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El homosexual o la dificultad de expresarse y Eva Perón de Copi / El día de una soñadora (y otros momentos) sobre textos de Copi

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El homosexual o la dificultad de expresarse y Eva Perón de Copi

El día de una soñadora (y otros momentos) sobre textos de Copi

1Azucena Ester Joffe

En la primera semana de Julio, en el Teatro Cervantes, se estrenaron dos obras de Copi El homosexual o la dificultad de expresarse y Eva Perón, con un entreacto a modo de monólogo a partir de El baile de las locas y de Río de la Plata, también del dramaturgo, junto con algunos fragmentos de dos entrevistas realizadas entre 1970-1971, bajo la dirección de Marcial Di Fonzo Bo. La particular e incisiva escritura de Copi impugna cualquier categoría establecida, un indiscutido emergente de los 60 que aún, lamentablemente, sigue despertando reacciones anacrónicas e incomprensibles. Su textualidad dramática permite distintas lecturas y deja en claro que hay que abandonar los prejuicios personales y colectivos para comenzar a saldar la deuda que tiene nuestro campo teatral con “su producción vasta, multifacética, irrisoria y cuestionadora de todo orden establecido”:

El cómic, la narración, la actuación, la escritura teatral o la dirección escénica forman parte del mismo despliegue material de una obra sólida que adquiere constantemente nuevas dimensiones significativas, en las que lo monstruoso ocupa un lugar destacado y festivo. En la vastedad de sus textualidades, Copi explicita un interés claro por hacer foco en personas disidentes cuya disimilitud los hace auténticos miembros de la comunidad de los desplazados de toda esfera normativa. Monstruos que atraviesan y constituyen su universo. (Lozano, 2015:197)2

Una propuesta interesante y un punto de vista distinto a partir de la escritura escénica, Di Fonzo Bo, que habilita la libertad el universo de Copi. Destacamos además las muy buenas actuaciones del elenco que le dan la carnadura precisa a cada personaje provocando el distanciamiento necesario y, a su vez, focalizan nuestra atención inmersa en las escenografíasgrandilocuentes. Aunque, quizás la idea de unir ambas obras por un entreacto a modo de continunn puede resultar un poco agotador para el espectador actual que vive sumergido en su cotidiana vorágine.3

Ficha técnica: El homosexual o la dificultad de expresarse de Copi. Traducción: Joani Hocquenghem. Con: Juan Gil Navarro (Madre), Rosario Varela (Irina), Hernán Franco (Gardo), Carlos Defeo (Garbenko), Rodolfo de Souza (General Pauchkine). Entreacto: Gustavo Liza dice CopiEva Perón de Copi. Traducción: Jorge Monteleone. Con: Benjamín Vicuña (Eva Perón), Carlos Defeo (Madre), Juan Gil Navarro (Ibiza), Rodolfo de Souza (Perón), Rosario Varela (Enfermera). Música original: Ettienne Bonhomme. Iluminación: Bruno Marsol. Vestuario: Renata Schussheim. Escenografía: Oria Puppo. Asistencia de escenografía: Martina Nosetto. Asistencia de vestuario: Laura Copertino. Asistencia de iluminación: Facundo David. Asistente de sonido: Franco Amorosino. Producción: Silvia Oleksikiw, Lucía Quintana, Maxi Libera. Asistencia de dirección: Ana Calvo. Dirección: Marcial Di Fonzo Bo. Estreno: 08/07/2017. Teatro Cervantes: sala María Guerrero. Duración: 145′.

Biliografía
Lozano, Ezequiel (2015). “Derivas, proyecciones, paradojas y desafíos” en Sexualidades disidentes en el teatro. Buenos Aires, años 60. CABA: Biblos: 191-224.
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El día de una soñadora (y otros momentos) Sobre textos de Copi

Adaptada y dirigida por Pierre Maillet

4María de los Ángeles Sanz

Marilú Marini y Copi, Copi y Marilú Marini, una pareja que lleva en el escenario una trayectoria que abarcó un tiempo de exilio en París, aunque no fuera un acontecimiento tan claro de definir cuándo comenzó o que significó. De ello se habla también en esta puesta que dirige Pierre Maillet:

Ella inventa ante nuestros ojos una especie de Blancanieves, más cercano a Brigitte Fontaine que a Walt Disney. Y en espejo a todo ese material poético y ficcional, atravesamos el Río de la Plata, un texto escrito en 1984. Concebido como el prefacio de una novela que no tuvo el tiempo de escribir, en el cual Copi habla como nunca antes de sí mismo, de sus orígenes, de Uruguay, de la Argentina donde él estaba prohibido, del exilio y de su relación con la escritura. (Pierre Maillet, programa de mano)

Ingresando desde la platea, botella de agua en mano, con ligereza y sonriente, la actriz se apropia de la escena, y sienta con su pregnancia el valor de su arte, y la madurez de su poética escénica. Su cuerpo y su voz son dos herramientas que maneja a la perfección, y su transitar por el espacio la hace verse a la vez imponente y frágil, sutil sobre el escenario pero a la vez dueña y señora de la escena. En español con acento, y en francés va recuperando los textos que alguna vez pensó y escribió Copi, y los transita para hacernos sentir su fuerza, para que conozcamos su mundo tan partícula. La mujer sentada, organiza desde una esquina del espacio un universo que se despliega. El día de una soñadora como afirma Pierre Maillet en el programa de mano, es: “(…) un bello poema teatral, enigmático, puesto por Jorge Lavelli en el ’68 con Emmanuelle Riva como protagonista.” El personaje que compone Marilú Marini funciona como doble del dramaturgo, y expone desde su monólogo, o cuasi diálogo sus pensamientos, sus deseos, sus dudas y sus miedos. El humor y la ironía juegan con la belleza del lenguaje, conforman una lengua filosa y tierna a la vez, construyen sin parar una melodía de sonidos que exponen un relato, que conforman una historia personal y única.5

Ficha técnica: El día de la soñadora (y otros momentos) Sobre “El día de una soñadora” y “Río de la Plata” de Copi. Elenco: Marilú Marini. Piano: Lawrance Leherissey Voz en off: Marcial Di Fonzo Bo, Michael Lonsdale y Pierre Maillet. Producciòn TC – TNA: Maximiliano Libera. Asistencia de dirección: Mónica Quevedo. Colaboración artística: Ernesto Donegana. Subtitulado: Mónica Bartolomé Producciones. Traducciones: Eduardo Muslip y María Sila por El día de una soñadora; Edgardo Dobry por Río de la Plata. Adaptación: Pierre Maillet. Sonido: Manú Leonard. Iluminación: Bruno Marsol. Vestuario: Raoul Fernández. Traje (vestuario del pianista): Julien De Caurel. Escenografía y vestuarios realizados por los talleres de la Comedie de Cûen: Alexis Claire, Patrick Demière, Pierre – Amaury Hervieu, Antoinette Magny, David Marain, Serge Taral, bajo la dirección de Benoit Gondouin. Dirección: Pierre Maillet. Sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes.

