitri Francesco, Hugo Martínez, Jannik Mioducki, Joaquín Sesma, Joaquín Testoni Vezzosi, Juan Pedro Scioli, Juan Rausch, Julián Dubié, Julia Hadida, Laura Visconti, Lucía Amico, Lucas Nicolás Cardozo, Manuel Pallero, María Jesús González, Marian Pérez, Mariano Rapetti, Miguel Valdivieso, Mora Sánchez Uzal, Nahuel Ortiz, Nahuel Vec, Nastya Rubert, Nehuén Zapata, Nicolás Salvatierra, Paulo Nehuén Zogbe, Ramiro Guggiari, Rodolfo Opazo, Romina Trigo, Santiago Rovito, Tom Werth, Tomás Deías Spreng, Valentín Piñeyro, Yamil Julián. DJS invitados: Chicxs Kidz (01/09), Kinda y Paula Random (6/10), Chocolate Remix (03/11), Plvybxy + DJ $USTANCIA (01/12). Coreografía: Rodolfo Opazo. Asistentes coreográficxs: Julia Hadida, Julián Dub, Eva Calderone. Dirección musical: Valentín Piñeyro. Asistente: Santiago Rovito. Composición musical: Valentín Piñeyro y ORGIE. Diseño de vestuario y dirección de arte: Endi Ruiz. Diseño de iluminación: David Seldes. Asistente de iluminación: Facundo David. Diseño de sonido y mezcla: Marcos Zoppi. Asistente técnico de sonido: Santiago Johnson. Diseño gráfico: Julián Dubié. Ilustración logo: Alejo Petriz y Flor Sánchez Elia. Impresión programa de mano: Yamil Julián. Fotografía: Dagurke. Realización de vestuario: Emanuel Nem, Bagallo, AY Jockstraps, Luisa Vega, Emiliana de Cristofaro, Mariano Clemente, Javier Olivera. Producción de vestuario: Emanuel Nem. Realizador lumínico: Paul Damián Pregliasco. Prensa y comunicación: Ramiro Cuggiari, Nehuén Zapata, Nahuel Vec, Juan Pedro Scioli. Producción general: Estudio NemCiriano. Producción ejecutiva: Silvina González, Eva Calderone, Juanse Rauch, Ramiro Cuggiari, Braian Alonso. Asistentes de escena: Franco Mehlhose, Antí Matus. Asistencia de dirección: Braian Alonso. Ayudante: Hugo Martínez. Dirección: Silvio Lang. Teatro El Cubo. Estreno: 01/09/2018.

1 Según programa de mano

2 Hace un año el 3/10 de 2017 Mariana Gómez fue detenida en la comisaría de Boedo por besarse en público con su pareja. Es sólo un ejemplo de otros casos que se sucedieron, y siguen sucediendo.

3 Gacetilla de Prensa

De amores y cantares: con todo el salero del arte español

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De amores y cantares: con todo el salero del arte español.

000187822 de amoresSusana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

Norberto Vázquez Freijó con sus dos últimas puestas: Cuatro barrios y ahora, De Amores y cantares nos lleva a gozar de la nostalgia y a encontrarnos con los aspectos más positivos que genera este sentimiento. La segunda de las piezas nombradas, recientemente estrenada, presenta una estructura de “cuento enmarcado”donde el narrador, alter ego del autor, nos traslada a su infancia, hacia aquellos momentos en que la familia con mucho entusiasmo y creciente expectativa se preparaba, durante algunos fines de semana, para concurrir al teatro, especialmente a los de música española. Ese momento de salida y esparcimiento era el premio al trabajo y esfuerzo de todos los días para aquellos descendientes de inmigrantes españoles, amantes y agradecidos a la patria que los cobijó pero con mucha “saudades”por la tierra que les dio origen. Al estilo de un varieté y siempre con los comentarios del actor-narrador se van desgranando: una canción popular castellana, pasodoble, chotis, copla, rumba flamenca matizadas por dos entremeses, picarescos, que no dejan de marcar la idiosincrasia del pueblo gallego (que a veces se lo pinta como un tanto torpe o “un poquito duro para entender”). Los intérpretes, los tres, hacen gala de gran calidad vocal, y es allí es donde encontramos el profesionalismo de Laura Liss en los arreglos, dirección musical y vocal. Conmovedor el dúo en la canción de autor anónimo: En qué nos parecemos y la gracia que despliega la actriz en ¡Ay Cipriano!, gracia que a los espectadores nos lleva a recordar aquella deliciosa y antiquísima película que alguna vez vimos por televisión: la “Lulú”interpretada por Marujita Díaz. La gestualidad y la mueca de Diego Sassi Alcalá concretan la exacta definición de los personajes masculinos, sumamente simpáticos y de tanta simpleza que logran la risa pronta del público. La coreografía muy pautada, organiza los movimientos con muy buen aprovechamiento del reducido espacio escénico. Es para destacar la participación en guitarra de Matías Gómez Campo.

