Pepa Luna y María Marta Guitart presentan:
Por tu amor me duele el aire
“Poesía española de todos los tiempos, en un concierto a dos voces de música y palabras”
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
El Museo de arte Hispanoamericano, Fernández Blanco es un espacio ideal para poner en palabras y música la poesía andaluza que en el cuerpo y la voz de las dos cantantes y actrices, Pepa Luna y María Marta Guitart, envuelven el ambiente y nos llevan a una dimensión donde la poesía amorosa de todos los tiempos nos atraviesa con su diáspora de ausencias, y su nostalgia de deseos prohibidos. Por tu amor me duele el aire es uno de los versos del poeta granadino, Federico García Lorca, que de noches de pasión y amores contrariados ha dejado un legado maravilloso. Los cuerpos que transitan sus palabras entre otras de autores como Federico León, o Joan Manuel Serrat, son capaces de construir por sí solos un lenguaje que se nutre de ellas, y les da a su vez un territorio para detenerse; necesario complemento para que junto a la melodía de las voces se construya el mapa de las relaciones de amor, el más amplio posible, para todas las identidades, para que cada uno de los espectadores puedan sentir en alguno de los vértices de las historias que son narradas, un eco de memoria propia, una nostalgia que le pertenece. Un piano de cola, un mantón de manila, dos sillas rústicas, típicas de los tablaos andaluces, con su asiento de esparto, pétalos de rosas rojas, el color por antonomasia si de corazones y pasiones hablamos, son la geografía de una enunciación presente que nos trae y nos lleva por los callejones del pasado de los autores y sus momentos grito doloroso, por el deseo que se oculta, por el amor que no fue, por la distancia y el tiempo no compartido con la persona amada. Las canciones ejecutadas a capella, logran un color y una calidez de la voz de las artistas, que embelesa y nos permite transportarnos a donde quieran llevarnos. 
El recorte de la escena no impide que respiremos además ese otro contexto que guarda el espacio del museo, y también son una manera de atravesar los tiempos y los mares, las distancias que nos separan y nos unen, en una misma lengua y una manera de expresar los sentimientos. Las coordenadas espacio-temporales se suspenden y nuestra cotidianeidad parece desvanecerse ante el talento de ambas artistas que le hablan y le cantan al amor y a la vida. Y van engarzando de manera perfecta, espontánea y con gracias, ambos registros. La pasión habita la sala a través de la corporalidad poéticamente femenina que se construye ante nuestra atenta mirada a partir de la musicalidad de la voz -coplas y poesías. Una obra que nos atraviesa y nos conmueve que se presentará con nuevas funciones los domingos de marzo en el mismo sitio.
Verde que te quiero verde.
Verde viento. Verdes ramas.
El barco sobre la mar
y el caballo sobre la montaña.
(Federico García Lorca)
Ficha técnica: Por tu amor me duele el aire idea y puesta en escena: Pepa Luna, María Marta Guitart. Fotografías: Rox Boyer. Asistente de producción: Lucrecia Ávalos. Producción ejecutiva: Nicolás Maffongelli. Museo de Arte Hispanoamericano Fernández Blanco. Estreno: 03/02/2018. Función en marzo: domingo 17 hs.
Azucena Ester Joffe
El amplio espacio escénico mantiene la polifonía del texto, la precisa escenografía da cuenta de cada espacio con muy pocos elementos, mientras la “escurridiza” iluminación de forma parcial -con diferente intensidad y color- nos ancla en algún sitio preciso para que nuestra imaginación pueda resolver los límites edilicios. Al inicio, a través de los videos mapping, la noche nos sorprende -la inmensidad del mar o del bosque y la intimidad que se oculta…- y nos adentramos en la profundidad del mundo onírico que luego, con la luz del día, nos devuelve la monotonía que se pierde en la cotidianidad pueblerina. Por momentos, como en un largo travelling, recorremos a Llareggub sin prisa, con algo de parsimonia y, en otros, recordamos alguna colorida panorámica capturada por nuestra memoria en un viaje cualquiera. Estas potentes imágenes visuales están atravesadas, en un ensamble perfecto, por la excelente música en vivo y los diversos y precisos sonidos. El cuidadoso vestuario termina por cerrar cada historia mínima destacando con simpleza las singularidades. El trabajo actoral no tiene fisuras, por un lado, Luis Campos le otorga la carnadura necesaria a su Capitán Cat y, por otro, el resto del elenco con solvencia escénica se multiplica en otros personajes, ante nuestra atenta mirada, en un devenir de pequeños “retazos”, llenos de amor y desamor, de alegrías y tristezas, de juventud y ocaso,… Del texto primero, el guión radiofónico, se mantiene su matriz y se refuerza esa oralidad desde distintas perspectivas, como un prisma que nos invita a dejarnos llevar por lo onírico y la poesía para transformarnos en voyeuristas en estado de vigilia.