Lo lindo de calzarse es pisar en cualquier lado de Julián Rodríguez Rona

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Lo lindo de calzarse es pisar en cualquier lado de Julián Rodríguez Rona

Una metáfora del agua y la vida

lo lindo de calzarseAzucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El agua se desplaza sin que haya obstáculo que le impida su paso definitivamente, igual que la vida que se abre paso a través de los infinitos caminos de su otra cara, la muerte. El agua y la vida se conjugan en las imágenes y las palabras de la pieza de Rodríguez Rona para construir un acontecimiento, no una historia, desde una lógica temporal, sino imágenes y relatos que se tejen fragmentariamente, de forma horadada, para dar cuenta de los tres personajes que habitan la escena. Un espacio escénico que conforman rollos de cartón prensado y dos mesas que son a la vez, camino, tierra, lugar de la no humedad, lo que aparece sobre el río, isla. Pero ellos se desplazan también por ese universo acuático, con o sin piragua, y lo hacen porque tienen herramientas, recursos para enfrentarse a la furia del agua, que a veces se complace en la amistad con las criaturas vivientes, y otras las ignora con total indiferencia arrastrándolas a su paso incesante. Una joven pareja, y un personaje que viene del pasado y que guarda entonces una carga de relatos que los jóvenes ignoran, que los traban en la relación con el hombre que los representa, pero que cuando saben, entienden, pueden establecer un hilo conductor de diálogo. Metáfora de la historia del país, del que las nuevas generaciones deben conocer la mochila de sucedidos otros, que al desconocerlos vuelven una y otra vez, como imágenes fantasmales que nos impiden el paso hacia adelante. Construir y saber no a partir de la nada presente, sino desde el pie que hacemos en la memoria, de la tierra sólida al agua que fluye. Los tres participantes de esta relación en su estado de asimetría están muy bien conformados por las performances de los cuerpos y la voz de los actores, que llevan adelante una puesta por momentos desconcertante pero que sin embargo logra atraparnos hasta el inusitado final. La pareja del presente de la enunciación trabaja en espejo con la pareja del pasado donde el enunciado es tumultuoso, y nos ofrece un diálogo en ausencia. lo lindoLa obra ofrece un espacio diferente para los espectadores con marcada porteñidad, que nos devuelve a una mirada abarcativa de otros paisajes, como el de nuestro litoral. La música compañera necesaria en la búsqueda de unir lo distinto, es un complemento que desempeña un rol interesante en el planteo de la dirección. Es interesante el rol dramático que cumple la perfecta escenografía, pues contiene a los personajes sin un clima claustrofóbico, sin opresión, y con el ritmo lento que tienen las crecidas en nuestro delta. No hay lugar para la desesperación ni el malhumor en los isleños porque saben que solo tienen que esperar que comience a bajar el río nuevamente sin prisa. Un ritmo interno que de forma acabada se transmite a partir del trabajo actoral y que la iluminación acompaña de forma precisa, sin clausurar o cerrar ninguna escena, ya que así es la cotidianidad isleña. Un hecho teatral cuyo tiempo real es breve y sin embargo construye un relato sin fisuras.lo lindo de

Ficha técnica: Lo lindo de calzarse es pisar en cualquier lado de Julián Rodríguez Rona. Elenco: Andrés Caminos, Eugenia Blanc, Iván Moschner. Diseño de vestuario y escenografía: Cecilia Zuvialde. Diseño de iluminación: Matías Pendón. Música: Brian Zditowski y Julián Rodríguez Roma. Realización escenográfica: Nicolás Botte. Asesoramiento coreográfico: Luciano Posso. Diseño gráfico: Lucía Vanin. Fotografía: Nicolás Levín. Prensa y difusión: Carolina Alfonso. Asistencia de dirección y promoción: Natalia Badgen. Dirección: Julián Rodríguez Roma. Teatro: El Portón de Sánchez. Estreno: 23/05/2017. Duración: 40′.

Gurisa de Toto Castiñeiras

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Gurisa de Toto Castiñeiras

Una lectura de la gauchesca talentosa y diferenteC_p3BhtXUAY66G8

Quizás las dos mujeres por un instante se sintieron hermanas; estaban lejos de su isla querida y en un increíble país.1

El mundo, para el europeo, es un cosmos, en el que cada cual íntimamente corresponde a la función que ejerce; para el argentino, es un caos2

Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La pampa como escenario a la constitución de una violación, la de la tierra, en el cuerpo de la mujer, considerado naturaleza pura, y en la puesta en abismo de un género, la gauchesca, que resulta también de una apropiación del lenguaje, la manera, y los personajes que la élite toma como referencia de un sentimiento que oscila entre la admiración y el desdén. La gauchesca como género, atravesado por el melodrama, coloca a la figura femenina supeditada a los avatares de la narración sometida al deseo del hombre. Desde el romanticismo de Esteban Echeverría y su propuesta del desierto en La cautiva, el tema del indio como depredador de la civilización es una constante que renueva sus miradas, las reproduce o las invierte. La propuesta de Toto Castiñeiras lleva ese condición hacia un punto sin retorno, donde a partir de los procedimientos del teatro físico, y la parodia, logra contar una historia que ya es leyenda: los malones arrasando la civilización y la dicotomía entre la Pampa Bárbara y Europa, en las medio hermanas que se reencuentran luego de la muerte de la madre. Un relato que recuerda a Borges, y su cuento “Historia del guerrero y de la cautiva”. La media hermana que viene de Londres para quedarse, y su pariente pampeana que sueña con los paraísos europeos y dejar la barbarie. El choque de las dos miradas, en el cuento al autor le sirve para expresar sus dos líneas genealógicas, su sangre entre inglesa y federal, la chusma y el five o’clock; para el director de Gurisa desde nuestra mirada, es una forma de hablar de lo iniciático de nuestra sociedad, de allí de ese culto a la violencia desatada, de esa antinomia venimos, y es constitutiva a nuestra idiosincrasia. La Pampa como un espacio de luces y sombras, de perseguidos y cazadores, que ven en el otro sólo lo animal, de desprecio por la vida, de lucha de intereses; campo propicio, escenario único para desarrollar la potencia de los cuerpos, desde una dirección que se involucra en el tempo literario, pero que vuelve la narración intemporal, situando al espectador en ese presente único, abarcativo y doloroso. El grupo a partir de una precisa y potente coreografía construye una geografía, un relato, sus personajes protagonistas, en entregas fragmentadas que van incorporando a partir de las reiteraciones, el canto y la poesía, las huellas, los indicios necesarios para incorporar al espectador a la historia. El juego de la iluminación en manos de los actores desde un comienzo, ilustra cada universo en particular, se ciñe al momento de la acción y provoca un choque de fuerzas con la vacuidad de las sombras que lo rodean. Luces y sombras, día y noche, adentro de la estancia y afuera, son todas metáforas de la dicotomía que la puesta afirma desde el principio: la tierra, la naturaleza inhóspita, los valores de una cultura no propia, de la que algunos de los personajes desean apropiarse sin medir consecuencias. La aceptación y el rechazo, lo propio y lo ajeno, las raíces y las ramas de una entidad construida a golpe de lanza y chusa. El otro cruce literario que tiene la pieza la podemos encontrar en un texto de César Aira que parodia el relato gauchesco, El vestido rosa de la década del ochenta.

En cuanto Asís; no bien se hubo apartado del arroyo se topó con una banda de indios, melenudos, engrasados, fantásticos en su pequeña multitud caracoleante. Se movían como agua pintada en remolinos que desconcertaban al ojo. Eran fantasmas, entre lo individual o colectivo […] Y gritaban, no hacían más que gritar; era menos que una palabra articulada, pero más que la voz en la boca. Se comunicaban su risa anómala por la manifestación en el vacío del objeto de sus violencias […] Decidieron llevárselo de regalo a su rey bárbaro allá en el sur, que no tenía un gabinete de curiosidades pero a quien no le faltaba espacio para un ejemplar raro. (1984: 25)

gurisa-01El objeto de deseo en El vestido rosa es un muchacho ambiguo, en Gurisa son también cuerpos masculinos, que en su ambigüedad de género reclaman a Dios un milagro: “La Rosa- Soy la pobre gurisita. La gurisita sin senos…Soy la chiquita llorando: ¿Por qué no tengo senos? Tata Dios, haga un milagrito en mi cuerpo”. Secuencia que abre el relato, aún antes que comience la acción, que luego se repite varias veces en la misma secuencia una vez comenzada, que se vuelve sobre la misma para acentuar una identidad provocativa desde los cuerpos de los actores, que se manejan según las circunstancias, hombre o mujer, pero que el vestuario de largas polleras, ambigua nuevamente. La textualidad escénica de Gurisa nos permite decir que es un hecho teatral que hace estallar los límites de cualquier categoría o género. Una propuesta interdisciplinaria e inteligente que para algún espectador podría ser hermética o difícil; pues es un devenir que nos atrapa y a su vez parece rechazarnos, en el cual necesariamente debemos abandonar el rol de receptor pasivo. El excelente trabajo actoral le atribuye a cada personaje su precisa carnadura y habitan en el espacio lúdico a partir de la intensa narrativa coreográfica. La particular escritura, dramática y escénica, de Toto Castiñeiras construye potentes imágenes visuales y auditivas otorgándole a la obra un lenguaje expresivo y un ritmo constante, una mixtura imposible de olvidar. Lamentamos que no haya sido seleccionada para el FIBA 2017.

Ficha técnica: Gurisa de Toto Castiñeiras. Actúan: Juan Azar (El Chancho), Francisco Bertín (La Humita), Marcelo Estebecorena (La Rosa / Mamucha), Nicolás Deppetre (La Marica), Pablo Palavecino (Mary), Fred Raposo (El Indio / Casimira). Música original: Javier Estrin. Iluminación: Omar Possemato. Aparatos lumínicos: Valeria Junquera. Diseño de vestuario: Daniela Taiana. Realización de vestuario: Eli Di Bussolo. Diseño gráfico: Romina Salerno. Coreografía “Soy la pobre”: Valeria Narvaez. Comunicación y Prensa: Debora Lachter. Fotografía: Lucas Shlott. Producción ejecutiva: Karmen López Franco, Valeria Casielles. Asistencia técnica: Enzo Bonardi. Asistencia de dirección: Maqui Figueroa. Dirección: Toto Castiñeiras. Teatro El Portón de Sánchez. Estreno: 2016. Duración: 60′.

Bibliografía:

Aira, César, 1984. El vestido rosa, Las ovejas. Buenos Aires: Ada Korn Editora.

Borges, Jorge Luis, 1968. El Aleph. Buenos Aires- Barcelona. Empecé Editores.

_______________, 1960. Otros Inquisiciones. Buenos Aires: Empecé Editores.

1 Borges, El Aleph, 59

2 Borges, Otras Inquisiciones, 52

Las ramas del violín… cuando el bosque se hace música

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Las ramas del violín… cuando el bosque se hace música000158143

Susana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

Carolina Erlich, directora de la Compañía “El Bavastel Títeres”, posee una amplia trayectoria como intérprete, autora, directora y productora ejecutiva de puestas tanto de títeres para adultos como para niños, actividad artística que tiene como origen su formación en el Taller de Titiriteros del Teatro San Martín. Además, en la actualidad está a cargo de la coordinación y producción del Festival de Títeres para Adultos de Buenos Aires. En esta oportunidad presenta Las ramas del violín.