Como lo dice el autor en el programa de mano: “Poesías del romancero español, melodías anónimas, cantos populares de pueblo, autores como los Álvarez Quinteros, Arniches o el fabuloso Federico me inspiraron a redondear ideas”propósitos ampliamente logrados, la puesta tiene ese dejo de ventanita por donde afloran viejos amores que luego se estructuran productivamente en un núcleo temático estéticamente sintetizado y profundamente emotivo. 000187820 de amores

De amores y cantares, con idea y dramaturgia de Norberto Vázquez Freijó. En “La Botica del Ángel”Luis Sáenz peña 541. T.E.: 4384-9396. Elenco: Julieta Cancelli. Pepa Luna. Diego Sassi Alcalá. Guitarra: Matías Gómez Campo. Colaboración actoral: José Luís Larrauri. Coreografía: Julieta Cancelli. Vestuario: Sabrina Herbas. Ambientación escenográfica: Leonardo Altamirano. Diseño gráfico: Marcelo Bigliano y Claudia Acevedo. Fotografía: Rox Boyer. Redes: Malena Nardi. Asistentes de escena: Leonardo Altamirano, Miriam Bigliano y María Teresa Bertazzo. Asistente de dirección y producción: Karina Belmonde. Arreglos, dirección musical y vocal: Laura Liss. Dirección: Norberto Vázquez Freijó.

En la Sombra de la Cúpula de Agustín León Pruzzo

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En la Sombra de la Cúpula de Agustín León Pruzzo

Inspirado en vida y obra de Roberto Arlt

000179630Azucena Ester Joffe

El universo arltiano en el espacio de la Cúpula tiene un plus arquitectónico e histórico por demás interesante, pues se entrecruzan la subjetividad propia de la escritura de Arlt y el asombro de cada integrante del reducido público en una instantánea difícil de olvidar.

Desde el hall del edificio somos conducidos por un elegante personaje, a modo de guía, que nos traslada por las distintas salas. Nuestro primer encuentro con “Arlt” es en la terraza, una noche donde la llovizna ya borraba el límite entre lo real y la ficción. Y desde allí observamos los edificios mientras nos relata algún secreto de algunos de ellos como, por ejemplo, cuando nos señala la esquina de la casa natal del escritor. Una mirada a un punto neurálgico de nuestra ciudad muy distinta a la que solemos realizar en nuestra cotidianidad. El protagonista entre datos autobiográficos nos transmite sus emociones y sentimientos, y así quedamos suspendidos en un “no tiempo” arltiano por excelencia. En tanto una criatura, La muerte, nos observa a distancia.

La puesta en escena que fue pensada para habitar el espacio de la Cúpula a partir de datos precisos, de las Aguafuertes porteñas y de la obra teatral Trecientos millones -que escribió Roberto Arlt después de ser el cronista de un hecho policial: el suicidio de una sirvienta. Un recorrido teatral y mágico que a medida que se abre una puerta nos presenta una escena distinta. Primero nos encontramos con tres seres que no pertenecen al mundo de los vivos y que deberán actuar los sueños de otros. Luego, de ubicarnos en las sillas, comienza el primer acto, de Trecientos millones, en un reducido espacio escénico: Sofía y la dueña de casa, Rocambole y El capitán, La gitana y La muerte. Con humor y despliegue coreográfico, del swing al flamenco, transcurre lo inevitable. En la siguiente sala, por último, el reencuentro de Sofía con su hija después de muchos años. en-la-sombra-de-la-cc3bapula-face-azucenajoffe.jpgEl elenco le otorga la carnadura perfecta a cada personaje que asoma del entramado artesanal, construyendo un relato que fusiona el espacio público y el privado, pues nuestra memoria se adueña de cada recoveco.

La escritura dramática y escénica de Agustín León Pruzzo interviene con su segunda obra1 la emblemática Cúpula del Edificio Bencich, a metros de Plaza de Mayo, donde funciona Estudios Caracol. La compleja escritura de Arlt adquiere un trazo creativo que no la simplifica pero que logra que sus criaturas tengan una patina diferente, no tan oscura. Nuestro desplazamiento por estos espacios lúdicos, en una visita efímera al pasado, hace que al retirarnos dejemos alguna “entidad” flotando en la penumbras, según lo que nuestra imaginación haya creado.

