Independencia de Lee Blessing
Traducción de Cecilia Chiarandini
Lee Blessing escribe Independencia en la década del ’80, y pone en tensión las relaciones entre una madre y sus hijas, conflictos si los hay. Sin quedarse en la superficialidad de la temática, trabaja sobre las elecciones sexuales, la droga y el alcohol, los embarazos no deseados y sus consecuencias, y la soledad de una etapa de la vida, donde el crecimiento de unos se transforma en una situación de abandono para los otros. Sin soluciones a la vista, plantea el problema, y deja correr sus acciones, hasta lo que considera un final esperado; con una lógica causal que lo determina por las malas elecciones que cada uno de los personajes fueron haciendo, en relación a su vida y a la de las demás. La hermana más racional, Kess, es la otra cara de esa madre que todos, incluso ella, admiten que está un poco loca, aunque en realidad lo que tiene es un desequilibrio emocional por la mala relación que entabla con aquellos a los que dice querer. Es también la más fuerte, la que toma las decisiones más difíciles, la que asume responsabilidades, la mayor, la que reemplaza de alguna manera a la figura de una madre ausente / presente, a la vez. Las tres hermanas no son las mujercitas de la novela de Alcott, sino que cada una tiene un destino azaroso, que carga con el karma de haber nacido en un hogar sin deseo maternal alguno. Jo que aparece como la más comprensiva con la situación, es finalmente la que procura el tiro del final cuando decide, seguir su vida lejos y dejar que cada uno madure y asuma sus propias culpas. Nuestro teatro, también viene trabajando esta relación madre / hija, desde hace mucho tiempo, desde Las de Barranco (1908) de Gregorio de Laferrere, hasta una de las más conocidas piezas de Griselda Gambaro, De profesión maternal (1997) En todos los textos, tanto en el de Blessing como en los mencionados, lo que subyace es el concepto de instinto. ¿La maternidad es un deseo, algo propio de la condición femenina o una imposición de la especie a través de la cultura? La puesta que en el espacio de Andamio 90 dirige Jorge Azurmendi, tiene una lectura exacta de la propuesta de Blessing y logra que más allá de todos los giros que abarca la dramaturgia centrar su punto de vista allí, en lo que sería el ojo de la tormenta. Con una escenografía que se expande desde el centro de la sala de la casa, hacia arriba, y hacia los costados, incorporando desde allí la extraescena; barroca en la cantidad de elementos que presenta, como barroca es la forma de ver la vida de ese matriarcado sin asumirse que va construyendo desde las palabras. Dentro de ella, los personajes encuentran la posibilidad de expandir también sus acciones, e ir incorporando de a poco los elementos que los constituyen no solamente desde las palabras. El vestuario colabora con detalles que van construyendo situaciones, los zapatos de taco rojo, la bata roja de la madre, la ropa ajustado de Jo cuando quiere recuperar el amor; al igual que la música original de García Mendy suma a la fluidez de las acciones de los personajes. Las actuaciones tienen muy buenos momentos y otros en los que pareciera ganar una sobredimensión que va en contra de la intensidad de la trama y de la atención del espectador. Mujeres en un mundo de mujeres, que buscan su propio recorrido, y que organizan su vida tras los pasos de aquella que pareciera tener la situación más clara. Sexualidad y amor, como dos cuestiones que también necesitan un diálogo que parece roto, para algunas de las integrantes de una familia que carece de una figura masculina fuerte, y que la busca como puede fuera y dentro de sí misma. El dramaturgo lejos de pensar a la femineidad como una posibilidad autónoma de esa figura, centra la problemática en las idas y vueltas que su presencia o su ausencia produce en ellas. El hombre como una sombra fuera de las paredes de la casa, en la memoria de la madre, en el presente de esa hija mayor que tanto se lo recuerda. Una puesta fuerte, que plantea una temática que nos persigue, en una búsqueda incesante de construir una familia con otros parámetros que los conocidos, que aquellos que ya no consiguen fortalecer los vínculos del amor. 
Ficha técnica: Independencia de Lee Blessing. Traducción: Cecilia Chiarandini. Actúan: Cecilia Chiarandini, Lucía Di Carlo, Cristina Dramasino, Anahí Gadda. Asistente de dirección: Jennifer Aguirre. Música original: Gustavo García Mendy. Diseño de Escenografía y Vestuario: Micaela Sleigh. Iluminación: Germán Giacalone. Diseño gráfico y Fotografía: fuentes2fernandez Fotografía: Fotografía y video de escenas: Vicky Depheo. Asesor coreográfico: Rodolfo Opazo. Asesoramiento en Maquillaje: Julia Giorgio. Prensa: Silvina Pizarro. Dirección: Jorge Azurmendi. Andamio 90. Segunda Temporada.