En el programa de mano aparecen citadas las palabras que Atahualpa Yupanqui dedicara al origen de la guitarra. Carolina Erlich, homologa el nacimiento del violín a las palabras de Yupanqui ¿acaso la música no está en la naturaleza misma? ¿En el trino de los pájaros, en las ramas de los árboles cuando las acuna el viento? La música de ese dulcísimo instrumento nos llega, en vivo, en la interpretación de Ignacio Goya y nos acompaña en el transcurrir de la puesta enmarcando el recorrido de Luis, quien desde su nacimiento sintió la música. Antes de hablar ya podía reproducir, musicalmente, todos los sonidos que escuchaba y luego… se dio cuenta de que en su vida debía estar el violín y así inicia un viaje mágico introduciéndose en el ropero de su habitación, como Alicia en la madriguera del Conejo Blancoi, sólo que Luis no persigue a nadie, simplemente al deseo por lograr los elementos para construir su violín. De esta manera… va encontrando, en distintos árboles la madera para las piezas que necesita, las arranca con dulzura, con amor… hasta que de pronto aparece un caballo, articulado como si fuera de juguete, sin embargo, ese caballo le da las crines para las cuerdas de su violín pero también le traza el recorrido para los distintos hallazgos.000158142

Luis es un muñeco que remite al referente real, hermosas sus facciones; el caballo en cambio es un personaje de cuento maravilloso. Un viaje de ensueño donde, sin embargo, está la voz de la mamá de Luis que llega desde el mundo real. Y en este aspecto hay que destacar el manejo de voces de Erich, voces reales que dialogan, que se alternan sin interrupción, con tonos dulces, propios de un niño y de una mamá joven.

Una puesta muy hermosa que los niños siguen con muchísima atención a pesar de que por momentos, cuando Erlich cambia los árboles en la escena quedan espacios sólo llenados por la música de Ignacio Goya.000158144

Las ramas de un violín. Teatro: Pan y Arte. Avenida Boedo 876. T.E.;  4957-6702

Dramaturgia: Carolina Erlich. Intérpretes: Carolina Erlich. Reemplazantes: Lucía Marachli Levy. Músicos: Ignacio Goya. Diseño de luces: Soledad Ianni. Realización de objetos: Gabriela Civale. Realización de títeres: Gabriela Civale- Música: Mario Gulla García Asistencia de dirección: Viviana Aronno. Producción ejecutiva: Carolina Erlich. Dirección: Mario Luis Marino

Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll

Hilitos de un viaje, la belleza de un viaje original …

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Hilitos de un viaje, la belleza de un viaje original …

000158070Susana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

El grupo “Ligeros de Equipaje” presenta en “Pan y Arte” – Casa de Títeres, una puesta muy original, con mucho humor que plantea cómo viajar a partir de canciones y propuestas de la bisabuela.

Las protagonistas de esta historia reciben una carta de su bisabuela a quien no conocen, que les propone hacer un viaje que deben armar a medida que, paso a paso vayan resolviendo los acertijos que encuentran en cada tramo.

Adquiere verdadera centralidad la escenografía, pues a partir de grandes carreteles que se encuentran en los dos extremos de proscenio, las protagonistas desenrollan hilos que enganchan en el extremo opuesto del escenario. Esos hilos de colores son caminos, paredes, ríos y todos los elementos que el viaje necesita como sustento geográfico. Hay pruebas a sortear que parecen ilógicas como si pertenecieran a la estética del absurdo, pero no lo son porque tienen como ilación coherente la necesidad de llegar a la casita de la que les habla la bisabuela en la carta.

Cada tramo es una escena de ese viaje desopilante. Los chicos disfrutan con los acertijos y la escena en la que deben atravesar el río está muy bien lograda. Puesta absolutamente teatralista, las protagonistas desarrollan una gestualidad exagerada que conviene a las escenas-tramos absolutamente extravagantes. Los ritmos son del folklore nacional lo que da un toque telúricos a ese viaje que se supone se desarrolla por nuestro país, aunque bien podría ser en cualquier parte del planeta (por supuesto, salvando la música y el idioma). Parte del viaje se proyecta en una pantalla a foro, no todas esas proyecciones son claras, es un detalle que la dirección debería cuidar. Hay un momento en que las protagonistas salen de escena mientras siguen las proyecciones y la música, ese procedimiento despierta curiosidad, nos preguntamos por qué o para qué. Reitero la originalidad de la escenografía a partir del mecanismo de los carreteles.

Una puesta alegre, con belleza visual. Los chicos disfrutan con esa historia planteada desde el disparate, festejan mucho cada uno de los acertijos y se plantean valores sumamente rescatables: el respeto por los mayores, el interés por encontrar fotos de la bisabuela en la casita, pora saber cómo es. En la construcción de sentido se observa una auténtica búsqueda de identidad.000158069 (1)

Teatro: Pan y Arte. Avenida Boedo 876. T.E: 4957-6922.

Hilitos de un viaje de María José Colonna, Paula Sánchez, Valeria Zlachevsky. Actúan: María José Colonna, Valeria Zlachevsky Vestuario: Betanha Almendra Escenografía: Sol Abango, Betanha Almendra, Esteban Ruben Autiero. Sombras: Florencia Sartelli Letras de canciones: Marina Baigorria, María José Colonna, Paula Sánchez, Valeria Zlachevsky. Fotografía: Ariel Castelli. Ilustrador: Teresa Checchi. Diseño gráfico: Carla Ferreyra. Prensa: Ayni Comunicación. Producción ejecutiva: María José Colonna. Producción general: Ligeros De Equipaje. Puesta en escena: Paula Sánchez. Dirección: Paula Sánchez. Compositor: Marina Baigorria

Isabel de Guevara. La Carta Silenciada de Alicia Muñoz

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Isabel de Guevara. La Carta Silenciada de Alicia Muñoz