Ficha técnica: En la Sombra de la Cúpula de Agustín León Pruzzo. Actúan: Florencia Miller, Fermín Varangot, Santiago Orquera, Ana Bowers, Antonella Sturia, Leandro Ávalos, (y Tokyo como el Gato Negro). Asistencia general: Maximiliano Minichiello. Coreografía y entrenamiento en swing: Mariano Botindari. Coreografía de flamenco: Ana Bowers. Música en vivo y coordinación musical: Santiago Orquera. Música original y arreglos: Santiago Orquera y Florencia Miller. Escenografía y Vestuario: Victoria Saraví. Realización de escenografia: Oswaldo Tello y Victoria Saraví. Luces: Gastón Noél Zurzupi. Fotografía: Callie Eisner – Natalia Zaidman – Claudio Larrea – Agustín Piluso. Diseño gráfico: Francisco Cibils. Dirección de Producción: María Eugenia Cabezas. Dirección General: Agustín León Pruzzo. Estudio Caracol, Cúpula del Edificio Bencich. Duración: 120’. Tercera Temporada.

1La primera obra fue No inventes lo que no quieras que exista de Florencia Carreras & Agustín León Pruzzo y la tercera, actualmente en cartel, Un mar oculto. Inspirado en vida y obra de Alfonsina Storni.

https://lunateatral2.wordpress.com/2015/06/14/no-inventes-lo-que-no-quieras-que-exista-de-florencia-carreras-agustin-leon-pruzzo/

Lo que no querés ver (las princesas no cagan). Idea y dirección de Victoria Mazari

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Lo que no querés ver (las princesas no cagan). Idea y dirección de Victoria Mazari

¿Por qué? ¿Para qué? ¿Para quién?1

1extAzucena Ester Joffe

La joven coreógrafa y bailarina, Victoria Mazari, quien presenta una amplia trayectoria en distintas disciplinas, crea la Compañía Danseur de danza-teatro, en el 2013, integrada por bailarines/as de danza clásica y contemporánea, como también actores/ actrices. En esta oportunidad, Lo que no querés ver, nos propone una obra meta-dancística, a modo de un entramado donde, por momentos, vemos el derecho y, en otros, el revés de ese universo que parece onírico pero que es real. Todos sabemos que el ballet requiere un duro entrenamiento desde muy temprana edad aunque casi de eso no se habla. Todos esperamos, como espectadores, suspender nuestra razón y ver a las bailarinas, en especial, como seres livianos, etéreos y sin resistencia a la gravedad.

El inicio de la obra es un pseudo reportaje a una “famosa” bailarina que, por una lado, mantiene una postura artificial pero, por otro, deja entrever ciertas falacias que están naturalizadas. Sin bien, esta rigurosa disciplina artística se ha modificado a través de dos siglos aún conserva algunos mecanismos difíciles de sortear: pas de deux o adagio, solos o variaciones,… Mazari construye un prisma donde nosotros, a modo de voyeur, contemplamos a esa profesora que exige a las jóvenes lograr la perfección en cada movimiento, en cada postura,… Lo cual también suele ser la mirada del imaginario social. Mientras observamos a las intérpretes -unificadas por el color beige del vestuario- que sufren, quizá sin saberlo, del trastorno obsesivo-compulsivo (TOC), obsesionadas porque su peinado esté perfecto, por lucir sin las redondeces naturales de cualquier cuerpo humano, por entrenar hasta que el dolor sea insoportable y las puntas de los pies sangren.

Una narrativa coreográfica que indaga sobre la danza misma, en la cual se van intercalando distintas secuencias que forman un todo dinámico e interesante. El buen desempeño de las bailarinas, cuerpos entrenados y cotidianos, construye una perfecta textualidad dramática donde no es necesaria la palabra, pues el elenco posee un lenguaje corporal por demás elocuente. Un relato a partir de una mirada interior y exterior al mundo dancístico, con humor y auto-crítica pero unido a la pasión por la danza que se siente a flor de piel.Lo que no querés ver.face

Ficha artística: Lo que no querés ver (las princesas no cagan). Idea y dirección de Victoria Mazari. Textos: Victoria Mazari, Carolina Matsumoto. Coreografía: Victoria Mazari. Intérpretes: Marlene Asulay, Paloma Abeledo, María Eugenia González, Milena Barrios, Catalina Jure, Jennifer Franzot, Nayla Otaran, Victoria Mazari y la participación especial de Pachi Portas. Dirección y coreografía: Victoria Mazari. Asistente de dirección: Carolina Matsumoto. Asistente actoral: Marlene Asulay. Asistente de puesta en escena: Pachi Portas. Sonido: Christian Sibili. Multimedia: Carolina Matsumoto. Iluminación: Lourdes Alonso. Fotografía: Sabrina Burgos. Prensa y difusión: Simkin & Franco. Música: Radiohead, Olafur Arnalds, Jean Jacques Lemetre, Fläskkvartetten, BalanescuQuartet. Duración: 50’. Reestreno: 05/10/2018. Funciones: viernes 23 hs en Espacio Cultural Urbano; sábados 3 y 10 de noviembre, 21 hs, en La Fábrica, Espacio de Arte.