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
Los actores no están atravesados por la emoción sino que son seres vivos representando un papel. Son tan reales como fantasmas, de los cuales nos emocionamos solo por el cuadro que conforman. Como en una pintura. El espacio y la muerte como una niebla que lo cubre todo son también elementos que recuerdan su teatro. La dramaturgia de Ana Rocío Jouli, requiere también una poética actoral que se despoje de todo aquello que no guarde relación con los cuerpos indefinidos de personas, lejos de la construcción de un personaje individualizado. La presencia de la enfermedad, y de aquellos que son los encargados de recuperar la salud, conforman una disciplina de ritual, en la reiteración de gestos y palabras, donde todo está milimetrado por la necesidad de seguir los pasos indicados en una orden médica. La asepsia como una forma de marginalidad, de crueldad disfrazada de caridad. Un espacio con camas, una enfermera de noche que vigila, y al mismo tiempo examina tejidos que ve en una pantalla, un médico, y la poesía como detonante, como exorcismo, como catarsis para un dolor controlado desde la reiteración de piezas como engranajes de un reloj que señala las horas que separan la salud del malestar. El reloj en la pared de fondo guarda relación con el tiempo de enunciación, va marcando el tiempo de la intriga con precisión. 
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
Un espacio en penumbras, recortado por pétalos de rosas rojas, locus donde habitan la mecedora, el escritorio, la lámpara, la silla y el saco de Federico, la canastilla cubierta de encaje donde las cartas serán tomadas una a una; un espacio que nos traslada hacia un pasado que se recrea desde allí, y nos atrapa, desde nos cuesta alejarnos a nuestra realidad, en algunos puntos tan próxima a esa España dividida, entre fascistas y republicanos, entre los defensores del pueblo y aquellos que sólo se irritan por el miedo a perder sus privilegios. Una lucha que no cesa ni hacia atrás en la historia ni hacia adelante en un presente continuum, siempre la misma, siempre arrasando con todo, como el caballo de Atila. Dos géneros el epistolar, y la poesía, aunados en una voz, la de la actriz que deja que surja desde allí el alma de la mujer y de la madre, y la de su hijo en la fuerza de sus versos y de sus convicciones. La potencia actoral de Guitart borra los límites entre realidad y ficción, entre el presente del relato -1936 y la guerra civil española- y nuestro presente, imposible no emocionarte ante tal intensidad dramática. La música en escena es el partener perfecto, aliado incondicional ante el dolor de esta madre que habita el espacio escénico a partir de la textualidad dramática y corporal sumamente poética. Así cada movimiento es una narrativa casi coreográfica que avanza y nos sensibiliza más allá de nuestro cómodo lugar. La 
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
País de la ausencia
Juro que no recuerdo ni su nombre,
Esta admiración por la escritura poética es el punto de encuentro entre dos hombres, dos artistas, y es el centro de la corporalidad que se construye en escena. No es un espectáculo solemne, todo lo contrario, porque no es solemne la poesía de Parra. En el depojado espacio escénico, la palabra se adueña de cada instancia sin perdir permiso – de la penumbra, del silencio respetuoso del espectador y de los intérpretes -Contreras y Penelas- que son 
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
Etéreos en sus movimientos nos develan que la vida es como el teatro un gran ensayo sin red, que nos prepara en el mejor de los casos para cuando nos llegue esa escena final que hará caer el telón. La muerte es la espectadora más fiel de nuestros desvelos para llegar a ese momento único, en el que el protagonismo nos es concedido sin reticencias. El tiempo de la obra es cíclico, como lo es el ciclo de la vida y la muerte, donde el último suspiro será, tal vez, el primero de nuestra próxima oportunidad. En la puesta, la muerte es testigo y a la vez la gran protagonista, en ese juego que se despliega donde la metateatralidad enuncia su juego. La muerte y sus miles de caras diferentes, las mil máscaras de la vida, sus recursos inagotables, su manera cínica de escapar a nuestros deseos, o de cumplirlos, la muerte en escena y la escena de nuestra propia muerte, en la danza infinita del teatro y la representación. La dirección de Gómez Bustamante, creador también de la música para la puesta, y Valente eligió de todos los puntos de vista posibles, aquél que pone en el centro de la atención a la dramaturgia, deteniendo por momentos la tensión dramática, sin embargo, la excelencia de las actuaciones hace que la fragilidad de los cuerpos en escena siga siendo un punto de atracción para el espectador. Esa fragilidad escénica nos permite, siguiendo a Elina Matoso:
No confundir cuerpo con volumen carnoso. No confundir lo humano con amontonamiento de cosa. No confun
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