El revés de la historia, tan pocas veces contada

El mundo femenino en la conquista de América

000158197Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

El Teatro del Pueblo, es el ámbito para el despliegue de un relato que no tiene registro en los manuales de historia, tal vez para que no cunda el mal ejemplo. Tres mujeres talentosas van a dar cuenta de una cuarta, que la historia oficial, como a tantas, trató de invisibilizar durante siglos: Alicia Muñoz desde la composición de una dramaturgia que extrae sus materiales de una carta1 y de las crónicas de Indias; Mónica Villa, la actriz que pone su cuerpo a disposición para que el personaje crezca y nos conmueva; y María Esther Fernández bajo cuya dirección el trabajo se constituye con armonía y belleza. Las tres en la conformación de una subjetividad la de Isabel de Guevara y su carta silenciada porque la destinataria, otra mujer, Doña Juana de España, Juana la Loca, ya había muerto un año antes del requerido encuentro epistolar, tras cuarenta y seis años de reclusión en el Castillo de Tordesillas. Mujeres, historias de sujetos femeninos que a brazo partido lucharon por una memoria que las incluyera o que simplemente las dejara ser quien ellas eran. En un escenario despojado, solo un pequeño tablado a muy pocos centímetros del suelo, el cuerpo de Isabel de Guevara se presenta a sí misma y dialoga con aquella que cree pueda resolver todos sus problemas y las injusticias a las que se ve expuesta en estas tierras americanas que tantas decepciones le han causado. Vestida con un traje de raso verde que la destaca del entorno por siempre en su calidad de española, mujer blanca y cristiana, relata los trabajos pasados desde su embarque en el barco de Juan Osorio, a quien la envidia termina convirtiendo en víctima de la ambición del adelantado, Pedro de Mendoza. Pero será la relación con la tierra, y con sus legítimos dueños y los pesares causados por el intento desafortunado de fundar una ciudad, la que unirá al relato de lo personal en lo colectivo. Nosotras las mujeres, llevamos adelante todo aquello que los hombres deberían hacer sin poder lograrlo, por su mala condición de salud, acuciados por el hambre y el instinto salvaje de su propia vida que para defenderla no dudaron en acudir al canibalismo, narrará la firmante de la carta. Justicia reclama Isabel en la voz de la Villa, y es Isabel la que vemos en escena, con su coraje, en los dos sentidos del término: valentía para decir lo que haga falta, y el malestar la bronca que le produce y no puede callar tanto sometimiento a un plan que no incluye ni agradece su heroísmo. Su cuerpo que crece en el personaje está además cubierto con un vestuario que nos dará hacia el final un acto de magia que nos devuelve a la inocente joven antes de su viaje, y la actriz de ese momento de sorpresa también sabe extraer los condimentos para hacer más interesante su monólogo. Todo se aúna: música, luz, verbo, en un documento que se expresa y nos devuelve un instante de nuestra historia, de aquella que también nos constituyó con el tiempo en una entidad nacional, en una identidad heterogénea pero presente en todos nuestros actos. De aquellos barros, vienen estos lodos, y somos así, argentinos:

A Buenos Aires la fundaron dos veces
a mi me fundaron dieciséis
ustedes han visto cuántos tatarabuelos tiene uno
yo acuso siete españoles seis criollos y tres franceses
el partido termina así
combinado hispanoargentino 13 franceses 3
suerte que los franceses en principe son franceses
si no qué haría yo tan español
nací por fín hermanos
en esta dulce amarga picante insípida tierra argentina … (
Cesar Fernández Moreno, 1967)

Ficha técnica: Isabel de Guevara. La carta silenciada de Alicia Muñoz. Actúan: Mónica Villa. Diseño de iluminación: Pablo Curto. Diseño y realización de vestuario: Pablo Battaglia. Diseño de peinado: César Rajoy. Asistencia técnica y sonido: Juan Elías Ranieri. Fotografía: Dolores Nougués. Video: Agustin Bruzzese. Asistente de dirección: Guadalupe Berrino. Dirección: María Esther Fernández. Teatro del Pueblo: sala Teatro Abierto

Bibliografía:

Fernández Moreno, César, 1967. Argentino hasta la muerte. Buenos Aires: Colección Indice Poesía.

Carta de Isabel de Guevara a la princesa gobernadora doña Juana exponiendo los trabajos hechos en el descubrimiento y conquista del Río de la Plata por las mujeres para ayudar a los hombres, y pidiendo repartimiento para su marido, Asunción, 2 de julio de 1556 [1]

Muy alta y poderosa señora:

A esta probinçia del Rio de la Plata, con el primer gobernador Della, don Pedro de Mendoça, avemos  venido çiertas mugeres, entre las quales a querido mi ventura que fuese yo la una; y como la arma llegase al puerto de Buenos Ayres, con mill é quinientos hombres, y les faltase el bastimento, fue tamaña el hambre, que, á cabo de tres meses, murieron los mill; esta hambre fue tamaña, que ni la de Xerusalen se le puede ygualar, ni con otra nenguna se puede comparar. Vinieron los hombres en tanta flaqueza, que todos los travajos cargaban de las pobres mugeres, ansi en lavarles las ropas, como en curarles, hazerles de comer lo poco que tenian, alimpiarlos, hazer sentinela, rondar los fuegos, armar las ballestas, quando algunas vezes los yndios les venian á dar guerra, hasta cometer á poner fuego en los versos, y á levantar los soldados, los questavan para hello, dar arma por el canpo á bozes, sargenteando y poniendo en orden los soldados; porque en este tienpo, como las mugeres nos sustentamos con poca comida, no aviamos caydo en tanta flaqueza como los hombres. Bien creer· V.A. que fue tanta la solicitud que tuvieron, que, si no fuera por ellas, todos fueran acabados; y si no fuera por la honrra de los hombres, muchas más cosas escriviera con verdad y los diera á ellos por testigos. Esta relaçión bien creo que la escrivirán á V. A. más largamente, y por eso sesaré.

Pasada esta tan peligrosa turbunada, determinaron subir el rio arriba, asi, flacos como estavan y en entrada de ynvierno, en dos vergantines, los pocos que quedaron viuos, y las fatigadas mugeres los curavan y los miravan y les guisauan la comida, trayendo la leña á cuestas de fuera del navio, y animandolos con palabras varoniles, que no se dexasen morir, que prestodarian en tierra de comida, metiendolos á cuestas en los vergantines, con tanto amor como si fueran sus propios hijos. Y como llegamos á una generación de yndios que se llaman tinbues, señores de mucho pescado, de nuevo los serviamos en buscarles diversos modos de guisados, porque no les diese en rostro el pescado, á cabsa que lo comian sin pan y estavan muy flacos.

Despues, determinaron subir el Parana arriba, en demanda de bastimento, en el qual viaje, pasaron tanto trabajo las desdichadas mugeres, que milagrosamente quiso Dios que biviesen por ver que hen ellas estava la vida dellos; porque todos los serviçios del navio los tomavan hellas tan á pechos, que se tenia por afrentada la que menos hazia que otra, serviendo de marear la vela y gouernar el navio y sondar de proa y tomar el remo al soldado que no podia bogar y esgotar el navio, y poniendo por delante á los soldados que no desanimasen, que para los hombres heran los trabajos: verdad es, que á estas cosas hellas no heran apremiadas, ni las hazian de obligación ni las obligaua, si solamente la caridad. Ansi llegaron a esta çiudad de la Asunción, que avnque agora esta muy fértil de bastimentos, entonçes estaua dellos muy neçesitada, que fué necesario que las mugeres bolviesen de nuevo á sus trabajos, haziendo rosas con sus propias manos, rosando y carpiendo y senbrando y recogendo el bastimento, sin ayuda de nadie, hasta tanto que los soldados guareçieron de sus flaquezas y començaron á señorear la tierra y alquerir yndios y yndias de su serviçio, hasta ponerse en el estado en que agora está la tierra.