1Programa de mano

Bitnus de Luz Pearson

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Cía Magy Ganiko presenta

Bitnus de Luz Pearson

Cuando no amo, me obedezco1

Bitnus.Face-AzucenaJoffeAzucena Ester Joffe

Una narrativa coreográfica interesante y provocadora, desde lo visual y lo auditivo. Esta particular puesta en escena de Bitnus, que surge a partir del libro homónimo, tiene un sólido andamiaje en el concepto de pulsión. En una entrevista2, Luz Pearson comentó:

[…] a veces, quien está del otro lado está sostenido por algo que tiene que ver con el deseo, eso ayuda; el deseo invoca mejor esa voz que nos pulsa. El chat entonces puede operar como un montaje pulsional.

En la misma oportunidad, Magy Ganiko aclaró:

En JonMoi, que literalmente significa “libro-danza”, entrenamos la conexión con la pulsión desde la escritura. Encontramos como revelador que antinomiando las narraciones de cada participante del taller, aquello que antinomia nuestro relato consciente, se abren otras potencias que subyacen en rincones de nuestro inconsciente, se llega a resultados increíbles. Este efecto se traslada a la danza en donde la pulsión es madre del movimiento. La pulsión revela el origen del mito, y funciona como un montaje.

Una pulsión que se apodera del cuerpo de la intérprete, atravesada por distintas voces internas y también por esa otra voz, la del amante virtual, quien no se materializa ante nuestra atenta mirada. Un espacio subjetivo en el cual irrumpe ese espacio no tangible que parece ser la única salida a la soledad cotidiana pero que, a su vez, retroalimenta ese sentimiento.

En el reducido espacio escénico, lo virtual está en ese gran límite translúcido que cuelga desde el techo. Las escenas fragmentas y los diálogos inconclusos oscilan entre dos polos: mito/ byte3; amor carnal/ amor digital; femenino/ masculino. La música y los sonidos fluyen como en un espacio otro, mientras que la precisa iluminación va marcando los distintos estados de ánimos del personaje. El llamativo vestuario conjuga elementos mitológicos y cibernéticos. Carla Pezé Di Carlo es cuerpo-poesía-pulsión, le otorga a esta criatura escindida la textura perfecta con la intensidad de su rostro y las inflexiones de su voz; su lenguaje corporal nos interpela desde el inicio. Un discurso que podría provocar cierta incomodidad en algún espectador.

La escritura poética de Pearson, desde el deseo femenino y el cambio cuando la mujer ama, junto a la escritura escénica de Ganiko cuestionan nuestra dependencia abusiva de la tecnología y de las redes sociales. Y en particular, el modo en que cada vez es más frecuente ese “amor” a distancia, sin roces ni olores, que requiere que ese “otro” esté conectado, ¿estás ahí?, en tanto circulan fotos y pequeños videos excitantes y audaces. Un hecho coreográfico audaz que para transitarlo es necesario dejar de lado nuestros límites internos.

Ficha técnica: Bitnus de Luz Pearson. Con Carla Pezé Di Carlo. Voces: Zahira Osés. Vestuario: Andrea Mineko. Idea escenográfica: Magy Ganiko. Realización escenográfica: Nana Simone Micheli. Iluminación: Giorgio Zamboni. Prensa: Simkin & Franco. Diseño gráfico: Nana Simone Micheli y María Bianco. Comunicación: Luz Pearson. Producción: Cia. Magy Ganiko. Asistencia de dirección: Zahira Osés. Dirección: Magy Ganiko. Centro Cultural Borges: Norah Borges. Estreno: 01/09/2018. Duración: 50’. Funciones: sábados 20:30 hs.