Comedia dramática sobre la locura y el amor
Una experiencia distinta con música de Queen
Un drama atempor
Ficha técnica: 
María de los Ángeles Sanz
Como los monitos de la prudencia: no ver, no hablar, no oír, para no pensar. No decir, no creer, no oír demasiado, no ver lo inconveniente, y sobre todo no compartir la vida hacia afuera, hacia el espacio de una solidaridad que nos ayudaría a enfrentar el terror. Fragmentada en secuencias que mantienen su unidad interna, su lógica casual, los personajes se mueven en el mini espacio que construye su continente temporal, y la escenografía acompaña con su funcionalidad el desarrollo de las acciones. Un vestuario temporal, que nos sitúa en la década del setenta, y una mascarada general que con sus calaveras nos recibe en la sala; metáfora de la muerte que ronda a todos y cada uno de los protagonistas de las historias, conscientes de ello, o ignorantes de los riesgos que corren. La frase de que se reitera cada tanto, cincuenta centavos en la ranura, recuerda a los versos de González Tuñón, “si quiere ver la vida color de rosa / eche 20 centavos en la ranura”, manera sencilla de mirar para otro lado, de huir de la realidad; la de la crisis del ’30, el golpe de Uriburu y el avance del fascismo, y la de ahora, que nos promete tranquilidad y seguridad en tanto sepamos ser buenos ciudadanos, es decir, mientras aceptemos los hechos sin protestas. La obra tiene la versión y la dirección de Daniela Catz y un grupo de talentosos actores y actrices, que provocan nuestras emociones, y nos interpelan en nuestra identidad de clase. Esa clase media, que no se anima a asumirse en sus aciertos y errores, y que en esa medianía siempre es caldo de cultivo a la complicidad. 
El deseo, como motor afirma el dramaturgo, para seguir adelante, es aquello que una vez conseguido parece insuficiente, y la falta de logro nos lleva a seguir en una búsqueda hasta el final. Cuando este se pierde, comienza el triste recorrido de la enfermedad, la depresión, la muerte como salida. Podemos decir que el texto es ambicioso en su necesidad de expresión, y abarca demasiados temas que buscan su profundidad, por eso, se extiende en tiempo, que podría de ser más recortado, para lograr una mayor tensión dramática. Sobre todo al principio, en la presentación de los monólogos. Las actuaciones si bien no tienen el mismo ritmo a lo largo de la puesta, obtienen muchas veces situaciones interesantes al incorporar al cuerpo el espesor de la palabra, cuando son las acciones las que llevan adelante el discurso. El vestuario arbitrario del principio, se va amoldando a las circunstancias que se narran, de esta manera construyen junto a las palabras un discurso realista que contiene una lógica causal, aunque su temporalidad este alterada por una vuelta hacia el pasado. La música original de Dolara acompaña los climas que se producen en escena. Situaciones personales, privadas que sin embargo nos hablan de un contexto que nos abarca, que nos permite adentrarnos en aguas más profundas, donde muere la apariencia, cae la máscara, y por fin el espejo nos devuelve nuestra propia mirada. 
Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
Porque como clase media seguimos la zanahoria de lo foráneo como mejor para la vida, venga de donde venga, sin indagar en nosotros mismos y que es lo que necesitamos para crecer. Formas de pensamiento que asimilamos como propias, mientras dejamos de lado nuestra manera, la ignoramos porque no queremos vernos. Formas de pensar impuestas, desde la estructura corporal que está de moda en los grandes centros del norte, hasta el sentido de la comida, o como debemos cuidar el cuerpo y nuestra salud. La enfermedad como una peste que debe ser ocultada también, y vestida de desenfreno de juventud permanente para negar lo inevitable, que en algún momento se nos acaban las pilas. La alegría es eso que se da en la superficie de nuestras acciones, en el vértigo de una vida hecha para no pensar demasiado en lo que nos duele. Una escenografía funcional: una heladera, un sillón, una mesa, un microondas, pero que también cumplen otras tareas. Una disposición en diagonal que permite los desplazamientos, la música que distiende y enfoca las miradas en los cuerpos que se expresan. Los cuerpos, territorios, mapas donde construir un relato que las palabras no alcanzan a expresar, y que los cuerpos si desde un lenguaje que va desde la sexualidad hasta la enfermedad, síntoma y signo de una necesidad siempre presente, la del amor, la ternura y la escucha atenta que permite por fin conocernos en el otro. 
El teatro siempre presente en los gestos de solidaridad, lo hizo nuevamente, y el grupo ante un numeroso público que se reunió con motivos varios, ver la representación y apoyar la lucha, dio una clase de teatro callejero, en la movilización que tuvo de los participantes por el espacio, de cómo aprovecho los recursos escénicos que el lugar proporcionaba, de la ductilidad para los cambios, y en la elección de una obra como la de Cristina Escofet y Héctor Alvarellos, que pone en abismo el relato conocido, y le da a cada uno el lugar que le corresponde. 
En esta oportunidad, el grupo de teatro callejero
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