E querido escrevir esto y traer á la memoria de V.A., para hazerle saber la yngratitud que comigo se a usado en esta tierra, porque al presente se repartio por la mayor parte de los ay en ella, ansi de los antiguos como de los modernos, sin que de mi y de mis trabajos se tuviesen nenguna memoria, y me dexaron de fuera, sin me dar yndio ni nengun genero de serviçio. Mucho me quisiera hallar libre, para me yr á presentar delante de V.A., con los serviçios que á S.M. e hecho y los agravios que agora se me hazen; mas no está en mi mano, porque questoy casada con un caballero de Sevilla, que se llama Pedro d`Esquiuel, que, por servir á S. M., a sido cabsa que mis trabajos quedasen tan olvidados y se me renovasen de nuevo, porque tres vezes le saqué el cuchillo de la garganta, como allá V.A. sabrá. A que suplico mande me sea dado mi repartimiento perpétuo, y en gratificaçión de mis serviçios mande que sea proveido mi marido de algun cargo, conforme á la calidad de su persona; pues él, de su parte, por sus servicios lo merece. Nuestro Señor acreçiente su Real vida y estado por mui largos años. Desta çibdad de la Asunción y de jullio 2, 1556 años.

Serbidora de V.A. que sus reales manos besa

Doña Ysabel de Guevara

[1] Carta publicada por  Jiménez de la Espada, Cartas de Indias, imprenta de Manuel G. Hernández, Madrid, 1877. Ha sido reproducida en: http://americas.sas.ac.uk/publications/docs/genero_segunda1_Guevara.pdf

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Simplemente sucede de Alejo Beccar

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Simplemente sucede de Alejo Beccar

Eso de durar y transcurrir
No nos da derecho a presumir.
Porque no es lo mismo que vivir
¡Honrar la vida!
(Eladia Blazquez)

000157658María de los Ángeles Sanz

La vida y la muerte son la cara de una misma moneda, pero es una circunstancia que tratamos de olvidar y nos dejamos ganar por una o por otra para ver desde ese lugar nuestro camino, el tiempo entre ambas que nos ha tocado transitar. Alejo Beccar a partir de un hecho personal construye un texto dramático que involucra a dos personajes, uno que busca defender su derecho a vivir, y el otro que ha perdido el sentido de hacerlo. El azar, el destino, o la mano de un Dios benevolente los reunirá en el espacio natural de un parque y de su diálogo existencial surgirá una amistad posible para ambos si el tiempo extiende sobre los dos su manto de piedad. En un tono atravesado por la comedia para alivianar el contenido temático que se desarrolla en la intriga, los personajes, Lautaro, Guillermo Orcellet, y Fernanda, Carolina Avigliano, en una muy buena performance van delineando a sus criaturas, en la medida que exponen los conflictos de ambos, y aquellos que lateralmente los producen: la falta de trabajo, el miedo a confesarlo, la enfermedad, la necesidad de un trasplante, las dificultades que eso implica, las famosas listas de espera de un tiempo que se acorta dramáticamente. El encuentro ficcional que da un giro de esperanza a la obra, de alguna manera exorciza la potencialidad del dolor cuando lo real concreto no encuentra un final feliz. Una justicia poética necesaria que sí podemos imaginar en el teatro. El tango canción de la compositora Eladia Blazquez nos recibe y nos despide de la sala, y es una herramienta de significación para el desarrollo de la pieza, que sólo cuenta en escena con un banco verde de plaza, y un piso del espacio escénico cubierto de hojas caídas: doradas y bellas hojas que nos sitúa en un tempo otoñal, donde está siempre a punto de llover. El vestuario identifica al hombre que trabaja en una oficina, es decir, que cuenta con un trabajo convencional, y el de ella nos lleva a la presencia de una mujer común. En apariencia nada fuera de su lugar, pero en el encuentro que se produce nos vamos adentrando en sus particularidades, en la antinomia de su forma de ver el mundo que los rodea, y de resignificarlo, como dice Fernanda, ver el vaso medio lleno o medio vacío; paradojalmente aquel que tiene todavía tiempo para ser feliz y elegir que ruta seguir, es quien ve todo de manera oscura en su realismo exasperante, sin ningún matiz de optimismo. Una obra dura, que se plantea y nos interpela a una reflexión sobre un tema fundamental, el tema podría uno decir, pero que está cargada de ternura al mismo tiempo hasta lograr desde allí conmover al espectador, llevarlo a sentirse en el lugar del otro y repensar algunos conceptos que damos por sentado.000157655

Ficha técnica: Sencillamente sucede de Alejo Beccar. Elenco: Carolina Avigliano y Guillermo Orcellet. Diseño de espacio y luces: Alejo Beccar. Diseño gráfico: Nicolás Senestrari. Prensa: CES. Fotografía: Matías De Falco. Asesoramiento de vestuario: Laura Aros. Producción general: Teatro La Tertulia. Asistente de producción y dirección: Zulma Rossini. Dramaturgia y dirección: Alejo Beccar. La Tertulia.

Yoyo, las aventuras de Martín

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Yoyo, las aventuras de Martín y la riquísima imaginación de los niños…

DSC_0136Susana Llahí – chumbitoplus@yahoo.com.ar

Yoyo, las aventuras de Martín está basado en un cuento de Alicia Saidman y la dramaturgia es de Ignacio Olivera.