1Programa de mano

3 El byte es la unidad de información de base utilizada en computación y en telecomunicaciones, y que resulta equivalente a un conjunto ordenado de bits… https://es.wikipedia.org/wiki/Byte [10/10/2018]

Imprenteros de Lorena Vega

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Ciclo Proyecto Familia

Imprenteros de Lorena Vega

¿Cómo reconstruir el espacio arrebatado en un hecho escénico? ¿Cómo repensar los vínculos reflejados en una herencia que se materializa en un oficio?1

image030Azucena Ester Joffe

Imposible no recordar que Lorena Vega el año pasado arrasó con su gran trabajo actoral en Yo, Encarnación Ezcurra2. Imprenteros surge a partir de aceptar la invitación para participar en el Ciclo Proyecto Familia, en el C. C. Rojas. Todo un desafío que resuelve de manera interesante al construir esta propuesta atravesada por los afectos y los recuerdos, por el olor a la tinta y el murmullo rítmico de las máquinas de la industria gráfica. En un barrio del conurbano aún está ese mundo otro que ya no le pertenece y que lo recupera cada martes en la sala Batato Barea. Tres generaciones de imprenteros -abuelo, padre (Alfredo) e hijos (Lorena, Sergio y Federico)- y el reclamo ante el inevitable conflicto por la “bendita” herencia. Después de la muerte de su padre, sus medios hermanos le cambiaron la cerradura al taller impidiéndoles el ingreso a ese querido sitio donde pasaron su infancia y su adolescencia, y también realizaron algunos trabajos en la pequeña empresa familiar.

En el amplio espacio escénico observamos muy pocos elementos, solamente aquellos necesarios para la proyección de algunos videos caseros, viejas fotos y audios de aquellas voces que no se animaron a estar en escena. Una historia de vida en primera persona que nos atrapa desde su inicio. Los preparativos de la fiesta de sus 15 años, la negativa de su padre de imprimir las correspondientes tarjetas y, por ese motivo, su ausencia en la misma; su madre organizando cada detalle para el vals con su tío y las fotos de rigor; entre otras situaciones y secretos familiares que habitan el espacio lúdico. Los encuentros y desencuentros con su padre y la necesidad de hurgar en la memoria, de recuperar ese espacio familiar. Su hermano Sergio se atreve a estar presente, con la carpeta en mano de las etiquetas realizadas en aquellos años, en su mayoría de embutidos. Él continua siendo imprentero pero con nueva tecnología y da cuenta de ese hombre, cual artesano, que prefería tener un trato directo con cada cliente. En cambio, Federico, hoy alejado del oficio, parece estar más distante y sólo aceptó participar de la entrevista realiza por su hermana, quien comenta fue a cambio de una paqueta cena. En tanto, actrices y actores de su entorno más cercano van recreando a distintas personas que participaron en las situaciones pasadas.

Un recorrido performático a partir de reconstruir con retazos, instantáneas y recuerdos, una especial narrativa que pone a punto, en escena, a su familia que, por esas cosas de la vida, “nunca iba al teatro”. Con buen ritmo y humor, algo de melancolía y mucho amor, sin caer en golpe bajos, las preguntas quedan flotando: ¿qué sentiste cuando cambiaron la cerradura del taller? ¿te gustaría recuperar nuestras cosas que aún están allí? ¿extrañas a papá? La escena coreográfica final cierra un relato íntimo con el merecido aplauso del público ante la perfecta conjunción de dos mundos que parecen ser diferentes: el imprentero y el teatral.IMG_6078

Ficha técnica: Imprenteros de Lorena Vega. Elenco: Sergio Vega, Federico Vega, Lorena Vega, Julieta Brito, Juan Pablo Garaventa, Lucas Crespi, Federico Liss, Viviana Vázquez, Vanesa Maja, Mariano Sayavedra. Espacio: M. Celeste Etcheverry. Vestuario: Julieta Harca. Iluminación: Ricardo Sica. Sonido y Música original: Andrés Buchbinder. Fotografía: Cesar Capasso. Asesoramiento coreográfico: Margarita Molfino. Diseño gráfico: Petre. Equipo de rodaje: Gonzalo Zapico, Agustín Di Grazia, Andrés Buchbinder, Franco Marenco. Montaje audiovisual: Emi Castañeda. Asistentes: Fabiana Brandán y Santiago Kuster. Colaboración artística: Damiana Poggi. Dirección: Lorena Vega. C C R R Rojas: sala Batato Barea. Estreno: 04/09/2018. Duración: 60’. Funciones: martes 20 hs.

Proyecto Familia reflexiona acerca de la familia en las artes y la comunidad. ¿Qué familia tengo? ¿Qué familia elijo? ¿Qué familia quiero? ¿Qué familia es posible en el tercer milenio? Obras, películas, performances e instancias de reflexión para encontrarse, comunicarse, aceptarse y descubrirse3.