La pieza nos presenta a Martín como a un joven adolescente bastante inseguro refugiado en su juego de “yoyo”, como si al concentrarse en el juguete pudiera evadir la mirada del entorno. Es en ese entorno que siente como muy hostil, donde se encuentran los compañeros que se burlan de él pero también, la jovencita que le gusta y que gusta de él, lógicamente, de esto no puede enterarse porque su mirada no se atreve a “mirar”, a comprobar si lo que sueña puede llegar a ser realidad. Al pasar al frente para dar una lección oral sobre los viajes de Simbad su imaginación se dispara y a partir de allí, en su ensoñación enfrentará toda suerte de aventuras marítimas y luchará por conseguir el amor de su chica.DSC_0082

La particularidad lingüística señala un juego de palabras donde más allá del significado literal aparece el metafórico que en este caso produce comicidad, este procedimiento lo desarrolla el profesor con particular eficacia. Tanto el profesor como la celadora, los alumnos disciplinados y los que no, cumplen con el estereotipo que los remite a modelos impuestos por la tradición, fácilmente identificables, que por ese mismo motivo mueven a risa. Cabe destacar, que aunque hay un muy buen trabajo actoral en los jóvenes, pues se desenvuelven con gracia y plasticidad, el profesor (Diego Bros) y la celadora (Analía Riamonde) evidencian una mayor solvencia, al primero de los nombrados lo avala su trayectoria como actor, cantante, bailarín y coreógrafo y en Amalia Riamonde, su afiatada formación como actriz, bailarina, cantante, acróbata y clown. Sin lugar a dudas, la dirección trabajó intensamente el gesto y el movimiento para alcanzar la comunicación con los niños, éstos siguen con suma atención las corridas, peleas y acrobacias de los personajes, se identifican con la dulce personalidad de Martín, con su inseguridad (padecimiento de la mayoría de los adolescentes) con su enamoramiento difícil de confesar, con su necesidad de atreverse superando todas las dificultades que se le presentan. Y también, manifiestan su alegría con exclamaciones cuando se descubre la fragilidad del alumno más indisciplinado y burlón: no puede dormir sin su osito de peluche.

Una puesta muy bien lograda, con originales coreografías, buenas voces, escenografía sencilla, con dos preciosos títeres que para los más chiquitos agregan un plus de gracia y sorpresa. Espectáculo que apela a motivos centrales en toda historia: el amor, la amistad y la necesidad de superar los miedos,DSC_0278

Teatro: Métodos Kairós. El Salvador 4530-T.E. 4831-9663. Sábados a las 16 hs. Vacaciones de invierno de miércoles a sábados a las 16 hs.

Elenco: Amalia Riamonde. Diego Bros. Julia Tozzi. Lautaro Aguilar. Lautaro Noriega. Nicolás Marini. Nicole Popper. Diseño y realización de escenografía: Cecilia Font. Diseño de Vestuario: Romina Ivanoff. Música Original: Alicia Saidman. Arreglos Musicales y Coros: Damián Malher. Coreografías: Diego Bros. Diseño Gráfico: Roy Cifre. Fotografía: Fiorella Romay. Video e Imagen: Sol Nakano Fotografía. Prensa: Correydile. Producción Ejecutiva: Sol Caballero– Producción General: Alicia Saidman. Asistente de Dirección: Augusto Moreno. Dramaturgia: Ignacio Olivera. Adaptación y Dirección General: Marcelo Albamonte. Idea original: Alicia Saidman

Asesinato para dos de Joe Kinosian y Kellen Blair

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Asesinato para dos de Joe Kinosian y Kellen Blair

Esta vez no fue el mayordomo

AP2_Redes_portada_actores-03Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz

La pieza de Kinosian y Blair es un policial que se transforma en musical a partir de la construcción de un gran guiñol donde los personajes llevan adelante sus desopilantes intervenciones, de farsa a tragedia dice uno de los ellos, y así ocurre cuando los muertos se van sucediendo y todos pueden ser los culpables, mientras el asesino logra su venganza entre bambalinas. Hernán Matorra construye con solidez interpretativa a su oficial, Marcus, quien quiere ser detective, y lucha por lograr hasta el final dar con la resolución del caso que dará crédito a su deseo. En tanto, Santiago Otero Ramos con un amplio registro de lo cómico lleva adelante el abanico de roles que le requiere la obra, y su cambio obedece más a una actitud, la gestualidad y la postura corporal que a algún elemento identificatorio que acompaña pero no sustituye -los anteojos para reciente la viuda, una chalina para la joven bailarina, la gorra con visera para el niño siempre dispuesta a colaborar, el viejo psiquiatra que ha revelado temas íntimos de sus pacientes, y muchos personajes más. Los dos músicos / actores en escena llevan un ritmo vertiginoso acompañados por un piano que tocan con maestría, a cuatro manos o solos.Copia de _F2F3589 Las excelentes performances hacen que la obra tenga el dinamismo de un vodevil musical, con mucho de la comedia y del policial, el desarrollo de la historia es un delirio creativo para el placer del público. Asesinato para dos tiene la perfecta mixtura para sorprender en cada escena, y donde cada sistema significante encastra con precisión. La excusa es la fiesta de cumpleaños del escritor asesinado, por lo tanto todos los invitados son sospechosos del crimen. La excelente ejecución del piano y las canciones, la acertada iluminación en colores intensos, el preciso vestuario y la adecuada escenografía con algunos pocos muebles -no es necesario más- cierran el clima mágico que habita todo el espacio de la Sala. La particular escritura escénica de Gonzalo Castagnino le otorga a esta comedia musical todos los “ingredientes” para que sea realmente un espectáculo imperdible más allá de poner entre paréntesis nuestra agobiada cotidianidad. Cada movimiento es coreográfico y tiene una cierta melodía interna por la química entre ambos comediantes. La complicidad de la platea que no escatimó carcajadas se reflejó también en el aplauso cerrado al finalizar. Nada más merecido para semejante despliegue de talento. Copia de _F2F3837

Ficha técnica: Asesinato para dos de Joe Kinosian y Kellen Blair. Intérpretes: Hernán Matorra – Santiago Otero Ramos. Diseño de escenografía y vestuario: René Diviú. Dirección musical: Gabriel Goldman. Traducción y adaptación: Marcelo Kotliar. Coreografía: Joli Maglio. Jefe de escenario: Javier Schvindlerman. Iluminación: Gabriel Ascorti. Diseño de sonido: Mariel Ostrower y Mauro Agrelo. Fotos: Fuentes 2 Fernández Fotografía. Video: Her Majesty Fotografía. Diseño gráfico: Aba Ideas. Realización de escenografía: Francisco Paciullo. Realización de vestuario: Marta Dieguez. Maquillaje para gráfica: Coni Montin. Arte: Sebastián Ghioni. Prensa: Marcelo Boccia, Carlos Mazalan y Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones. Producción ejecutiva: Juan Bautista Sasiaiñ y Pachi Lucas. Producción: Juan Iacoponi. Director: Gonzalo Castagnino. Redes SocialesTwitter, Facebook e Instagram: @asesinatopara2. El Cultural San Martín: sala Muiño. Estreno: 26/05/2017. Duración: 90′.