1Del programa de mano

2 Premio ACE 2016-2017 “Mejor Actriz en Unipersonal”; Premio Luisa Vehil 2017 “Mejor Actriz”;
Nominada Premio Teatro XXI 2017 “Mejor Actriz”; Trabajo destacado en la categoría de Actriz, Premio Teatro del Mundo 2017.
http://www.lorenavega.com.ar/p/profile.html [09/10/2018]

https://lunateatral2.wordpress.com/2017/04/16/yo-encarnacion-ezcurra-de-cristina-escofet/

3Según gacetilla de Prensa

If – Festejan la mentira de Gabriel Calderón

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Temporada Internacional CTBA Uruguay [IV]

If – Festejan la mentira de Gabriel Calderón

Celebramos alegremente esto que llamamos vida y que no es más que un lento e inevitable viaje hacia el empapelado de esos muros que, con ansia y determinación, nos esperan. (G. Calderón)1

If-festejan la mentira.CTBA-AJoffeAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Es la cuarta obra de Uruguay que se presentan en el marco de la Temporada 2018 del CTBA, y que tuvimos la oportunidad de ver del 20 al 23 de septiembre. If – Festejan la mentira se estrenó los primeros días del mismo mes en Montevideo y luego de su presentación en CABA continuó su gira hacia Colombia.

Una muerte, un velorio solitario, una familia mirada desde la voz de una conciencia que no repara en los buenos modales; cuadros que se perfilan diferente en el mismo escenario, a partir de fijar la vista en la luz de una lámpara, que permitirá los cambios de óptica, de punto de vista. Y la representación dentro de la representación puesta en abismo en escena para un espectador que cuando cree entender la historia se da cuenta que todo es un relato que construye otro. En esa búsqueda de una forma que nos permita decir las mismas cosas que nos preocupan desde una perspectiva teatral diferente, la puesta nos permite el humor negro, todo humor sobre la muerte lo es, la sensibilidad al ver el poco valor que la vida transcurrida tiene para los que nos sobreviven en general, y de cómo los lazos de sangre no son un reaseguro para la llegada de la soledad al final de nuestras vidas. El dinero, el posible, y el que forma parte del más oscuro deseo, están presentes en la voz de los personajes, que no dejan, en la verborragia de sus diálogos, de dar cuenta de la ambición, vanidad, y desapego que la sociedad en general nos presenta como ejemplo a seguir. Frescos, cuadros como frescos que van desgranando una realidad manifiesta que el teatro necesita exorcizar. Las actuaciones tienen una muy buena performance, en esa por momentos comedia de enredos, donde los personajes, entran y salen del relato, constituyendo una verdad inestable. Porque en ese relato construido no podía estar ausente la sorpresa, lo inesperado, lo desestabilizante. Calderón se ha convertido en el campo teatral de Buenos Aires en un autor transitado por grupos de teatro jóvenes que ven en su escritura, forma y temática, una vía de expresión para el juego teatral de experimentación: Mi muñequita y Ex, que revienten los actores, tienen presencia en la cartelera actual del teatro de autogestión. IF Calderon.CTBA-A.Joffe

Ficha técnica: If – Festejan la mentira de Gabriel Calderón. Elenco: Gloria Demassi, Dahiana Méndez, Carla Moscatelli, Giselle Motta, Gustavo Saffores. Coordinación de producción (CTBA) Galo Ontivero, Catalina Telerman. Asistencia de dirección (CTBA) Cecilia Acosta, Fernanda Machado, Leo Méndez. Producción técnica (CTBA) Matías Ledesma. Artista en residencia: Jacqueline Lacasa. Desarrollo de identidad gráfica: Agustín Spinelli. Asistencia de dirección: José Pagano. Producción ejecutiva: Camila Florines. Producción general: Bruno Gadea. Efectos especiales: Estela Muga, Flores Tucci. Sonido: Fernando Castro. Vestuario: Paula Villalba, Sofía Beceiro. Escenografía e iluminación: Pablo Caballero. Dirección: Gabriel Calderón. Teatro Regio. Duración: 100’. Del 20 al 23/09/ 2018.

1 Según programa de mano

Las benévolas de Jonathan Littell

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Las benévolas de Jonathan Littell

[Las benévolas] son unas divinidades violentas que los romanos identificaron con las Furias. […] Son análogas a las Parcas o Destinos, que no tienen más ley que ellas mismas, y a las cuales el propio Zeus se ve forzado a obedecer […] A partir de los poemas homéricos, su misión esencial es la venganza del crimen.De modo especial castigan las faltas contra la familia, y el matricidio1.

Las benévolas.P-AzucenaJoffeAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

Crímenes civiles, individuales, privados, crímenes de lesa humanidad, reunidos en una sola persona, en un hombre que luego de mucho tiempo decide hacer un racconto de su vida, y hace sobre sí mismo un largo alegato para defenderse de sus actos, involucrando a todos en una esencia humana que se pierde acosada por la necesidad, o el orden y la ley, es decir, por un código de creencias que avala cualquier situación por más injusta que parezca. Para ambos delitos, tiene una explicación, un origen primario que lo convierte a su vez en víctima de las circunstancias; y en el presente le ayuda a contrarrestar a su propia conciencia que aparece en las benévolas acechadoras, y en el cuerpo como metáfora de una situación que no puede controlar. El cuerpo, se rebela, vomita, se constipa, se convierte en su propio enemigo, porque dice, habla lo que su boca prefiere callar. Las benévolas se presentan como oficiales de policía, que vienen a buscarlo por un crimen, que tal vez no cometió, como metáfora de aquellos que sí lo tuvieron como protagonista, y de los cuales pudo escapar en un submarino, con una falsa identidad. La vida se cobra finalmente sus deudas, a pesar del tiempo, y la memoria esquiva, aunque sus formas sean oblicuas. El personaje reúne en sí mismo, el incesto, la perversidad, la infamia, la muerte como una doble sombra sobre su vida, construida desde la inadaptación a una sociedad reducida a leyes coercitivas. Sin embargo, cuando no lo atañe, esa ley es la justificación para sus actos. En un espacio en desequilibrio, hacia la izquierda el sillón y su presencia, a la derecha los tubos de vidrio donde el encaje se luce; el pasado y el presente, y la puerta por donde ese pasado va a ingresar para desestabilizar el hoy de un individuo que se siente racionalmente a salvo, mientras la emoción se apodera de su cuerpo y lo transmuta en lo ingobernable. El cuerpo del actor se mueve en ese espacio, por momentos, como un animal acorralado, por otros como alguien que desde el cinismo más absoluto narra su historia. Al igual que Eduardo Pavlovsky desde la dramaturgia, Littell desde la narración bucea en el psiquis del torturador, del asesino y su construcción de pensamiento, en el intento de comprender como puede alguien desde lo común, sin ninguna patología reconocida puede llegar al extremo de olvidar su condición humana, en los demás y en él mismo. Los otros deben desaparecer como cosas, objetos, que son perjudiciales, y ellos son los destinados a realizar ese trabajo necesario, y les tocó porque la circunstancia histórica los puso en ese lugar. Cómo nos hubiera pasado a cualquiera en la misma situación. Un interrogante arrojado a la platea que la pone en el lugar de una incomodidad al tener que pensar en su propia historia personal, ante situaciones concretas de nuestro pasado cercano.

Ficha técnica: Las benévolas de Jonathan Littell. Traducción y versión teatral de Julián E. Ezquerra. Elenco: Raquel Ameri (Waser), Matilde Campilongo (Clemens), Jazmín Diz (Una), Gabriel Goity (Maximilien Aue). Producción: Silvia Oleksikiw. Asistencia de dirección: Marcelo Méndez. Asistencia de escenografía y vestuario: Mariela Solari. Asesoría literaria: Julián E. Ezquerra. Música original: Cecilia Candia. Iluminación: Jorge Pastorino. Escenografía y vestuario: Graciela Galán. Dirección: Laura Yusem. Teatro Cervantes. Estreno: 22/09/2018. Duración: 75’. Funciones: de jueves a domingos 18 hs.

1 Según programa de mano: Pierre Grimal, Diccionario de mitología griega y romana (1951)

Creo en un solo Dios de Stefano Massini

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Creo en un solo Dios de Stefano Massini

[Žižek] destaca, por un lado, la instrumentalización política de los horrores del holocausto para legitimar las acciones políticas del Estado de Israel y, por otro, la analogía de este conflicto con un síntoma neurótico: la acción que se repite en busca del beneficio libidinal que proporciona persistir en un punto muerto1.

Creo en un solo Dios-A-AzucenaJoffeAzucena Ester Joffe, María de los Angeles Sanz