Fausto Criollo de Mario Esteban

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Fausto Criollo de Mario Esteban

Adaptación del poema de Estanislao del Campo

Una ópera satánica, fatídica y telúrica

flyerBAJANo quiero plata ni mando»,

dijo Don Fausto, «yo quiero

el corazón todo entero

de quien me tiene penando».

No bien esto el Diablo oyó,

soltó una risa tan fiera,

que toda la noche entera

en mis orejas sonó.1

Pan y Arte es el espacio, el reducto, donde tenemos la posibilidad de disfrutar, especialmente, de la magia de los títeres. En esta oportunidad, la propuesta titiritera va más allá, es la puesta en escena del CD-libro Fausto Criollo, editado en 2014.

Al ingresar a la sala podemos observar, en el centro, la fachada del teatro Colón y, a sus costados, vemos que, desde los palcos, se asoman dos graciosos paisanos -el gaucho Anastasio y su compadre Don Laguna; y a ambos lados de este retablo se encuentran los atriles para el coro y la orquesta. Así al comienzo y entre cada acto, Anastasio, ya alejado de la gran ciudad, le cuenta a su viejo amigo lo vivido al asistir a la representación de la ópera Fausto de Charles Gounod, en tanto beben un trago de sus correspondientes petacas aparentemente con una bebida muy fuerte como si fuera alcohol puro. El diálogo entre ellos deja al descubierto cierta inocencia e ingenuidad que a Anastasio “el Pollo”, en especial, no le permite separar entre realidad y ficción, ya que asistió sólo por curiosidad y sin saber que ese sitio era un teatro. Aunque los valores del hombre de campo difieren de los de la ciudad, la temática abordada tiene su núcleo duro en el poder de la dominación del hombre sobre otros hombres y el pacto con el diablo o con los poderes de turno en beneficio propio -cualquier parecido con la realidad es por pura coincidencia. Pero también están presente los temas universales como el amor no correspondido, la soledad de la mujer que primero fue seducida y después abandonada, la ambición y la traición …

En la puesta que nos ocupa los personajes están animalizados, el zorro es Mandinga / Luzbel, el viejo tortugo / la rejuvenecida mulita es Fausto, la joven e inocente vaca para Margarita, el apuesto burro es el Capitán y la simpática lechuza para Marta. El desarrollo del relato nos atrapa desde su inicio, mientras los cantantes y los músicos interpretan la partitura original, los titiriteros y sus criaturas nos devuelven la sonrisa de niños que hemos olvidado. Con diálogos de claro color local, la comicidad va más allá del artilugio escénico, pues los títeres tienen un lenguaje singular válido para todas las edades que no sólo nos acerca a un autor nacional sino que además nos sumerge en el mundo de la metatetralidad: la ópera de Gounod / el poema gauchesco de Estanislao del Campo y la adaptación de Mario Esteban. El poema escrito en verso (1866) tiene la musicalidad intrínseca que deviene en un lenguaje coloquial que aquí no se pierde. También la escenografía mantiene esta estructura de matrioshka: por un lado, la escenografía que observamos cuando el telón del “teatro” está cerrado y, por otro, las precisas mini-escenografías que corresponden a cada acto operístico. 000158307

Es interesante de qué modo cada cantante se relaciona con su par en escena (un títere) a través de un simple accesorio -un pañuelo rojo, un sombrero,…- en tanto los músicos completan esas imágenes visuales otorgándoles un plus extra al ritmo de nuestro folclore, mediante canciones que pertenecen a diferentes regiones de nuestro país:

chacarera, milonga, gato, bailecito, milonga corralera, huella, escondido, cielo, zamba, gato cuyano, coplas, cueca cuyana, vidalita, chamamé/canción, chacarera doble, triunfo, baguala, aire de payada, chamarrita y huayno.

Los cinco episodios que componen la opereta, se corresponden a los cinco actos de la ópera homónima de Charles Gounod. De esta manera se intenta respetar la idea de Estanislao del Campo…2

Así la musicalidad interna de la escritura dramática junto con la armonía entre los excelentes intérpretes y titiriteros dan cuentan de un hecho teatral donde cada sistema encastra perfectamente. Una adaptación interesante e inteligente que tuvo en cuenta, al agregar algunas melodías y/o versos, no perder el estilo de las canciones de nuestro folclore ni del poema gauchesco. Una mirada que, además, actualiza algunos temas de nuestra actual sociedad. FaustoCriollo

Ficha técnica: Fausto Criollo de Mario Esteban. Adaptación del poema de Estanislao del Campo (Fausto. Impresiones del gaucho Anastasio El pollo en la representación de esta opera). Música original, dirección musical: Mario Esteban. Diseño de personajes y escenarios: Rodrigo Milanesio. Titiriteros: Sandra Antman, Ema Fernández Peyla, Mariano Cossa, Miguel Rur. Músicos de Pequeña Compañía Telúrica: Melina Salem (Soprano – Margarita), Analía Castro (Contralto- Marta), Mario Esteban (Tenor – Fausto), Jonathan Tótoro (Tenor – Valéntin), Lautaro Nolli (Barítono – Silverio), Walter Uranga (Bajo – Mandinga), Carolina Fernández (Soprano), Lorena Rojas (Contralto), Nicolás Tindiglia (Tenor – Percusión), Lucho Sellan (Guitarra), Damián Tepman (Piano), Diseño de puesta y dispositivo escénico: Sandra Antman, Ema Fernández Peyla, Mariano Cossa, Gerardo Porión. Diseño y realización de títeres y escenarios: Gerardo Porión. Realización de utilería: Ema Fernández Peyla, Sandra Antman, Miguel Rur, Gerardo Porión. Asistente de realización: Graciela Valdez. Realización de escenografía: Facundo Guerreschi, Clara Hecker. Diseño de iluminación: Leandra Rodríguez. Fotografía y diseño gráfico: Luz Fiumara. Asistente de dirección: Leandro Fernández. Asistencia de producción: Lorena Rojas. Prensa: TEHAGOLAPRENSA. Producción ejecutiva: Mariano Cossa, Mario Esteban, Gerardo Porión, Sandra Antman, Ema Fernandez Peyla. Dirección general: Mariano Cossa. Pan y Arte Teatro. Estreno: 02/07/2014. Duración: 65′.

1 Fragmento de Fausto. Impresiones del gaucho Anastasio El pollo en la representación de esta opera.

https://www.folkloretradiciones.com.ar/literatura/impresiones%20del%20Gaucho%20Anastasio.pdf “[20/07/2017]

2Según gacetilla de Prensa