Tres mujeres se encuentran en escena, dos tienen una razón para pensar cómo piensan sobre la situación de ambas posiciones: la profesora de historia judía, y la joven palestina que se va a ofrecer como víctima propiciatoria a la causa en la que cree. La tercera es un soldado mujer de la fuerza norteamericana de ayuda por la paz, toda una ironía, escuchando el relato de su situación, y de cómo se siente en el lugar. Una mercenaria, que hoy abraza a quien mañana se verá obligada a apuñalar por la espalda. Tres mujeres, donde la solidaridad necesaria está atravesada por los acontecimientos de una lucha que no termina. Cada una llevará adelante un monólogo tenso, e intenso donde las posiciones serán expuestas con determinación; también las dudas, las contradicciones y el dolor, el profundo dolor que aparece cuando el miedo atraviesa los cuerpos y las mentes ante el conflicto. En una disposición espacial en triángulo, cuyos vértices se modifican según quien de los tres personajes está bajo el haz de luz para hablar, para explicar su situación, los personajes van contándonos el recorrido de una historia que tiene cronológicamente un destino, un final esperado. En un juego temporal, el relato se enuncia desde un presente de la enunciación, pero nos narra un pasado, que no entenderíamos simplemente con la foto del diario, con la noticia escueta o detallada de la cronología de los sucesos; porque como sucede habitualmente nos faltaría una de las voces principales, la de la víctimas. En una anacronía el personaje de la profesora dice sobre aquel día, 29 de marzo de 2002: “Todavía no lo sé, pero faltan un año, diez días y 8 horas para aquel disparo en el bar de Rishon Lezion en Tel Aviv”. La religión y la rebelión, la vida y la muerte, las creencias y el descreimiento frío y calculado, y la humanidad cubriendo con su manto todo, son el entramado de un drama que se teje en las altas esferas de la geopolítica pero que se sufre en las calles de los barrios, entre las paredes de las casas, en las mentes y los cuerpos de los participantes. Massini escribe la textualidad de la pieza en 2011, es por lo tanto, a un año del atentado a las torres gemelas, y en un punto álgido de las relaciones entre Israel y Palestina. Un conflicto que data de la década del 40, cuando el 29/11 de 1947, la Asamblea General de la ONU votó la creación de dos Estados, uno hebreo y otro árabe, en la ribera occidental del río Jordán y la zona internacional de Jerusalén. Esta decisión fue rechazada inicialmente por los Estados árabes vecinos y la Población árabe de Palestina2. Pero la pieza no es una línea histórica sobre el conflicto, sino en un búsqueda de las subjetividades que lo integran, pone en las voces de tres posibles protagonistas a desnudar sus almas frente al espectador, que sacará luego sus propias conclusiones.

creo-en-un-solo-dios-a-azucenajoffe.jpgUn conflicto demasiado complejo que nos desangra más allá de la distancia real y que el autor, Stefano Massini, aborda con liviandad. En cambio, la escritura escénica de Edgardo “El Negro” Millán construye un sólido relato a partir de tres personajes, si bien es una obra pensada para una sola actriz. El elenco le otorga la textura perfecta a cada criatura, con distintos trazos pero víctimas por igual de un sistema siniestro. Las tres generaciones quedan expuestas en su soledad, solo están contenidas en sus propias palabras en un espacio escénico donde se materializa el “no tiempo”, entre la vida y la muerte.

Ficha técnica: Creo en un solo Dios de Stefano Massini. Traducción: Patricia Zangaro. Elenco: Noemi Morelli, Estela Garelli, Antonia Bengoechea. Escenografía y vestuario: Julieta Ascar. Diseño de luces: Félix “Chango” Monti – Magdalena Ripa Alsina. Diseño sonoro: Pablo Abal. Fotografía: Sebastian Miquel. Producción ejecutiva: Rosalía Celentano. Prensa: Varas-Otero. Productor asociado. Norberto Alocén. Asistente de dirección: Jose Araujo. Dirección y puesta en escena: Edgardo “El Negro” Millán. Teatro Payró. Estreno: Junio de 2018. Duración: 70’. Funciones: jueves 20:30 hs.

1 Reseñas bibliográficas. Revista de Filosofía y Teoría Política, 41: 253-267 (2010), Departamento de Filosofía, FaHCE, UNLP: pp 256-7. http://www.memoria.fahce.unlp.edu.ar/art_revistas/pr.4491/pr.4491.pdf

2 Para mediados de 2000, el 98% de los árabes palestinos vivían bajo jurisdicción de la Autoridad Nacional Palestina. El resto de las tierras palestinas, al igual que el espacio aéreo, las aguas territoriales y las fronteras terrestres de las regiones antes mencionadas se encuentran bajo control total de Israel. En esas condiciones Israel llevaba a cabo la construcción de colonias hebreas, levantaba el muro de contención, creaba zonas militares cerradas y llevaba a cabo incursiones y arrestos periódicos. En 2000 tuvo lugar la segunda intifada, motivada por la visita del líder derechista hebreo Ariel Sharon y varios de sus seguidores a la Explanada de las Mezquitas. Durante la intifada, representantes de grupos extremistas palestinos comenzaron a realizar ataques terroristas en territorio de Israel contra la población civil. Israel respondía a los ataques de misiles y bombas con la eliminación de los líderes militares palestinos y operaciones militares. La confrontación se agudizó luego de que el grupo radical Hamás tomase el poder en la Franja de Gaza en enero de 2006. (Sputnik Mundo)